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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Arte y política son ámbitos fuertemente interconectados, se atraen y se repelen, dibujan continuidades y provocan rupturas, y los ensayos que se recogen en el presente volumen se hallan sujetos a la tensión entre estas fuerzas. Ya sea como reflexión sobre la condición contemporánea, sobre la práctica artística o sobre los límites y la potencialidad del museo, cada uno de los escritos se halla situado en el tiempo y el espacio, y todos ellos reflejan la trayectoria intelectual de Manuel Borja-Villel al frente de importantes instituciones museísticas, así como algunas de sus inquietudes curatoriales como responsable de numerosas exposiciones o programas públicos a lo largo de los últimos treinta años. Defensor de la hibridación y el trasvase de saberes frente a la compartimentación estanca del conocimiento y su forma de organización, este libro apuesta por la investigación extradisciplinar y la interrelación de múltiples campos. Y es ante todo una invitación a reflexionar sobre el arte, sus organizaciones y sus actores.
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Velázquez por sí solo vale el viaje: es el pintor de pintores [...] Mañana haré una excursión a Toledo. Ahí veré a El Greco y a Goya muy bien representados, según me dicen. Madrid es una ciudad agradable, llena de diversiones. El Prado, encantador paseo
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En la impresión que provoca la vieja Florencia predomina una felicidad persistente, una sensación de cordura, de algo humano y sensato, la sensación de un lugar propicio a la vida.ö
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¿Sabía que en las entrañas de la catedral de Sevilla se esconde un cocodrilo gigante disecado? ¿Que el Papamoscas de Burgos no es el único que existe? ¿Que el Santo Grial está en la catedral de Valencia? ¿O que al arquitecto de la catedral de Granada se l
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Se completa la trilogía Madelman! Informe Madelman volumen 3, describe en detalle a la empresa que fabricaba los Madelman: Industrias Plásticas Madel S.A. Conoceremos sus orígenes, su estructura, los productos que fabricaban, su localización, y sus métodos de trabajo y de marketing. El lector se adentrará en un sinfín de detalles de cómo se realizaban los juguetes que consiguieron llenar de ilusión y felicidad a muchísimos niños: los Madelman, el Luminrama, la Carabina Safari, Skedoodle, Cara loca, Tropezón y muchos otros. Y viajaremos más allá, mostrando lo que se realizó después de dejar de fabricar el Madelman, cerrando una historia que empezó a narrarse hace ya unos años. Un viaje nostálgico para quienes conocieron y admiraron los productos de Madel y todo un estudio detallado para quienes quieran conocer el funcionamiento de una empresa juguetera pionera durante cuatro décadas.
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Con casi 700 imágenes, Tattoo you: A New Generation of artists muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres más importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle. Cada artista va acompañado de una selección de imágenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y cómo están transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta prácticas culturales e indígenas, Tattoo you abarca todos los estilos y técnicas, ofreciendo una mirada interna a cómo trabajan los artistas de todo el mundo hoy en día, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.
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El patrimoni Unesco a Catalunya
L'any 1972 es va signar la Convenció per a la Protecció del Patrimoni Mundial Cultural i Natural, que estableix que determinats indrets de la Terra, que tenen un ''valor universal excepcional'', pertanyen al patrimoni comú de la humanitat, una fórmula que permet garantir-ne la preservació i fomentar-ne el coneixement. Parlem de patrimoni natural i monumental, però també de patrimoni cultural ''viu''.A Catalunya tenim la sort de tenir una quarantena d'elements considerats patrimoni cultural de la humanitat per part de la Unesco, una mostra més de la gran riquesa patrimonial del nostre país, fruit de la nostra història i les nostres tradicions: des de l'art rupestre fins a l'arquitectura gaudiniana i des de la Patum de Berga fins als castellers. Repartits per tot el territori, aquests elements són una mostra de l'excepcional riquesa cultural del país i del compromís amb la seva conservació i protecció. Perquè no ens podem permetre perdre ni un bri de tot aquest patrimoni que ens parla del nostre passat, de les nostres arrels i de la nostra manera de ser, d'un patrimoni que explica com som i d'on venim.Amb aquest llibre fareu un viatge màgic per tot el patrimoni Unesco que tenim a Catalunya. Un recorregut enriquidor per paisatges i tradicions que estan lligats a la nostra memòria per la seva qualitat excepcional i la seva aportació al llegat de la cultura mundial.
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El libro sobre las Pinturas negras no solamente da cuenta del lugar excepcionalmente singular que ocupa Goya en la reflexión crítica y poética de Yves Bonnefoy, también es una muestra sumamente expresiva del particular estilo hermenéutico que ponen en obra los ensayos sobre el arte y la poesía. Por su formación de historiador del arte, conocedor y admirador de la tradición historiográfica francesa, Yves Bonnefoy apoya su interpretación de la obra en los saberes de la historia, de la filosofía, de los mitos o de las religiones, para restablecer las determinaciones múltiples, desde las circunstancias históricas y biográficas hasta las estructuras conceptuales e imaginarias que la circunscriben en el horizonte de su época. Sin embargo, ya en el prólogo del libro, Bonnefoy anticipa que no actuará como un crítico convencional. La posición del ensayista excede las demandas que interpelan a la crítica tradicional y a las que esta no puede dejar de responder. Desde fuera de esa tradición, aunque sin omitirla, lo que al poeta le interesa es reavivar la presencia de Goya, darle la palabra y establecer con él un diálogo sobre un plano atemporal, en el que tratará de hallar respuesta a las preguntas que traspasan su propia creación.
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Creatividad y arte son una pareja infiel. Quizá suene raro, pero sirva un voto de confianza: quien dice esto es Questlove, exitoso músico estadounidense, cofundador de The Roots, una de las mejores bandas de hip hop del momento y productor, periodista, diseñador y profesor. Un experto en la materia y una de las pocas voces críticas que se baja del pedestal para contarnos que hay mucho artefuera del arte. En Ponte Creativo, Ahmir Khalib Thompson, Questlove, sintetiza las filosofías, lecciones e historias alrededor de la creación que viene escuchando en boca de otros colegas, fans y su propia cabeza. Todos nos preguntamos quién es capaz de crear, pero pocos respondemos como él: tal vez hay mucho más común entre David Bowie y un cirujano de lo que normalmente pensaríamos. Este es un libro con sabiduría del día a día y una inteligencia honesta muy alejada de lo que normalmente expresan lasestrellas de la música. Una exploración sobre la inspiración y la creatividad del ser humano y, ante todo, una invitación a la acción para artistas que nunca han estado interesados en hacer arte.
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Alta cultura descafeinada indaga desde una perspectiva crítica en la despolitización del arte en las últimas décadas. Ofrece una crítica directa a esos procesos destinados a recuperar y reinsertar prácticas en otro tiempo disidentes.
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A mí, como a ustedes, supongo, no se me ha aparecidoDios Padre, ni su hijo Jesucristo. No hemos disfrutado de la gracia de ver su rostro que el Antiguo Testamento reconoce a Moisés, Abraham, Jacob, Isaías y Ezequiel, ni tampoco vivimos, en su día, en las tierras de Israel. No sabemos pues cómo eran sus rasgos físicos. Y si el desconocimiento nos ahoga cuando mencionamos las facciones, qué vamos a decir si tratamos de averiguar cómo eran sus manos y, en particular, sus dedos. Así que habremos de acudir, para aprehender su fisonomía, bien al mundo mágico de las inefables leyendas y fábulas, bien a una enriquecedora recreación, gracias a la mano del hombre, a través de las representaciones que durante dos mil años nos ha procurado elarte cristiano. La presente obra es un excursus por la pintura religiosa, que nos abre las puertas al disfrute estético y al poder visual de las imágenes. El arte sacro se exterioriza así como una forma sin igualde acercarnos, más allá de la fe, al misterio de Dios. La estética transformada en una abnegada colaboradora de la teología. Decía Baudelaire, que 'no hay enla Tierra nada más interesante que la religión'. Y, añadimos nosotros, ni mejor manera de aproximarse a ella que al hilo del arte. De un arte asentado en la humana reinterpretación iconográfica y simbólica de lasmanos y los dedos de Dios.
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Considero que mi taller es como un huerto. Por allí hay alcachofas. Por aquí, patatas. Trabajo como un hortelano. las cosas lleganlentamente. siguen su curso natural. Crecen, maduran. Hace falta injertar. Así maduran en mi espíritu. En 1958 el artista
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Para movernos sobre un territorio podemos disponer de guías y mapas, opisar directamente el terreno. Este es el planteamiento del que partePanorámicas, un recorrido por las guías y mapas con los que John Bergerreformuló su mirada del arte, así como por sus impresiones y reflexionessurgidas directamente de lo artístico, lo social y lo político.En la estela de los imprescindibles retratos recogidos en Sobre losartistas, Panorámicas presenta una brillante antología de piezas muydiversas -ensayos, relatos cortos, poemas- que replantean radicalmentenuestra concepción del arte y su papel en el mundo. El dibujo, lanarración, Roland Barthes, Rosa Luxemburg, Walter Benjamin, BertoltBrecht, los museos, la crítica o el retrato. En sus páginas Berger nosolo rinde homenaje a los personajes y las herramientas que lo guiaron através del territorio, sino que nos sumerge directamente en nuevas yapasionantes formas de pensar la idea de creador, los movimientosartísticos y el contexto político y social del arte. Un reto, endefinitiva, para cuestionar profundamente nuestras preconcepciones sobreel papel de la creatividad en nuestras vidas.
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Este libro es el reflejo de varios años de indagacióncompartida en torno a un tema que genera debates, aportaciones y controversias: la investigación artística. Un campo para el cual no existe una definición única, ya que, como pasa en el arte, se construye no desde una afirmación propositiva sino desde el cuestionamiento de su propia existencia. Es desde el disenso mismo desde donde partimos para poder desplegar otrosargumentos que contribuyan a esclarecer qué puede serla investigación artística y cuáles pueden sus aportaciones al mundo del saber, del pensar y del hacer dentro y fuera de las artes, dentro y fuera de la Universidad. Este recorrido se inicia abordando la pertinencia de revisar los argumentos que sustentan la investigación artística, para luego recuperar algunas ideas que han ayudado a construir el debate alrededor deella. Finalmente, hacemos visibles las diferencias entre la investigación artística y la producción en elarte, con el fin de reivindicar la importancia del rigor metodológico, la transparencia de los procesos yla difusión de los resultados. Esta publicación no está ¡ pensada para enseñar a hacer investigación artística, sino para situarla y problematizarla. Para dialogar con algunas pistas que aquí se presentan en torno a los debates y las aproximaciones que esta relación ha generado en los últimos años. En especial, desdeque las artes entran en la Universidad y pasan de ser un objeto de interés para la crítica y los historiadores a una necesidad que ha de dar cuenta de sus recorridos y procesos. No solo a partir de los objetos yexperiencias artísticas, sino también de publicaciones que, en forma de tesis o artículos, son evaluadaspor los pares, y no ya en el sistema del arte, sino en la Universidad.
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La educación en los museos ha sufrido un importante crecimiento en los últimos veinte años en el territorio español que la ha acercado a una madurez plena. Lacrisis reciente, sin embargo, puso en jaque los hitosalcanzados, el avance y el desarrollo del campo de la mediación y de todos los implicados en él. Detrás del incansable esfuerzo de los trabajadores de los museos se encuentra el propósito de democratizar y haceraccesible las instituciones culturales para una diversidad de públicos, pues, como afirma Nora Sternfeld,la cuestión no es tanto si la práctica educativa deja suficiente espacio a las contradicciones, sino, másbien, si esas contradicciones pueden marcar una diferencia tanto en los públicos como en el propio discurso institucional. Este libro nace del deseo de ofrecer un relato veraz sobre lo que sucede en la prácticadiaria, en el terreno, en un museo de arte contemporáneo como el MUSAC de León, para plasmar las experiencias vividas, aprender de ellas y apuntar quizá así caminos nuevos para lo que está por venir. Como afirmaPaul B. Preciado, el museo tiene ya su propia historia.
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En esta antología completa de sus ensayos sobre artistas, John Bergernos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solonos sumergen en la singularidad de cada creación artística, sino que vanmucho más allá y nos conducen con maestría entre lo personal, locultural y lo político. No en vano Berger es considerado uno de losintelectuales europeos más importantes de nuestro tiempo y uno de loscríticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepción del arte yel lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporánea.En este segundo y último volumen dedicado a los artistas, el críticobritánico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obrade Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacidaen 1983. Al igual que en el primer volumen, que arrancaba con laspinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta llegar a PaulCezánne, los ensayos han sido compilados por Tom Overton a partir de losarchivos que Berger donó aun en vida a la British Library. Del conjuntode textos se desprende nuevamente la mirada incisiva y siempresorprendente de Berger, una mirada que se materializa en una prosaigualmente directa e iluminadora. En definitiva, una ediciónimprescindible para conocer el gran legado teórico y vivencial de JohnBerger.
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Balé literal, de Laura Lima, es una obra visual, performática, teatral y arquitectónica conformada por una multiplicidad de entes en forma de esculturas, pinturas y otros objetos. Realizado en 2019, el Balé literal tuvo lugar una única noche en A Gentil Carioca, una galería de arte del centro de Río de Janeiro. En aquel momento la instalación se construyó entre las dos salas de la galería situadas a ambos lados de una intersección de calles. Se colocaron dos bicicletas, una en cada edificio, y la fuerza generada por el pedaleo movía el hilo del que colgaban las obras y los objetos presentados. En 2023, Balé literal tuvo una segunda versión y la estructura se adaptó para instalarse en el interior del MACBA.La presente publicación se inicia con un largo recorrido visual que funciona como un paseo inmersivo por el universo que propone Laura Lima mediante esta «obra gigantesca, infinita y contramonumental», utilizando sus propias palabras. El libro incluye una conversación entre Elvira Dyangani Ose y Laura Lima, así como dos ensayos de Tania Rivera y Marcia Tiburi que permiten interpretar la obra en relación con el contexto político de Brasil, así como darnos algunas pistas sobre los conceptos y las estrategias que la artista pone en juego al activar toda la maquinaria que rodea al Balé literal. La publicación incluye, también, una descripción y referencias visuales de todos los elementos que conforman la instalación de Balé literal.La publicación consta de una sola edición en castellano e inglés, así como de un opúsculo con los textos en catalán.
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El Museo del Prado no es solamente la mejor pinacoteca del mundo, es también el álbum familiar de las dinastías españolas, los Austrias y los Borbones, quehan regido los destinos de España desde hace cinco siglos. En este libro, Juan Eslava Galán, con su inconfundible estilo ameno y riguroso, nos propone un recorrido por el museo, del mismo modo que repasamos nuestro álbum familiar contando quién fue cada persona. Pero no se trata en esta ocasión de una historia de nuestro país, sino de una historia del día a día de susprotagonistas: de sus reyes, esposas e hijos, pero también de personajes ilustres, pintores, amantes y plebeyos. Y de los episodios más emocionantes, las anécdotas más divertidas y los secretos mejor guardados que se esconden tras los cuadros. «Nadiecuenta la historia como Eslava Galán. Esa mezcla desabia erudición, arte narrativo e ironía inteligentesuele producir mezclas explosivas», Arturo Pérez-Reverte.
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-La materia de mi poesía está en deuda con el cuidadoy el ejercicio de los ojos-, dijo Johann Wolfgang Goethe (1749-1832) en una de sus conversaciones con Eckermann. En 1932 Paul Valéry rendiría honor a esos ojos al escribir que -nuestra sed de plenitud de la inteligencia, de mirada universal y de producción muy feliz- están satisfechas en la obra de Goethe. La mirada, en efecto, se menciona en el medio de ese infinitoelogio como distintivo del autor de la Teoría de loscolores, producto, por así decir, de un poeta de la ciencia. Poeta y científico, sí, y también teórico delarte y artista, político y filósofo, hombre de teatro y naturalista, viajero y biógrafo de sí mismo, intérprete de Shakespeare y de Kalidasa?, este inmenso escritor tomó el conocimiento visual por soporte de larelación humana con el mundo, en su teoría de la visualidad se adentra el presente ensayo. -Por encima decualquier otro, fue el ojo el órgano con el que comprendí el mundo- (Goethe, Poesía y verdad, II, 6).
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Activismo en el mundo del arte: hacia una ética delcomisariado artístico parte de un principio básico:el mundo del arte como institución jerárquica y hegemónica (integrada por historiadores, museos y salas de exposiciones, mercados de subastas, editoriales, periodistas, críticos y, también, comisarios de exposiciones, etc.) privilegia determinados modos de hacer arte y a ciertos artistas, por lo general blancos y occidentales, a costa de excluir y silenciar el resto de artistas y propuestas creativas procedentes de países y colectivos marginados. Este libro es, al mismotiempo, un manual de Historia del Arte, relatada a través de las exposiciones más transgresoras y reivindicativas organizadas desde la década de 1970 hasta laactualidad, y un Manifiesto de alcance ético y cultural, formulado con la intención de promover entre todos los agentes implicados, especialmente entre los críticos de arte y los comisarios de exposiciones, un cambio profundo en el mundo del arte que permita y garantice la expresión de la diversidad.
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Con la luna como testigo imparcial de la milenaria cultura japonesa, el genial artista del siglo XIX Tsukioka Yoshitoshi trazó lo que se convertiría en su serie de grabados ukiyo-e más celebrada: Cien aspectos dela luna. La cuidada edición que nos ofrece V. DavidAlmazán Tomás, plagada de referencias y explicacionesque nos acercan al universo creativo de Yoshitoshi yal folklore nipón desde sus remotos inicios, se convierte de este modo en una completa enciclopedia visual de la historia de Japón por la que veremos desfilarpoesía y teatro, bellas geishas y fieros samuráis, misteriosos fantasmas y tradiciones ancestrales, cortesanos versados en el uso de la espada y la palabra, ehistorias que nos hablan de amor y guerra.
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Formas, tipos y estilos son los conceptos más habituales a la hora de estudiar la historia de la arquitectura, pero esta también puede abordarse desde la energía, el clima, los recursos materiales y la experiencia corporal. Tal es el propósito de esta '' Historiamedioambiental de la arquitectura '' (la primera ensu género), que presenta edificios, ciudades y territorios a través de su relación con los cuatro elementos de la tradición clásica: el fuego, la tierra, el agua y el aire. Por sus páginas desfilan tanto ejemplos populares (la casa en torno al fuego, los palafitostropicales, los hórreos o la casa patio) como modelos cultos (la '' domus '' romana, el monasterio cisterciense o el palacio islámico), acompañados por la historia, paralela pero no menos importante, de las técnicas (chimenea, calefacción centralizada, aire acondicionado), las infraestructuras (acueductos, canales, cloacas) y las ideologías (higienismo, helioterapia, naturopatía) que han moldeado nuestras ciudades y nuestra idea del confort y la salud. El resultado es un relato apasionante donde arquitectura, ciencia, filosofía, medicina y antropología se entreveran de unamanera inédita y fructífera.
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Estas páginas recogen las clases que Nicholas Ray impartió a sus alumnos entre 1971 y 1979. Clases de cine, de interpretación y de dirección de actores que transmiten una apuesta vital irrenunciable en busca de la autenticidad emocional y de la máxima libertad expresiva. El conjunto ofrece una valiosa colección de textos y de debates bajo los que palpita una filosofía de la vida y de la creación que entrelaza las propias experiencias autobiográficas del cineasta con las enseñanzas y las teorías de autores a los que admira (Stanislavski, Grotowski) para bucear en los rincones más íntimos y más incontrolables del alma humana. Reunidos y editados por Susan Ray, la mujer que compartió con el cineasta los últimos diez años de su vida y que estuvo implicada en el rodaje de sus últimas películas, estos textos se presentan aquí en una edición especial completamente inédita, pues se enriquece con la traducción y con un comentario paralelo en extenso a cargo de Manuel Martín Cuenca (director de películas como La mitad de Óscar, Caníbal, La hija o El amor de Andrea), cuya aportación contextualiza de forma didáctica las reflexiones del cineasta norteamericano, a la vez que potencia su actualidad y su vigencia.
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El lenguaje visual ha creado dos universos -el del arte y el del diseño- que a menudo confluyen y se entrelazan, pero que en otras ocasiones se distancian y se ignoran. El mundo del arte es el del estilo personal, la crítica, la fantasía, la belleza. El del diseño, en cambio, es el del profesional, la industria, la creatividad, la funcionalidad. Son mundos paralelos que Bruno Munari disecciona magistralmente en estas páginas, permitiéndonos intuir la naturaleza profunda de dos de las actividades humanas más estrechamente vinculadas a nuestra facultad creativa. Un iluminador ensayo que sacudirá la mente de cualquier persona vinculada al ámbito de la creatividad.
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La conservación del patrimonio cultural presenta un campo de estudio amplio y complejo que integra conocimientos procedentes de distintas disciplinas académicas. Se trata, además, de una materia crítica que está sometida a constante revisión y debate, en cuanto se interroga sobre el valor y sentido que el patrimonio cultural reviste para las sociedades actuales. En «Conservación del Patrimonio Cultural. Teoría, historia, principios y normas», se tratan estos temas dentro de un planteamiento integral y sistemático que parte del esclarecimiento del concepto y problemas del patrimonio cultural, para exponer a continuación las distintas teorías y metodologías de restauración y/o intervención sobre los bienes culturales a través de la presentación crítica del pensamiento y la actuación de sus protagonistas, escuelas y tendencias. El libro incluye también una recopilación analítica y ordenada de los principales textos y documentos dedicados a la conservación del patrimonio cultural. En esta segunda edición, revisada y actualizada, se han introducido nuevas cuestiones, como la reflexión sobre el concepto de autenticidad, la función del patrimonio como soporte de la identidad cultural, la necesidad de la conservación no solo de las grandes obras y monumentos sino también de los conjuntos históricos y los paisajes culturales, así como las temáticas referentes al patrimonio inmaterial y al turismo cultural.
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El director de cine, crí tico y escritor irlandé s Mark Cousins ha creado un libro magní fico y un artefacto de granvalor artí stico que repasa la historia de la mirada humana a lo largo de los siglos. Desde las civilizaciones antigua
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El arte de los jardines es absolutamente inseparable de la idea de representación, siendo esta un elemento esencial inscrito en letras mayúsculas en el gran texto de la historia de los jardines. El jardín funciona también como representación de ideas
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En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la secciónde referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo
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Reunimos en este volumen algunos de los más notables -e inéditos- escritos de Isidoro Valcárcel Medina, muchos de ellos concebidos como intervenciones públicas. Las reflexiones que contienen arrastran un caudal de ideas -ni manoseadas ni automáticas- que son un estímulo mayor para el pensamiento, que excede los límites del arte. Si bien Valcárcel Medina está considerado como uno de los artistas conceptuales más importantes de nuestro tiempo, quien se acerque a estos textos encontrará en ellos el fruto de un pensador que desmenuza pacientemente cada una de las cuestiones que aborda. En este libro, que ha de degustarse con pausa -no valen aquí las prisas- se incluyen los siguientes ensayos: «Espíritu de aprendiz», «El arte económico», «Estado de sitio», «Primores de la disidencia», «La ciudad nonata», «Indicios racionales de irracionalidad» y «El seguro azar».
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Cuando apareció publicada por primera vez esta Historia del pensamiento estético árabe. Al-Andalus y la estética árabe clásica (Madrid, Akal, 1997), la Estética venía a reencontrarse con una parte importante de su historia olvidada, al contemplarse en el espejo de una cultura como la árabe, tan determinante en el devenir de la Historia pero con frecuencia apartada de nuestra mirada. El profesor José Miguel Puerta Vílchez no sólo suministró un nutrido aparato documental y crítico para conocer y valorar la aportación árabe al campo conceptual de la Estética, en la que al-Andalus jugó un papel fundamental, sino que incentivó también a los estudiosos de las artes del Islam a tomar en consideración los referentes filosóficos y textuales árabes clásicos, y animó al esteta a que se acercara con provecho al multiforme vocabulario de esta rica cultura humanista. El interés suscitado por la obra, sobre todo en el mundo anglosajón, motivó que fuera vertida recientemente al inglés a cargo de la prestigiosa editorial Brill (tr. de Consuelo López-Morillas, Leiden-Boston, 2017). En este libro, para cuya reedición el autor ha llevado a cabo una minuciosa labor de revisión y actualización, se analizan los discursos sobre la belleza, las artes y la percepción estética en lengua árabe desde la época preislámica y la revelación coránica (siglo VII) hasta los poemas de la Alhambra de Granada (siglo XIV), prestándose especial atención a pensadores tan relevantes como Ibn Hazm, Ibn Bayya, Ibn Tufayl, Ibn Rusd, Ibn Arabi, o Ibn Jaldun, y otros autores andalusíes, además de a los Hermanos de la Pureza, al-Tawhidi, al-Faradi, Ibn Sina, Ibn al-Haytam o al-Gazali, pertenecientes al Oriente árabe e islámico. Asimismo, Puerta Vílchez traduce, examina y confronta entre sí otros textos de significación estética que abarcan desde el legado poético, las bellas letras y la prosa histórica, hasta la tratadística caligráfica, musical, literaria y erótica.
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Leonardo es el maestro de los rostros, de las anatomías, de las máquinas. Sabe con qué se hace una sonrisa puede ponerla en la fachada de una casa, en los repliegues de un jardín desmelena y ondula los filamentos de las aguas, las lenguas del fuego...ö
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Un trabajo exhaustivo que recoge el aporte de las mujeres en las distintas ramas del arte a lo largo de la historia* Guía de bolsillo de los movimientos, las obras, las transformaciones y los temas fundamentales. * Información exhaustiva que va desde las transformaciones impulsadas por las mujeres en su intento de lograr la igualdad con los artistas masculinos hasta las importantes aportaciones que las mismas efectuaron a los movimientos artísticos dominados por los hombres, pasando por todas aquellas artistas desconocidas y olvidadas que están siendo redescubiertas en la actualidad. * Accesible, concisa y profusamente ilustrada, esta obra revela las correspondencias entre los distintos períodos, artistas y estilos, y ofrece a los lectores una completa explicación que les permitirá disfrutar ampliamente de los grandes logros de las mujeres artistas. La producción artística femenina data de tiempos ancestrales, sin embargo, las mujeres han sido excluidas, ignoradas y prácticamente borradas de la historia del arte. Este libro presenta algunas obras de arte producidas por mujeres desde el Renacimiento hasta la actualidad, además, gracias a las correspondencias entre las diferentes secciones, es posible ampliar la información, todo ello sin dejar de celebrar la dedicación y los logros de tantísimas mujeres y de dotar a su obra de contexto.
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Rembrandt alcanza una expresión artística del movimiento vital hasta entonces desconocida: una expresión que no puede traducirse en un método o un estilo sinoque depende por entero de su genio. Como demuestran sus retratos, el problema ''pictórico'' de Rembrandt es sencillamente la representación de una totalidad humana viva, justamente en tanto problema pictórico, yno psicológico, metafísico o anecdótico: su pintura plasma la movilidad de la vida interior.
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Vicenç Altaió, els ulls fèrtils
Al llarg de la seva prolífica trajectòria, Vicenç Altaió ha impulsat el reconeixement als nostres poetes avantguardistes mitjançant exposicions, publicacions i homenatges, com un deure generacional amb els pares de la modernitat artística catalana: J.V. Foix, Josep Palau i Fabre, Joan Perucho, Cirlot, Joan Brossa, Salvat-Papasseit... Ara correspon als seus contemporanis reconèixer i celebrar la seva aportació a l'agermanament de la poesia i les arts visuals, tot seguint la tradició que ens han llegat aquests poetes, o artistes com Joan Miró, Salvador Dalí i Antoni Tàpies. Tot i haver dedicat una bona part de la seva obra a prologar, escriure o promoure artistes, ha estat en la bibliofília on ha desenvolupat un projecte que aquesta exposició certifica. Du per títol Ulls Fèrtils com un homenatge a Paul Éluard, figura que va jugar un paper similar al seu molts anys abans, i en un altre context. Ell va ser al dadaisme i al surrealisme allò que Vicenç Altaió ha significat i significa pels artistes catalans del canvi de segle. El poeta, a la fi, és un mitjancer que incita amb les paraules i les idees.
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Art, plaer o penitència?
Recull d'articles sobre teoria estètica del historiador de l'art Francesc Fontbona. El llibre és un assaig d'art en el que es tracten qüestions com els estils, el paper de les institucions publiques en el món de l'art, la evolució de l'art, etc.
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Durante la Guerra de Sucesión española, el humanista,empresario y tesorero real Juan de Goyeneche (1656-1735) y el arquitecto José Benito de Churriguera (1665-1725) levantaron la ciudad industrial de Nuevo Baztán, cerca de Madrid. Impulsada por el espíritu reformista de los novatores , como el propio Goyeneche, einspirada en el modelo económico que desarrolló en Francia Jean Baptiste Colbert, ministro de finanzas deLuis XIV, la Grande Fabrique de Nuevo Baztán supusola introducción en España de un moderno sistema de producción de objetos suntuarios (textiles, vidrios, licores, papel, etc.) destinados no sólo a satisfacerla demanda de la corte sino también a la exportacióny comercio internacional, anticipándose a las RealesFábricas españolas y constituyendo una experiencia pionera en Europa por su dimensión territorial y su impacto demográfico y económico en la comarca, al tiempoque añadía una nueva ciudad al mapa de España. El triunfo de la Ilustración marcó el fin de esta utopía yel cese de toda actividad industrial, convirtiéndoseNuevo Baztán en un pueblo agrícola y residencial, que todavía sorprende por el rigor de su trazado y la belleza y monumentalidad de sus edificios principales,testigos elocuentes de esta portentosa iniciativa, cuyo alcance sólo podemos entender conociendo a sus artífices, Goyeneche y Churriguera, las distintas fábricas y sus productos, la vida cotidiana del Lugar, sucuidada arquitectura y su impecable forma urbana.
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