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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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This visual celebration of the world's most celebrated thinkers tells the fascinating stories of their lives and pioneering ideas.Artists Who Changed History places well-known artists in their historical and cultural context, showing you how they came to influence Art as we know it today.This illustrated guide is ideal for those interested in art, sculptures and the history of art or who would like to broaden their general understanding of art and the lives of artists.
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Bajo el título de Scripta Selecta, el Instituto Mollquiere iniciar con este primer volumen dedicado a Rubens una serie de tres libros con el objetivo de recopilar la producción más significativa de Matías Díaz Padrón. Con ello, se pretende facilitar el ac
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¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostración, todo se vuelve luminoso y accesible. El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras: Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko... Y el arte se torna límpido. 42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDER•, Análisis de la obra «paso a paso»•, Detalles puestos de relieve 42 PÁGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AÚN MÁS•, Contexto histórico y cultural•, Cuadros complementarios
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La otra cara de la historia del arte. Un relato de modelos y artistas«Una curaduría feminista contra el arte de la invisibilidad».Paula Jiménez España, Página/12 Reinas, amantes, lolitas, prostitutas, bailarinas... Hasta no hace mucho, en la historia del arte las mujeres solo podían ser modelos: profesionales como Kiki de Montparnasse en las fotografías de Man Ray o musas por azar como Victorine Meurent, la Olympia de Manet. Iconos de las vanguardias como la alocada Henrietta Moraes, que inspiró a Bacon y Lucian Freud, o la surrealista Claude Cahun, quien en 1930 proclamó: «Neutro es el único género que me viene bien». De la sonrisa de la Gioconda al color de la piel de Cleopatra, la cabellera de la Venus de Botticelli o el vello púbico que pintó Courbet y fascinó a Lacan, el misterio de sus identidades obsesionó a ladrones, moralistas y académicos. Sus rostros y sus cuerpos pautan aún hoy un ideal de belleza. Modelo durante décadas, Teresa Arijón revisita la historia del arte en este libro excepcional que es a la vez novela, ensayo y crónica, y también un registro sensible y sensual del paso del tiempo en el que los roles se invierten y es la modelo la que retrata al artista. La crítica ha dicho:« Un relato de modelos y artistas. De musas que no siempre quisieron serlo. El otro lado del espejo de la Historia del Arte».Ángeles Caso «Detiene su mirada de escritora y de experimentada modelo para artistas sobre aspectos de la pintura que ni imaginábamos. [...] Nos abre puertas para pensar, comprender y, sobre todo, para querer saber más sobre las relaciones entre pintores y modelos. ¿No es eso lo que le pedimos a un buen libro?».Mercedes Cebrián «Un texto poético y una mirada original».Daniela Pasik, Clarín «Desde una escritura que entrelaza la autobiografía y la crónica, Teresa Arijón funde su experiencia como modelo de artistas durante veinte años para indagar en cuerpos femeninos adorados y sancionados a lo largo de la historia del arte, una exploración que atraviesa centurias y desarma conceptos».Marina Sepúlveda, Télam «Una historia que se narró a sí misma con el sesgo del retratista y no del retratadx encuentra a lo largo de este exquisito libro su revancha [...]. Podría decirse que lo que Arijón hace a lo largo de sus páginas es una curaduría feminista contra el arte de la invisibilidad».Paula Jiménez España, Página/12 «Pone voz a aquellas que pusieron el cuerpo y se hicieron eternas, como a la vez, va cosiendo esos relatos con sus propias experiencias».Juan Batalla, Infobae «Un regocijante acto de justicia artística revisitando la historia del arte en una serie de retratos, ensayos y crónicas que corren el velo sobre las vidas extraordinarias de muchas de esas mujeres».Matilde Sánchez, Revista Lengua
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Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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En colaboración con el Museo Nacional del Prado, estelibro estudia las obras de contenido mitológico másimportantes de nuestra universal pinacoteca. La descripción de cada obra se acompaña de una imagen de la misma, a todo color, de una calidad inigualable. Las imágenes han sido tomadas por los fotógrafos del Prado. Las partes en las que se divide el libro (entre lasque sobresalen, por destacar algunas, Las fábulas deVelázquez y su entorno o La torre de la Parada) vienen precedidas por claras introducciones al conjunto en cuestión. Todas ellas incluyen bellos grabados, cuidadosamente seleccionados por los autores. Como complemento, el lector podrá aproximarse a los textos antiguos que sirvieron de inspiración para la realizaciónde estas obras.
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Este libro es un ensayo de fenomenología y de antropología –y hasta una poética– de los gestos de levantamiento. Interroga a los cuerpos con la psique a través del vínculo profundo, paradójico, dialéctico, que se instaura entre el deseo y la memoria. Al igual quehay un «lo que nos mira» más allá de «lo que creemosser», hay quizás también un «lo que nos levanta» másallá de «lo que creemos ser». Se trata de una cuestión planteada al principio –o en el interior– de nuestras opiniones o acciones partidarias: una cuestión planteada, pues, a los gestos y a las imaginaciones políticas. Una cuestión planteada a la potencia de levantarse, incluso cuando el poder no está a la vista. Esapotencia es indestructible, como el deseo mismo. Esuna potencia de desobedecer. Es tan inventiva que merece una atención a la vez precisa (porque lo singular, en este caso, nos dice más que lo universal) y errática (porque los levantamientos surgen en tiempos, enlugares y a escalas en los que no se los esperaba).
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Este libro es una guía alfabética de los más grandespintores, fotógrafos y escultores desde la época medieval hasta nuestros días. Sólo aquí podrás mirar frente a frente a Carraci con Cartier- Bresson, Duccio yDuchamp, Mondiran y Monet, Warhol y Watehouse.Cada artista está representado por una reproducción a colorde una obra característica, con datos sobre la imagen y su creadorLas entradas incorporan un completo sistema de referencias cruzadas y al final se incluye unglosario de términos técnicos, movimientos artísticos y un directorio internacional de museos y galeríasEL ABC del arte es un libro de referencia visual sin precedentes que constituye un homenaje a nuestra ricacultura y ahora incluye a artistas como Lorna Simpson, Bansky , Murakami o las Guerrilla Girls
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Este diccionario traza las distintas, múltiples, caleidoscópicas y casi infinitas historias del arte, según un criterio que combina la razón artística con lapoética y la científica. El proyecto de este diccionario-exhibido como obra de arte en museos y galerías-involucra no sólo a la artista que lo firma, sino a seiscientos colaboradores que, vía correo electrónico,aportaron su trabajo y creatividad durante varios años.
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Saca al artista que llevas dentro: solo es cuestión de práctica y algunos buenos consejos¿Te gustaría saber dibujar? Este libro te ofrece 60 actividades para descubrir y practicar sencillas técnicas de dibujo que, además, te invitan a pensar de manera creativa. Las páginas que tienes entre manos están repletas de ejemplos y útiles consejos para aprender a dibujar objetos 3D, a añadir perspectiva, movimiento y sombras a tus dibujos, a crear un paisaje urbano o incluso un autorretrato. Si siempre has sentido curiosidad por el dibujo, pero has topado con la página en blanco y has desistido, ¡No sé dibujar! es tu libro. Verás que las posibilidades son infinitas y que, en realidad, ¡sí sabes dibujar!¿A quién va dirigido el libro ¡NO SÉ DIBUJAR!?Este libro está dirigido a todas aquellas personas que desean aprender a dibujar, independientemente de su nivel de experiencia previa. Se presenta como una herramienta accesible para principiantes, ofreciendo una introducción amigable al mundo del dibujo. Su enfoque práctico y las actividades propuestas lo hacen ideal para niños mayores de 12 años y adultos que buscan explorar su creatividad sin la presión de una formación académica formal. La sencillez de las técnicas y la progresión gradual de las actividades permiten a cualquier persona, incluso a quienes se consideran carentes de talento artístico, desarrollar habilidades básicas de dibujo y disfrutar del proceso creativo.Temas que trata el libro ¡No sé dibujar!El libro ¡NO SÉ DIBUJAR! se centra en el aprendizaje práctico de técnicas de dibujo básicas a través de 60 actividades. Los temas que abarca incluyen:Técnicas de dibujo básicas: El libro introduce y explica de forma sencilla técnicas fundamentales para el dibujo, como el manejo del lápiz, el trazo, la perspectiva, el sombreado y la representación del movimiento. Se proporciona una guía paso a paso para cada técnica, facilitando su comprensión y aplicación.Dibujo de objetos en 3D: Se enseñan métodos para representar objetos tridimensionales en una superficie bidimensional, utilizando la perspectiva y el sombreado para crear una ilusión de profundidad y volumen.Perspectiva: Se exploran los principios básicos de la perspectiva para representar el espacio y la profundidad en los dibujos.Movimiento: Se abordan técnicas para representar el movimiento en los dibujos, dando vida a las figuras y escenas.Sombras: Se explican las técnicas de sombreado para añadir volumen y realismo a los dibujos.Creación de paisajes urbanos: Se incluyen actividades para dibujar paisajes urbanos, aplicando las técnicas aprendidas para representar edificios, calles y otros elementos del entorno.Autorretratos: Se guía al lector en la creación de un autorretrato, combinando las técnicas aprendidas para representar la propia imagen de forma creativa.Desarrollo de la creatividad: A lo largo del libro se fomenta la creatividad del lector, invitándolo a experimentar y a encontrar su propio estilo. Las actividades están diseñadas para estimular la imaginación y la expresión personal.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro ¡NO SÉ DIBUJAR!Aún no hay opiniones o críticas sobre ¡NO SÉ DIBUJAR!.
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Amandine Gallienne despliega una paleta de cien definiciones para reflexionar sobre nuestra percepción y mostrarnos que el color es un marcador cultural por excelencia.El color es como el aire que respiramos. Está en todas partes: desde la naturaleza hasta los edificios, desde la pintura hasta los carteles publicitarios, desde la moda hasta el lenguaje de las flores, desde la cromatografía hasta la heráldica...Pero, ¿sabías que el significado de los colores difiere según las culturas e incluso las épocas? ¿O que las catedrales eran originalmente multicolores? ¿Hay nombres de colores que no pueden traducirse a algunos idiomas? ¿Quién descubrió el espectro electromagnético de la luz? ¿El negro es un color?Amandine Gallienne despliega una paleta de cien definiciones para reflexionar sobre nuestra percepción y mostrarnos que el color es un marcador cultural por excelencia.
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Blender es el principal software 3D de código abierto del mundo, y ha sido creado por algunos de los mejores artistas digitales de todo el planeta. Dado que Blender es gratuito, para iniciarse en él solo necesitará este libro. Gracias a esta lectura, adquirirá las destrezas para crear personajes increíbles, incluso si es un neófito. Los proyectos, detallados paso a paso, cuentan con una extensa presentación, escrita en gran parte por el formador certificado de Blender, Pierrick Picaut, que lo irán guiando por el apasionante mundo de la creación de distintos personajes. Sin duda, en este libro encontrará toda la información necesaria de la versión 3.4.1 de Blender, para lanzarse con éxito a la aventura de la creación de personajes en 3D. Si quiere profundizar aún más en el tema, el libro incluye los siguientes recursos descargables CONTENIDOS WEB: - Vídeos paso a paso - Archivos de Blender - Texturas - Tutoriales adicionales TEMAS PRINCIPALES DEL LIBRO: - Introducción: presentación del diseño 3D y configuración - La interfaz de Blender: personalización, editores, espacios de trabajo y mucho más - Modelado: objetos, modificadores y topología - Escultura: pinceles, resolución y retopología (reconstrucción de modelos) - Renderizado: luz, UV, materiales y posproducción
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Con el estallido de la Guerra Civil española, Latinoamérica se convirtió en el principal refugio de los exiliados que huían del horror que asolaba el país. Entre ellos se hallaban las artistas republicanas españolas y sobre ellas versa este libro. En sus páginas encontramos creadoras como Maruja Mallo, Remedios Varo,Roser Bru o Marta Palau, junto a otras como Elvira Gascón, Manuela Ballester, Victorina Durán o Mary Martín. A través del estudio de las condiciones socioculturales en que las mujeres desarrollaron su actividadartística y las complejidades que estos procesos conllevaron para ellas, este trabajo propone nuevos relatos que enriquezcan los discursos sobre nuestra historia artística reciente y los estudios en torno a la diáspora republicana. Dentro de sus producciones, a menudo fuera de los parámetros impuestos por las bellasartes, se dan cita la ilustración de revistas y libros, el diseño de moda, la decoración y la docencia delarte, pero también el muralismo y la escenografía, la pintura y el grabado. Aunque compartieron la mismacausa política, estas artistas tuvieron trayectoriasmuy diversas que conformaron diferentes maneras de ver el exilio, la familia, el arte y, en definitiva, lavida.
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Domina más de 80 técnicas de dibujo con talleres paso a paso y consejos de artistas profesionales Para principiantes o expertos, aprende a pintar a carboncillo, lápiz o pastel y descubre todo lo que necesitas saber sobre tonos, colores, texturas, líneas y composición, con consejos detallados para artistas principiantes, intermedios y avanzados.Los talleres paso a paso completamente ilustrados de artistas profesionales te guían a través de más de 80 técnicas de dibujo, que incluyen sombreado, punteado, mezcla y enmascaramiento. Todas las técnicas van acompañadas de ejercicios y proyectos inspiradores para ayudarte a desarrollar tus habilidades, descubrir tu propio estilo y crecer como artista. Domina cada aspecto del dibujo con esta guía esencial, desde elegir un tema hasta enmarcar tu primera obra. Cualquiera que sea tu nivel, puedes aprender a dibujar con confianza y tal vez crear una obra maestra.
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Avec sa préférence pour les solitudes immobiles, les formes robustes et permanentes et les végétations sèches, et en s’éloignant tout autant du « moi » romantique que de la pesanteur réaliste, Théodore Rousseau (1812-1867), personnel par les procédés qu'il emploie, mais non dans l'effet produit, a réussi à montrer le vif de la nature humaine en contact immédiat avec la nature extérieure, avec la vérité profonde et permanente des choses.
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Una extraordinaria colección de más de 300 imágenes que celebran la belleza y diversidad de los árboles.Este exquisito estudio presenta una impresionante secuencia de imágenes a página completa, desde pinturas de paisajes y dibujos botánicos hasta frescos antiguos, ilustraciones de libros antiguos y fotografías contemporáneas, que revelan el árbol como fuente de inspiración a lo largo de la historia.Abarcando continentes y culturas, Árboles refleja la diversidad de su tema, representando secuoyas gigantes, flores de cerezo, palmeras, álamos, ginkgos y otras especies que se encuentran en los biomas forestales de la Tierra, en una amplia selección de imágenes que datan desde la antigua Grecia hasta la actualidad. Más de 300 imágenes incluyen mosaicos de piedra romanos, mitos nórdicos ilustrados, grabados en madera del período Edo e instalaciones de árboles vivos.Comisariadas por un panel internacional de botánicos, naturalistas, historiadores del arte y otros expertos, las imágenes amplían la definición de arte botánico y juntas forman un homenaje vibrante y vital al mundo natural.Los artistas y colaboradores destacados incluyen: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Ruth Asawa, Paul Cézanne, Agnes Denes, Alberto Durero, Caspar David Friedrich, Global Forest Watch, Andy Goldsworthy, Ernst Haeckel, Utagawa Hiroshige, Frida Kahlo, Yayoi Kusama, Sally Mann, Grandma Moses, Marianne North, Pierre-Joseph Redouté, Daniel Roseberry para Schiaparelli, Antoine de Saint-Exupéry, Sebastião Salgado y Yokohama Nursery Co., entre otros.Panel de expertos: Dr. Giovanni Aloi, Dr. Preston Bautista, Dr. Diana Beresford-Kroeger, Fred Breglia, Casey Clapp, Jim Gardiner VMH, Dr. Andrew Hirons, Tony Kirkham MBE, VMH, Margaret D. Lowman, PhD, Carlos Nobre, PhD, John Parker, Anna Pavord and Christiana Payne.
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Des de fa dotze mil anys, la guerra ha donat forma a la majoria dels aspectes de la vida social i continua tenint una gran força modeladora en els comportaments humans. La guerra és omnipresent en el món actual i no és aliena a l'economia imperant. Mai no ha estat tan visible com ara i, alhora, tan difícil de discernir-ne l'essencialitat i les causes. La guerra deteriora la democràcia i la justícia i envileix la memòria, és la norma enmig de la desregulació creixent que és inherent al món de la globalització contemporània. Entre d'altres, nodreix estructures culturals anacròniques com el patriarcat i obre escenaris de devastació, com les crisis humanitàries. La guerra provoca seqüeles profundes -traumàtiques- en tots els àmbits i, alhora, és un «lloc» que desperta fascinació. La regeix l'ambivalència i no hi ha cap camí fàcil per deixar-la enrere. Davant d'aquesta situació, la pregunta vigent és: per què la guerra? La present publicació recull les reflexions d'un grup d'autores i autors a l'entorn de les guerres i les ferides que provoquen a persones, espais i paisatges. Al mateix temps mostra les obres d'art contemporani exposades a l'exposició «Per què la guerra?», celebrada a El Born CCM entre el 15 de març i el 29 de setembre de 2024, que interroguen el fenomen polièdric de la guerra i, des d'experiències estètiques diverses, plantegen l'obertura d'espais de claredat i pensament que qüestionen la persistència de les violències bèl·liques.
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La exposición Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas integra las múltiples visiones del personaje en los ámbitos de la literatura, el cine, las artes escénicas y las artes plásticas, y lo sitúa en un siglo XXI que ha borrado las fronteras entre la realidad y el mundo imaginario. Alicia aparece como una figura precursora: una niña con una gran curiosidad por todas las cosas, que desafía la lógica de las ideas inmutables y encuentra su camino en un mundo absurdo.
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Retomando algunas de las temáticas abordadas en el clásico estudio ''Arte e ilusión'', Gombrich defiendeen este ensayo, centrado en la teoría y práctica de la interpretación, la necesidad de controlar los poderes asociativos de la mente atemperándolos con evidencias contextuales. Evidenciando la dimensión constructiva, y no pasiva, del proceso perceptivo, el autor nos invita a realizar un valioso ejercicio de reflexiónsobre ''el arte de ver''. El texto está dividido endos capítulos, en los cuales el historiador británicoda cuenta de su extraordinaria erudición aportando multitud de ejemplos y referencias.
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La crítica del arte parece inseparable de los dictados del capitalismo y de la industria cultural. Todos los pretendidos o genuinos críticos de arte, que deberían buscar el debate y el fomento de la reflexión, se ven atados de pies y manos –a veces de manera más que voluntaria– a las exigencias del mercado si quieren mantener, e incluso promocionar, su estatus social y laboral. A la larga, no solo se desprestigia el arte y la propia crítica, sino que resulta imposible el fomento de la producción cultural y la formación o el disfrute del público. En esta coyuntura se presenta el dilema: ¿debería el crítico plegarse a las dinámicas económicas o convertirse en un kamikaze cultural condenado poco a poco al ostracismo?El presente libro hace accesible un ámbito endogámico y cerrado, acabando con mitos y auras mágicas con el objetivo de exponer el funcionamiento de la creación artística actual, así como las dinámicas del mercado. También muestra cómo se generan y destruyen tendencias o famas, y cuál debería ser la labor del crítico.
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Nueva edición del catálogo de exposición que acompañó Pinta la Revolución. Arte moderno mexicano, 1910-1950, una muestra organizada en conjunto por el Philadelphia Museum of Art y el Museo del Palacio de Bellas Artes, y presentada en ambas sedes entre octubre de 2016 y mayo de 2017. Esta nueva edición está dividida en tres volúmenes donde se abordan los temas más representativos del arte moderno mexicano. Se conservan las ilustraciones del catálogo original, agrupadas en secciones cuyos títulos reflejan los núcleos temáticos de la exposición. El tomo II se concentra en las alternativas de la vanguardia en el México posrevolucionario, la fotografía como medio y el impacto del arte moderno mexicano en los Estados Unidos.
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En 1893 una joven francesa comenzó a escribir un diario que mantendría durante toda su adolescencia. “Siempre he querido llevar uno”, señalaba con determinación, “así que creo que voy a empezar ahora”.El nombre de aquella chica era Julie Manet y procedía de una familia artística verdaderamente notable. Su padre, Eugène, era el hermano menor de Edouard Manet y su madre, la destacada pintora impresionista Berthe Morisot. La familia contaba a Renoir, Degas y el poeta Mallarmé entre sus amigos más cercanos.El diario, de hecho, ofrece una fascinante visión de primera mano del mundo de los impresionistas y de la propia Francia en el cambio de siglo. La vida aparentemente idílica de Julie se vio truncada por la prematura muerte de sus dos queridos padres en un corto periodo de tres años, quedó huérfana con sólo dieciséis años de edad. Bajo la tutela de Stéphane Mallarmé, se fue a vivir con sus primos de quienes se sentía muy cercana. Recibió también el apoyo de artistas amigos de la familia, Renoir en especial, que tuvo a Julie durante todo el verano tras la muerte de Berthe, dando muestras de gran bondad y de un continuo interés por su bienestar.
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Si bien se ha escrito mucho sobre la acumulación imparable de los desechos y los paisajes monumentales delos grandes vertederos, se ha prestado muy poca atención en cambio a esa basura ''pequeña'' y en apariencia inofensiva que mancilla las calles y aceras de nuestras ciudades: una colilla, un billete de metro, un pañuelo de papel, un vaso de cartón o de plástico desechable... Este libro versa precisamente sobre esos residuos que todavía se hallan en un estado embrionarioe incipiente, que son por el momento insignificantes, que todavía necesitan crecer, y que aún no han abandonado la metrópolis e iniciado su trayectoria finalhacia los basureros del extrarradio. Los diferentescapítulos de ''Basura. Usos culturales de los desechos'' ensaya un acercamiento ecléctico al arte, la filosofía, la ética, la sociología, la antropología, losestudios de género, la teoría de las emociones y la naciente teoría de los desechos para reflexionar sobrela naturaleza antropomórfica de los residuos urbanos, sobre la poética y trascendencia semántica de los micropaisajes de la basura y de los múltiples archivosa los que va a parar todo lo descartado, sobre la ''dumpsterología'' o historia de los dumpsters o contenedores de desechos como artefactos de significación compleja y sexuada, y, por fin, sobre los despojos quedejan atrás los migrantes indocumentados cuando cruzan la ancha franja desértica que separa México de losEstados Unidos. En suma, ''Basura. Usos culturales de los desechos'' invita al lector a detener el paso,dirigir una mirada pensativa hacia el suelo y centrarla atención y los sentidos en esos infinitos objetosque la sociedad desecha y declara inservibles.
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El famoso jardinero francés Gilles Clément nos habla de un arte involuntario que, aunque parece pasar desapercibido, somos capaces de ver si estamos atentos a él.El arte involuntario es un arte poco estimado, pues no es premeditado, flota en la superficie de las cosas. No tiene peso, pues la sociedad no se lo da. Es un arte sin estatus, sin discurso, tan carente de mensaje que uno puede leerlo, finalmente, por lo que representa -una figura del azar- sin estar obligado a llevarlo más allá de sus propios límites. Es un arte desvalido, privado de acciones y misiones oportunas, se zafa de la política, se muestra con prisa y desaparece de inmediato. Privado de consistencia útil, nadie puede sacar partido de él porque no pertenece a nadie. Es un estado de ser fugaz y sutil. A veces una luz.
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Una aproximación a la gran variedad de obras que alberga el Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia con una incidencia destacada de la pintura valenciana. Se recogen diferentes muestras representativas de los principales artistas de cada uno de los períodos en que se estructura el libro.
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Este catálogo acompaña la exposición Sorolla. Tormento y devoción, que se centra en los primeros años del pintor Joaquín Sorolla (1880-1900) que se desarrollaron entre Valencia, Roma, París, Asís y Madrid. Trata del acercamiento de Sorolla tanto a la pintura religiosa, que le valió para competir en los grandes certámenes, como del costumbrismo popular y devoto, género que se puso de moda en la pintura española durante el último cuarto del siglo XIX en parte gracias a la impronta del pintor Mariano Fortuny. De esta manera, Sorolla intentó abrirse camino entre la alta burguesía con escenas en interiores sacros e iglesias barrocas valencianas con episodios de devoción religiosa popular.
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20 excursiones entre la costa y el interior Este libro está pensado para los entusiastas de las excursiones que buscan explorar la belleza de la costa catalana, abarcando desde los acantilados abruptos y las calas escondidas hasta las montañas del litoral, los valles, marismas y desembocaduras costeras. Nuestro viaje nos llevará desde el Alt y el Baix Empordà hasta el Baix Camp y el Baix Ebre, con paradas en otras comarcas que combinan el encanto del mar y la montaña, como el Maresme, Garraf y La Selva.
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¿Es lícito acabar con la propaganda de genocidas, dictadores, esclavistas, invasores y otros personajes tan deleznables en el espacio público? Este ensayo provocador y fascinante demuestra por qué es hora de retirar los homenajes que ofenden a la ciudad progresista. Ya en la Roma clásica la destrucción de monumentos y símbolos era una forma de borrar de la historia a los enemigos que habían sido derrotados. En épocas más recientes, esta práctica ha adquirido otro significado las estatuas de Colón, Lenin o Sadam Husein han sido expulsadasde los lugares donde una vez se alzaron , convirtiéndose en una reivindicación por el respeto a la nuevaciudadanía que no quiere esa carga. El historiador del arte y periodista Peio H. Riaño aborda un debate en auge que se pregunta cómo queremos que sea laciudad del siglo XXI, mientras el movimiento Black Lives Matter protesta contra los símbolos racistas y en Latinoamérica miles de personas se manifiestan pidiendo la desaparición de los conquistadores de broncey piedra que aún adornan sus calles. A travésde un recorrido por una serie de representaciones «artísticas», desde Mao hasta Franco, esta investigacióncultural cuestiona que se deban conservar los monumentos que representan valores insoportables como el racismo, el machismo y la exclusión. El resultado es un texto polémico y erudito, que nos demuestra por qué la decapitación de estos monumentos no pretende depurar la historia, como algunos sostienen, sino limpiar el presente con la verdad histórica y extirparlos elementos que tergiversan la lectura del pasado.
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El presente libro es una obra de madurez, en la que su autor, uno de los más reputados historiadores del arte del panorama actual, sintetiza sus postulados en torno a una teoría de la imagen que es correlato de los «Actos de habla» de los filósofos del lenguaje. Como alternativa a una historia de las imágenes como fruto de la producción de los hombres de una época, objetivo tradicional de la Historia del arte y la Iconografía, Bredekamp busca explicar las imágenes en su condición de agentes históricos, como núcleo, más que consecuencia, de ciertas dinámicas sociales y ciertos modos de interpretación de la realidad. En este sentido, las imágenes son eficaces cuando actúan como catalizadoras de una cierta dinámica social, en la estela de otros ensayos fundamentales ya publicados en castellano, como los libros de David Freedberg, El poder de las imágenes, y Hans Belting, Antropología del arte. El eje vertebrador del libro es un análisis del poder de las imágenes para motivar la acción humana en ciertos contextos, y el impacto de las imágenes en tres campos fundamentales: la vida artificial, el intercambio de imagen y cuerpo, y la actividad autónoma de la forma. La imagen no necesariamente refleja la realidad, sino que también coadyuva a la conformación de lo real. En este sentido, a través de ejemplos que van desde el mundo antiguo al contemporáneo, Bredekamp problematiza la relación entre la obra de arte y su público formulando el concepto de «Actos de imagen», que pone en cuestión ideas tradicionales de la Historia del arte como ilustración, representación y mímesis.
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Alta cultura descafeinada indaga desde una perspectiva crítica en la despolitización del arte en las últimas décadas. Ofrece una crítica directa a esos procesos destinados a recuperar y reinsertar prácticas en otro tiempo disidentes.
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Desde la enigmática cultura olmeca en Mesoamérica, el clasicismo de Teotihuacán, los zapotecas de Monte Albán, los mayas y sus núcleos urbanos, Nazca y Tiahuanaco en los Andes, los toltecas en Tula y el arte maya-puuc en Chichén Itzá hasta los aztecas de Tenochtitlán y el Imperio inca en torno a Cuzco y Machu-Picchu. Con Breve historia del arte precolombino conocerá el desarrollo cultural de los pueblos americanos antes de la llegada de Cristóbal Colón. De norte a sur del continente, descubrirá las pinturas prehistóricas que se conservan en Alaska, México, Perú, Brasil y la Patagonia. Durante el período preclásico podrá adentrarse en la enigmática cultura olmeca y sus colosales cabezas sin cuerpo, así como sus tronos pétreos y otras figuras y relieves de divinidades enigmática. A continuación, en la zona andina, conocerá los centros de Chavín y Paracas con sus estelas, ajuares funerarios tejidos en lana de camélidos.
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Proyectos arquitectónicos, procesos artísticos e investigaciones alrededor de la pérdida de la centralidad de lo humano en la configuración del ambiente contemporáneo.Este libro se abre con el relato del desguace minucioso de un coche realizado en público durante cinco días y se cierra con la narración de la reconstrucción de una barca de navegación fluvial para nuevos usos colectivos. Dos vehículos con una enorme carga simbólica de lo que llamamos comúnmente civilización enmarcan la investigación que se recoge en esta publicación, realizada entre los años 2020 y 2023, que aborda las prácticas críticas en el Antropoceno. Los contenidos abordan proyectos arquitectónicos, procesos artísticos e investigaciones alrededor de la pérdida de la centralidad del factor humano en la configuración del ambiente a partir de visiones críticas de este proceso cultural, material y político que marca, como ningún otro, la condición contemporánea de forma global. El título alude a un famoso ensayo del teórico cultural ultraconservador Hans Sedlmayr llamado Verlust der Mitte (pérdida del centro) de 1948. Este mítico ataque contra la modernidad se lamentaba de la pérdida de centralidad del Anthropos en el mundo industrial, visible en las nuevas estructuras descentradas del arte moderno. Lo que el libro procura demostrar es que el centro perdido que anhelaba Sedlmayr nunca existió en realidad. El ambiente, el capital y las economías extractivas están entretejidas en narrativas que la arquitectura, las humanidades y las prácticas artísticas que afectan al espacio pueden y deben desentrañar críticamente.
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'La práctica hace al maestro''. Este dicho también se aplica a la escritura, y aprender a escribir es fácil, siempre y cuando se mantenga una práctica regular. Elija los abecedarios que más le gusten y diviértase. Solo de esta manera podrá desarrollar el amor y la paciencia para mantenerse activo en la práctica hasta conseguir dominar las letras.Con este cuaderno de ejercicios, practicar resulta sencillo. Sumérjase paso a paso en el fascinante mundo de la escritura: ¡podrá implementar cada abecedario directamente en la hoja de ejercicios correspondiente! Todo ello con la ayuda de las instrucciones detalladas para cada letra individual. No solo podrá conocer las escrituras caligráficas más importantes, sino que también aprenderá todo lo que necesita saber sobre el espaciado entre letras y el diseño de páginas. En los capítulos sobre lettering, las formas de las letras constituyen el centro de atención. ¡Pruebe los diferentes estilos y dé rienda suelta a su creatividad!
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Este libro confía en la potencia inagotable del arte para volver visible la invisibilidad resistente de dos amenazas que se ciernen sobre el hombre y el planeta en el siglo XXI: el descalabro ambiental y la inmersión cada vez más inquietante en un mundo digitalmente administrado. Una sagaz reflexión sobre el arte y su función en tiempos de pandemia, confinamiento, crisis climática y manipulación de la verdad.
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Fa més d’un segle, les pintures romàniques de l’absis de l’església de Santa Maria de Mur (Pallars Jussà) van ser arrencades i venudes als Estats Units, d’on no han tornat mai més. Aquest esdeveniment va suposar un punt d’inflexió en la preservació i la protecció de l’art a Catalunya, ja que, per evitar més casos com el de Mur, el Govern de l’època va ordenar arrencar la resta de pintures murals romàniques del Pirineu i d’altres zones del territori i les va dipositar a l’actual Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). ''Mur al descobert'' narra els fets de la redescoberta de les pintures i la seva arrencada i venda posterior. Tot de la mà de deu dels seus protagonistes: quatre excursionistes científics, un d’ells l’arquitecte Lluís Domènech i Montaner, el president de la Mancomunitat, Enric Prat de la Riba, el col·leccionista Lluís Plandiura i Pou, Josep Farràs i Serradell, el mossèn que va vendre les pintures, els Steffanoni, els italians que van fer l’arrencament, Arthur Fairbanks, el llavors director del Museu de Boston, i Joaquim Folch i Torres, que va endegar la campanya de salvament.
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Redescubiertos en los años 1960, La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica y (en menor medida) la «Pequeña historia de la fotografía» han alcanzado el estatuto de clásicos y se han convertido en referencia insoslayable en los c
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