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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos! Compra libros de cine y artes escénicas online. En esta sección disponemos de una gran selección de libros de cine y artes escénicas en distintos formatos (tapa dura y tapa blanda) y en múltiples idiomas (castellano, catalán, francés e inglés). Encontrarás las mejores lecturas sobre cine, teatro, circo, series y películas de distintos géneros, conocidos directores cinematográficos, actores y actrices, personajes de ciencia ficción, entre muchos otros temas.
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Los textos reunidos en este volumen presentan una manera de ''pensar el cine'' en plena efervescencia de la reflexión sobre el poder de la imagen cinematográfica (1970-1985). De tal forma que el lector entrará en contacto con las ideas con las que un teórico de la talla de Noël Burch afronta los grandes problemas que condicionan el acceso por parte del espectador a esos objetos que denominamos películas. Partiendo de un ''formalismo'' rápidamente enriquecido por una atención maniática al sentido de los films, combinando los acercamientos a cinematografías geográficamente lejanas con obras distantes en el tiempo, Burch dicta en ''Itinerarios'' una lección que conserva toda su relevancia en nuestros días. Nos ofrece un instrumental analítico para poder ejercer una crítica sustantiva de las imágenes que han configurado el imaginario de tantas generaciones, siempre inspirado por una voluntad de ''entender'' más allá de los tópicos banales y las apariencias engañosas.
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'Escenas de cine mudo'' reconstruye, a partir de recuerdos y de evocaciones, el personalísimo mundo de infancia de su narrador. Un conjunto de cuadros a partir de los cuales, como si se tratara de un montaje cinematográfico, se nos presentan los restos fragmentarios de una realidad que fue o que podría haber sido, y que todavía puede revivirse imaginaria o literariamente.
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Este libro estudia cómo ha sido la relación entre el cine y el rock a lo largo de la historia a través de un puñado de buenaspelículas. Está estructurado de manera muy hábil por Jordi Picatoste, no solo un experto cinematográfico sino tambiénun gran aficionado al rock y a la música popular que ha sabido construir una obra con los mimbres necesarios para serun más que probable referente del género. Por estas páginas aparecen desde grandes clásicos como El rock de la cárcelo Quadrophenia a films que se han convertido, con el tiempo, en un icono cultural para varias generaciones, como ¡Quénoche la de aquel día! o American Graffiti. Una obra de referencia para aquellos aficionados al género que no olvidani los grandes documentales ni las bandas sonoras que han marcado un hito en la historia del cine, en definitiva, unapasionante recorrido por medio siglo de imágenes y música.
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X-Men: el arte y la creación de la serie de animación lleva a los fanáticos de los superhéroes a descubrir las bases que asentaron la creación de adaptaciones de Marvel Comics. Las entrevistas con escritores, productores, ejecutivos y artistas de la serie revelan el camino recorrido por Marvel y Fox para llevar a los X-Men a la televisión, y detallan las decisiones difíciles, los compromisos y las soluciones brillantes que resultaron en una serie que ha sido elogiado por críticos y fanáticos durante casi tres décadas. A lo largo del camino, los lectores encontrarán cómics e iconos del entretenimiento como Stan Lee, Avi Arad y Haim Saban. Este libro brinda una descripción de primera mano de lo que es desarrollar, lanzar, diseñar, escribir, dibujar, dirigir y producir una serie animada.
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Cuando le preguntaron a Jean-Luc Godard por qué sus Histoire(s) du cinéma tenían cuatro capítulos divididos en dos partes en lugar de ocho, respondió: ``Porque cuatro paredes tiene una casa``. Los autores del diálogo que conforma Conversaciones sobre cine. Del hogar a la intemperie se preguntan por qué John Ford expulsó a su héroe desde la puerta que Griffith dejó abierta a su regreso, por qué Nicholas Ray afirmó que no se podía volver a casa y Abbas Kiarostami se afanó en buscar la del amigo, por qué Pedro Costa...
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El cinema de Pere Portabella és indissociable de l'art i de la política. Són disciplines que es conjuguen i retroalimenten des d'una actitud comuna: impugnar les normes, les socials però també les estètiques. Aquest és justament el títol d'un volum que reuneix desenes de textos escrits per l'autor durant seixanta anys, des dels seus inicis com a productor fins a l'actualitat. Inclouen articles en diaris i revistes, presentacions dels seus films, pròlegs de llibres i catàlegs d'exposicions, conferències, així com algunes de les seves intervencions com a senador o diputat durant les primeres legislatures de la democràcia. Igual que el cineasta s'ha preocupat per preservar la seva obra per garantir-ne la difusión pública, ara és l'hora dels seus escrits. En l'edició prologada i anotada per Esteve Riambau, els textos s'articulen en tres grans blocs: l'oposició al franquisme, els primers anys de la democràcia i el retorn al cinema a partir de Pont de Varsòvia, sense oblidar una especial atenció vers el paper de la cultura a Europa. Sense mai separar l'art i la política del cinema, sorgeixen sinergies i confrontacions que ofereixen un retrat molt fidedigne del pensament de Portabella, a la vegada sustentat sobre interaccions amb personatges tan il·lustres com Luis Buñuel, Josep Tarradellas, Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan Miró o Carles Santos.
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Uno de los profesores de cine con más prestigio en Estados Unidos ofrece el curso definitivo de la A a la Z sobre las complejidades del cine. A petición de sus alumnos, el autor condensa en pocas líneas y de modo gráfico sus mejores clases, que han inspirado a numerosas generaciones de grandes cineastas y escritores de Hollywood. Examina los patrones que convierten las películas en populares y memorables, y logra un libro útil tanto para quienes hacen películas como para los que solo pretenden entenderlas mejor. Es ya un clásico en la literatura sobre cine.
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La feliz recuperación de la obra dispersa de Paulino Viota, inaugurada en 2017 con La herencia del cine, dejó pendientes muchos textos valiosos que desde principios de los noventa del pasado siglo marcaron la gradual transformación del director de la mítica Contactos (1970), el cineasta del «ansia intacta y la esperanza extinta», en uno de los mejores docentes y teóricos que ha tenido España en lo que a los estudios cinematográficos se refiere, como demuestran los esclarecedores acercamientos que aquí dedica a autores tan queridos como Erice, Sternberg, Buñuel, Debord y García Pelayo, sin olvidar otros consagrados a sus irrenunciables Ford, Godard y Fellini. A cargo de José Luis Pérez Trespalacios, vivo ejemplo de la sólida comunidad cinéfila que Viota, con su generoso activismo intelectual, ha contribuido a conformar en su Santander natal, la edición de La familia del cine rescata asimismo artículos fundamentales para nuestra ensayística, piezas maestras inigualadas como «Contar hasta cero (El Quousque tandem…,! y el cine)» (2011), una apasionante relectura de la historia del cine a la luz del pensamiento estético de Oteiza en la que actualizó y perfiló de manera definitiva las ideas sobre formalismo e informalismo que cuarenta años atrás habían inspirado su práctica fílmica y por entonces cimentaban su acercamiento teórico al cine, arte tanto de estructuras y concordancias como de gestos expresivos y encabalgamientos espaciotemporales. A estas características ontológicas destina Viota otro inolvidable escrito aquí recogido, «Las rimas del tiempo» (1990): carambolas de imágenes, vertiginoso recuento de correspondencias entre realidad y ficción a partir del reestreno de La Marsellesa de Renoir en 1967, película donde todos los tiempos parecen amalgamarse dentro de una actualidad atravesada por esquirlas de pasado (la Revolución soviética tal y como la recreara Eisenstein), presente (la Guerra Civil española contemporánea al rodaje) y futuro (las movilizaciones de Mayo de 68 y de la cultura hippie).
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Los archivos personales de José Luis Borau, verdadera ``gruta del tesoro``, develan numerosos hallazgos decisivos para la cultura española de la segunda mitad del siglo XX y la primera década del XXI: documentos sobre la relevante movilización de Hollywood en solidaridad con la República durante la Guerra Civil, cartas inéditas de Edgar Neville, el desconocido diario de Borau sobre su viaje de costa a costa de los Estados Unidos, varios guiones completos no filmados (entre ellos, algunas de sus creaciones más íntimas y audaces), numerosos argumentos y sinopsis de películas que no llegaron a ver la luz (incluidos sus insólitos proyectos nada menos que con Luis Buñuel, Mickey Rooney, Mario Moreno, ``Cantinflas``, e Imperio Argentina, mucho antes de filmar Tata mía con esta última), ambiciosas investigaciones historiográficas de enorme envergadura (su extensa y profunda investigación para hacer el inventario y la catalogación de ``todo`` el exilio cinematográfico español tras la derrota republicana en la Guerra Civil), insólitos proyectos de producción, fracasadas aventuras editoriales, relatos literarios no concluidos. Sacar a la luz todos estos proyectos inconclusos permite reconstruir la voz oculta del cineasta y recuperar en toda su dimensión la obra de un verdadero gigante el cine y de la cultura española.
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¿Te has preguntado por qué si te muerde un muerto viviente se te pudre la carne nada más convertirte en uno, cuando en los cadáveres puede tardar en suceder eso varios días? ¿O la razón de qué el ejército tenga listos efectivos para llegar enseguida a las zonas afectadas cuando estalla una epidemia zombie? ¿O por quélas bandas de moteros siempre actúan como si fueranun pelotón organizado, como si dedicaran su tiempo libre a entrenarse en lugar de a colocarse? Todas estaspreguntas te van a surgir si lees este volumen, queno te las responde, pero recorre exhaustivamente la historia del subgénero, desde su nacimiento con ''Yo anduve con un zombie'', hasta ''Zombieland: Mata y remata'', pasando por supuesto con el film más importante, ''La noche de los muertos vivientes''. Este tipo de seres forman parte de la cultura popular, y aunquese han extendido primero a través del cine, en la actualidad aparecen en novelas, cómics, parques de atracciones, temas musicales y hasta en el cromo que te sale en el pastelito que llevas para el recreo.
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Casi las mismas décadas de insumisión y rebeldía que ha protagonizado Godard con su vida y obra lleva Paulino Viota estudiando ambas, desde el apasionamiento cinéfilo y la devoción inteligente que siente por ''el cineasta con mayor riqueza estructural de la historial del cine''. Dividido en dos grandes bloques, este ensayo magistral --y ya definitivo tras la reciente desaparición del cineasta-- pone en perspectiva todas las etapas de su mítica carrera, que arranca con la irreverente modernidad de los años 60, atraviesa la militancia política y el utópico deseo de fusión en lo colectivo, y desemboca, rayando el nuevo milenio y como colofón a una duradera y profunda reflexión sobre la mediación tecnológica, en ese estilo inimitable donde lo poético acontece como posibilidad de una simultaneidad inédita entre imágenes y sonidos, materiales ya convertidos en ''formas que piensan'' la historia del cine y la del siglo XX, como ejemplifica a la perfección una de sus cimas, ''Histoire(s) du cinéma''. Sin obviar los títulos más emblemáticos del cineasta francés, Viota ha decidido aquí desentrañar especialmente el ''milagro laico'' del último Godard, el de algunas de las películas (Notre musique, Film socialisme, Adieu au langage y Le Livre d'image, es decir, las que apenas se estrenaban y comentaban entre nosotros) que más han cuestionado el rutinario estatuto del espectador audiovisual, atendiendo a cómo lo en principio ininteligible no se encuentra reñido con la reflexión y la emoción, sino que, más bien, el desmantelamiento crítico y la puesta en cuestión de los lugares comunes de la representación pueden añadir un potencial suplementario de afecto y misterio a las realizaciones del arte. El libro se cierra (para en cierta medida volverse a abrir) con un antológico artículo largo, «Godard infiel», sobre la trascendencia que la sexualidad -a partir de sus relaciones con Karina, Wiazemsky, Miéville, Roussel...- ha podido tener en su filmografía, un sugerente colofón que no es sino otra manera de repasar vida y obra -inmediatez y artificio, continuidad y variación-, factores inextricablemente relacionados en uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo.
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¿Existe realmente un humor español? ¿Y catalán o andaluz? ¿Es verdad que los mismos chistes de Lepe se cuentan también en Inglaterra, Francia, Estados Unidos…,? ¿Se puede derrocar a un Gobierno con los chistes? ¿Cuáles son los límites de la libertad de expresión en la comedia?El gran libro del humor español se propone resolver estas y otras muchas preguntas ofreciendo un amplio, documentado y a menudo desternillante recorrido por los últimos cien años de comedia hecha en España, buscando lo que une a Jardiel Poncela, Mortadelo y Filemón, La Codorniz o Capri con Miguel Noguera, los Chanantes, Pepe Rubianes o El Jueves…, En suma, lúcidas y divertidas conexiones con la historia del absurdo, de la chapuza, la parodia, el humor político o incluso la revolución de las redes sociales en la comedia. Analizar los mecanismos del humor, que son universales, y detenerse en algunas diferencias, que son superficiales, nos ayuda a explicar y a entender nuestra historia y la sociedad en la que vivimos.Jaime Rubio Hancock, periodista especializado en humor, filosofía y redes sociales, logra evitar con un tono ameno y riguroso, pero alejado del academicismo, el riesgo del que ya advirtiera E. B. White: «Analizar el humor es como diseccionar una rana. Hay poca gente interesada y la rana acaba muerta».
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La comedia de situación es el formato cómico por excelencia en la ficción televisiva anglosajona debido aque su estructura no ha cambiado apenas nada desde sucreación en los años cincuenta. Con este formato hemosdisfrutado de grandes series como Cheers, Frasier,Seinfeld, Friends o The Big Bang Theory. Pero, a finales del siglo pasado fue emergiendo poco a poco unacomedia diferente, tanto en el fondo como en la forma, una comedia que, obviando las reglas clásicas y enfrentando temas novedosos, ha producido una revoluciónen el humor televisivo. The Office, Community, Girls, Atlanta, Veep, Orange Is the New Black, Transparent, Master of None o Fleabag son algunas de las nuevasy revolucionarias series. El libro es un repaso por la historia de las sitcoms y un análisis de las seriesmás destacadas, para identificar las diferencias entre losdos formatos y conocer mejor los cambios que ha sufrido la ficción cómica en los últimos años.
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Ya sea con vampiros, fantasmas, hombres lobo, científicos locos, satanistas o psicópatas asesinos en serie, la liberación catártica que supone dar rienda suelta a una de nuestras emociones más primarias como es el miedo ha estado presente en nuestra cultura desde Shakespeare hasta los memes de internet. Este libroexamina los rostros cambiantes del género hasta hoyy cómo se ha utilizado el horror para articular los temores y tabúes de cada generación.
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Entre tus manos sostienes una colección de artefactos que representan momentos de la historia de la Orden Jedi tal como la conocemos, desde los días de la Alta República, hasta la oscuridad de la guerra entre la Primera Orden y la Resistencia. Los Caballeros Jedi han jurado proteger la luz, accediendo a la Fuerza, con el fin de defender a los inocentes y castigar la maldad en la galaxia. La Fuerza fluye a través de estos artefactos. Pero también fluye a través de ti. Como verás, algunos de estos objetos te ayudarán a recorrer la senda de los Jedi. Encontrarás sensatas frases de los legendarios Jedi e información sobre el combate con sables de luz. Además, aprenderás sobre un caza estelar de la Alta República, e incluso podrás diseñar tu propio sable de luz.Muchos de los otros artefactos que encontrarás aquí son objetos y obras de arte que conmemoran el legado de los más grandes Jedi, como Obi-Wan Kenobi, Ahsoka Tano, Luke Skywalker y Rey. Este volumen da testimonio de la Orden Jedi. Que protejas bien estos artefactos, y que sirvan como un recordatorio de que la Fuerza está contigo, siempre.
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Hollywood es glamour: alfombras rojas, grandes marquesinas, entregas de premios, estudios cinematográficos tan grandes como ciudades, estrellas que se convierten en leyendas, y un universo de películas eternas. Pero también es el escenario de historias trágicas, truculentas, de ritos y maldiciones, de crímenes sanguinarios y suicidios inesperados. Desde Rodolfo Valentino hasta los Power Rangers y Glee, pasando por James Dean, Sharon Tate, Marilyn Monroe, Bruce y Brandon Lee, la maldición de los Superman, las muertes dudosas de Poltergeist o las difíciles vidas de los protagonistas de Blanco y negro, este libro explora algunos de los personajes y hechos que forman parte del lado más tétrico de''la Meca del cine'', un lugar en el que la ficción más horrible parece cosa de niños en comparación con la cruda realidad.
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El gran homenaje al cineasta más famoso de todos los tiempos.Las películas de Spielberg son célebres y han cautivado a millones de espectadores por la forma en que combinan el aspecto comercial con la profundidad creativa del director. A menudo sus filmes ocultan un cierto trasfondo oscuro que se complementa con su maestría para entrelazar historias extraordinarias con los aspectos más mundanos de la vida. Y esque hasta Indiana Jones tiene un lado vulnerable y humano. La inmensa trayectoria de Steven Spielberg está repleta de grandes colaboraciones: desde George Lucas hasta John Williams, pasando por una infinidad de auténticas leyendas del cine en cada una de las fases de realización de sus películas. Nombres que lo han acompañado fielmente a lo largo de, por ejemplo, la accidentada producción de Tiburón, el éxito revolucionario de Parque Jurásico o las conmovedoras narraciones de La lista de Schindler o Salvar al soldado Ryan. A pesar de sus grandes éxitos profesionales como E.T., el extraterrestre, Encuentros en la tercera fase, El color púrpura, Minority Report o la impresionante saga de Parque jurásico, sus inolvidables películas reflejan una constante búsqueda personal de aprobación, tanto por parte de su entorno, como también de sus colegas. Y es que para entender su trabajo debemos ver más allá de la superficie de sus narraciones y comprender de dónde vienen sus fuentes de inspiración, sus interpretaciones llenas de matices y las temáticas recurrentes de su filmografía. El reconocido periodista cinematográfico Ian Nathan recorre con gran destreza y detalle la monumental trayectoria de Spielberg, destacando por encima de todo sus inmensas cualidades artísticas atemporales y revela las múltiples e intrincadas capas de su extraordinaria filmografía.
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El homenaje oficial al personaje más conocido y querido de Disney.«Solo espero que nunca perdamos de vista una cosa: que todo esto lo empezó un ratón.»Walt Disney Tras sus modestos inicios en 1928, este ratón creado por Walt Disney se ha convertido en uno de los personajes más conocidos y queridos. Descubre los dibujos, acetatos y obras de arte de la original exposición Mickey Mouse: From Walt to the World de The Walt Disney Family Museum. El diseño de Mickey. Muestra cómo Walt creó y perfeccionó a su famoso ratón, y repasa el trabajo de otros artistas que construyeron Disney, como Ub Iwerks y Fred Moore. Mickey en el cine. Explora su dilatada carrera cinematográfica desde sus humildes inicios en Barco de vapor Willie (1928) hasta la gran obra de arte que es Fantasía (1940) y muchas otras películas, tanto cortometrajes clásicos como tesoros olvidados. Mickey en los cómics. Ilustra el trabajo de Walt para llevar a Mickey de la gran pantalla a los periódicos con la ayuda de Ub Iwerks y las tiras cómicas que se publicaron en todo el mundo. El merchandise de Mickey. Presenta las muchas reproducciones del personaje por todo el mundo como muñeco de trapo o figurita, en relojes de pulsera, platos, pañuelos y mucho más. Mickey en el arte. Ofrece una muestra de las obras de arte creadas por artistas de la talla de Andy Warhol y Damien Hirst, además de nuevas obras de la ilustradora de Disney Lorelay Bové y el muralista de San Francisco Sirron Norris, e ilustra cómo estos artistas y otros han intentado retratar a Mickey, ese símbolo íntegro de la felicidad y la nostalgia, inseparable del espíritu estadounidense, el ingenio y el éxito.
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Un ensayo sobre los viajes temporales más populares.Los viajes en el tiempo siempre nos han fascinado. Todos nos hemos imaginado realizando uno para poder cambiar los acontecimientos de nuestra vida. Con un análisis de La máquina del tiempo de H.G. Wells y la película que la adaptó, El tiempo en sus manos, como piedra angular, en este ensayo encontrarás variados viajes en el tiempo en el cine, la literatura, los cómics y muchos otros ámbitos. Llegando también a las teorías de los más afamados científicos o las leyendas urbanas más populares. Adéntrate con este libro en un universo infinito y sorprendente de viajes temporales de todo tipo
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Pensado para que el guionista lo tenga siempre a mano, El estándar de Hollywood proporciona mucho más que el mejor software de guiones: instrucciones claras y cientos de ejemplos para resolver todo interrogante sobre el formato: - cuándo es apropiado un nuevo encabezamiento de plano y cuándo no, - cómo dar formato a los encabezamientos de plano, diálogos, indicaciones de dirección y transiciones, - cómo controlar el ritmo con el formato, - cómo hacer que una página de guion resulte visualmente atractiva para el lector, - qué poner en mayúsculas y por qué, - cómo entrar y salir de una toma PDV, - cómo manejar los mensajes de texto y las reuniones Zoom, - cómo los guionistas más innovadores de Hollywood están ampliando los límites del formato, - cómo el formato para animación difiere de los formatos de acción real... En pocas palabras, Riley sabe más que nadie en Hollywood sobre el formato de guiones y lo comparte todo en esta guía indispensable.
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David Cronenberg siempre quiso ser escritor. Su deseo de escribir, aplazado en varios momentos de su vida por diversos motivos, regresaba una y otra vez. Su necesidad de narrar(se) a través de la palabra escrita, su admiración por los novelistas de ciencia ficción, la devoción por Nabokov, Kafka y Burroughs.
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El cine de Eloy de la Iglesia, el director maldito del cine español, revisado en un ensayo colectivo que repasa también las claves del género quinqui.Eloy de la Iglesia. El placer oculto del cine español nos aproxima a la trayectoria, vibrante y compleja, de uno de los directores más importantes de la Transición, responsable de títulos tan populares como El techo de cristal, La semana del asesino, El diputado, El pico o La estanquera de Vallecas. Mirado con desdén por la crítica de la época, que no le perdonó su ambición comercial, y reivindicado por las nuevas generaciones, la figura de Eloy de la Iglesia es fundamental para acercarnos a una de las etapas más convulsas de nuestra historia reciente.Este ensayo colectivo, coordinado por Carlos Barea, profundiza en los distintos aspectos que confluyen en las películas del cineasta vasco, donde la voluntad de provocación y el erotismo más crudo conviven con la intención de mostrar de manera realista los vaivenes políticos y las transformaciones sociales. Por su extensa filmografía desfilaron las estrellas del momento (Carmen Sevilla, Amparo Muñoz, Simón Andreu, Vicente Parra o José Sacristán, entre otros) y nuevos talentos sin experiencia ante la cámara (como José Luis Manzano, su actor fetiche).Homosexual y comunista, Eloy de la Iglesia contribuyó decisivamente a retratar las luces y, sobre todo, las sombras de un país que despertaba a la democracia pero que daba la espalda a una parte de la población. Entre los marginados se hallaban los denominados quinquis, que dieron nombre al exitoso subgénero cinematográfico, o los integrantes del colectivo LGTB, a quienes dotó de una voz hasta entonces silenciada.
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El cine y la arquitectura comparten una historia de encuentros. Ya desde sus inicios, el séptimo arte ha necesitado de la arquitectura, del marco construido, como telón de fondo de las acciones desarrolladas en la pantalla. El cine, por su parte, ha permitido establecer una mirada diferente sobre el territorio que los hombres habitamos, una mirada subjetiva, intencionada y distante. El presente diccionario aborda la posibilidad de diseccionar intencionadamente el campo de coincidencias visuales y operativas entre el trabajo del cineasta y del arquitecto a partir de un posible conjunto de términos comunes. La propia enunciación de los mismos, en absoluto entendidos como entidades cerradas, habla de la posibilidad de innumerables relaciones cruzadas, algunas de ellas contenidas en sus páginas, otras por descubrir. Cada una de las voces del diccionario se puede leer como un pequeño ensayo en sí mismo. Desde este punto de vista, su redacción obedece tanto al intento de desarrollar aquellos aspectos que los autores consideran más cercanos a sus propias sensibilidades e inquietudes como, a su vez, a la intención de que se postule como una guía para orientar posibles futuras investigaciones a partir de cualquiera de las entradas que constituyen su índice. Escrito a cuatro manos por dos arquitectos, la que se despliega es, obviamente, la mirada del arquitecto.
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¡Prepárate para explorar el legendario mundo del vaquero estadounidense! Este libro profundiza en la evolución del vaquero, desde un trabajador ranchero hasta convertirse en una figura folclórica icónica que cautivó a la nación. Recorre la historia del Viejo Oeste, desde los primeros exploradores hasta el surgimiento de los ranchos de Texas y la vibrante economía de las Grandes Llanuras. Conoce a personajes más grandes que la vida, como forajidos, hombres de la ley y vaqueros, y descubre cómo el legado del vaquero perdura en la cultura moderna, influyendo en el cine, el arte, la literatura, la música y la moda en América y el mundo.
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Cine y capitalismo es un análisis riguroso sobre cómo se representa el sistema económico de empresa privada y mercado libre en las películas de cine comercial, así como sus implicaciones ideológicas, políticas, culturales, etc. Por consiguiente, el libro repasa de forma ilustrativa la representación de la figura del empresario, las trayectorias vitales desde la pobreza a la riqueza, el poder de las empresas sobre la sociedad, las consecuencias del liberalismo, etc. En este sentido, la propuesta rellena un hueco en el mercado editorial hispanoparlante, ya que supone una propuesta que se suma a los libros que estudian el cine desde diversos puntos de vista, aportando una mirada innovadora.
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DESCUBRE GRANDES UNIVERSOS IMAGINARIOS DE LA MANO DE AUTORES CONSAGRADOSLa fantasía épica engancha, ¿verdad? Quien más quien menos se ha sentido atrapado en algún momento de su vida por alguna saga interminable repleta de señores oscuros, magos barbudos, espadas mágicas, duendes, quimeras o elfos.El éxito de dos nuevas superproducciones televisivas basadas en sagas literarias —“La casa del dragón”, precuela de “Juego de tronos”, y “Los anillos de poder”, precuela de “El señor de los anillos”— hacen de este un momento ideal para publicar un libro que dé un repaso al género narrativo que lleva un siglo arrasando.Historias apasionantes en las que el mal se enfrenta al bien encarnado en sus más diferentes valores: la valentía, el honor o la honradez, aderezado siempre con un tono de épica. Y que el autor de este libro ha sintetizado con manos expertas y mucho conocimiento para hacer de ello un compendio de lo más granado del mundo de la literatura, el cine, el cómic o los videojuegos.
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Si estas memorias resultan singulares es porque las escritas por directores de cine escasean en todo el mundo. Pero también son peculiares porque Alfonso Ungría lo es dentro de su oficio. Un autor cuya obra muchos celebran como ''coherente'', quizá porque ha conservado siempre la libertad artística frente a las habituales normas comerciales. Son además un claro testimonio, que el autor relata como protagonista y como testigo, de dos etapas significativas: el franquismo y la larga Transición, mostrando las sucesivas transformaciones del cine español, su financiación, el papel de sus productores y de las ''majors'' USA, las leyes ministeriales, los festivales, TVE, etc. Unos cambios vividos a través de una filmografía construida tras muchas batallas y fracasos. Y es que, a menudo, las peripecias para conseguir hacer un film o salvarlo de recortes o censura son el relato de una aventura, repleta de suspense e incidentes, que nos fascina a todos (seamos cineastas o espectadores).
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Entre los más felices recuerdos que las retinas de nuestra memoria guardan de la gran pantalla, muchos pertenecen al género musical. La alegría que sentimos viendo a Gene Kelly y su sonrisa infinita saltando entre esos charcos bajo una copiosa lluvia, la viva emoción que nos invade al contemplar el baile de Cyd Charisse y Fred Astaire en aquel Hyde Park nocturno con los rascacielos al fondo en The Band Wagon, el eléctrico y sensual garaje de West Side Story o el multitudinario baile de los conductores retenidos en la autovía al inicio de La La Land, son a la par, fuentes de placer y belleza. El género musical es, en muchos sentidos, la quintaesencia del cine. Este libro ofrece un recorrido distendido y, a veces, irreverente, por la historia del género, plagado de anécdotas curiosas, datos insospechados y descubrimientos sorprendentes, acompañados de numerosas y hermosas fotografías de los films.
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Actualizado por el autor para la edición española, el presente atlas ofrece un panorama completo, detallado (con más de 10.000 referencias) y profusamente ilustrado (más de 250 tablas en color) de toda la historia del cine, desde sus comienzos a finales del siglo XIX hasta los inicios del presente. Tras un examen general de la situación de los diez últimos decenios, que recoge los principales descubrimientos tecnológicos, las escuelas (expresionismo, nueva ola, cine experimental...), corrientes y tendencias que han acompasado su evolución, cada cinematografía nacional se desarrolla siguiendo un discurso cronológico que tiene en cuenta el contexto, sociopolítico, económico y cultural. Un índice temático de las tablas ofrece útiles indicaciones y la posibilidad de leer la obra sólo a partir de la imagen. Por último, una bibliografía, un índice onomástico y uno de títulos complementan este Atlas que se dirige tanto a un neófito como a un cinéfilo experimentado.
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En este libro sobre montaje y narrativa cinematográfica encontrarás un montón de consejos y secretos sobre la industria audiovisual.
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El western producido en Hollywood a lo largo de las tres décadas comprendidas entre 1962 y 1992 constituye un bloque apasionante y muy peculiar en la historia del cine estadounidense. Sendas películas relevantes entrañan su proemio y epílogo respectivos: Duelo en la Alta Sierra (Sam Peckinpah, 1962) y Sin perdón (Clint Eastwood, 1992). La primera tiende un puente entre el clasicismo moribundo y su reinterpretación crepuscular, de forma inconsciente, y la última encierra, de modo consciente, la despedida al género de uno de los cineastas emblemáticos de estos decenios (en su triple función de actor, director y productor).
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En esta larga e íntima conversación entre Alejandro Amenábar y el periodista Antonio Lucas, el cineasta desgrana los momentos más importantes de su vida. En este documento habla del origen infantil de su pasión por las películas de terror y suspense, así como el gusto por escribir y dibujar historias. Su primer largometraje, ''Tesis'' ( 1996), ganó siete premios Goya y le catapultó a la fama con solo 21 años, hasta convertirse hoy, seis películas después, en uno de nuestros directores más internacionales. Nunca le ha gustado hablar de si mismo, pero en esta íntima conversación con el periodista Antonio Lucas comparte su experiencia vital y profesional, sus orígenes, sus dudas y sus miedos, así como sus reflexiones sobre el éxito, el fracaso, la vejez, la muerte, la amistad, el amor y, por supuesto, el cine.
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Este libro es una compilación de textos del escritor y cineasta Manuel Gutiérrez Aragón, un hombre siempre renuente a hablar de sí o de sus películas y novelas. De hecho, en esta treintena de piezas de distinto tamaño y pretensiones no hay más de media docena donde realmente hable de su carrera de cinco décadas filmando o escribiendo. Pero, en realidad, el lector no debe preocuparse, porque si se trata de conocer la identidad creadora, el mundo de ideas, recuerdos, valores u obsesiones del artista, ello emerge tanto cuando los textos tratan sobre sí como cuando se refieren a otros. Cronológicamente, Manuel Gutiérrez Aragón ha sido primero director de cine y luego novelista, pero en su memoria de los años universitarios se ve a sí mismo en orden inverso como un ''joven escritor reconvertido en aprendiz de cineasta''. No tiene importancia, hay muchos casos de creadores que siguieron ese mismo orden. En este libro el cine está presente como el aire que nos rodea, pero Manuel Gutiérrez Aragón no es un cinéfilo que solo hable de cine. Sus reflexiones de adulto (no siempre ni necesariamente como cineasta) carecen de todo ensimismamiento y en ellas el cine entra en diálogo con otras formas expresivas (idioma, novela, teatro, pintura, música) y con realidades cotidianas (viajes, amistades, comidas). Ahí emerge la personalidad de un creador, que siempre está mucho más allá de su destreza profesional o el valor de sus obras, y permite que atisbemos su forma de ser y estar en el mundo.
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Una invitación a descubrir la vida y obra de uno de los genios del cine, cuyo legado ha inspirado a generaciones de espectadores y creadores. George Lucas es uno de los cineastas más reconocidos y admirados de todos los tiempos. En este libro, David M. Buisán nos descubre la fascinante historia de su vida y obra. A través de sus vibrantes ilustraciones, podremos revivir escenas icónicas de las películas de Lucas, además de conocer detalles y curiosidades sobre la producción y realización de sus grandes trabajos y de otras obras menos conocidas. Sumérgete en la vida del mago de la luz y conoce desde sus primeros contactos con el cine, las películas que marcaron su juventud y su amistad con los artistas que le ayudaron a desarrollar su visión cinematográfica (Francis Ford Coppola, Steven Spielberg), hasta el éxito mundial de sus obras más famosas, como Star Wars o Indiana Jones.
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Un viaje emocional por el cine y la televisión que han definido a toda una generación Hace menos de tres años parecía que el cine estaba muerto, que nadie volvería nunca a las salas, que las grandes estrellas no existían y que solo las películas de superhéroes eran viables económicamente. Y entonces llegó Barbie. Este es un recorrido personal -tan personal que es casi universal- por la historia más reciente del cine, y en particular del cine palomitero, ese cine comercial, orgulloso de serlo, que ha moldeado nuestro imaginario colectivo. Un mundo de dinosaurios, naves galácticas, agentes secretos y sirenas que Alberto empezó viendo primero desde el sofá de casa para poco a poco adentrarse en él profesionalmente. El libro se inmiscuye en rodajes de series y películas, en junkets de prensa, fiestas y premios que, junto a las mismas películas que luego vemos en la sala, configuran un universo que mezcla ficción y realidad y del que ningún peliculero podrá escapar nunca.
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Émile Jaques-Dalcroze, pedagogo musical suizo, uno de los primeros en utilizar el movimiento corporal como un medio para enseñar música, un método llamado Rítmica.Émile Jaques-Dalcroze, pedagogo musical suizo, fue uno de los primeros en utilizar el movimiento corporal como un medio para enseñar música, desarrollando un método llamado Rítmica. Este método se basa en tener primero una vivencia sonora experimentando emociones a través del cuerpo, para pasar después al aprendizaje de la música mediante el razonamiento.En el Conservatorio de Música de Ginebra comenzó a crear una serie de ejercicios para paliar la arritmia que encontró en sus alumnos, y a trabajar en un aula muy espaciosa con espejos en las paredes. A sus alumnos, futuros músicos, actores o cantantes, que estaban acostumbrados a recibir clases sentados, los hizo poner de pie y trabajar descalzos, para que pudieran desplazarse con comodidad al ritmo de las melodías que él mismo interpretaba al piano. Les hacía experimentar, empleando el cuerpo como instrumento musical primario, el control de sus energías en el tiempo y en el espacio.La Rítmica consiste en interrelacionar los movimientos del cuerpo y los ritmos de la música con la capacidad de imaginación y reflexión.Rítmica y creación nos acerca las propuestas de Émile Jaques-Dalcroze, para descubrir y entender la música y la expresión corporal, tanto física como emocionalmente.
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