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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos! Compra libros de cine y artes escénicas online. En esta sección disponemos de una gran selección de libros de cine y artes escénicas en distintos formatos (tapa dura y tapa blanda) y en múltiples idiomas (castellano, catalán, francés e inglés). Encontrarás las mejores lecturas sobre cine, teatro, circo, series y películas de distintos géneros, conocidos directores cinematográficos, actores y actrices, personajes de ciencia ficción, entre muchos otros temas.
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Estas páginas son un recordatorio de que eres alguien único y poderoso y de que no hay nadie más como tú.¿Sabrías decir quién eres? Para la mayoría de personas esta es una de las preguntas más complicadas que puedes hacerles. Este libro está diseñado para ayudarte en tu viaje de autoconocimiento para descubrir todo el potencial que tienes. Te servirá también para confesar lo que te encanta de ti mismo, destruir tus más profundas inseguridades y enfrentar tus mayores miedos. Este es un libro para rasgar, dibujar, quemar, enterrar y crear. Un libro que acabará hecho trizas si lo haces bien. Este es un libro tuyo. Entonces te lo vuelvo a preguntar... ¿Quién eres? Es hora de descubrirlo.
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Este libro reconstruye la historia del espectáculo que se estrenó en mayo de 1947 en el madrileño Teatro de la Comedia bajo el título Historia del romancero, protagonizado por los alumnos del Colegio «Estudio». El proyecto fue impulsado por Jimena Menéndez-Pidal, quien, inspirada por las investigaciones en torno al romancero español de sus padres, María Goyri y Ramón Menéndez Pidal, y alentada por su experiencia teatral previa en el Instituto-Escuela, decidió llevar a escena la historia y evolución de los romances desde su nacimiento en el medievo español hasta su actualidad en el mundo hispánico moderno. Gracias a la privilegiada memoria de la historiadora y pedagoga Elvira Ontañón -que participó de niña en la obra-, el musicólogo Víctor Pliego ha transcrito las letras y elaborado las partituras de los romances representados, además de poner en contexto aquella iniciativa. Teatro, poesía, historia, tradición, música y danza se funden en este testimonio de la historia de la educación en España durante la posguerra que, a la vez, es un material didáctico plenamente vigente.
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Guion de Rafael Azcona y Luis Garcia Berlanga
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Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, prostitución, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años. Este segundo tomo pretende dar a conocer esta fascinante y sorprendente etapa del cine norteamericano a través de nuevas películas que complementan a las del primer tomo. Todo lo que Hollywood no podría después mostrar hasta bien entrados los años sesenta, ya se hacía en los años treinta.
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Aunque todo aficionado al cine conoce de sobra los hitos del cine británico (el primer Hitchcock, “El tercer hombre”, “El puente sobre el río Kwai”, James Bond, los Monty Python, “Doctor Zhivago”, Christopher Nolan…), lo cierto es que considerado en bloque el legado fílmico inglés es, de algún modo, el gran desconocido que esconde un considerable caudal de títulos de calidad. Unas páginas repletas de tesoros fílmicos por descubrir y rememorar. Un cine forjado en una formidable tradición teatral, una literatura incomparable, como Stevenson, Conan Doyle, Tolkien, Bram Stoker, Agatha Christie, y una capacidad extraordinaria para crear mitos populares como Frankenstein, Drácula, el señor de los anillos, Peter Pan, el rey Arturo o James Bond.
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Una guía de las películas, canciones, juegos, series de TV y cómics que te hicieron soñar y que inspiraron a la famosa serieCasi nada en Stranger Things sucede por azar.Todo parece estar ahí por algún motivo. A veces es más evidente, y otrasmenos.
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TODOS LOS DETALLES SOBRE LA PRODUCCIÓN DEESTE CLÁSICO DE JIM HENSONCristal Oscuro, una auténtica obra de arte llevada a cabo por lanarratividad sin igual y las ingeniosas marionetas de Jim Henson,es objeto de culto para generaciones enteras de fa
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Las mujeres que constituyen la materia de este libro fueron lasestrellas femeninas más importantes de las cinematografías española,italiana y alemana, durante los años de la Segunda Guerra Mundial(1939-1945), en los que el nuevo régimen totalitario en España coexistecon el nazismo alemán y el fascismo italiano. En las tres dictaduras, lacensura ejerció un severo control no solo sobre los contenidospolíticos, sino también sobre el erotismo y la sexualidad. Las stars femeninas de los fascismos trabajaron en connivencia, más o menosexplícita, con la ideología de los Estados en los que desarrollaron sufilmografía, pero su cuerpo habló (desde las imágenes) ofreciendomensajes a menudo contradictorios con la moral imperante.Este libro propone un estudio de la gestualidad de dichos cuerpos, y seinterroga sobre la tensión subyacente entre feminidad servil y feminidadliberada, entre sexualidad negada y afirmación erótica. A lo largo desus páginas, se desgrana con minuciosidad la relación entre actuación eimaginario erótico en las filmografías de Imperio Argentina, EstrellitaCastro, Ana Mariscal, Conchita Montenegro, Conchita Montes, MercedesVecino y Amparo Rivelles para la cinematografía española Clara Calamai,Luisa Ferida, Anna Magnani, Isa Miranda, Assia Noris y Alida Valli en elcontexto italiano, y Zarah Leander, Marika Rökk y Kristina Söderbaumpara el caso alemán.
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La presencia pictórica en el cine no se agota en las múltiples versiones de El retrato de Dorian Gray o en las biografías de artistas plásticos, retratados para la gran pantalla a través de sus obsesiones. El recurso a la pintura ofrece un amplio abanico
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Entre las aficiones del que se autoproclamara Caudillo de España -la caza y la pesca o, en los últimos años, también la televisión-, destaca una mucho menos conocida por los ciudadanos del país: el cine. Sin embargo, es sabido que entre 1946 y 1975 visionó cerca de 2.000 películas en el Palacio de El Pardo: dos largometrajes comerciales por semana, junto a varios números del noticiario NO-DO -en muchos de los cuales él mismo era protagonista- y otros documentales. Podemos hacer un recuento de todas las sesiones cinematográficas privadas llevadas a cabo entre esos años gracias a las tarjetas-invitaciones que se imprimieron. Existen 2.037 y solo en 16 se indica que fueron suspendidas por enfermedad o algún compromiso protocolario. Franco tuvo el privilegio de visionar algunas películas que aún no habían sido censuradas e incluso un par de ellas que no fueron proyectadas comercialmente en las salas de cine: «Christopher Columbus» (1949), de David MacDonald, película inglesa que tuvo su «réplica» con «Alba de América» (Juan de Orduña, 1951), y la célebre «Viridiana» (1961), de Luis Buñuel.
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«A los trece o catorce años vi mi primer programa doble de spaghetti westerns: Por un puñado de dólares y La muerte tenía un precio. Me fui del cine más que impresionado. Acababa de conocer un mundo de violencia estúpida y arbitraria, con un protagonista que lidiaba con ella y sobrevivía. También era un mundo con un aspecto visual extraordinario: pueblos de madera destartalados, rodeados de desiertos dramáticos y áridos. Algo que nunca había visto antes. Este volumen apunta a presentar una historia cronológica de westerns italianos valiosos e importantes, desde el punto de vista de un director.» —Alex Cox ¡Y vaya si lo logra! Alex Cox es un cineasta personal, apasionado, comprometido con una fuerte construcción ideológica: un artista con mucho por decir. Ahí están sus películas para dar testimonio: ‘Repo Man’, ‘Sid & Nancy’, ‘Walker’, El patrullero’, T, entre otras. Guionista, productor, editor, conductor televisivo, crítico de cine, profesor universitario. Y escritor, un rol que ha desarrollado cómodamente en ‘X Films: True Confessions of a Radical Filmmaker’ –un repaso en primera persona de sus experiencias cinematográficas– y el presente, ‘10.000 formas de morir’, su propia relectura del spaghetti western, un género que lo apasiona hasta el extremo del enciclopedismo. Aquí lo demuestra y contagia el entusiasmo con creces. Por ende, es válida la aclaración: sumergirse en estas páginas es un viaje de ida con destino incierto, como muchas de las películas analizadas. ¡A por él, entonces..! «Riguroso en pensamiento pero rebelde en espíritu, es difícil pensar en una guía más adecuada para el spaghetti western.» —Total Film
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En esta larga e íntima conversación entre Alejandro Amenábar y el periodista Antonio Lucas, el cineasta desgrana los momentos más importantes de su vida. En este documento habla del origen infantil de su pasión por las películas de terror y suspense, así como el gusto por escribir y dibujar historias. Su primer largometraje, ''Tesis'' ( 1996), ganó siete premios Goya y le catapultó a la fama con solo 21 años, hasta convertirse hoy, seis películas después, en uno de nuestros directores más internacionales. Nunca le ha gustado hablar de si mismo, pero en esta íntima conversación con el periodista Antonio Lucas comparte su experiencia vital y profesional, sus orígenes, sus dudas y sus miedos, así como sus reflexiones sobre el éxito, el fracaso, la vejez, la muerte, la amistad, el amor y, por supuesto, el cine.
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Este libro no es una guía, Tampoco un tratado a favor o en contra de la pornografía, Tal como indica su subtítulo, se trata de una historia oral «de la industria» que recoge las experiencias reales ―positivas y negativas― de más de un centenar de personas, desde los directores, actrices y actores que la levantaron y consolidaron en los años 60 y 70 hasta las autoridades y otras voces críticas que intentaron ponerle coto. Sirviéndose de cientos de entrevistas originales, atestados policiales, recortes de prensa, testimonios judiciales y demás documentos, Legs McNeil, autor del celebrado Por favor mátame, la historia oral del punk, traza la transformación del cine X, de fenómeno marginal a negocio multimillonario que ha acabado por impregnar toda nuestra cultura, Los relatos aquí reunidos oscilan entre lo sórdido, lo brutal, lo disparatado y lo conmovedor, desde el rodaje de ''Garganta profunda'' hasta la explosión de la pornografía en Internet con el vídeo de Pam Anderson y Tommy Lee, de la violenta caída en desgracia de John Holmes a la autodestrucción de Savannah, de la desconocida investigación encubierta llevada a cabo por el FBI a la improbable historia de amor entre las estrellas del porno John Stagliano y Tricia Deveraux. A través de voces como las de Linda Lovelace, Marilyn Chambers, Traci Lords, Fred Lincoln, Sharon Mitchell, Ron Jeremy, Ginger Lynn, John Waters, Jill Kelly, Nina Hartley, Tommy Byron o Cicciolina, esta crónica le brinda al cine X lo que faltaba en todas las anteriores: una vívida, tragicómica e irresistible humanidad,
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Cada año, el día uno de septiembre, jóvenes magos y brujas se dirigen al andén 9 ¾ de la estación de King's Cross en Londres. Con sus maletas repletas y el billete en la mano, se suben al Expreso de Hogwarts, donde se preparan para el viaje hacia el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería.Siente la magia del andén 9 ¾ como nunca lo habías hecho antes, y hazte con un impresionante conjunto de objetos inspirados en las películas de Harry Potter. Lo aprenderás todo acerca del andén 9 ¾ y el Expreso de Hogwarts, y podrás revivir momentos de las películas que te sumergirán en la magia que hay detrás de las cámaras y que dio vida al niño mago en la gran pantalla.
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Un libro para entender a los famosos y sus escándalos con humor e ironía.Este libro, entre el sarcasmo y la crítica, disecciona los comportamientos de las estrellas para explicar cómo funciona la fama. El autor analiza los episodios más mediáticos del momento, como el embarazo de Ana Obregón, los orígenes de la familia Beckham o las excentricidades de Kanye West. ¿Es la humildad de Rafael Nadal una estrategia? ¿Taylor Swift cambia de personalidad para vender sus álbumes? Preguntas que tienen respuesta cuando entendemos que la fama es la consecuencia de un consumo: el espectador es quien concede y arrebata la popularidad.
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Casi las mismas décadas de insumisión y rebeldía que ha protagonizado Godard con su vida y obra lleva Paulino Viota estudiando ambas, desde el apasionamiento cinéfilo y la devoción inteligente que siente por ''el cineasta con mayor riqueza estructural de la historial del cine''. Dividido en dos grandes bloques, este ensayo magistral --y ya definitivo tras la reciente desaparición del cineasta-- pone en perspectiva todas las etapas de su mítica carrera, que arranca con la irreverente modernidad de los años 60, atraviesa la militancia política y el utópico deseo de fusión en lo colectivo, y desemboca, rayando el nuevo milenio y como colofón a una duradera y profunda reflexión sobre la mediación tecnológica, en ese estilo inimitable donde lo poético acontece como posibilidad de una simultaneidad inédita entre imágenes y sonidos, materiales ya convertidos en ''formas que piensan'' la historia del cine y la del siglo XX, como ejemplifica a la perfección una de sus cimas, ''Histoire(s) du cinéma''. Sin obviar los títulos más emblemáticos del cineasta francés, Viota ha decidido aquí desentrañar especialmente el ''milagro laico'' del último Godard, el de algunas de las películas (Notre musique, Film socialisme, Adieu au langage y Le Livre d'image, es decir, las que apenas se estrenaban y comentaban entre nosotros) que más han cuestionado el rutinario estatuto del espectador audiovisual, atendiendo a cómo lo en principio ininteligible no se encuentra reñido con la reflexión y la emoción, sino que, más bien, el desmantelamiento crítico y la puesta en cuestión de los lugares comunes de la representación pueden añadir un potencial suplementario de afecto y misterio a las realizaciones del arte. El libro se cierra (para en cierta medida volverse a abrir) con un antológico artículo largo, «Godard infiel», sobre la trascendencia que la sexualidad -a partir de sus relaciones con Karina, Wiazemsky, Miéville, Roussel...- ha podido tener en su filmografía, un sugerente colofón que no es sino otra manera de repasar vida y obra -inmediatez y artificio, continuidad y variación-, factores inextricablemente relacionados en uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo.
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En el cine español del franquismo, trabajaron durante décadas diversos creadores queer como directores, guionistas o productores, a pesar de la fuerte restricción de libertades y la existencia de censura. Este libro estudia, desde perspectivas queer, cómo estos creadores, la mayoría homosexuales, utilizaron códigos, tradiciones y referentes de la subcultura homosexual de su contexto histórico. En concreto, analiza cómo desarrollaron constantes creativas compartidas en torno a lo que tradicionalmente se ha pensado como feminidad. Las películas protagonizadas por mujeres les permitieron ubicar al hombre en la posición de objeto de deseo y generar abundantes relatos donde la frustración del deseo o la transgresión de las normas sociales fueron elementos recurrentes. El libro se divide en tres partes: las dos primeras estudian cómo estos creadores trabajaron con particular interés las convenciones del melodrama de mujeres y del cine musical protagonizado por divas cantantes, la tercera evidencia cómo, desde los años sesenta, fueron dejando atrás lo melodramático para recuperar lo camp como tradición subcultural, basada en el exceso, la ironía y el humor autoconsciente.
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Aquest llibre recull algunes de les classes de dansa impartides pel mestre Joan Magriñà. Els que el van conèixer hi podran reconèixer i recordar les explicacions que el mestre donava per motivar els alumnes a aprendre els encadenaments de passos que proposava, dia rere dia, a l'estudi del carrer Petritxol o a les sales de l'antic Institut del Teatre de Barcelona. Ell va ser pioner en l'ensenyament de la dansa a Catalunya. La seva inquietud i el seu interès el feien estar sempre atent a les millors fonts artístiques d'arreu del món, el movien a viatjar, a informar-se i a estar al dia de les darreres tendències, que comentava i compartia amb entusiasme. Cada una de les evolucions i dels moviments que coreografiava estaven justificats per un determinat sentit i per una plàstica elegant, i feia que el resultat agafés una dimensió artística que només ell sabia transmetre.
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Aunque sus aventuras más célebres son las películas, el arqueólogo más famoso de la historia ha tenidouna larga vida en su propio universo expandido: seriede televisión, novelas, cómics, videojuegos. A travésde una biografía no autorizada, en este libro se cuentan su vida y aventuras más desconocidas. Por otro lado: ¿cómo llegó Indiana Jones a existir? Descubriremos igualmente la peculiar historiade unpersonaje que estuvo a punto de apellidarse Smith, contaremos cómo dos amigos de la infancia llamados Spielberg y Lucas unieron sus pasiones para crearal arqueólogo del látigo y el sombrero, y narraremoshasta dónde ha llegado su influencia en la ficción yla realidad.
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Podría parecer a simple vista que «ficción» y «realidad» son dos esferas que se diferencian nítidamente la una de la otra, pero lo cierto es que muchas más veces de las que sospechamos actúan como cara y contracara de una misma moneda... llegando incluso a (con)fundirse en múltiples ocasiones. En «El arte de inventar la realidad», la historiadora del arte y crítica de cine Áurea Ortiz Villeta sondea, a través de abundantes ejemplos de películas y series, incluyendo documentales, el modo en que esta (con)fusión opera, dando lugar a equívocos que, ya sean intencionados o no, bien pudieran suponer un reto a la hora de delimitar qué es la verdad y qué no lo es. ¿Puede una imagen inventada llegar a sustituir lo real? ¿Puede una representación convertirse en algo más real que lo real? Pensemos en un ejemplo icónico: el atentado contra Carrero Blanco. ¿Qué imagen acude a nuestra mente casi al instante al pensar en ello? [...] En efecto: una escena perteneciente a la película Operación ogro, del director italiano Gillo Pontecorvo. Una ficción... que sin embargo ha quedado fijada en el imaginario colectivo como representación paradigmática de un suceso. Este breve ensayo rastrea las zonas de sombra en las que lo ficticio y lo real se entremezclan, en un itinerario orientado a arrojar luz sobre una pregunta de fondo: si cada vez nos cuesta más diferenciar las imágenes ciertas de las ficticias, ¿cuáles son los retos a los que nos enfrentamos como sociedad?
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El libro realiza un minucioso estudio del Cine Negro clásico americano (desde 1930 a 1960) a través del análisis de las 60 películas más importantes del género según su autor, tratadas de manera independiente cada una de ellas.¿A quién va dirigido el libro El cine negro. 3ª edición?Este libro está dirigido a aficionados al cine, estudiantes de cine, investigadores del género negro y a cualquier persona interesada en la historia y el análisis del cine clásico americano. Su enfoque detallado y exhaustivo lo hace adecuado tanto para lectores con conocimientos previos sobre el cine negro como para aquellos que se acercan al género por primera vez. La profundidad del análisis y la cantidad de información proporcionada lo convierten en una obra de referencia para estudiosos y apasionados del tema.Temas que trata el libro El cine negro. 3ª ediciónEl libro El cine negro. 3ª edición realiza un estudio profundo del cine negro clásico americano, abarcando el periodo comprendido entre 1930 y 1960. Se centra en el análisis de sesenta películas consideradas como las más representativas e influyentes del género. El análisis no se limita a una simple descripción de las tramas, sino que profundiza en diversos aspectos:Análisis de la producción: Se examinan los procesos de producción de cada una de las películas, incluyendo detalles sobre la realización, los equipos de trabajo y las circunstancias de su creación.Análisis visual: Se presta especial atención al análisis de las imágenes y la estética visual característica del cine negro, explorando la composición, la iluminación y otros elementos visuales que contribuyen a la atmósfera del género.Análisis de personajes: Se estudian los personajes, sus motivaciones y su papel dentro de la narrativa, profundizando en la psicología de los protagonistas y antagonistas.Contexto histórico y social: Se contextualiza el cine negro dentro del marco histórico y social de la época, explorando las influencias culturales y políticas que moldearon el género.Evolución del género: Se analiza la evolución del cine negro a lo largo de las décadas de 1940 y 1950, identificando las tendencias y cambios estilísticos que se produjeron.Influencia y legado: Se explora la influencia del cine negro en la cultura popular y su legado en el cine posterior.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro El cine negro. 3ª ediciónAún no hay opiniones o críticas sobre El cine negro. 3ª edición.
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Ingmar Bergman no concibió los escritos que se recogen bajo el título de Cuaderno de trabajo como una obra destinada a su publicación, sino como un diario íntimo de su actividad creadora en el que iba perfilando el modo en el que se desarrollaría el argumento de sus obras cinematográficas. «El valor de los cuadernos de trabajo no radica tanto en el emblemático nombre de Bergman, en que es el gran cineasta quien escribe acerca de sus películas, sino al contrario, creo yo, lo que ocurre en este libro ocurre por debajo del nombre, fuera de su alcance, y por tanto representa y muestra los procesos creativos per se: ¿Qué es crear? ¿Qué se precisa para crear? ¿Cómo abrir campo para una obra, cómo mantenerlo abierto, cómo ampliarlo? ¿En qué pensar, qué buscar?» (del prólogo de Karl Ove Knausgård).
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Mujeres de cine es el homenaje de una actriz, Ruth Gabriel, y de una ilustradora, Fraules, a las actrices que con su trabajo y su arte dejaron su impronta en la historia del cine español. También es un itinerario que se detiene en los hitos que fueron estas 30 mujeres que conquistaron al público español y de todo el mundo. 30 actrices que siempre fueron y serán un referente para las actrices españolas.
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Versión original. 302. Abril 2021. La danza.
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El libro se centra en esta nueva televisión de ficción, que desde los 80 crea una segunda edad dorada de la televisión. Series como Hill Street Blues, Los Soprano, Breaking Bad, Homeland,revolucionaron la televisión y marcaron el horizonte de lo que vemos hoy en las producciones de HBO, Showtime o Netflix
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José Luis Garci alude a una forma de ver cine que erauna forma de ser, una forma de creer y de salvarse.Así, muchas películas memorables las recuerda Garci nocomo películas sino como acontecimientos íntimos desuvida.
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Pese a estar catalogada como una película de ciencia-ficción, Blade Runner ?obra maestra que se ha convertido merecidamente en un icono cultural de nuestro tiempo? tiene poco que ver con las utopías futuristas propias del género. al contrario, plantea problemas eternos ?la vida y la muerte, el fatídico discurrir del tiempo, la rebelión contra nuestro infausto destino, la extrañeza ante el otro?? protagonizados por hombres que habitan en el caos deshumanizado de las grandes metrópolis. es decir, por hombres como nosotros mismos. Sin embargo, cuando fue estrenada en 1982, la crítica especializada la tachó de efectista y pretenciosa. Los mandarines culturales no supieron ver que, bajo el colorista artificio de los efectos especiales y el sofisticado ropaje del diseño, se ocultaba una de las mayores reflexiones sobre la condición humana que se hayan hecho nunca en el cine. En este ensayo se analizan las diferentes versiones de Blade Runner y se abordan, con un estilo ágil y gran rigor analítico, las reflexiones antropológicas y morales que propone la película. ¿Qué era lo que Deckard no sabía?
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Las memorias del añorado Carlos Saura, uno de los grandes del cine español. Premio Nacional de Cinematografía (1980), Goya de Honor (2022) y nominado a los Oscar y a los Globos de Oro.Tras el triste fallecimiento de Carlos Saura a principios de 2023, estas memorias cobran una nueva dimensión. El libro cubre su infancia durante la Guerra Civil, su papel vanguardista en la etapa de la Escuela de Cine, su relación con sus sucesivas mujeres (la segunda de las cuales, Geraldine Chaplin, lo introdujo en el particular universo de la familia Chaplin) y con algunas de las figuras más fascinantes de su generación, como Paco Rabal, Rafael Azcona, Juan Antonio Bardem o Antonio Gades.De imágenes también se vive es la última obra de uno de los mayores cineastas que ha dado este país. Una invitación a conocer el mito de Saura, que hasta el último momento se mantuvo activo y con muestras de una curiosidad insaciable. Una figura clave cuyas imágenes ya forman parte de la historia viva de nuestro cine.
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Una història sobre la terra, la pagesia i la família Un viatge al cor d'Alcarràs -tot el que hi ha al darrere i al cor la pel·lícula- que recull el guió i la concepció de la pel·lícula que ja és al cim del cinema en català: com va ser pensada, definida i rodada per la seva creadora, Clara Simón, i el coguionista per Arnau Vilaró . A les pàgines d' aquest llibre, no només hi podrem conèixer Alcarràs i la família Solé, sinó també la Carla Simón i la seva manera de fer cinema i d'entendre'l: sempre des de l'amor i el respecte, treballant les pel·lícules com si fossin peces d'orfebreria La crítica ha dit:«Alcarràs és una joia amb gust a préssec i Carla Simón una directora genial que ha fet orfebreria! Una pel·lícula que, per sobre de tot, és veritat».Jordi Basté «A Alcarràs, la llengua ens situa en aquest punt del mapa i no en cap altre, una parla indestriable de tots els sorolls i silencis».Marta Rojals «Alcarràs ens ha fet pujar l'autoestima com a país. Aquest premi ha anat molt més enllà d'una pel·lícula de cinema, ha anat a un poble, a una llengua, a un camp que es perd».Natza Farré «Senzillament, la vida».Jaume Figueras
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El cine asiático lleva décadas demostrando, a través de pequeñas piezas de enorme talento, que el Star System de Hollywood ha quedado caduco en pos de nuevas propuestas procedentes de oriente. Desde el thriller surcoreano hasta el cine chino de artes marciales pasando por el anime japonés, cientos de productos audiovisuales asiáticos han logrado hacerse un hueco entre el gran público. En esta primera antología de Break, algunas de las voces más relevantes de la crítica cultural nacional reflexionan sobre cómo han repercutido estas obras entre nuestras fronteras. Además, el compendio sirve tanto para hacer un repaso de la filmografía de figuras como Takeshi Kitano o Bong Joon-ho como para descubrir, a través de voces expertas en el campo, joyas escondidas que merecen ser recuperadas.
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La preparación del director es una disección fascinante y estimulante del reto que supone la dirección teatral. Anne Bogart se expresa con un enorme conocimiento del coraje que requiere crear Arte en mayúsculas, ahondando en cada una de las siete áreas que identificó, en un primer momento, como impedimentos pero, a su vez, como herramientas potenciales de la creación artística. Por esa razón, hace una análisis del valor de la violencia, la memoria, el terror, el erotismo, los estereotipos, la vergüenza y la resistencia a la hora de emprender la tarea artística. La autora ofrece una visión única de los vericuetos del proceso de la dirección teatral, aunque no sólo, ya que éstos son también aplicables a otros ámbitos artísticos. Lo cierto es que La preparación del director se aproxima al arte del teatro con una claridad poco habitual, ofreciendo un profunda comprensión del hecho creativo e inspiración.
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El cine de Eloy de la Iglesia, el director maldito del cine español, revisado en un ensayo colectivo que repasa también las claves del género quinqui.Eloy de la Iglesia. El placer oculto del cine español nos aproxima a la trayectoria, vibrante y compleja, de uno de los directores más importantes de la Transición, responsable de títulos tan populares como El techo de cristal, La semana del asesino, El diputado, El pico o La estanquera de Vallecas. Mirado con desdén por la crítica de la época, que no le perdonó su ambición comercial, y reivindicado por las nuevas generaciones, la figura de Eloy de la Iglesia es fundamental para acercarnos a una de las etapas más convulsas de nuestra historia reciente.Este ensayo colectivo, coordinado por Carlos Barea, profundiza en los distintos aspectos que confluyen en las películas del cineasta vasco, donde la voluntad de provocación y el erotismo más crudo conviven con la intención de mostrar de manera realista los vaivenes políticos y las transformaciones sociales. Por su extensa filmografía desfilaron las estrellas del momento (Carmen Sevilla, Amparo Muñoz, Simón Andreu, Vicente Parra o José Sacristán, entre otros) y nuevos talentos sin experiencia ante la cámara (como José Luis Manzano, su actor fetiche).Homosexual y comunista, Eloy de la Iglesia contribuyó decisivamente a retratar las luces y, sobre todo, las sombras de un país que despertaba a la democracia pero que daba la espalda a una parte de la población. Entre los marginados se hallaban los denominados quinquis, que dieron nombre al exitoso subgénero cinematográfico, o los integrantes del colectivo LGTB, a quienes dotó de una voz hasta entonces silenciada.
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La verdadera historia de los supervivientes de los Andes, protagonistas de La sociedad de la nieve, la nueva y aclamada película de J. A. Bayona. ¡Viven! El triunfo del espíritu humano relata esta escalofriante peripecia y la de los familiares de sus protagonistas, que nunca dejaron de buscarlos. En 1972, partió de Montevideo, con destino a Santiago de Chile, un avión Fairchild Hiller FH-227 de las fuerzas aéreas uruguayas en el que viajaba el equipo de rugby Old Christians y sus acompañantes. Sin embargo, les aguardaba un destino muy distinto del que habían proyectado. Las infernales condiciones climatológicas determinaron la catástrofe y el aparato se estrelló con los Andes. Solo dieciséis de los cuarenta y cinco pasajeros que viajaban en el avión sobrevivieron al accidente y a los casi tres meses de indescriptibles rigores que sufrieron a consecuencia del hambre, el frío y el dolor. Sin otras provisiones, se vieron obligados a enfrentarse al horror de alimentarse con la carne de sus compañeros muertos, en un acto desesperado por conservar la vida.
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Este volumen reúne dos textos autobiográficos de Mijaíl Chéjov que cubren su etapa rusa y europea, antes de que se instalara en Estados Unidos. El camino del actor (1928) rememora su infancia y el descubrimiento de su pasión por el teatro. Vida y encu
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Norman McLaren dijo que «la animación no es el arte de los dibujos que se mueven, sino el arte de los movimientos que se dibujan. Lo que pasa entre cada fotograma es mucho más importante que lo que hay en cada fotograma». ¿Qué veríamos, pues, si pudiéramos parar el tiempo entre fotograma y fotograma? ¿Cómo se manipulan estos intersticios invisibles, esta otra dimensión paralela a las imágenes? Elena Duque, cineasta y profesora especializada en animación experimental nos propone un recorrido que empieza en la primera década del siglo XX, con los primeros estudios de animación, y nos lleva hacia el trabajo de la animación experimental analógica a través del análisis de una serie de películas creadas por artistas de reconocimiento internacional.
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Lejos del glamour y el lujo de la alfombra roja de Hollywood, Toni Garcia, un profesional con más de 20 años en el sector, nos muestra cómo son de verdad en las distancias cortas algunos de los actores y directores que han marcado un antes y un después en la historia del cine.Algunos de los sospechosos habituales en este libro son: David Lynch, Helen Mirren, Ian McKellen, Anne Hathaway, Steven Soderbergh, George Clooney, Anthony Hopkins, Silvester Stallone, Meryl Streep, Todd Haynes, Emily Blunt, Naomi Watts, Johnny Depp, Idris Elba, Diego Luna & Gael García Bernal, Scarlett Johansson, Gwyneth Paltrow, Robert DeNiro, Jack Nicholson, Margott Robbie, Bill Murray, Philip Seymour Hoffman, Wes Anderson, Spike Jonze, Sigourney Weaver, Tom Hanks, Cate Blanchett, David Simon.
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