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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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¿Qué es el arte? ¿Por qué objetos con siglos de antigüedad siguen fascinándonos en la actualidad? ¿Qué misión poseen las instituciones de los museos, dedicadas a su conservación y difusión?El arte es un medio de conexión cultural con nuestro legado. A través de las obras artísticas, las civilizaciones precedentes se expresaron a sí mismas y nos transmitieron un mensaje, mensaje que actualmente se lee en clave de cohesión social, promoción de valores universales y construcción de una cultura para la paz.El arte se convierte, así, en una herramienta didáctica fundamental para lograr una educación integral y por competencias del alumnado. Por ello, este libro presenta al lector un análisis de las instituciones encargadas actualmente de la conservación y difusión de dichas piezas, los museos, así como de las posibilidades didácticas que estos poseen para hacer legible el mensaje de la obra de arte.El lector descubrirá en esta obra los entresijos del mundo del arte y sus diversos agentes, y encontrará una propuesta de reformulación del mundo del arte a partir de diversas teorías, que, más que dar respuestas cerradas, abrirán un marco de posibilidades para la reflexión sobre el arte en la actualidad.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Sigmar Polke. Afinidades desveladas, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 26 de noviembre de 2024 y el 16 de marzo de 2025.Las reflexiones sobre la pintura han sido una obsesión a lo largo de la historia tanto para los artistas como para los historiadores de arte. La obra de Sigmar Polke, artista alemán considerado como uno de los pintores más influyentes de la posguerra, se centra en la reflexión y la revalorización del arte pictórico, esencial en su aproximación creativa. Esta se concreta en términos de experiencia, de exploración y de azar, y potencia la mezcla imprevista de imágenes y materia, así como su superposición utilizando cualquier medio técnico.La relación entre Polke y la figura y la obra de Francisco de Goya es el trasfondo de esta exposición y del catálogo que la acompaña. El medio centenar de obras mostradas revela un conjunto heterogéneo de paralelismos entre ambos creadores, una conexión atemporal entre sus temas y su factura. Desde el encuentro de Polke en 1982 con la pintura del maestro aragonés Las viejas o El Tiempo, en el Palais des Beaux-Arts de Lille, las consecuencias sobre su obra se sucedieron con rapidez, afectando tanto a los motivos como a la técnica y los criterios compositivos.
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Los dos márgenes de la ría de Bilbao ofrecen escenas dignas de las más perturbadoras distopías y evocadoras de un periodo ya concluido. Si bien se aportan datos este es un libro concebido no desde la razón, dado el desconocimiento de la realidad del trabajo en la fundición, la mina o el astillero, sino desde la emoción, alentado por el cariño a un paisaje que perdura en parte. Sirva como reconocimiento a las personas que dedicaron su vida a ello.
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Edición de Servando Rocha. Hubo un tiempo, no hace mucho, en que el tatuaje estaba reservado a una tropa formada por criminales, apaches, presidiarios, legionarios, prostitutas, anarquistas o marineros. Aunque también se puso de moda entre la realeza europea o exhibía en circos y espectáculos de fenómenos. Su uso, un código secreto en manos de fueras de la ley, despertó la fascinación e interés de numerosos antropólogos, criminólogos y médicos que, siguiendo las ideas del italiano Cesare Lombroso –padre de la antropología criminal–, veían en el tatuaje un signo de atavismo y predisposición a la locura, violencia y asesinato, y los tatuados rarezas y seres misteriosos.En España, desde que en 1888 Rafael Salillas, nuestro «pequeño Lombroso», mostrase su colección de tatuajes de delincuentes patrios, los tatuados, que fueron fotografiados y estudiados, sembraron el terror y desconcierto: oleadas de apaches con el cuerpo cubierto de dibujos obscenos y llamadas a la venganza, llegaban a ciudades como Madrid, Barcelona o Bilbao, entre otras, al tiempo que defendían la bohemia más hampona. Más tarde, milicianos y falangistas ocultaban –o directamente se arrancaban– aquellas marcas delatoras (hoces y martillos, yugos y flechas en brazos y pechos) que podían costarles la vida y los legionarios –una auténtica subcultura tatuada–llenaban sus cuerpos con cruces, vírgenes y nombres de sus amadas. También quinquis, pandilleros, motoristas y rockers fueron pioneros en mostrar aquellas «cicatrices parlantes», como llamaron al tatuaje los mandos policiales y militares.Durante un siglo el tatuaje fue «criminal» y marginal, hasta que en 1989, el fotógrafo y tatuado Alberto García-Alix abrió las puertas de la tienda y estudio de tatuajes El Martillo de Lucifer, donde comenzaría su imparable popularización con Mao, legendario tatuador que en los ochenta tatuaba a la marina estadounidense en Rota, como una de sus grandes estrellas. Lo que vino a continuación ya lo sabemos: el tatuaje y aquel sorprendente estilo de la «vieja escuela» se convirtieron en masivos, elevándose a la categoría de arte y perdiendo el aura de peligro del pasado.Servando Rocha, editor de esta obra única en nuestro país, investigó y rescató antiguos tratados médico-legales, fichas policiales y numerosas fotografías «perdidas» en el tiempo prácticamente nunca vistas, para construir un relato visual de un siglo de «ángeles bellos» y «bárbaros tatuados», junto a espectaculares colecciones criminológicas francesas, mexicanas o alemanas, haciendo de CRIMINAL el gran libro ilustrado del tatuaje de aquella España brutalista, esa que mostró con orgullo y desafío puñales, calaveras y corazones sangrantes.
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Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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El arte moderno es atrevido, experimental y no entiende de reglas. En otras palabras, es perfecto para los niños a quienes les guste crear libremente. Este libro acerca a los pequeños artistas mayores de seis años a la historia del arte moderno a través de 18 obras que sirven de inspiración para estos apasionantes proyectos creativos. No hace falta tener conocimientos previos sobre arte, basta con las ganas de aprender, crear y experimentar.
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Cincuenta y un términos muestran los distintos ensayos institucionales que el centro de artes Santa Mònica ha venido desarrollando en los últimos años, enfocados a repensar su estructura, naturaleza y función desde la práctica diaria. Estos términos, organizados en seis secciones, confeccionan un glosario necesariamente incompleto, no cerrado ni definitivo: una instantánea de una nueva institución que se basa en la porosidad hacia la acción colectiva, así como en una autointerrogación y transformación constantes.
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'He visto de cerca un arte creado lejos del miedo. Eltalento de César Barrio apuesta por la libertad. Sufuerza incluye un vasto conocimiento. En los diálogos, César transmite sin vanidades la erudición musical,literaria, pictórica. Como no mezcla su conocimientocon las calderillas del orgullo, el libro que ahorapublica (este “Lo que no se ve”) está repleto de sustancia. El autor reflexiona deteniéndose en cada detalle sobre cómo se ha llegado a conformar nuestra mirada. Lo hace con hondura que el lector agradecerá.''
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Estos ''Recuerdos de Rubens'', escritos en 1896, constituyen la última obra del maestro suizo. El imperturbable Jacob Burckhardt dedica sus últimas palabras almás fogoso de los pintores, el apóstol del Renacimiento concluye su trayectoria celebrando al pintor barroco por excelencia. El diálogo de Burckhardt con el pintor flamenco es profundo, rico, y va más allá de locientífico para adentrarse en lo espiritual. Más queuna biografía, un análisis de las obras o un estudiodel estilo, Burckhardt rinde aquí sentido homenaje alo que Rubens, con su portentosa fuerza creadora y su capacidad de unir el arte del sur y del norte de Europa, ha dejado como legado.
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Este libro recoge una serie de apasionantes y esclarecedores escritos de Ignacio Gómez de Liaño sobre Salvador Dalí, sin duda una de las figuras capitales delarte del siglo XX, a cuya obra y personalidad Liaño ha dedicado varios libros, como El camino de Dalí (Diario personal, 1978-1989) y el titulado sencillamenteDalí, además de incontables artículos. Dalí funde y amalgama arte y vida en un continuo inseparable, cumpliendo ejemplarmente una de las aspiraciones de las vanguardias: su propia vida se convierte en creación deliberada y, sin ella, su multiforme obra (pintura, dibujo, poesía, prosa...) no puede ser cabalmente entendida en toda su riqueza y complejidad. El Surrealismo, lo comestible, el oro, Gala, el método paranoico-crítico… son algunas de las múltiples y acaso contradictorias variables que hacen que Dalí siga planteando,como todo gran artista, una ecuación cuya incógnita permanece irresuelta. Gómez de Liaño se acerca a Dalídesde el análisis de su pintura y el interés común enla “persistencia de la memoria” y también desde la palabra del pintor. Cimentadas sobre la amistad e incontables conversaciones con el artista, a quien visitaba a menudo en Portlligat o en el Teatro-Museo de Figueras, acompañándole incluso mientras pintaba, estaspáginas despliegan una suerte de personal desciframiento del enigma daliniano.
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Toiles de cauchemar, dont jamais on n’avait vu les équivalentes dans la peinture. Si réels, et si sauvages, avec une sorte d’accent à demi caricatural qui double l’horreur de la scène, les Désastres de la guerre sont des impressions, des visions brèves et globales de l’effroi, où le détail ne joue que pour en multiplier l’effet, une apparition fulgurante qui semble jaillir de la nuit pour y rentrer aussitôt. Si le mot de “ visionnaire ” n’avait existé, il eût fallu le créer pour désigner l’art de Goya. Et si le “ réalisme ” était autre chose qu’un mot, c’est peut‐être Goya qui nous eût contraints de l’insérer dans notre vocabulaire. Il est le plus grand visionnaire du réel qui ait sans doute existé.
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El brillante ensayista que es Oscar Wilde, con su prosa ágil y certera, profunda y desenfadada, a menudo irónica y siempre amena y desbordante de inteligencia, nos ofrece, en estos breves ensayos sobre arte, una deliciosa muestra de su sabiduría. Wilde fue cofundador del movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios), que anticipó las vanguardias artísticas del siglo XX, y expone aquí las ideas centrales de una forma de ver el arte que sigue teniendo hoy pleno vigor. Preconiza la unidad espiritual de las artes y las vincula estrechamente con la artesanía, devolviendo a esta la dignidad artística y la pulsión creativa que clasicismo y romanticismo le habían negado. Vincula el arte a la vida, como algo que otorga sentido a lo cotidiano y que desentraña sus secretos, pone en relación el arte, la arquitectura, el diseño y la artesanía en sentido amplio, aborda temas como la decoración, la escultura, la impresión y la encuadernación de libros, el diseño de ropa... En definitiva, este libro constituye un breve tratado del buen gusto, una sencilla y magistral lección de estética aplicada al arte, al diseño y a nuestra vida, una invitación a abrir los ojos a la belleza que nos rodea y a mirar la vida con la inteligencia estética que predicó Wilde.
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Un libro polémico sobre las derivas del arte contemporáneo, con un nuevo prólogo y nuevo capítulo de la autora Edición ampliada y actualizada ¿Ha perdido el arte su aura, su dimensión intelectual o, lo que es peor, su poder de comunicación, dicho en otras palabras, su principal razón de ser? En este libro polémico y escrito a contracorriente de la crítica más conformista, Marie-ClaireUberquoi reflexiona sobre la plástica de las últimas décadas, centrándose en los artistas que han llevado más lejos sus deseos de acoso y derribo de la noción tradicional del arte para plantearse nuevas vías de expresión. Muchos piensan que se ha tocado fondo y hablan de la impostura de la creación actual. Otros apuestan por un arte supuestamente renovador plasmado en trabajos que no tienen nada que ver con el goce estético. El rechazo del objeto artístico, la explotación publicitaria de obras falsamente provocadoras, la deriva hacia el activismo político y el fenómeno de la banalización del arte son algunas de las cuestiones analizadas en este ensayo que propone reivindicar «otro arte contemporáneo» ajeno a la cultura del espectáculo.La crítica ha dicho:«Un gran reportaje bien realizado sobre lo que ha sido el arte de esta generación».Eugenio Trías «Un libro muy inteligente, documentado y valiente».José Corredor Matheos
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La presente obra constituye el primer esfuerzo riguroso y omniabarcador por desarrollar un relato histórico de la performance desde las experiencias que salpicaron las vanguardias hasta las formulaciones más contemporáneas.En primer lugar, se ofrece un amplio análisis sobre la presencia que las estrategias performativas tuvieron en las vanguardias históricas. Identifica después aquellas rupturas que se produjeron en el seno de la «modernidad» tras la Segunda Guerra Mundial y que condujeron a la eclosión de movimientos tan decisivos como el happening y el Fluxus. Aborda a continuación el surgimiento y desarrollo de la performance posmoderna, fruto del descentramiento del sujeto, y, finalmente, analiza la reformulación de los lenguajes performativos en el actual contexto de la globalización.En estas páginas, el autor analiza con maestría el zigzagueante itinerario trazado por las llamadas «artes vivas», también desde un punto de vista poscolonial, traza un amplio arco que desborda las estrechas concepciones, privativas de Occidente, que han ahormado con frecuencia las narrativas de la performance y se adentra en la intensa y prolija praxis artística desarrollada en territorios tradicionalmente considerados como «periféricos»: Latinoamérica, China, India, Corea del Sur o Sudáfrica. Además, habida cuenta de que la performance constituye, por definición, un «lenguaje fronterizo», expuesto continuamente a procesos de contaminación e hibridación, las cuestiones examinadas en este estudio invaden asimismo campos anejos como la danza o el teatro.
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Aunque, a principios de los años 70, firmara algunos de los artículos más reseñables de la edad de oro de Rolling Stone -como el reportaje sobre Dennis Hopper en Nuevo México- Robin Green jamás fue reconocida en la revista como realmente se mereciera. Auténtica especialista en retratar al sujeto con una inalterable energía, no duró mucho en aquel selecto círculo del Nuevo Periodismo. Fue expulsada por el fundador de la revista Jann Wenner al negarse a cumplir un encargo con uno de los Kennedy, en un acontecimiento que quedaría para siempre en mítico imaginario de la prensa musical mundial. Con el paso del tiempo, ya como guionista y productora de televisión, Green recibió tres premios Emmy y dos Globos de Oro por su trabajo en las series Doctor en Alaska y Los Soprano.
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Mirar a la cartografía desde las disidencias sexuales posibilita un proceso de resignificación que habla en otros términos, trata otros territorios y rompe con los ideales hegemónicos de lo cartográfico. Busca encontrar un potencial que permita cuestionar, remover e imaginar otras vivencias posibles, dar cuenta de lo subjetivo y activar herramientas que denotan una voluntad política. El trabajo de Kyle Lasky, nucbeade y Lucas Larochelle forman esta primera aproximación cartográfica acompañados de un texto de Yera Moreno. Son mapas que están construidos con argamasa de memoria colectiva, experiencias personales, deseos entrelazados y relatos ficcionados. Hacen referencia a las diferentes formas de vivir y habitar el espacio a través de testimonios, fotografías u otros registros que cuentan historias, historias que hablan desde la memoria, la intimidad y la ficción, desde lugares de resistencia y de vulnerabilidad.
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Edición a cargo de David García Cueto, comisario de la exposición y conservador de Pintura Italiana y Francesa hasta 1800 del Museo del Prado. Inglés. Rústica. 24 x 30 cm. 448 páginas.Publicado con motivo de la exposición Guido Reni, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 28 de marzo y el 9 de julio de 2023.Guido Reni (1575-1642) fue uno de los artistas más destacados en la Europa de su tiempo, llegando su fama al nivel de la que alcanzaron Rubens, Caravaggio o Bernini. Desde su Bolonia natal, su obra se difundió no solo por buena parte de Italia, sino que también alcanzó algunas de las principales capitales del continente, como París, Londres o Madrid. En efecto, España no permaneció ajena al interés por las creaciones del maestro boloñés, coleccionadas tanto por la corona como por algunos de los más destacados miembros de la aristocracia y que, en varios casos, acabaron en los fondos del Museo Nacional del Prado. Además, a la vista de sus obras, ciertos artistas hispanos decidieron enriquecer su propio lenguaje con la evocación de las propuestas de Reni, entre ellos varios pintores de especial relevancia, como Bartolomé Esteban Murillo.Este catálogo pone de manifiesto la actualidad del legado de Guido Reni. Cuenta con nueve ensayos, a cargo de otros tantos autores internacionales, y se centra en su obra y su técnica, así como en el contexto en el que destacó en la Bolonia y Roma de su época y en particular en su relación con España durante el siglo de Oro. Además, analiza y reproduce casi cien obras de Reni y otros artistas entre pinturas, dibujos y esculturas.
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El marco geográfico de la actual provincia de Cádiz, primitivo territorio del Reino de Sevilla, fue testigo histórico de la convivencia entre dos sistemas sociales y económicos: el agrícola y nobiliario, que se miraba al espejo hispalense, y el comercial y burgués, que se abría a los dos grandes mares. Ambas realidades generaron entre sí amplias relaciones culturales y artísticas, aportando a la zona recíprocas transferencias de forma y estilo, y también de artistas que trabajaron a caballo entre las dos realidades, o cuya obra sirvió de cruzada referencia estética. En este contexto artístico, la ciudad quedaría constituida en el verdadero marco de recepción y valoración de la cultura material. De todo ello se ocupan los nueve autores de este libro que, con prólogo de Alfredo J. Morales, aporta, mediante enfoques metodológicos renovados, una visión inédita del arte de Cádiz y su entorno en la Edad Moderna.
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En este libro concebido para el público general aficionado al arte y al estudiante que da sus primeros pasos en la materia, Dana Arnold proporciona un conocimiento básico sobre los aspectos fundamentales de la cultura visual y permite al lector equiparse con las herramientas básicas necesarias para tanto para el estudio como para el disfrute del arte.
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Amb un to despreocupat i una mica irreverent, aquest llibre està pensat per apropar l'art als infants, que aprendran que pot ser molt i molt divertit i esbojarrat. Sota la guia del gat Roc, descobriran que en l'art tot s'hi val, només calen ganes de passar-s'ho bomba. El text es complementa amb una magnífica combinació d'il·lustració i fotografia.
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Cuando apareció publicada por primera vez esta Historia del pensamiento estético árabe. Al-Andalus y la estética árabe clásica (Madrid, Akal, 1997), la Estética venía a reencontrarse con una parte importante de su historia olvidada, al contemplarse en el espejo de una cultura como la árabe, tan determinante en el devenir de la Historia pero con frecuencia apartada de nuestra mirada. El profesor José Miguel Puerta Vílchez no sólo suministró un nutrido aparato documental y crítico para conocer y valorar la aportación árabe al campo conceptual de la Estética, en la que al-Andalus jugó un papel fundamental, sino que incentivó también a los estudiosos de las artes del Islam a tomar en consideración los referentes filosóficos y textuales árabes clásicos, y animó al esteta a que se acercara con provecho al multiforme vocabulario de esta rica cultura humanista. El interés suscitado por la obra, sobre todo en el mundo anglosajón, motivó que fuera vertida recientemente al inglés a cargo de la prestigiosa editorial Brill (tr. de Consuelo López-Morillas, Leiden-Boston, 2017). En este libro, para cuya reedición el autor ha llevado a cabo una minuciosa labor de revisión y actualización, se analizan los discursos sobre la belleza, las artes y la percepción estética en lengua árabe desde la época preislámica y la revelación coránica (siglo VII) hasta los poemas de la Alhambra de Granada (siglo XIV), prestándose especial atención a pensadores tan relevantes como Ibn Hazm, Ibn Bayya, Ibn Tufayl, Ibn Rusd, Ibn Arabi, o Ibn Jaldun, y otros autores andalusíes, además de a los Hermanos de la Pureza, al-Tawhidi, al-Faradi, Ibn Sina, Ibn al-Haytam o al-Gazali, pertenecientes al Oriente árabe e islámico. Asimismo, Puerta Vílchez traduce, examina y confronta entre sí otros textos de significación estética que abarcan desde el legado poético, las bellas letras y la prosa histórica, hasta la tratadística caligráfica, musical, literaria y erótica.
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La Historia del Arte está repleta de tesoros por descubrir, a pesar de que suelen estar a lavista de quien contempla el cuadro o la escultura en la que estándisimulados. Manuel JesúsSegado-Uceda nos ofrece en esta obra algunos ejemplos maravillosos. El lector sesentiráante uno de esos pasatiempos que contienen errores por descubrir y que están ante sus ojos,pero tanbien disimulados, que deberá emplear más tiempo delsospechado en advertirlos.Así sucede con muchas obrasde Arte. Las contemplamos mil veces sin reparar en quedisimulan información que no imaginábamos.Mariano F. Urresti.El propósito de los siguientes capítulos esotro el de divulgar parte de la «Ocultura» querodeaa la historia del arte. E intentar que la mirada delespectador se proyecte más allá delos lienzos de laspinturas, de los materiales que presentan las esculturas o de lafuncionalidad para la que se concibió unaarquitectura.
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Un maestro de la crítica nos guía por el arte del siglo XX En las críticas aquí reunidasse dan cita diversos artistas, personajes y movimientos artísticos. J. F. Yvars prodiga sus amplios conocimientos de historia del arte y ofrece una magníficaretrospectiva del arte moderno en la que nos invitaa reflexionar sobre el hedonismo y la sensualidad en la obra de Matisse, la deformación pictórica en lade Bacon, la estética visionaria de Balthus, el genio creador de Picasso o las provocaciones de Duchamp.Además, el discurso de Yvars dialoga con pensadoresde la talla de Benjamin, Adorno o Clark. Sobre el autor y su obra:«Yvars lleva más de medio siglo descifrando la experiencia estética en palabras.»ABC «Yvars no habla solo de arte, sino que lo inserta siempre en el mundo culturalcontemporáneo.»Josep Maria Castellet, El País
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¿Qué tienen en común estas seis mujeres, aparte de haber vivido en un mundo y una época extraordinarios? Todas ellas fueron musas ala manera clásica, inspiradoras de artistas y escritores, pero fueron también las primeras musas de la modernidad debido a
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Durante mucho tiempo, la visión que hemos tenido de la museología y los museos ha estado condicionada porcriterios sociales y académicos muy jerarquizados y elitistas, que restringían su acceso a solo unos pocosprivilegiados. Hoy la sociedad ha cambiado y, con ella, los museos se han visto obligados a replantearseuna nueva manera de relacionarse con el público. Comoconsecuencia, son muchas las personas que se acercana los museos con el propósito de entablar un diálogoabierto y crear un espacio de comunicación donde seaposible dejar oír distintas voces. Sin embargo, todavía existen muchos colectivos que, por diversos motivos, no han traspasado los umbrales de los museos y seven privados de la contemplación y disfrute de su patrimonio. Otros, además, han sido testigos de cómo sus obras de arte más importantes permanecen en grandesmuseos extranjeros, muy alejadas de su hábitat físico y cultural, y reclaman su retorno. Urge, por tanto,elaborar un discurso museológico donde, a partir deuna hermenéutica textual e institucional, se haga unalectura de la museología que, situándose desde los márgenes, esté dispuesta a acoger las inquietudes y propuestas de todas aquellas personas que se encuentranen las periferias sociológicas y culturales. El propósito de estas páginas no es otro que invitar a adentrarse en el mundo de los museos, contemplados desde los márgenes, porque estamos convencidos de que solo así se logrará elaborar una museología inclusiva y multicultural.
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¿De qué época es un cuadro? ¿Quién lo pintó? ¿Qué nos explica? ¿Por qué nos gusta? ¿Cómo consigue emocionarnos? Todos nos hacemos estas y otras muchas preguntas cuando admiramos una obra de arte y, la mayoría de las veces, no sabemos cómo contestar. Este libro ofrece esas respuestas y permite al lector penetrar en la intimidad de cada cuadro para acercarse al arte desde una nueva perspectiva. La obra se organiza alrededor de los seis grandes ejes que ayudan a comprender un cuadro. Desde su análisis como simple objeto que hay que datar y del que se deben desentrañar las características (materiales empleados, técnica, soporte...) hasta el estilo pictórico, pasando por el tema, la composición, el dibujo y el color, y el tratamiento de la figura humana
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Lino Tagliapietra has been described as the world’s greatest glassblower, a figure born from the five-hundred-year-old culture of Venetian glass, but one who also revolutionized glass as a discipline, inventing new techniques to create his masterful works. Even more astonishing, as Tagliapietra hit his full stride, he has become a notable figure in the unfolding story of modern sculpture – an artist whose distinctive works are coveted by collectors of contemporary abstract art and whose vision makes us think about art history in new and profound ways.
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La mente en la caverna, de David Lewis-Williams (9788446041276).El arte que se creó en las profundidades de las cuevas de Europa occidental a finales del periodo glacial produce admiración y asombro a partes iguales. ¿Qué nos dicen los animales y los símbolos pintados sobre las paredes de cuevas como las de Lascaux, Chauvet y Altamira acerca de la naturaleza de la mente ancestral? ¿Cómo surgieron, por así decirlo, de la nada? La mente en la caverna ofrece la explicación más convincente de todas las que hasta ahora se han propuesto para los orígenes del arte: la respuesta se halla en la evolución de la mente humana. En sus distintos capítulos, el autor combina toda una vida de investigación antropológica con los avances en el ámbito de la neurología más recientes para mostrar cómo los Cromañones, a diferencia de los neandertales, poseían una conciencia de nivel superior y una estructura neurológica más avanzada que les permitían experimentar trances chamanísticos e intensas imágenes mentales que, con el tiempo, tuvieron la necesidad de «fijar» sobre las paredes de las cuevas. El resultado es un libro apasionante, un trabajo casi detectivesco que arroja luz sobre los misterios de nuestros primeros antepasados y sobre la naturaleza de nuestra propia conciencia y experiencia.
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Una accesible e informativa guía sobre el arte pictórico desde el siglo XV al XXI que le permitirá desarrollar las habilidades y conocimientos necesarios para disfrutar de los diferentes estilos pictóricos. Toda la dilatada experiencia de Liz Rideal transmitida, de una manera sencilla y amena, en el detallado análisis de 50 obras de la pintura universal.
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Esta obra surge de la necesidad de contar con una obra a modo de estado de la cuestión respecto a la cerámica y su historia, revisalo escrito hasta la fecha y, ofrece de forma multidisciplinar las claves de la ceramología que en distintos capítulos
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Activismo en el mundo del arte: hacia una ética delcomisariado artístico parte de un principio básico:el mundo del arte como institución jerárquica y hegemónica (integrada por historiadores, museos y salas de exposiciones, mercados de subastas, editoriales, periodistas, críticos y, también, comisarios de exposiciones, etc.) privilegia determinados modos de hacer arte y a ciertos artistas, por lo general blancos y occidentales, a costa de excluir y silenciar el resto de artistas y propuestas creativas procedentes de países y colectivos marginados. Este libro es, al mismotiempo, un manual de Historia del Arte, relatada a través de las exposiciones más transgresoras y reivindicativas organizadas desde la década de 1970 hasta laactualidad, y un Manifiesto de alcance ético y cultural, formulado con la intención de promover entre todos los agentes implicados, especialmente entre los críticos de arte y los comisarios de exposiciones, un cambio profundo en el mundo del arte que permita y garantice la expresión de la diversidad.
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Páginas interminables se han escrito sobre la belleza, pero poca cosa hay por ahí sobre lo feo. Es decir, lo que a nosotros nos parece feo. Tenemos un gusto y es muy nuestro, incluso estamos orgullosos de él, pero ¿de dónde viene? He aquí una posible res
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A principios del siglo XVII surgieron en Europa las cartillas de dibujo, unos materiales pedagógicos que revolucionaron la metodología tradicional de la enseñanza de esta disciplina, permitiendo a artistas, aficionados y particulares progresar sin la presencia de un maestro, sobre todo en la representación del cuerpohumano. Su principal novedad radicaba en el empleo del grabado: a partir de esquematizaciones, proporciones o líneas de contornos y sombreados, y mediante lacopia directa y repetitiva, el alumno asimilaba un método, una manera y un estilo determinados, memorizando sus gestos y mejorando su destreza. La exposición ala que acompaña este catálogo destaca los ejemplos españoles de los siglos XVII-XIX y los sitúa en el contexto europeo. Aunque su número fue reducido, su interés resulta excepcional, pues desde el principio destacaron por su carácter autóctono y, en ocasiones, novedoso. Junto a artistas como Villafranca, García Hidalgo y López Enguídanos descuella Ribera, que ya en 1622 había comenzado a estampar lo que parecía iba a ser su propia cartilla y que no se publicó hasta décadas después.
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«Unas jóvenes santas presentan en Sevilla un desfilede alta costura. Bellas como andaluzas, los ojos negros, el pelo negro, lucen vestidos largos, con o sin capa […,] El corte de los vestidos, la elegancia de los tafetanes o de las sedas bordadas en oro y plata, la audaz combinación de los colores […,], el refinamiento de los detalles […,], todo contribuye a crear la ilusión de un desfile de alta costura en el Siglo de Oro […,] Pero la ilusiónse disipa en cuanto nos acercamos». A través de una selección de cuadros de santas realizados por Zurbarán, Florence Delay nos descubre la secreta relación entre la majestuosa indumentaria con que las retrató elpintor extremeño y la existencia que las elevó muy por encima del común de los mortales. Un ensayo refinado y erudito sobre la sutil relación entre arte y moda.
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Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) est un précurseur. C'est un peintre de génie. Les véritables sujets d'un peintre ce sont les formes, les groupements, les harmonies, les choses que l'il voit dans la nature et que le raisonnement et la mémoire nomment ensuite. Fragonard a été en possession des connaissances de lart d'une façon qui le rapproche singulièrement de nos peintres modernes. Il fut un préparateur de l'art impressionniste par sa vision, par son sentiment de l'atmosphère, par son observation très précise des harmonies complémentaires, par sa faculté de comprendre le dessin des mouvements, et enfin par son pittoresque, son sens du caractère intime.
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La pregunta: ¿Existen nuevas formas de abrir la caricatura a cualquier persona a la que le guste dibujar? La respuesta: ¡Por supuesto! En este libro encontrarás métodos testados y demostrados capaces de simplificar los procesos y enseñar a cualquiera, con independencia de su edad, el arte de la caricatura. ¡Incluye sencillas instrucciones paso a paso y más de 3.000 ilustraciones! Un estudio exhaustivo de emociones y expresiones · Cómo dibujar la caricatura de deportes Caricaturas para publicidad · La caricatura explicada · Desglose completo de personajes caricaturizados Animación para TV · Técnicas de dibujo para caricatura política y de prensa Cientos de estilos nuevos y variados de caricatura · Más de 500 manos caricaturizadas Bocetado de caricaturas · Dibujar multitudes con facilidad · Cómo caricaturizar chicas Montones de preciosas cabezas caricaturizadas · Caricaturas libres e informales · Cientos de rasgos faciales que, combinados, dan lugar a más rostros divertidos que personas hay en el mundo · Cómo crear personajes para chistes y tiras cómicas · Disfraces e indumentaria para caricaturas · Cientos de problemas de cabezas y figuras resueltos
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