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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Un estudio único de 350 obras de arte de artistas LGBTQ+ de todo el mundo, muchos de ellos poco reconocidos y olvidados, de los últimos 50 años.Aunque los disturbios de Stonewall sean ahora la abreviatura del inicio del movimiento por los derechos de los homosexuales, gran parte del arte y la cultura han sido ''queer'' desde el principio de los tiempos. En About Face, el historiador del arte y comisario Jonathan D. Katz explora este concepto de frente, comisariando un tapiz de obras que conectan hilos históricos y revelan cómo el género y la identidad sexual han sido entretejidos por artistas contemporáneos y posteriores a Stonewall.Con más de 350 obras de más de 40 artistas LGBTQ+ de distintas nacionalidades y generaciones, y textos originales de artistas y académicos, About Face es tan sorprendente como importante.Jonathan David Katz, PhD, es Profesor Asociado de Práctica en Historia del Arte y Estudios de Género, Sexualidad y Mujer en la Universidad de Pensilvania. En 2019, Katz comisarió About Face: Stonewall, Revolt and New Queer Art en la galería Wrightwood 659 de Chicago.Con textos de Julian Carter, Anthony Cianciolo, Amelia Jones, Ava L.H. Kim, Joshua Chambers-Letson, Christopher Reed, Jacolby Satterwhite y Dagmawi Woubshet.
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El idiota lo estropea todo. Su sola presencia da cuenta de una existencia hereje. El idiota, siendo un cualquiera impersonal, se conserva ajeno a aquellas formas simbólicas que pretendían acotar el modo de ser en el mundo. El idiota, entregado a su estar-ahí, es ante todo un cuerpo, capaz por igual de acomodarse de manera muda o, por el contrario, jugueteando con el mundo para crear toda suerte de idioteces. Una vida inmanente, en contigüidad con lo real absuelto de cualquier sentido establecido, que solo ocurre junto al propio ocurrir del mundo. Una vida sin engaño en tanto es indiferente al instinto de verdad, arrojada al descubierto, en una intemperie vigorosa en la que está permitido ser perro o ser piedra.
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La moda durante el franquismo, periodo aciago marcado por la represión, la escasez y el atraso, coincidió, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, con el surgimiento de una nueva sociedad. La cultura pop modificó gustos y actitudes, bajo el liderazgo estadounidense. La alta costura dio paso a la ropa lista para llevar y a los grandes almacenes. La España de la mantilla y las camisas viejas quedó atrás: la minifalda, los vaqueros y el bikini hicieron su aparición. Novedades que también encarnaron las rebeldes chicas topolino, con sus zapatos de coja y su llamativo estilo. E incluso muchachas menos extravagantes, más acordes a la Sección Femenina de Falange, que, peinadas con el recogido arriba España, soñaban con casarse con un velo de tul ilusión. Este libro habla de los sueños y las realidades que modelaron y reflejaron las modas en la sociedad española a lo largo de casi cuatro décadas. De Mariquita Pérez, muñeca fascista pero moderna, que acompañó y marcó el vestir de las niñas hasta que tomaban las galas de muje. De las creaciones de diseñadores españoles como Ana de Pombo, Flora Villarreal o Balenciaga. También de la Guardia Civil y las incautaciones de tejidos del mercado negro, donde las medias eran tan preciadas como los cigarrillos y las drogas. Del Sindicato Nacional del Textil, de los salones de belleza, los desfiles de modelos y de la tienda Loewe en el Castellana Hilton, donde compraba Ava Gardner.
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Una profesora de danza se sienta ante su escritorio de madrugada para trazar su última coreografía, aquella que le permita no bailar nunca más. Ha abandonado una relación, su profesión, su posible maternidad. Propone una aventura a su madre, una mujer que una tarde decidió dejar de caminar. Un baile en forma de paseo. Ambas recorren su ciudad de provincias en dirección a oriente, hacia la luz. Conforme el viaje avanza, el trayecto se convierte en el protagonista. Un camino en línea recta que atraviesa la ciudad. Que cruza este libro. Que sigue más allá. Un libro íntimo y poético que a través de este peregrinaje nos introduce en los deseos, ausencias y penas, muchas veces no desveladas, de una madre y su hija. De trasfondo, la ciudad, el trayecto compartido, personajes que las acompañan, una historia de la danza y coreografías icónicas. Pómulo y lejanía, de movimientos suaves, es el brillante debut novelesco de la periodista y docente Stefanía Caro.
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¿Cuáles son las condiciones de producción de la actividad de la crítica? ¿Cuál su función en un tiempo queprivilegia la comunicabilidad y la accesibilidad porencima incluso del contenido? ¿De qué modo escribircrítica de arte cuando ya no existe la distancia crítica? Éstas y otras preguntas subyacen en este ensayoque expone a la crítica dentro de la cadena de montaje del mercado, la industria cultural/editorial, la academia y los medios de comunicación. La crítica sobrevive hoy bajo al mandato de la rentabilidad y la publicidad olvidando sus antaño elevados objetivos transformadores. Un recorrido por su historia y la observación de sus mutaciones puede ofrecernos una radiografía del capitalismo tardío y sus consecuencias más recientes, para a continuación reactivar todo su potencial.
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Lejos de quedarse en la queja o la constatación de cómo las mujeres fueron excluidas sistemáticamente de la esfera del arte a lo largo de siglos de desdén y dominio patriarcal, las dos autoras de este volumen van más allá: no solo nos explican con extremo rigor y documentación de qué forma precisa se llevó a cabo este «ocultamiento de la voz femenina en la historia», sino que nos ofrecen, con propuestas concretas, hacia el presente y el futuro, la manera en que a partir de ahora deberían organizarse y plantearse las cosas para que la igualdad real de los seres humanos artistas se haga posible, desterrando prejuicios, paternalismos, concesiones caballerosas y principios de autoridad masculinos. El reto es «elaborar modos, clasificaciones y jerarquías que todavía no existen». Hay mucho de reparación sanadora en este libro, pues, como se dice, no está guiado solo por un afán intelectual, sino también por un empeño ético.
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Desde la enigmática cultura olmeca en Mesoamérica, el clasicismo de Teotihuacán, los zapotecas de Monte Albán, los mayas y sus núcleos urbanos, Nazca y Tiahuanaco en los Andes, los toltecas en Tula y el arte maya-puuc en Chichén Itzá hasta los aztecas de Tenochtitlán y el Imperio inca en torno a Cuzco y Machu-Picchu. Con Breve historia del arte precolombino conocerá el desarrollo cultural de los pueblos americanos antes de la llegada de Cristóbal Colón. De norte a sur del continente, descubrirá las pinturas prehistóricas que se conservan en Alaska, México, Perú, Brasil y la Patagonia. Durante el período preclásico podrá adentrarse en la enigmática cultura olmeca y sus colosales cabezas sin cuerpo, así como sus tronos pétreos y otras figuras y relieves de divinidades enigmática. A continuación, en la zona andina, conocerá los centros de Chavín y Paracas con sus estelas, ajuares funerarios tejidos en lana de camélidos.
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Quan les dones havien de pintar flors
Quan les dones havien de pintar flors ens aporta una nova perspectiva d'una època coneguda per la passió artística en totes les seves manifestacions. Mentre que les pintores femenines havien quedat ancorades a un gènere considerat menor, l'arribada d'un nou corrent artístic va capgirar aquesta situació prenent com a bandera la representació floral. Qui eren aquestes dones? I, encara més, què pintaven? Consol Oltra treu a la llum la seva història i recupera unes obres que van aconseguir trencar la barrera de l'àmbit privat per integrar-se dins l'espai públic. Tot i que l'època les va acabar silenciant, avui per fi podem considerar-les com el que eren: obres de primera fetes per artistes excel·lents.
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¿Es lícito acabar con la propaganda de genocidas, dictadores, esclavistas, invasores y otros personajes tan deleznables en el espacio público? Este ensayo provocador y fascinante demuestra por qué es hora de retirar los homenajes que ofenden a la ciudad progresista. Ya en la Roma clásica la destrucción de monumentos y símbolos era una forma de borrar de la historia a los enemigos que habían sido derrotados. En épocas más recientes, esta práctica ha adquirido otro significado las estatuas de Colón, Lenin o Sadam Husein han sido expulsadasde los lugares donde una vez se alzaron , convirtiéndose en una reivindicación por el respeto a la nuevaciudadanía que no quiere esa carga. El historiador del arte y periodista Peio H. Riaño aborda un debate en auge que se pregunta cómo queremos que sea laciudad del siglo XXI, mientras el movimiento Black Lives Matter protesta contra los símbolos racistas y en Latinoamérica miles de personas se manifiestan pidiendo la desaparición de los conquistadores de broncey piedra que aún adornan sus calles. A travésde un recorrido por una serie de representaciones «artísticas», desde Mao hasta Franco, esta investigacióncultural cuestiona que se deban conservar los monumentos que representan valores insoportables como el racismo, el machismo y la exclusión. El resultado es un texto polémico y erudito, que nos demuestra por qué la decapitación de estos monumentos no pretende depurar la historia, como algunos sostienen, sino limpiar el presente con la verdad histórica y extirparlos elementos que tergiversan la lectura del pasado.
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Una estatua ecuestre del dictador que se expuso en Barcelona en la plaza del Born en 2016 en el marco de una exposición se independizó de las referencias que la encuadraban y comenzó su propio periplo singular de interacción con los ciudadanos. La reflexión sobre los acontecimientos, que se desencadenaron de forma imparable durante cuatro días con un clima de violencia increscendo que terminaron con la retirada de la estatua, es de donde parte la arquitecta Julia Schulz-Dornburg para iniciar su particular Odisea siguiendo los pasos de las nueve esculturas ecuestres del dictador destinadas a glorificar la imagen de Franco como Caudillo y salvador de España que hay distribuidas por Madrid, Zaragoza, Valencia, Santander, Toledo, Segovia, Ferrol y Melilla, además de la propia Barcelona.
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'Combinando la fiereza de Caravaggio con la elección de lo natural, y el fino color de la escuela Lombarda, José de Ribera (1591-1652) llegó a crear su propia manera.''
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Cesc, cartellista
Un llibre que ens convida a (re)descobrir l'obra d'un dels artistes més importants de la nostra història. «Cesc, fill del gran dibuixant del Noucentisme D'ivori, va fer un pas endavant i va deixar de banda els tics repolits d'aquesta herència per endinsar-se en una realitat històrica i social pròpia dels seus temps, com era lluitar contra una dictadura, sempre amb contenció per no alertar la censura. Cesc va saber crear un codi propi gairebé sempre basat en la figura humana en totes les seves etapes, sovint mostrant la convivència de generacions. Aquest nou llibre sobre Cesc era necessari perquè cobreix vessants fins ara no recollides, com ara treballs fungibles, publicitat, felicitacions de Nadal, promoció de la lectura i de la recuperació de la llengua catalana, etc. I en tots els camps Cesc és imaginatiu més enllà dels tòpics. [...] Però la seva essència és el ninot, seguint l'estela dels ninotaires catalans. El dibuix a ploma, fluid, sempre amb gestualitat expressiva, convida a la reflexió empàtica. És el gran sociòleg de la Catalunya del franquisme. Parli d'anar a escola o de marxar de vacances, el seu compromís polític, és a dir amb la polis, és sempre present.» Daniel Giralt-MiracleCesc va ser un dels grans cronistes del seu temps, d'un humor no càustic, que representava totes les classes socials sense malícia.
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A través de 30 proyectos paso a paso, la galardonada artista Harriet de Winton nos guía magistralmente para aprender a pintar bellos animales, insectos y seres vegetales de todo el mundo. Una introducción perfecta no solo al arte botánico, también a las bases de la técnica de la acuarela, la composición y la teoría del color.
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Según la Biblia hebrea, Lilith fue la primera mujer que Dios quiso darle como compañera a Adán, y la hizo,a semejanza de él, del polvo de la tierra. Y Lilith,viéndose su igual, se rebeló un día ante sus constantes exigencias y lo abandonó. Huyó a los espacios y tuvo amores con diversos demonios: fue la primera mujer liberada de la historia de la humanidad. Fue la primera ''femme fatale''. El propósito de este libro esaveriguar las causas por las que en el último terciodel siglo XIX surgieron del pincel de tantos artistasno solo desagradables, sino infames, imágenes femeninas. ¿Cuáles fueron las razones del surgimiento de aquel relato visual que complacía a los hombres y desagradaba a las mujeres? Evidentemente había un origen en toda esta iconografía. El principal fue el nuevo despertar de la conciencia en la mujer de su papel secundario en el mundo y, como consecuencia, su protestaformalizada en los primeros y categóricos movimientosde las sufragistas. La sociedad patriarcal observabaalarmada que le surgía una inesperada competidora, insospechada, debido al sometimiento al que, ancestralmente, la había marginado. Para confirmar la perfidiade la mujer, los artistas de la época ofrecieron ominosas epresentaciones de ella, sin darse cuenta de que al mismo tiempo ponían de relieve su miedo y deseo.Para ratificar su denuncia incluso acudieron a imágenes religiosas que corroboraran la maldad innata delser femenino. Es así como recobraron, entre otras, lafigura de Lilith.
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« Degas, le peintre de la vie moderne, s'affirme un pur classique qui, quelque étonnante que la constatation en puisse paraître, s'apparente beaucoup plus aux anciens qu'aux modernes, aux primitifs qu'aux contemporains. Il forme le chaînon qui rattache le passé, la bonne et solide tradition, à l'avenir, il la prolonge magnifiquement. Avec Manet, il libère la peinture du XIXe siècle des contraintes pédantes et routinières, des entraves de l'enseignement académique, des formules ressassées à satiété, du convenu, du faux, du mensonger. A eux deux, ils la ramènent à l'observation directe. »o. Esta incre¡ble e improbable experiencia es también, entre otras dimensiones, pol¡tica. Anuncia un pensamiento, o mejor, sin prometerla, una puesta a prueba de lo pol¡tico. estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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El ''blanco'', como tal, solo existe en nuestra percepción, es inútil, por tanto, salir en su busca. En lugar de ello, debemos encontrar el modo de sentir la blancura, ya que a través de este proceso tomaremos conciencia de un blanco ligeramente más blanco que el blanco que percibimos normalmente. Esto, a su vez, nos hará ser conscientes de la sorprendente diversidad de blancuras que podemos encontrar en la cultura japonesa: por fin lograremos entender palabras como ''silencio'' o ''espacio vacío'', y sabremos distinguir los significados ocultos que contienen. A medida que adquiramos esta compenetración con el blanco, nuestro mundo se tornará más resplandeciente y sus sombras más acusadas. Kenya HARA
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El 18 de julio de 1573 Veronese compareció ante la Inquisición acusado de herejía por una pintura de la santa cena. La acusación, que denunciaba la presencia de elementos profanos en un cuadro religioso, ponía sobre la mesa el debate sobre la interpretación de las escenas bíblicas. Obligado por las circunstancias, pero empujado por la astucia, Veronese encontró una salida con un procedimiento inusual en la época: titular el cuadro Cena en casa de Leví, remitiéndose a un episodio menor de los evangelios, de modo que la blasfemia se diluía. Así, por la magia del texto escrito, el cuadro cambiaba totalmente de sentido sin retocar nada de lo que se representaba en él. En el siglo XIX, esta colisión de Veronese con la Inquisición se convirtió en un modelo del enfrentamiento entre el artista y el poder eclesiástico, lo cual permitía abordar el diálogo entre lo sagrado y lo profano. Ahora sabemos que la solución que Veronese halló para satisfacer a los inquisidores significó una innovación a la hora de resolver los conflictos dogmáticos con la Iglesia, además de un cambio sustancial en el ámbito de la interpretación artística.
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Podría resultar paradójico que quien en 1996 se pronunció ''contra el arte latinoamericano'' agrupe ahoraen este libro algunos de sus escritos sobre el arte en la región. No es así: la obra de Gerardo Mosquera ha contribuido a superar una noción totalizadora y reductora no solo del arte creado en América Latina, sino del continente mismo. Lo prueban los ensayos reunidos en este volumen, buena parte de los cuales no habían aparecido en castellano, que muestran a un pensador que no se resigna al arte con apellidos y trabaja inmerso en los procesos y eventos de la cultura contemporánea.El libro sobrepasa el ámbito latinoamericanopara discutir problemas globales. Nikos Papastergiadis ha señalado que una de las lecciones que nos ofrecees la de ''modificar el papel del artista en la periferia: pasar del que imita lo dominante para accedera lo universal, al que produce contenido universal anivel local. Por tanto, ofrece una metodología distintiva''. Es el nuevo paradigma del ''desde aquí'', defendido por el autor: los contextos son ahora actuadosmás que mostrados.
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El estudio autónomo del objeto de arte se remonta al siglo XVIII europeo cuando quedó fijada la expresión ''bellas artes'', pero desde mediados del siglo XX ha sido progresivo el desplazamiento hacia el estudio del contexto. En consecuencia, sin dejar de apreciar el valor estético, la obra de arte se entiende como un artefacto cultural resultado de la materia (prácticamente toda obra de arte posee un cuerpo material), de la técnica (el conocimiento de las destrezas y herramientas para trabajar la materia en ese constante devenir de incorporación de nuevos materiales y tecnologías) y del comportamiento del artista. La riqueza que ofrece esta nueva aproximación es la que ha hecho posible este libro en el que se trata de la técnica y la materia como una metodología para conocer el modo de hacer, la práctica artística en su devenir como conocimiento heredado y transmitido donde tienen lugar las rupturas, cambios e innovaciones en los usos de materiales y herramientas, novedades que se incorporan a su vez enriqueciendo el legado.
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El colapso del Imperio ruso y el advenimiento de la Revolución bolchevique comportaron una transformación vertiginosa en todos los ámbitos de la cultura. Los escritos teóricos de Várvara Stepánova (1894-1958) permiten reseguir los cambios en las ideas sobre el papel de las prácticas artísticas durante un periodo convulso de la historia, de la mano de una de las artistas más significativas e interdisciplinares del momento. Con una esclarecedora introducción a cargo de la profesora Irina Aristarkhova, así como un apéndice en el que se incluyen textos de Olga Rozánova, Natalia Gonchárova, Liubov Popova y Esfir Shub (parte de las denominadas “amazonas de la vanguardia rusa”), las autoras incluidas en este libro fueron sin duda protagonistas y fuerzas motrices de este estallido, que quizá todavía hoy no ha agotado sus capacidades de resonancia.
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¿Por qué los niños del pasado nos parecen tan distintos a los del presente?, ¿por qué no sonríen en sus retratos?, ¿qué relación tenían con sus progenitores? Este libro pretende responder estas y otras muchas preguntas, acercando al lector a la historia de la infancia en España durante la Edad Moderna y a los cambiantes modos de representarla. En quince capítulos se abordan distintas infancias: niños nacidos con anomalías, niños pertenecientes a la familia real, niños aristocráticos, niños de familias humildes, huérfanos o incluso, tristemente, niños esclavos. Aunque se utilice el plural neutro en aras de facilitar la lectura todos esos grupos están atravesados por el género, pues nunca fue la misma infancia para ellos que para ellas. A través de imágenes de todo tipo de soportes y medios (estampas, pinturas, medallas, exvotos, etcétera) y una gran riqueza de fuentes textuales (literatura, prensa, correspondencia o escritos médicos y pedagógicos, entre otros), Gemma Cobo explora las distintas dimensiones vinculadas a la infancia, como el embarazo y la lactancia, el traje infantil, el juego, la educación, las relaciones familiares o la muerte. A través de todas estas cuestiones se rastrean, pese a los cambios en los modos de representación, continuidades en la realidad que subyace a la imagen: en aspectos positivos como es el amor hacia los más pequeños, pero también en aquellos más negativos como es la instrumentalización de la infancia.
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Emocions
Catàleg de l'exposició temporal ''Emocions. Imatges i gestos del passat i del present'', que té com a objectiu principal aprofundir en el món de les emocions, com el dolor, la tristesa, la solitud i la compassió, que poden transmetre les obres medievals i renaixentistes del Museu quan es posen en relació amb algunes obres d'artistes contemporanis (Bill Viola, Antoni Tàpies o Lucio Fontana). La voluntat del Museu és revitalitzar la seva col·lecció d'art a partir d'una mirada actual sobre sentiments intemporals i universals.
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Aunque el Tratado de Pintura de Leonardo da Vinci no fue impreso hasta el siglo XVIII, los fragmentarios manuscritos que para componerlo reunieron sus primeros editores habían circulado profusamente por Europa y suscitado la admirada curiosidad de artistas y eruditos. Se trata de otra de las empresas imposibles de Leonardo, un fracaso más de los que, por muy dispares caminos, se cebaron en su empeño de refundir todas las formulaciones empíricas y todos los tópicos conceptuosos del Renacimiento, ordenándolos en un sistema universal. Toda edición del Tratado debe entendérselas con la dificultad de evocar esta visión y ese fracaso, seleccionando y combinando textos y dibujos, dificultad que no había sido salvada con acierto en las publicaciones existentes en lengua castellana. La versión que presentamos viene, pues, a cumplir una inaplazable exigencia de la bibliografía artística española.
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Las mujeres reclaman su lugar en la historia de la pintura Para ver hay que mirar. Hasta ahora, en la historia de la pintura que nos han contado, las mujeres desempeñaban un papel menor: son solo musas, meros objetos a los que plasmar en el lienzo. Así, las grandes mujeres que ejercieron como artistas por derecho propio apenas se mencionan en una nota al pie, y sus figuras quedaron arrinconadas por las de sus colegas varones. Hemos oído hablar de Caravaggio y Monet, pero, aún hoy, nombres como Berthe Morisot o Remedios Varo no son conocidos por el gran público. En El taller de Artemisia, Sandra Ferrer, autora especializada en la historia de las mujeres, nos invita a descubrir la vida y obra de algunas de las mejores pintoras de los últimos cinco siglos. Viajaremos con Sofonisba Anguissola, dama de la reina Isabel de Valois y autora del retrato más famoso del Rey Prudente. Conoceremos la traumática experiencia de Artemisia Gentileschi, quien, violada y humillada por una sociedad que no creyó su testimonio, pintó audaces cuadros barrocos desde una óptica casi feminista. Recorreremos los grandes estilos del siglo XIX francés de la mano de Élisabeth Vigée-Lebrun, Rosa Bonheur y Berthe Morisot, y nos sumergiremos en el torbellino de las vanguardias y la modernidad junto a Paula Modersohn-Becker, Maruja Mallo, Tamara Lempicka, Remedios Varo y Frida Kahlo, entre otras grandes artistas. Hasta ahora, un velo ha cubierto los nombres de las mujeres pintoras: ha llegado el momento de alzarlo y contar su historia. Igual que Virginia Woolf reclamaba una habitación propia para las escritoras, Sandra Ferrer reclama su propio espacio para las pintoras en la historia del arte.
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El dibujo nace con la mano, es ésta la que conecta los ojos con el carbón, el lápiz o la pluma, el muro o el papel: la mano es el instrumento de creación, sin manos es imposible dibujar. Lo advierte Henri Focillon en su ensayo Elogio de la mano: «Lo que distingue el sueño de la realidad es que el hombre que sueña no puede engendrar un arte: sus manos duermen». El dibujo es una de las actividades humanas más básicas pero que, al igual que el descubrimiento del fuego o la invención de la rueda, revolucionó la historia de la humanidad: en el dibujo es donde la idea encuentra su concreción. Para el artista el dibujo es su forma de expresión más íntima y espontánea, la que no está sujeta a un encargo ni tiene aún en mente la mirada del espectador. Es, según Artur Ramon, allí donde se funden el azar y el don.En este volumen, un viaje desde las cuevas de Altamira hasta el despliegue de las imágenes realizadas en arcilla por Miquel Barceló en los pasillos de la Biblioteca Nacional de París, nos invita a recorrer los entresijos de este gran arte menor, el que reduce la idea del creador a lo fundamental y constituye la prueba irrefutable de su calidad como artista. «Aún aprendo», reza la inscripción en uno de los últimos dibujos de Goya, en el que un anciano anda con gran dificultad apoyado en dos bastones, «Ancora imparo», responde un octogenario Miguel Ángel a alguien que se le acerca para elogiar sus trabajos en la Capilla Sixtina. Una lección reveladora que en los albores de un siglo incierto nos recuerda la importancia de cultivar la mirada como forma de aprendizaje.
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Virginia Woolf afirma que «una escena, una emoción, produce una ola en la mente, mucho antes de que las palabras aparezcan para interpretarla, y al escribirlas […] uno debe retomar todo eso y trabajarlo, y entonces, cuando la ola rompe y se asienta en la mente, hace que las palabras empiecen a encajar». Con esta imagen de una ola que avanza, ante cuyo ritmo y cadencia solo cabe adecuarse, cuando lo que se busca es relatar lo acontecido, Isabel de Naverán convoca a varias autoras para reflexionar juntas en torno a la escritura como práctica material. La ola en la mente recoge la observación de Woolf (aparecida en una carta enviada en marzo de 1926 a la escritora, y su amante, Vita Sackeville-West) para establecer correspondencias con Lorea Alfaro, Marie Bardet, María García Ruiz, Raquel G. Ibáñez y Andrea Soto Calderón. Este libro reúne una polifonía de textos que navegan entre el ensayo y el relato literario. Propone pensar la escritura como lugar de cruce entre distintas voces para poner de relieve otras preguntas acerca de cómo aquello que nos afecta —una escena, una emoción, siguiendo a Woolf— tensa las relaciones entre el trabajo y la vida y de qué manera algunos gestos toman una nueva forma en su encuentro directo con el límite del lenguaje.
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Las fuentes de lo bello, de lo bueno, de lo agradable están en nosotros mismos e investigarlas es investigar las causas de los placeres de nuestra alma.
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Una extraordinaria selección de obras de artistas detodo el mundo, del siglo XVII hasta la actualidad, que ponen el foco sobre la fi gura del perro. De Goya aSally Muir pasando por David Hockney o Marie Laurencin, las distintas miradas artísticas, combinadas conbreves textos sobre las obras, los movimientos y lasrazas, nos acercan a nuestra concepción del mundo canino, así como a las relaciones que se tejen entre elser humano, el arte y el mundo animal.
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El aprendizaje de la contemplación de determinadas obras de arte y la formación del gusto artístico a través de su disfrute pueden suscitar algunas preguntas. ¿Qué se sostendrá dentro de un siglo si la humanidad persiste cien años más? ¿Habrá algún canon fuera del que ordena distinguirse de los demás, de la originalidad? Los contemporáneos, ¿somos capaces de distinguir lo bello de lo bonito, la pintura del diseño? El personal recorrido de Juan-Ramón Capella da pie a reflexiones críticas como estas: sobre la mercantilización de la obra de arte convertida en objeto de inversión, los museos o las tendencias del arte contemporáneo. En su itinerario el autor deja a un lado las materias «poco gratas» a las que ha venido dedicándose (la filosofía del derecho y la filosofía política) para pensar, dice, «en las emociones que han suscitado en mí algunas obras de arte, y así rememorarlas, volver a experimentar, en lo posible, lo que sentí al contemplarlas, y compartirlo». No es este, por tanto, el libro de un especialista en las artes plásticas, sino el de un lego. Pero de un lego que «no puede soportar el mal gusto». Una invitación, en definitiva, a comprobar que no todo vale.
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Els capitells de la sala capitular de Montserrat
Després de la Guerra Civil, la sala capitular del Monestir de Montserrat es va reformar. Els capitells de les 44 noves columnes pretenien ser una síntesi de la història del monestir. En aquest llibre us els oferim tots retratats, i acompanyats del context històric de l'escena que descriuen. Escrit pel monjo de Montserrat, Jordi Puigdevall.
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El trabajo de Ana Gallardo se entrelaza con las voces de artistas y activistas sobre las violencias que se ejercen contra mujeres, territorios y saberes.Con motivo de la muestra de Ana Gallardo en el CA2M de Móstoles, Tembló acá un delirio pone en relación la producción de la artista con una reflexión coral a cargo de varias autoras y activistas. En el centro del debate está un tema que suele ser soslayado por varios e históricos motivos: la violencia que se ejerce contra las mujeres, los territorios y los saberes. De esta forma, la publicación busca pensar las marcas de la aplicación de tecnologías de muerte como parte de un programa de gobierno colonial y patriarcal, así como las forma de resistir y crear límites ante la tendencia del capitalismo a disponer de lo vivo como una fuente de recursos de la que extraer beneficios y privilegios para unos pocos.
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Ideal para estudiantes o amantes del arte, esta divertida y sencilla guía te acerca a los movimientos y períodos artísticos más importantes, te explica la evolución del arte en cada época y te desvela los secretos de la obra de los grandes genios, desde Miguel Ángel hasta Picasso, pasando por Vincent van Gogh o Velázquez. Visitarás las cunas del arte y comprenderás la influencia del pensamiento, la religión, la política y la sociedad en él. Cuando termines de leer este libro, mirarás el arte con otros ojos. -Arte de todos los tiempos - las manifestaciones artísticas de todo tipo, desde la prehistoria hasta la actualidad -Pautas para analizar con ojo crítico - aprende las claves de la iconografía y la iconología -Conecta con el artista - descubre su intención y qué quiere transmitir con su obra -Sal a la calle, visita museos - ¡observa tu entorno y pon en práctica todo lo que te sugieran estas páginas!
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Carlos del Amor y la doble vida de los cuadrosCon un estilo literario y profundamente divulgativo, seductor y personal, Carlos del Amor nos ofrece un viaje por treinta y cinco obras de todos los tiempos, con especial atención a la pintura femenina y a la española. Un viaje a través de texturas, colores, claroscuros, historias, miradas, vidas, abrazos, besos, que nos descubre un caleidoscopio donde se aúnan verdad y ficción, historia del arte, imaginación y emoción. «El arte es una celebración. Un cuadro no se acaba en lo que encierra su marco, un cuadro vive antes y después de que lo miremos. El marco lo acota y nosotros debemos cruzar esa frontera para hacer que su existencia siga saltando siglos y vidas, y se renueve con cada mirada. Cada cuadro es un cuento, una novela, un relato, y eso he pretendido reflejar en estas páginas: romper el marco y expandir el lienzo hasta donde sea posible».
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Una recopilación de pensamientos e investigaciones sobre las prácticas perfomativas y el mundo de la cultura contemporánea. Uno de los procesos más relevantes en el mundo de la cultura contemporánea ha consistido en el increíble auge de las prácticas perfomativas.Surgidas a mediados del siglo XX, pero con antecedentes en las vanguardias incluso antes, las performances se desarrollaron en todo tipo de espacios: calles, galerías, teatros, cines, universidades.No obstante, es muy reciente su introducción en los museos como espacios de consagración cultural.¿Qué tipo de transformaciones supone este traslado al museo de la performance?, ¿qué efectos produce en las obras y, más importante aún, hacia dónde apunta el museo de lo vivo? Nunca lo vivo ha estado tan presente en la museología contemporánea, un proceso que contrasta con la casi total desaparición de las iniciativas independientes que, hace no tanto, le sirvieron de plataforma.¿Qué modelos temporales e historiográficos permite y produce este auge del performance en el museo? ¿Es quizás el deseo de contener lo que se desvanece en el aire lo que genera nuevos modelos de mercancía fácilmente consumible, de inmediato museificable? Los seis ensayos que componen este libro abordan estas cuestiones desde diferentes puntos de vista incidiendo en la necesidad de abrir un debate que en la actualidad está modificando la concepción de las prácticas artísticas y las instituciones que las contienen.
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Un nuevo ejercicio de invención a partir del encuentro de la compleja historia de Europa y América. Exploradores, soñadores y ladrones es una aventura a través de la memoria y los archivos. Este libro es un nuevo ejercicio de invención a partir del encuentro de la compleja historia de Europa y América.Después del éxito de Volver a contar, el equipo curatorial del Museo Británico y del Hay Festival se unieron de nuevo para animar a diferentes autores a inspirarse en los objetos del museo.En esta ocasión, la propuesta es un poco diferente. Los creadores fueron invitados a revisar una serie de documentos etnográficos: una profusión de diarios, cartas, bocetos, reflexiones y transacciones, todos referentes al proceso de adquisición de obras. Partiendo de estos materiales, la premisa fue imaginar narrativas propias que tuviesen como protagonistas a aquellos que lograron que esas piezas llegaran al espacio museístico. El proceso produjo un resultado asombroso. Como siempre, la imaginación de los escritores llegó hasta lugares insospechados.Cualquier lector encontrará, en esta polifonía, un juego enriquecedor y provocador. El camino a través de estos relatos es similar al que emprendieron, algunos siglos atrás, los exploradores, soñadores y ladrones que inspiran este volumen.
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Cincuenta y un términos muestran los distintos ensayos institucionales que el centro de artes Santa Mònica ha venido desarrollando en los últimos años, enfocados a repensar su estructura, naturaleza y función desde la práctica diaria. Estos términos, organizados en seis secciones, confeccionan un glosario necesariamente incompleto, no cerrado ni definitivo: una instantánea de una nueva institución que se basa en la porosidad hacia la acción colectiva, así como en una autointerrogación y transformación constantes.
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