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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Las mujeres reclaman su lugar en la historia de la pintura Para ver hay que mirar. Hasta ahora, en la historia de la pintura que nos han contado, las mujeres desempeñaban un papel menor: son solo musas, meros objetos a los que plasmar en el lienzo. Así, las grandes mujeres que ejercieron como artistas por derecho propio apenas se mencionan en una nota al pie, y sus figuras quedaron arrinconadas por las de sus colegas varones. Hemos oído hablar de Caravaggio y Monet, pero, aún hoy, nombres como Berthe Morisot o Remedios Varo no son conocidos por el gran público. En El taller de Artemisia, Sandra Ferrer, autora especializada en la historia de las mujeres, nos invita a descubrir la vida y obra de algunas de las mejores pintoras de los últimos cinco siglos. Viajaremos con Sofonisba Anguissola, dama de la reina Isabel de Valois y autora del retrato más famoso del Rey Prudente. Conoceremos la traumática experiencia de Artemisia Gentileschi, quien, violada y humillada por una sociedad que no creyó su testimonio, pintó audaces cuadros barrocos desde una óptica casi feminista. Recorreremos los grandes estilos del siglo XIX francés de la mano de Élisabeth Vigée-Lebrun, Rosa Bonheur y Berthe Morisot, y nos sumergiremos en el torbellino de las vanguardias y la modernidad junto a Paula Modersohn-Becker, Maruja Mallo, Tamara Lempicka, Remedios Varo y Frida Kahlo, entre otras grandes artistas. Hasta ahora, un velo ha cubierto los nombres de las mujeres pintoras: ha llegado el momento de alzarlo y contar su historia. Igual que Virginia Woolf reclamaba una habitación propia para las escritoras, Sandra Ferrer reclama su propio espacio para las pintoras en la historia del arte.
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'Cuando Picasso murió leí en una revista que había hecho cuatro mil obras maestras en su vida y pensé: ''Caramba, yo puedo hacer eso en un día'''', de este modo reflexionaba Andy Warhol a propósito de Picasso en su libro ''La filosofía de Andy Warhol'', aparecido en 1975. Hacía poco que había muerto Picasso, productivo hasta el final, obsesionado hasta entrados los años 60 del siglo XX con el tema del pintor y la modelo: el artista de la tradición clásica, que se codea con los grandes maestros, que vuelve la mirada hacia ''Las Meninas'' y las multiplica, las convierte en serie, imágenes de las culturas populares que desacralizan el mundo y que fascinaron a tantos artistas desde las primeras décadas del XX. También Picasso cayó bajo el hechizo de esa cultura popular que construyó una relación diferente con la visualidad tal y como se había conocido hasta entonces. De esas culturas populares Picasso aprendía la técnica para construir una imagen en la cual la obra, el personaje, el retrato de ese personaje, la biografía misma... tienen algo de fabuloso proyecto autobiográfico que, igual que ocurre con Dalí, forma parte de una compleja y calculada maniobra que parte del artista, con su imagen siempre bajo control. Sentado ante la pantalla translúcida de Clouzot en ''Le mystère Picasso'' de 1955, Picasso pinta. Pinta y borra. Corrige y las formas se van metamorfoseando. Entonces es un gran maestro, rico y aclamado por todos, como siempre deseó ser. Pese a todo, a pesar del éxito y del cuidado a la hora de diseñar su propia imagen en el ''proyecto Picasso'', una duda última surge frente a este hombre ya mayor que aprendió casi todo del cine, del circo, del vodevil..., una posibilidad de lectura más que, como siempre ocurre con Picasso, reta a nuestra audacia.
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Esta obra es una selección de estudios sobre las complejas relaciones entre la imagen y el lenguaje, y sobre las dependencias ideológicas nacidas de su relación. El planteamiento de cada uno de los trabajos que se recogen aquí aborda transversalmente trasfondos metodológicos de máxima actualidad derivados de las crisis de las disciplinas que se venían encargando de analizar las prácticas artísticas, las instituciones culturales, los imaginarios globalizados y las formas de comunicación masiva inscritas en nuestras narrativas actuales.En todos estos casos, se impone una aproximación intermedial para analizar con nuevas herramientas y perspectiva suficiente fenómenos dispares pero unidos por esta dimensión migrante entre diversos soportes, medios y contextos institucionales. En este volumen podrá encontrarse una propuesta de análisis liberada de determinismos históricos, centrada en la capacidad de los casos de estudio, con independencia de su ubicación o su distancia histórica, para revelar las pervivencias actuales de estos mecanismos de interacción imagolingüísticos.
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Memento mori. En los momentos victoriosos, años se recordaba al militar romano su finitud. Sentimos a diario los avisos de la muerte y del (paso del) tiempo sobre ellos se edifica buena parte de la actividad artística, filosófica y narrativa del ser humano a la largo de la Historia. El propio transcurso del tiempo es capaz de provocar tristeza, pero la memoria es el proceso mental que activa el dolor, ese sufrimiento provoncado por la dificultad para olvidar y borrar, y que convierte a muchos personajes cinematográficos en seres anclados en el pasado, con el que se torturan morbosamente, incapaces de vivir en el presente o entrever un futuro esperanzador.
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Limpieza y suciedad no son conceptos que se deban dirimir exclusivamente en el marco de las normas de higiene dictadas por las autoridades sanitarias o el de los servicios de limpieza y tratamiento de residuos dependientes de cualquier ayuntamiento. Por el contrario, ambas nociones han ido incorporando, a lo largo de su devenir histórico, una dimensión simbólica que ha conllevado su interpretación en términos morales. Los planos de la limpieza física y la limpieza moral aparecen socialmente fundidos y, por lo tanto, imposibles de disociar. Lo limpio es correcto, moral y decente, lo sucio constituye una transgresión de la norma. En el presente libro se abordan las estrategias discursivas. sobre lo limpio y lo sucio que se han desarrollado en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Para ello, se examinan las acciones de lavar o ensuciar como actos políticos conducentes a la definición de cuerpos alternativos que buscan escapar a las presiones disciplinarias del orden social. Asimismo, se analiza cómo los conceptos de suciedad y polución son aplicados a una de las grandes construcciones culturales que han servido para clasificar y excluir: la raza. Por último, y como no podía ser de otro modo cuando se habla de las políticas de la limpieza como garantes del orden moral imperante, se estudia el caso de la sangre menstrual y de su invisibilización -por temor a su efecto de contagio y de corrupción por parte de las políticas visuales patriarcales-. Raza, genero y moral se entrelazan, en consecuencia, en el entramado discursivo elaborado en este ensayo, en el que, por primera vez, se afronta la gestión que los artistas contemporáneos han realizado de conceptos tan connotados simbólicamente como los de limpieza y suciedad.
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La evidencia científica de fenómenos como el cambio climático, el agotamiento de recursos (comenzando por los combustibles fósiles) y la acelerada pérdida de biodiversidad revela que estamos chocando con la realidad impuesta por los límites biofísicos del crecimiento. Pero, a pesar de ello, continuamos sin emprender el camino de la transformación social necesaria para evitar un cada vez más probable colapso civilizatorio a escala planetaria. Lo que de aquí se desprende es que esta crisis no es un problema meramente ''técnico'': en su origen encontramos factores sociales, culturales y políticos que la convierten en una crisis que más bien deberíamos denominar ''sociecológica'' o ''ecosocial''. En este sentido, las Humanidades ecológicas aportan visiones transdisciplinares que, en el marco de un diálogo constante con las ciencias naturales y sociales, permitan pensar las diferentes dimensiones de la crisis -filosóficas, éticas, estéticas, económicas, sociales y culturales- con el fin de abordar los difíciles pero necesarios procesos de transición hacia formas de organización social de verdad sustentables: una humanidad justa integrada en una biosfera próspera.
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Hace ahora más de doscientos años, Patrick Syme describió y completó La nomenclatura del color de Werner con la pretensión de establecer un sistema universal de referencia de los colores, el cual acabó convirtiéndose en un recurso inestimable no sólo para artistas, sino también para zoólogos, botánicos, mineralogistas, anatomistas y exploradores, incluido Charles Darwin en su famoso viaje a bordo del Beagle. Este libro pone el extraordinario volumen de Syme a disposición de los lectores de hoy día en un volumen mejorado con aportaciones de destacados expertos en historia natural, más de mil ilustraciones de la época de todos los animales, plantas y minerales a los que Werner hizo referencia junto a cada muestra de color y seis páginas desplegables. Los colores de la naturaleza es el volumen de referencia ilustrado ideal para artistas plásticos, naturalistas y cualquier persona atraída por la magia del color.
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La autora analiza la importancia que lo visual tieneen nuestra sociedad en relación con pedagogías aparentemente invisibles y altamente tóxicas, expone los modelos generales que se han desarrollado recientementedesde esta área de estudio, y presenta una propuestaconcreta a partir de la cual sea posible ejecutar una educación de las artes y de la cultura visual desdeuna perspectiva innovadora en consonancia con el mundo que nos rodea, el currículum-placenta.
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* Una extraordinaria colección de ''grandes éxitos'': las ilustraciones de animales más populares de Millie Marotta, extraídas de los últimos tres libros: El bosque silvestre, Secretos del mar y Escapada a las islas. * Un cautivador compendio que presenta todo un mundo de criaturas, desde alegres pingüinos hasta ranas, del humilde erizo al elegante dragón de agua chino, además de cinco ilustraciones totalmente nuevas. * Tome sus lápices o rotuladores y piérdase en una aventura para colorear, la actividad consciente más satisfactoria. Reunir una selección de imágenes como esta crea una maravillosa variedad de animales para explorar, procedentes de hábitats de todo el mundo. A medida que pase las páginas, podrá encontrar compañeros poco probables: una ballena jorobada en compañía de una abubilla, mariposas luna de Madagascar con un caballito de mar o un perezoso tridáctilo compartiendo protagonismo junto a un frailecillo atlántico. Ha llegado el momento de comenzar una aventura con los animales. Sumérjase en las profundidades de los océanos, deambule entre árboles de gran altura o prepárese para ir de una isla a otra mientras viaja por los continentes, dando una vida llena de color a una extraordinaria variedad de especies.
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“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant...“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant, Modigliani fut élève à Livourne de Guglielmo Micheli, peintre de paysage dans la tradition des Macchiaoli italiens. Et pourtant avec Modigliani, de par ses nombreux portraits, c’est aussi l’Italie, le Midi et surtout Paris qui parlent.
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La memoria es la capacidad humana para evocar, reconstruir y reproducir el pasado. La memoria permanece íntimamente unida a la identidad: nos permite conocer quiénes somos ''nosotros'', pero también quiénes son ''los otros''.La memoria es la capacidad humana para evocar, reconstruir y reproducir el pasado. La memoria permanece íntimamente unida a la identidad: nos permite conocer quiénes somos ''nosotros'', pero también quiénes son ''los otros''. La memoria del poder ha erigido enfáticos monumentos, algunos todavía orgullosamente presentes en plazas públicas, mientras que otros muchos han sido olvidados o incluso demolidos al repudiarse sus contenidos y sus formas. El poder de la memoria ha sido utilizado por los regímenes totalitarios de todos los tiempos y lugares que han entendido que la forma más tenaz y sistemática de aniquilar a una cultura es precisamente borrar por completo sus recuerdos.En este libro se reflexiona sobre el culto a la memoria, sobre la ética y la estética de la memoria. Las transformaciones sucedidas en la conciencia universal nos llevarán a constatar los cambios experimentados en el arte de la rememoración que han provocado una total inversión de categorías: frente al monumento se propone hoy el contramonumento, frente a lo heroico, lo antiheroico, frente a la celebración de la victoria y la gloria se invoca el trauma y la opresión, frente a la glorificación de los héroes se alza el reconocimiento a las víctimas. Estos sustanciales cambios en la cultura de la memoria se detectan especialmente en sociedades que realizan tránsitos de dictaduras a sistemas democráticos o en lugares sometidos a conflictos armados, guerras o vulneraciones de los derechos humanos.Pero es un proceso que también afecta a los viejos continentes sumidos en el lánguido bostezo de sus democracias consolidadas. Así podremos comprobar cómo la memoria es una sustancia viva, cambiante y fugitiva que muchas veces provoca reacciones encontradas que oscilan desde la identificacióny la exaltación de la memoria hasta su olvido o incluso su destrucción iconoclasta.
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La metrópolis contemporánea cuestiona nuestros valores más profundos, o al menos aquellos a los que estamos más apegados sentimentalmente. ¿Por qué arquitectos, regímenes políticos y culturas (europeas, americanas, asiáticas) que son completamente diferentes entre sí llegan a configuraciones similares? A través de temas generalmente desatendidos por los arquitectos, como la tabla rasa, el espacio basura o la congestión, Rem Koolhaas cuestiona ''lo que en su momento se llamó'' la ciudad como un espacio único para la reflexión. Este libro recoge los ensayos dedicados a algunas ciudades con las que Koolhaas ha tenido contacto por motivos profesionales, académicos o biográficos en las dos décadas de plena madurez: Atlanta, París, Lille, Tokio, Berlín, Nueva York, Moscú y Londres. No se trata de escritos teóricos, sino de un conjunto de textos coyunturales atravesados por laberínticas remisiones internas, situados a mitad de camino entre la experiencia y la reflexión.
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Un recorrido por toda la trayectoria vital y artística de Miró durante su época parisina entre 1920 y 1945. Publicado con motivo de la exposición homónima en el Museo Guggenheim de Bilbao y comisariado por Enrique Juncosa. Coincidiendo con el 40º aniversario del fallecimiento del artista catalán, trazamos un fascinante recorrido por una de las época de mayor efervescencia creativa de Miró. Al pintor, París se le antojó un lugar donde la vida se transformaba en imágenes nacidas del encantamiento y predeterminadas del ambiento colectivo de la época. Miró se hizo con el imaginario artístico que le rodeaba y lo incorporó en su obra que podemos ver a lo largo de esta fantástica edición.
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Un recorrido esencial por el mundo de la historia del arte. Si te haces un lío entre el Rococó y el Manierismo o entre el Modernismo y el Impresionismo, este pequeño libro, muy práctico y accesible, te llevará de la mano a través de las distintas corrientes y épocas artísticas de la historia. Entiende de una vez la diferencia entre los órdenes arquitectónicos clásicos (dórico, jónico y corintio), y disfruta de las mejores obras artísticas de la historia de la humanidad a la vez que aprendes a situarlas en su contexto histórico y etapa artística. Descubre cómo la evolución de la historia del arte ha esculpido la sensibilidad artística actual y la forma en la que entendemos hoy el arte.
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Catálogo editado con motivo de la exposición ''Escala : Escultura (1945-2000)'', celebrado en la Fundación Juan March de Madrid del 31 de marzo al 2 de julio de 2023. La escala, que no se reduce ?nunca mejor dicho? al tamaño minimizado o ampliado de los objetos, ha sido y es tan crucial para el desarrollo de la escultura que se presta a presentar desde ella las prácticas escultóricas contemporáneas. Así, la muestra comienza con una reflexión sobre los efectos de la Segunda Guerra Mundial en una serie de artistas y en su concepción del espacio escultórico como refugio, acto seguido, desarrolla las distintas acepciones de la idea de escala ?medida, progresión, proporción? para mostrar que esta es el dispositivo y el recurso que ha permitido el desarrollo de nuevas formas de hacer y de pensar la escultura en la segunda mitad del siglo XX.
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Libro clásico de crítica del arte que, en esta novedosa edición ilustrada, se constituye además como guía imprescindible para la visita a un museo que cuenta con una de las colecciones pictóricas más importantes del mundo. Esta nueva edición incorpora dos textos inéditos elaborados por el autor en los años 1943 y 1952, con ocasión de la conmemoración de los aniversarios de la primera publicación de esta obra que, sin duda alguna, contribuirán a enriquecer una obra ya considerada como un clásico dentro de su campo. Para amenizar el recorrido del visitante por el museo el libro se complementa con noventa reproducciones a color de las pinturas más relevantes objeto de análisis, que además facilitan el estudio de las mismas. Goya, Zurbarán, Durero, el Greco, los denominados venecianos o Van Dyck son, entre otros, objeto de un análisis pormenorizado que su autor lleva a cabo con una autoridad fuera de toda duda, y que acercará a todo el que se sumerja en su lectura a los grandes de la pintura.
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El arte de la oscuridad es un original libro basado en más de 200 obras de arte cuidadosamente seleccionadas e inspiradas en lo mórbido, lo melancólico y lo macabro. Los sugerentes capítulos del libro presentan una selección de obras de arte que expresan ansiedades y aversiones, tensiones y temores que trascienden el tiempo que, por siempre, han acechado nuestras mentes y, aunque resulten difíciles de afrontar, forman parte de la condición humana.S. Elizabeth nos habla sobre las influencias e inspiraciones de los artistas representados en el libro para preguntarnos, ¿podemos ganar algo al enfrentarnos a nuestros demonios? ¿Por qué nos atrae tanto el miedo y lo grotesco? ¿Y qué nos dice esto sobre la mente humana? Conectemos con nuestras sombras y disfrutemos de estas obras de arte, que nos van a ayudar a reconciliarnos con nuestro lado oscuro.
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En 1893 una joven francesa comenzó a escribir un diario que mantendría durante toda su adolescencia. “Siempre he querido llevar uno”, señalaba con determinación, “así que creo que voy a empezar ahora”.El nombre de aquella chica era Julie Manet y procedía de una familia artística verdaderamente notable. Su padre, Eugène, era el hermano menor de Edouard Manet y su madre, la destacada pintora impresionista Berthe Morisot. La familia contaba a Renoir, Degas y el poeta Mallarmé entre sus amigos más cercanos.El diario, de hecho, ofrece una fascinante visión de primera mano del mundo de los impresionistas y de la propia Francia en el cambio de siglo. La vida aparentemente idílica de Julie se vio truncada por la prematura muerte de sus dos queridos padres en un corto periodo de tres años, quedó huérfana con sólo dieciséis años de edad. Bajo la tutela de Stéphane Mallarmé, se fue a vivir con sus primos de quienes se sentía muy cercana. Recibió también el apoyo de artistas amigos de la familia, Renoir en especial, que tuvo a Julie durante todo el verano tras la muerte de Berthe, dando muestras de gran bondad y de un continuo interés por su bienestar.
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Este volumen reúne una muestra exhaustiva del trabajo del artista de renombre internacional Leandro Erlich a través de 72 imágenes que representan obras de arte cautivadoras, modernas e interactivas.A lo largo de estas imágenes, ensayos críticos de Dan Cameron, Adrian Dannat, Andrés Duprat y Mari Carmen Ramírez ofrecen observaciones agudas sobre el encuentro de las obras de arte, el espacio y las personas.Publicado como parte de la exposición de Erlich ''Liminal'' en el Perez Art Museum Miami, el catálogo se erige como un camino perspicaz en la mente del artista y como testigo de la experiencia de los visitantes
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A estas alturas es difícil decir algo original sobre la pintura. Pero sí es posible, en un momento en el que muchos de los discursos en torno al arte se han vuelto indescifrables, decirlo, al menos, de una forma clara. En la pintura figurativa, la comprensión venía dada por el objeto representado, ya fuese un retrato, un paisaje, una escena bíblica o mitológica o una naturaleza muerta. Bastaba con identificar el tema para entenderla. Pero la pintura moderna, en particular la abstracta, ha roto con todas estas pautas. Siguiendo a Marcel Duchamp, que criticaba a los «artistas olfatorios» –aquéllos atraídos por el olor de la pintura al óleo–, ésta busca desmarcarse de la concepción tradicional del arte. Pero ¿cómo definir entonces esa pintura moderna, la pintura de la abstracción? Trabajar en lo abstracto es, aunque resulte paradójico, trabajar lo concreto. La abstracción no puede servirse del efecto espejo propio de la pintura de la representación, ni recurrir a la rápida corriente de comprensión que se crea entre el autor y el espectador ante pinturas como las de Hopper, Magritte o Warhol, en las que encontramos un reflejo del mundo y de nosotros mismos. Sin el efecto espejo, la obra es un objeto en sí mismo, y es el objeto en sí, no las imágenes que en él aparecen, lo que debe impresionarnos. La pintura abstracta ha de ganarse, no sin dificultad, nuestro interés. Pero ¿cómo? ¿Basta con que nos atraiga estéticamente o existen otros criterios que debe cumplir para ser considerada «arte»? Dice Eugenio d’Ors que hay cuadros que parecen responder inmediatamente a nuestras preguntas. No es el caso de los abstractos: Rothko, Miró, Stella no pintaban para satisfacer nuestro deseo de comprensión instantánea. Si embargo, prescindiendo del lenguaje de la crítica, los comisarios de exposiciones y los directores de museos, podemos concentrarnos en indagar en la expresión del arte mismo, en aquello que nos dice la obra del artista.
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¿Eres una de esas personas que se sienten perdidas en un museo o entre las piezas de una exposición? ¿No sabes qué mirar cuando miras un cuadro? ¿En qué consiste un comisariado? O, si te gusta pintar, ¿acaso no has sentido pánico frente al lienzo en blanco? ¿Es necesaria la técnica? ¿Es el arte una mera construcción intelectual? ¿Dónde quedan las sensaciones? ¿Me gusta, no me gusta...? ¿Lo entiendo o me emociona? ¿Cómo miran el mundo los y las artistas? Este libro atesora respuestas para quienes se hacen estas preguntas, para todos y todas las que intuyen que algo interesante y atractivo sucede más allá de la imagen evidente, bajo la última capa del cuadro. Aun así, no esperéis en estas páginas un libro de instrucciones, ni pautas a seguir, ni obligaciones que asumir, ni fechas, nombres o acontecimientos que recordar. Simple y llanamente, encontraréis sugerencias que estimulan y facilitan la experiencia y el conocimiento de la pintura. Una bendita y placentera maldición, de la que no podemos ni queremos escapar.
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Esta nueva muestra sobre el pintor Joaquín Sorolla ofrecerá una combinación inédita hasta ahora y que se ensaya aquí por primera vez: una exquisita selección de un interesante conjunto de pinturas originales -muchas de ellas pertenecientes a colecciones particulares y, por tanto, apenas vistas antes- y los nuevos formatos de exposición que, utilizando los recursos técnicos de última generación -multipantallas LED y realidad virtual- sumergen al visitante en un espectáculo de imágenes en movimiento y sonidos que amplían e intensifican el efecto sensorial de la pintura y nos permiten viajar cien años atrás a la época del pintor. Ninguna otra pintura podría prestarse mejor a esta fusión que la de Sorolla, que tiene en la luz y el color su principal soporte.
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La Semana Santa de Jerez de la Frontera es una de las cinco grandes celebraciones pasionistas andaluzas y es el reflejo espléndido y sorprendente de una sociedad fervorosa, religiosa (a su manera), culta y viva, que evoca una estética soñada, como la que captaron el abulense Juan José Serrano o el arcense Eduardo Pereiras Hurtado, pero sin que quede fosilizada en aquellas vetustas imágenes en sepia. La fiesta mayor conoció las influencias austeras, místicas y barrocas, románticas, populares y flamencas, y se sobrepuso a las crisis sociopolíticas, floreció en los años de la Belle Époque primo-riverista y en su secuela nacionalcatolicista, se adaptó al moderno flower power que llegó a ritmo de folk, pop y rock and roll, o explosionó en un modelo global y depurado, con un lenguaje teatral, cinematográfico y televisivo. Se trata de una Semana Santa de primer nivel fenomenológico y patrimonial, revalorizada, tradicional e innovadora, con seleccionadas adherencias y creatividad, y con una mirada orgullosa, desafiante y confiada en su futuro.
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La presente guía se compone básicamente de cuadros o tablas en los que se ofrece la información correspondiente a cada uno de los personajes tratados. Las tablas dedicadas a los distintos dioses y divinidades tienen 4 secciones (episodios, atributos, funciones y representaciones), mientras que en las dedicadas a los héroes son sólo 3, pues desaparece la referida a las funciones. La obra se completa con cuatro apéndices dedicados al estudio de aspectos concretos de iconografía clásica: el primero, a elementos y símbolos de iconografía funeraria. el segundo, al proceso de asimilación y apropiación de la mitología por el cristianismo. el tercero hace un recorrido por la distinta valoración y significación iconográfica que ha tenido la figura de Venus y el desnudo femenino desde la Edad Media hasta el Barroco. y el cuarto y último, a la utilización del legado clásico por las monarquías autoritarias y absolutas de los siglos XVI y XVII en la configuración de una iconografía del poder político. Completan el libro un índice de nombres y una orientación bibliográfica sobre mitología e iconografía clásicas.
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Las corporalidades, identidades y orientaciones no-heterosexuales, trans e intersexuales han estado tradicionalmente alejadas del ámbito de la educación formal, como si la vida y la escuela fuesen dos realidades disociadas entre sí. Con la llegada de la educación afectivo-sexual, se abrió una oportunidad para que estas formasen parte de la cotidianeidad escolar, pero los contenidos ligados a los riesgos en torno a las infecciones de transmisión sexual y los embarazos no deseados, junto con su prevención, han acaparado el tratamiento que se hace de la sexualidad en nuestros centros. Son contenidos que, además de desplazar al colectivo LGTBIQ hasta su borrado en este campo educativo, esconden mensajes discriminatorios que reproducen y legitiman las distintas violencias que sufren las personas que no se ajustan a los parámetros normativos de sexualidad (binarismo, ciscentrismo, heterocentrismo, monosexualidad, LGTBIQfobia, etc.). Así, mientras que las formas no hegemónicas de transitar la sexualidad están siendo cada vez más visibles entre las generaciones más jóvenes, en el ámbito de la educación escolar existen múltiples dificultades para atender a esta diversidad de manera profunda e integral. En este sentido, el presente libro explora esta relación entre educación afectivo-sexual y colectivo LGTBIQ -más caracterizada por sus desencuentros que por sus encuentros-, trazando un recorrido por distintas dimensiones de la realidad sociocultural, desde el foco en lo que el autor denomina sistema normativo de sexualidad hasta el marco escolar y la educación afectivo-sexual. Seguidamente, se plantean los resultados de un estudio y se finaliza con algunas propuestas que permiten orientar la práctica docente hacia el logro de una educación afectivo-sexual diversa e igualitaria.
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En este libro se muestra la capacidad compositiva de la improvisación libre y se describen otras cualidades que desarrollan los músicos y artistas que la practican. Es un intento de equilibrar la balanza entre la improvisación libre y la composición escrita, recuperar el valor que se le ha negado a la improvisación. A través de los escritos de diferentes autores, de las entrevistas personales a un número importante de compositores e improvisadores del panorama internacional, así como del análisis de su experiencia práctica (las relaciones entre la improvisación libre/composición y el free jazz, la poesía escénica, la sensibilización artística de personas con discapacidad intelectual y las orquestas de improvisadores), Chefa Alonso investiga las similitudes y diferencias entre la improvisación libre y la composición escrita. La historia musical occidental se ha centrado en las composiciones escritas y ha sobrevalorado la importancia de la partitura, que ha terminado por convertirse en el objeto central de la actividad musical oficialmente reconocida. Por otro lado, es comprometido estudiar y analizar algo que no está escrito, es difícil entender comportamientos donde las reglas no son transparentes, como es el caso de la improvisación libre. El mundo académico infravalora la formación de los improvisadores y desconfía de los resultados musicales de una negociación artística y social espontánea que implica tolerancia y habilidad para tomar decisiones dentro de un contexto colectivo. Las razones que justifican el rechazo de la improvisación no están basadas en cuestiones de “forma” o de “poética” musical, sino que obedecen más a prejuicios ideológicos derivados de condiciones históricas y sociales.
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A través de 30 proyectos paso a paso, la galardonada artista Harriet de Winton nos guía magistralmente para aprender a pintar bellos animales, insectos y seres vegetales de todo el mundo. Una introducción perfecta no solo al arte botánico, también a las bases de la técnica de la acuarela, la composición y la teoría del color.
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Una escuela que tuvo que hacer frente a la cruda realidad y a la oposición de una sociedad que, aunque muy abierta en teoría, cerró filas al ver aquellas ideas llevadas a la práctica. Si alguien sufrió en mayor medida el menosprecio de sus congéneres y los perjuicios del fracaso, fueron las mujeres artistas que llenaron con su vitalidad y talento la escuela. Como en todas las historias, hay partes que han llegado a nuestros días y otras que se han ocultado. En este libro hemos intentado dar cuenta de todas ellas y arrojar luz sobre aquellas protagonistas que habían quedado relegadas a un anonimato forzoso. Womanhaus es nuestro homenaje a ellas.
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Punto de partida. Colección Isabel y Agustín Coppel forma parte de la línea expositiva de arte contemporáneo organizada en la Sala de Arte de la Ciudad Grupo Santander. La muestra recoge una selección de obras de la colección del matrimonio Coppel, una de las más importantes colecciones mexicanas de arte contemporáneo internacional.
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« ,La pression sentie claire et prête, la main de Manet énonçait dans quel mystère la limpidité de la vue y descendait, pour ordonner, vivace, lavé, profond, aigu ou hanté de certain noir, le chef-dÆúuvre nouveau et français. ,»a.s ideas de este genial psicoterapeuta, que no fue un recolector neutral de datos, sino un buscador de soluciones. Erickson demostró que el poder cambiar está latente en el paciente, quien tiene que ser despertado, ayudándolo a reconocerse tal cual es. Propuso la utilización de anécdotas para establecer empat¡a con un paciente y con los procesos que están o no dentro de su conciencia inmediata. En lugar de producir ericksonianos ortodoxos, muchos terapeutas de diferentes orientaciones recibieron inspiración de él, quien estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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Para bien o para mal, Wagner es la figura más influyente en la historia de la música. Creaciones tan colosales como El anillo del Nibelungo, Tristán e Isolda y Parsifal sirvieron en el arte comomodelos de obras osadas en la forma, como ejemplos enla creación de mitos, la libertad erótica y especulación mística. En Wagnerismo, Alex Ross restaura la magnífica confusión de lo que significa ser wagneriano: un pandemonio de genios, locos y profetas queluchan por el legado multifacético del compositor, yconvierte la experiencia de lectura en un constantedescubrimiento a través de esas figuras, de Nietzsche, Van Gogh, Dalí y Buñuel a Baudelaire, Virginia Woolf o Proust. En muchos sentidos, Wagnerismo cuenta una historia trágica. Un artista que podría haber rivalizado con Shakespeare en alcance universal se ve arruinado por una ideología de odio. Aun así, su sombra perdura sobre la cultura del siglo XXI ysus motivos míticos recorren películas de superhéroesy fantasía. Ni una apología ni una condena, Wagnerismo es una obra de apasionante descubrimiento,que nos ofrece una idea más honesta de cómo actúa elarte en el mundo.
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Mediante una selección comisariada de citas, imágenes y entrevistas, este libro nos da acceso a las mentes de los pensadores y creadores más influyentes del mundo. Descubra cómo los titanes del mundo del arte, desde Ai Weiwei hasta Ana Mendieta, desarrollaron sus propios estilos visuales, las ideas centrales en las que se sustentan sus prácticas y, lo más importante, qué es lo que le transmiten sus creaciones. 50 artistas excepcionales, entre ellos: Marina Abramovi?, Lisa Reihana, Theaster Gates, Tracey Emin, Nam June Paik, Gerhard Richter, Louise Bourgeois, Cindy Sherman, Yinka Shonibare y Mona Hatoum. Se reúnen citas de 50 artistas junto con reproducciones de sus obras y una visión general de sus distintas prácticas. Encontrará pintores y escultores, cineastas y fotógrafos, todos ellos con característicos puntos de vista sobre toda suerte de cuestiones, desde la corporeidad de la pintura hasta la naturaleza conceptual de la creación de imágenes. Se incluyen además cinco entrevistas realizadas exprofeso para este volumen y en las que se ahonda en la forma en que estos innovadores artistas realizan su obra.
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La teoría poscolonial ha influido muy significativamente en la historiografía actual y en la evolución de la crítica arquitectónica contemporánea en particular. Este volumen estudia la contribución de Homi K. Bhabha al discurso y el proyecto de arquitectura. Sus conceptos y sus frecuentes analogías con la arquitectura hacen que su obra resulte atractiva para los arquitectos y los profesionales de otras disciplinas creativas. Centrado en la publicación más aplaudida de Bhabha, El lugar de la cultura, el presente libro explica de manera sencilla parte de la terminología que Bhabha emplea en sus escritos -traducción, ambivalencia, hibridez y Tercer Espacio, junto con lo performativo y lo pedagógico-.Este libro es una introducción perfecta a las teorías de Bhabha y a su utilidad para desafiar muchos supuestos sobre la arquitectura contemporánea. Nos invita a reflexionar sobre la arquitectura contemporánea en general, no sólo en los contextos colonial y poscolonial.
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Los ensayos que reúne Luis Pérez-Oramas en este libropodrían caracterizarse como una singular disputatiosobre la situación de un objeto específico. La cuestión es la (in)actualidad de ese objeto: la pintura, yentanto objeto esta ha de entenderse aquí en el sentido etimológico de la palabra: obiectum: algo arrojado,puesto enfrente.
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Ícaro, de Irene Zóttola, ha sido el proyecto ganador de la quinta convocatoria Fotocanal que organiza la Comunidad de Madrid en colaboración con Ediciones Anómalas.El jurado de Fotocanal ha destacado Ícaro por «la capacidad de su autora, Irene Zóttola, para reformular, a través del lenguaje fotográfico, una fábula mitológica transportada a la contemporaneidad». Asimismo, se ha destacado «la extrema poética y originalidad del proyecto, su carácter atemporal y la confluencia de imagen y texto, en una aproximación conjunta entre un libro de biología y la fuerza de la narración fotográfica».
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Un fabuloso acercamiento a una constelación de mujeres que dedicaron su vida a la practica creativa entendida como camino de conocimiento.Este es un libro que tiene como protagonistas a algunas mujeres visionarias que, desde finales del siglo XIX, vincularon sus impulsos místicos e investigaciones espirituales a prácticas artísticas y creativas. Casi todas lo hicieron desde Europa, aunque muchas tuvieron en cuenta saberes y tradiciones de otros tiempos, lugares y culturas, algunas lejanas.Tras años de opacidad, asistimos hoy a una explosión de curiosidad y fervor por sus figuras: Hélène Smith, Madeleine Lebouc, Anna Mary Howitt, Barbara Leigh Smith, Elizabeth Siddal, Margaret Watts–Hughes, Lili Kolisko, Hilma af Klint, Emma Kunz, Nina Karasek, Elizabeth Wilkinson, Georgiana Houghton, Alice Essington Nelson, Florence Seth, Ethel Le Rosignol, Cicely Martin, Madge Gill, Mary Willis, Josefa Tolrà, Julia Aguilar, Ana de España, Leonora Carrington y Remedios Varo.Se interesaron por las nuevas espiritualidades y los saberes holísticos: el espiritismo, la teosofía, la antroposofía y el interés por antiguas tradiciones herméticas. También por las investigaciones científicas empeñadas en visibilizar lo oculto. Practicaron las nuevas ideas y políticas del socialismo utópico, el anarquismo y el feminismo, basadas en la justicia social y la fraternidad. Y generaron una explosión de apuestas creativas para dar formas a la voluntad de trascendencia y comunicación con mundos más allá del nuestro, de sanación del espíritu y de trazado de caminos de conocimiento que acompañaron su necesidad de transformación de la vida y del mundo.
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