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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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En el presente libro, Peter Sloterdijk toca todos los géneros_x000D_modernos de las artes, desde la música hasta la arquitectura, desde el uso de la luz hasta las artes vivas, desde el diseño hasta la tipografía. Transita por todos los campos de lo visible y lo invisible, de lo_x000D_audible y lo inaudible, en un arco histórico que se extiende desde la Antigüedad_x000D_hasta Hollywood. Cuando aplica su particular método de distanciamiento del_x000D_discurso a la contemplación de obras y géneros artísticos, los objetos_x000D_descritos se muestran súbitamente bajo una luz diferente, y con su despierto y_x000D_combativo sentido de la actualidad nos conduce lejos, muy lejos de los caminos_x000D_trillados del comentario artístico.A lo largo de sus páginas se despliega la manera singularísima, a un tiempo_x000D_jovial y seria, con que el gran filósofo alemán analiza los fenómenos estéticos más_x000D_dispares, caracterizando lo estético del arte y de las artes.
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En la televisión, en la cabina de los jets, en las salas de cine, en los quirófanos, los estudios de arquitectura y los laboratorios de física, las imágenes digitales son omnipresentes. Han revolucionado las formas de representación del mundo y la mirada que ponemos sobre las cosas y nuestro entorno. Transforman las artes plásticas, el cine... Este libro nos enfrenta a cuestiones sobre el modo de fabricación de las imágenes digitales y sus campos de aplicación. Su lectura no requiere de conocimientos en informática y su ambición es la de otorgar las claves necesarias para ayudar a comprender la nueva cultura visual, y permitir una reflexión estética y epistemológica.
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El estudio acadΘmico de la historia de las exposiciones y del comisariado es un fen≤meno relativamente reciente. Aunque en su inicio se entrelaz≤ con la historia del arte y con los estudios de museologφa, en los·ltimos a±os ha ido adquiriendo una progresiva autonomφa. Las exposiciones se pueden estudiar como generadoras de esfera p·blica, como ßmbitos discursivos y derepresentaci≤n, como dispositivos productores de experiencias psicol≤gicas y sociales y como formatos deproducci≤n susceptibles de determinar la producci≤n artφstica. El comisariado es una prßctica de mediaci≤ndiscursiva que toma fuerza en la segunda mitad del siglo XX y cuyo ''hacer'' se distingue por la combinaci≤n de aspectos prßcticos e intelectuales que dan sentido al conjunto heterogΘneo de las obras de arte contemporßneas. Este libro entrelaza ambas genealogφas ypropone una historia unificada de su convergencia. Para ello despliega seis relatos que atraviesan este entrecruzamiento y propone lφneas de interpretaci≤n denaturaleza mßs temßtica que cronol≤gica.
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Es verdad que la ecología ha recibido escasa atenciónen el ámbito de la historia del arte, pero también es cierto que su visibilidad e importancia han ido creciendo en los últimos tiempos, de la mano de las amenazas del cambio climático y la destrucción medioambiental. Al imbricar el extendido compromiso político yestético de diversos artistas con procesos y condiciones medioambientales por todo el planeta –y dirigiendo su mirada a los punteros avances teóricos, políticos y culturales que se han producido y producen en elSur y el Norte globales–, el presente libro ofrece una significativa y original contribución a los camposinterconectados la historia del arte, la ecología, la cultura visual, la geografía y la política medioambiental. A lo largo de sus seis capítulos, su autor aborda las propuestas creativas de diversos artistas yactivistas en pos de formas de vida que aúnen sostenibilidad ecológica, justicia climática y democracia radical, en un momento como el presente en el que se necesitan con urgencia este tipo de propuestas.
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Frente al tiempo lineal, acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones... contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días, multiplicados y expandidos. Partiendo del análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado, habitar el presente e imaginar el futuro.
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El carácter universal del jazz latino se manifiesta en la diversificación de sus repertorios. La importancia de este género de la música popular se aprecia por la influencia del Caribe y de Latinoamérica en todos los ámbitos de la cultura. Delannoy hace un registro de los músicos y las corrientes esenciales que han dado vida a esta expresión musical, además de hacer una invitación a profundizar en el estudio de los ritmos afrolatinos.
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Casa de labrador en las afueras de Madrid, la Quintafue comprada por Goya en 1819. En 1820 pintó sus paredes con los motivos mássombríos. Poco después el lugar fue cayendo en el olvido, perseguido por las desventuras, dando las llamadas Pinturas Negras pie a todasuerte de interpretaciones.En esta edición crítica aumentada, el autor sopesa las divergentes teorías surgidas recientemente sobre las salas y las pinturas de la Quinta, para, con carácter casi definitivo, deducir, con nuevas pruebas gráficas, la distribución real de las mismas.
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La nuestra es una época de aceleración de la experiencia, de imperio de lo efímero, de ascenso de la insignificancia.
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El arte de los jardines es absolutamente inseparable de la idea de representación, siendo esta un elemento esencial inscrito en letras mayúsculas en el gran texto de la historia de los jardines. El jardín funciona también como representación de ideas
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La ciencia necesita ser representada para poder comunicarse. Esa necesidad explica el trabajo colaborativo que artistas y científicos han venido realizando para producir objetos de ciencia artísticos, fundamentales en la producción y comunicación del conocimientocientífico. Abarcando tres siglos de historia, este libro nos muestra como los distintos medios artísticosde expresión -ilustración, pintura, escultura, fotografía o cine- han representado a los cuerpos. Intersecciones entre la historia de la ciencia y del arte que nos permiten descubrir relaciones humanas, espaciosy técnicas de producción y nuevos lenguajes hasta ahora desconocidos.
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La museografía es una disciplina relativamente moderna en la que, hasta hace poco, se solucionaban los problemas y se presentaban las colecciones en base al buen gusto y conocimientos del responsable del museo. El presente libro aborda la museografía de carácter permanente, instalada en edificios de tipo histórico remodelados, y las museografías temporales de colecciones de todo tipo, en salas de muy diferentes características. Juan Pablo Rodríguez Frade, que cuenta con una extensa y acreditada trayectoria en la materia (entre otros hitos, su última obra relevante ha sido la remodelación integral del Museo Arqueológico Nacional), pretende entusiasmar e ilusionar mostrando una forma especial de acercarse a los museos, valorando el trabajo de un inmenso entramado de profesionales que consideran estos lugares como espacios en donde sentirse próximo a los valores más profundos y auténticos denuestra esencia, espacios que nos hacen emocionarnoscontemplando aquello que han realizado nuestros antepasados no hace tanto tiempo. Una visión analítica delos museos y de sus instalaciones, tanto de los contenedores como de sus colecciones y de la manera en que éstas se exponen. Un texto que facilita al lector la comprensión de situaciones, procesos y recursos museográficos. Conozca los recursos, los oficios y los trepidantes ritmos de trabajo de esta disciplina. Francisco Javier Sáenz de Oíza ''Se trata de recuperar laespiritualidad, de soñar con situaciones trascendentes y de sentirse motivado y por ende emocionado, absorbiendo el ejemplo de aquellos que nos han precedido,retomando el conocimiento de los grandes maestros que nos han enseñado a entender qué es el ARTE y de cuya mano hemos aprendido a saber reconocerlo.'' Juan Pablo Rodríguez Frade AUTOR Juan Pablo Rodríguez Fradees Premio Nacional 1995 de Restauración y Conservación de Bienes Culturales por la Rehabilitación del Palacio de Carlos V como Museo de la Alhambra. Entre susproyectos más destacados cabe citar el Museo Arqueológico Nacional, el Premio Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, el Museo de Málaga (Finalista como Museo Europeo del Año) y el Museo de Historia de Madrid.Ha sido ganador del concurso de realización de los nuevos accesos del Museo Nacional Centro de Arte ReinaSofía, y ha impartido conferencias y realizado cercade trescientas exposiciones en los cinco continentes.
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Con el estilo divertido, irreverente y siempre polémico propio de los vídeos de su canal de YouTube, Antonio García Villarán revisa en este libro los diferentes movimientos artísticos y la obra de los grandes maestros para poner en duda los cánones establecidos a la hora de valorar el arte. Con el concepto Hamparte (creado por él mismo a partir de las palabras «hampa» y «arte»)como hilo conductor, plantea desde un punto de vista crítico la validez de los criterios actuales para encumbrar aautores españoles de la talla de Dalí, Miró o Chillida, e internacionales como Yoko Ono, Damien Hirst o Jeff Koons.
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Decía el protagonista de una película de Woody Allen,“si se dobla tiene gracia, si se rompe no la tiene”.Pues bien, el autor de este libro asegura que el arte ha hecho tantas cabriolas, acrobacias, volantines ysaltos mortales que ha terminado por romperse. Una ruptura acelerada por la siempre inestimable ayuda delas Redes Sociales, por unos artistas cada vez más empeñados en servir a las ideologías de los poderes fácticos y, de manera sobrevenida, por un confinamientogeneralizado que ha revelado las muchas fragilidadesdel llamado mundo del Arte...
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En Piedrabuena (Ciudad Real), hace ciento y pico añospasaban cosas muy raras: un tal Sánchez se fue a Estados Unidos y al volver montó en el pueblo una fábrica revolucionaria (porque fabricaba un aparato para ver a la gente por dentro y porque pagaba sueldos justos, una de estas dos cosas es revolucionaria todavía hoy). Por esos años cundió también la monomanía de diseñar y fabricar el submarino perfecto: con periscopioo sin él, a hélice o a brazo, para recuperar el imperio o para mariscar. La cosa, en el caso de Peral, Monturiol y otros, acabó en naufragio, aunque tuvierana Julio Verne de su parte. No nos olvidamos tampoco de un sabio llamado Cervera que, hasta donde sabemos,es posible que inventara la radio. Y ya puestos a innovar, nada como lo de aquel señor cura de Segorbe (Castellón) que hacía música electrónica y diseñaba sintetizadores mientras Franco andaba por ahí bajo palio.Ni santos, ni visionarios, ni locos: genios españoles. En medio de la nada, o en un país que los saludó como a reyes y los olvidó como a mendigos. Con una historia que merece ser contada y leída… por aquello deconocer el pasado y repetirlo un poco menos.
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Daniel Romaní és periodista i escriptor. Ha publicat assaigs, novel·les juvenils i diverses obres per donar a conèixer el patrimoni català. Col·labora regularment al diari Ara.
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Zurich, 1916. En plena guerra mundial, las oscuras callejuelas y ruidosos tugurios de este ciudad suiza acogen a una nutrida flota de refugiados políticos, agentes secretos, jóvenes objetores renuentes a marchar al frente, artistas, literatos y poetas exiliados. Entre todos ellos, un grupo de amigos encabezados por el rumano Tristan Tzara da a conocer el movimiento Dada en una serie de manifiestos. Su lugar de reunión es el mítico Cabaret Voltaire, en el número 1 de la Spielgasse, frente al domicilio de Lenin y Krupskaia. Tzara, Arp y Schwitters, entre otros, juegan al ajedrez con el revolucionario ruso por la tarde, y por la noche se entregan a la rebelión espiritual contra una sociedad responsable de haber transformado Europa en una inmensa carnicería. Tal vez ningún otro movimiento espiritual haya pretendido renovar el arte y la literatura desde unos presupuestos tan radicales y subversivos como los que alientan en cada uno de estos siete manifiestos.
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Ideas que han cambiado el mundo
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La pintura china clásica muestra una continuidad que se debe a que a los ojos de los propios chinos es ésta la más alta expresión de su espiritualidad. Los teóricos y los propios pintores consignaron por escrito sus reflexiones y sus experiencias. El
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La serpiente tentadora simboliza la región más oscura del alma humana. A partir del Romanticismo, todos estos motivos hermanan a una legión de artistas, desde Füssli y Poe, los prerrafaelitas, John Ruskin y Walter Pater, hasta J. A. Symonds y Vernon Lee.
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Como muchos grandes pintores del siglo xix, Ingres escribía sobre el arte. Lo hacía en cuadernos desordenados, en borradores de cartas de negocios, en cuentas de gastos, en papelotes dispersos en medio de otros papeles, pero que juntos conforman una de las obras sobre estética más significativas de la modernidad. Fue su alumno Henri Delaborde quien recogió, en 1870, los pensamientos dejados por el maestro, de los que esta edición destila su quintaesencia. Procedentes, pues, de fuentes diversas, y sin embargo singularmente coherentes, en ellos nace una reflexión sobre el arte que tiene en igual medida el sentido de la eternidad y el sentimiento de la vida, el eco del lenguaje confidencial y la vocación de lo absoluto. No estamos frente a un tratado o a una obra sistemática, sino frente a una suerte de aforismos que capturan una intuición, ante reflexiones sobre la pintura desarrolladas en medio de los alumnos, mientras se mueve entre los caballetes, da explicaciones delante del modelo y corrige los trabajos. Sin embargo, pocas páginas están recorridas como éstas por tal tensión metafísica, con un Ingres al margen de los clichés, que hace un elogio de la pureza de la línea, pero también de la emoción en pintura, una mística de lo Bello, que nos habla no del arte de su tiempo, sino del arte atemporal y sin etiquetas, del arte que es «eterno y único», como única y eterna es la belleza de la naturaleza.
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Un estudio único de 350 obras de arte de artistas LGBTQ+ de todo el mundo, muchos de ellos poco reconocidos y olvidados, de los últimos 50 años.Aunque los disturbios de Stonewall sean ahora la abreviatura del inicio del movimiento por los derechos de los homosexuales, gran parte del arte y la cultura han sido ''queer'' desde el principio de los tiempos. En About Face, el historiador del arte y comisario Jonathan D. Katz explora este concepto de frente, comisariando un tapiz de obras que conectan hilos históricos y revelan cómo el género y la identidad sexual han sido entretejidos por artistas contemporáneos y posteriores a Stonewall.Con más de 350 obras de más de 40 artistas LGBTQ+ de distintas nacionalidades y generaciones, y textos originales de artistas y académicos, About Face es tan sorprendente como importante.Jonathan David Katz, PhD, es Profesor Asociado de Práctica en Historia del Arte y Estudios de Género, Sexualidad y Mujer en la Universidad de Pensilvania. En 2019, Katz comisarió About Face: Stonewall, Revolt and New Queer Art en la galería Wrightwood 659 de Chicago.Con textos de Julian Carter, Anthony Cianciolo, Amelia Jones, Ava L.H. Kim, Joshua Chambers-Letson, Christopher Reed, Jacolby Satterwhite y Dagmawi Woubshet.
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Para movernos sobre un territorio podemos disponer de guías y mapas, opisar directamente el terreno. Este es el planteamiento del que partePanorámicas, un recorrido por las guías y mapas con los que John Bergerreformuló su mirada del arte, así como por sus impresiones y reflexionessurgidas directamente de lo artístico, lo social y lo político.En la estela de los imprescindibles retratos recogidos en Sobre losartistas, Panorámicas presenta una brillante antología de piezas muydiversas -ensayos, relatos cortos, poemas- que replantean radicalmentenuestra concepción del arte y su papel en el mundo. El dibujo, lanarración, Roland Barthes, Rosa Luxemburg, Walter Benjamin, BertoltBrecht, los museos, la crítica o el retrato. En sus páginas Berger nosolo rinde homenaje a los personajes y las herramientas que lo guiaron através del territorio, sino que nos sumerge directamente en nuevas yapasionantes formas de pensar la idea de creador, los movimientosartísticos y el contexto político y social del arte. Un reto, endefinitiva, para cuestionar profundamente nuestras preconcepciones sobreel papel de la creatividad en nuestras vidas.
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Recull d'articles sobre teoria estètica del historiador de l'art Francesc Fontbona. El llibre és un assaig d'art en el que es tracten qüestions com els estils, el paper de les institucions publiques en el món de l'art, la evolució de l'art, etc.
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Basado en una exposición monográfica en el Museo Picasso, Málaga, sobre las distintas etapas de la carrera de la pintora española María Blanchard (1881-1932).Descubra cómo las experiencias personales de Blanchard influyeron en su obra, y como los temas del aislamiento, la melancolía y la resiliencia impregnan sus cuadros.Sea testigo de la evolución artística de Blanchard desde sus primeras obras cubistas hasta sus últimas pinturas de gran carga emocional, caracterizadas por colores llamativos.El catálogo ofrece un recorrido cronológico y temático por las diferentes etapas en la vida artística de la pintora española María Blanchard (Santander, 1881-1932). Asimismo, tiene como objetivo poner de relieve la riqueza simbólica y el carácter innovador propios de su trabajo en su corta trayectoria artística. Su consistente obra no fue suficientemente valorada en un contexto cultural que creía en la inferioridad femenina artística. Pintora comprometida con su modo particular de vivir y de crear hasta el final, traspasó los límites de los estereotipos de género.El amplio repertorio de obras que dejó tras de sí, que incluye escenas de maternidades, escenas domésticas, niños o trabajadoras, refleja una sentida preocupación femenina por la vulnerabilidad de la condición humana y el poder evocador de las emociones. Estos aspectos se ven reforzados por un meticuloso dominio técnico y un vivo interés por la historia y la tradición de la pintura europea.
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¿Es el arrepentimiento una forma de memoria?, ¿una manera de narrarnos a nosotros mismos?, ¿un acto de imaginación? Alejandro Cesarco ha desarrollado una práctica artística heterodoxa a partir de recursos como la repetición, la narratividad, la lectura o la traducción. Con este libro, en el que cuestiona un devenir del arte regido por el principio de producción y orientado hacia el éxito, transita el arrepentimiento como modo estético y como herramienta metodológica. Lo contempla como una fuerza creadora que se sitúa entre quienes somos y quienes aspiramos a ser, o entre lo que hacemos y nuestras deficiencias.De la mano de pensadores y artistas como Louise Lawler, Sturtevant, Lauren Berlant, Jorge Luis Borges o Macedonio Fernández, Cesarco rastrea la doble función de este sentimiento: no solo una manera de mirar atrás sino también de proyectarnos hacia delante, de (re)evaluar lo que nos impulsa. Bajo el signo del arrepentimiento refleja una particular tonalidad a través de la cual imaginamos y construimos nuestra historia mientras volvemos a contarla.
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Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos nirecetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder '' saborear ''una obra de arte en ausencia de su comprensión. Esdecir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación es uno de sus postulados. Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en épocas diferentes y emplean estrategias de seducción diferentes: unas son imágenes hechaspara príncipes ( '' La Fiesta de Venus '' , de Tiziano), otras para la Corte absolutista ( '' La Rendición de Breda '' , de Velázquez), y también para el público '' people '' (las serigrafías de Warhol), otrasincluso para el propio artista (los autorretratos deRembrandt). La capacidad de interpelación de la obrade arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretación. Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de '' La Fiesta de Venus ''de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tansensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, más secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.
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Las plantas han estado presentes a lo largo de los siglos en el arte. El Museo del Prado aloja obras con algunas de las representaciones botánicas más bellas de grandes maestros. El Bosco, Tiziano, Botticelli, Velázquez o Goya nos deleitan con claveles, caléndulas y milenramas.Eduardo Barba nos las muestra en un relato de identidad, de memoria y de tiempo, aspectos enraizados en la historia del arte. Pero en estas páginas también encontraremos viajes, museos y jardines de otros países y experiencias vitales, seducidos por el atractivo de una mirada atenta.
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Lectura para todo aquel al que le guste el arte, y para todos loscuriosos Marozeau se zambulle tras el escenario de algunas obrasmaestras, desde el Busto de Nefertiti hasta el Guernica de Picasso 12capítulos = 12 obras de arte = 12 historias asombrosas
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En esta antología completa de sus ensayos sobre artistas, John Bergernos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solonos sumergen en la singularidad de cada creación artística, sino que vanmucho más allá y nos conducen con maestría entre lo personal, locultural y lo político. No en vano Berger es considerado uno de losintelectuales europeos más importantes de nuestro tiempo y uno de loscríticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepción del arte yel lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporánea.En este segundo y último volumen dedicado a los artistas, el críticobritánico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obrade Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacidaen 1983. Al igual que en el primer volumen, que arrancaba con laspinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta llegar a PaulCezánne, los ensayos han sido compilados por Tom Overton a partir de losarchivos que Berger donó aun en vida a la British Library. Del conjuntode textos se desprende nuevamente la mirada incisiva y siempresorprendente de Berger, una mirada que se materializa en una prosaigualmente directa e iluminadora. En definitiva, una ediciónimprescindible para conocer el gran legado teórico y vivencial de JohnBerger.
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La mirada incisiva de John Berger inaugura nuevos modos de ver donde la mirada hacia el arte y hacia la vida se confunden combinando un exhaustivo análisis que tiende a ser 'objetivo', entre materialista y purovisualista. El ojo de la cámara y el ojo del artista nos hablan del significado oculto en la mirada cotidiana con la que contemplamos paisajes, animales o personas queridas. En los lienzos de Millet, Courbet, Turner, Magritte y Bacon, Berger evoca experiencias que confunden el propio misterio que rodea al arte con nuestras propias vidas, paseando entre categorías literarias, del relato al ensayo, sin casi reparar en ello.
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Unión Radio fue el primer gran proyecto radiofónico español, nacido en 1924 y respaldado por las principales compañías internacionales, de la británica Marconi a las americanas General Electric y RCA, la Tudorfrancesa o la AFA alemana. Su objetivo, que cumplióen sus 14 años de existencia, fue crear una cadena deemisoras locales en torno a una cabecera potente, suemisora principal, la madrileña Unión Radio, que comenzó a emitir en junio de 1925.Desde su nacimiento, Unión Radio, instalada en la Gran Vía, fue la voz y elreflejo de una época apasionante, de gran efervescencia creativa, de cambios políticos y sociales. En susestudios coincidieron Gómez de la Serna, Benavente,Jardiel Poncela, García Lorca, Alberti, Joaquín Turina, Igor Stravinsky, Miguel Fleta, los Halffter, Victoria Kent, Clara Campoamor, La Argentinita y muchos otros, pero también personajes ahora olvidados que concibieron muchos de los géneros de la radio de hoy. Sumicrófono recogió en directo la llegada de la SegundaRepública, y ni un solo día faltó a la cita con losoyentes, cada vez más numerosos, durante los tres años de la Guerra Civil. Este libro cuenta la peripeciade Unión Radio, reconstruye su programación, los momentos trascendentales que narró y las anécdotas cotidianas. En suma, recupera su memoria y su nombre para la historia de la radio española.
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Breve tratado sobre filosofía de la pintura china escrito a principios del siglo XVII. Shitao presenta la actitud espiritual que debe tener el pintor a la hora de ejecutar su arte, de manera que pueda conseguir la comunión con el universo y consigo mismo.
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Estética de la novela expone una historiade la novela a través de las diversas estéticas que ha desplegado este género desde su aparición en la Antigüedad hasta la actualidad. Partiendo de una concepción del complejo fenómeno novela como puenteentre la cultura popular y la cultura elevada, se explican esas estéticas como el recorrido del espíritude la sociedad abierta al despegarse de la tradición sin renunciar a servirse de ella. Desde una nueva concepción de los orígenes de la novela (la ''protonovela), se recorren las dos orientaciones de lanovela premoderna (la cortesana y la popular) y la gran fusión que significa la novela moderna para ofrecer un horizonte de igualdad y libertad.
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Esta novela gráfica visual y conceptualmente cautivadora aboga por la educación artística en las escuelas. A través de anécdotas (frecuentemente divertidas) centradas enla vida del aula los lectores exploran las relaciones profesor/alumno, las prueb
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A Erwin Panofsky (1892-1968) se le debe la sistematización de una metodología de trabajo, el método iconográfico-iconológico, que es uno de los puntales más sólidos de la disciplina y uno de los grandes logros intelectuales del siglo XX. Panofsky, alemán
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