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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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La pregunta: ¿Existen nuevas formas de abrir la caricatura a cualquier persona a la que le guste dibujar? La respuesta: ¡Por supuesto! En este libro encontrarás métodos testados y demostrados capaces de simplificar los procesos y enseñar a cualquiera, con independencia de su edad, el arte de la caricatura. ¡Incluye sencillas instrucciones paso a paso y más de 3.000 ilustraciones! Un estudio exhaustivo de emociones y expresiones · Cómo dibujar la caricatura de deportes Caricaturas para publicidad · La caricatura explicada · Desglose completo de personajes caricaturizados Animación para TV · Técnicas de dibujo para caricatura política y de prensa Cientos de estilos nuevos y variados de caricatura · Más de 500 manos caricaturizadas Bocetado de caricaturas · Dibujar multitudes con facilidad · Cómo caricaturizar chicas Montones de preciosas cabezas caricaturizadas · Caricaturas libres e informales · Cientos de rasgos faciales que, combinados, dan lugar a más rostros divertidos que personas hay en el mundo · Cómo crear personajes para chistes y tiras cómicas · Disfraces e indumentaria para caricaturas · Cientos de problemas de cabezas y figuras resueltos
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Hace cuatro décadas, Peter Bürger publicó su Teoría de la vanguardia, un libro de culto, concentrado en las dos tareas más importantes que demandaba entonces el arte: romper la representación y disolver la frontera que lo separaba de la vida. Fracasar en esta doble empresa habría certificado, según Bürger, la derrota de la vanguardia y quizá algo peor: su imposibilidad. Cuarenta años después, Teoría de la retaguardia es un manifiesto irónico surgido de ese fiasco, aunque no pierde el tiempo ni lamentándolo ni maquillándolo. Sobre todo porque aquí se entiende que nuestra época no está marcada por la distancia entre el arte y la vida, sino por una tensión entre el arte y la supervivencia, que es la continuación de la vida por cualquier medio. En el malestar que brota de esa supervivencia, Teoría de la retaguardia sospecha de un arte que va dejando sus esquirlas en la política, la iconografía o la literatura, ámbitos desde los que regresa cada vez más maltrecho a su Ítaca de siempre: el museo. Desde ese viaje de ida y vuelta, este ensayo mordaz y austero -en el que se tropiezan Duchamp con La Lupe, la revolución con el museo, Paul Virilio con Joan Fontcuberta o Fukuyama con Michael Jackson- se pregunta si el Arte Contemporáneo no se acaba nunca. Porque si fuera mortal, entonces habría que escribirle un final.
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Desde adorables mascotas hasta animales exóticos, Lorna Scobie te ayudará a capturar toda la maravilla del reino animal en cada página. Descubrirás los consejos y trucos de Lorna para crear animales llenos de energía y personalidad, sea cual sea tu nivel de habilidad artística. Ya sea que quieras crear una jirafa usando un collage, dibujar a tu gato dormido o pintar algunos pingüinos, Lorna te inspirará a encontrar al artista que llevas dentro y, lo más importante, ¡a divertirte un montón mientras lo haces! De la creadora de 365 Días de Arte.
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Un libro polémico sobre las derivas del arte contemporáneo, con un nuevo prólogo y nuevo capítulo de la autora Edición ampliada y actualizada ¿Ha perdido el arte su aura, su dimensión intelectual o, lo que es peor, su poder de comunicación, dicho en otras palabras, su principal razón de ser? En este libro polémico y escrito a contracorriente de la crítica más conformista, Marie-ClaireUberquoi reflexiona sobre la plástica de las últimas décadas, centrándose en los artistas que han llevado más lejos sus deseos de acoso y derribo de la noción tradicional del arte para plantearse nuevas vías de expresión. Muchos piensan que se ha tocado fondo y hablan de la impostura de la creación actual. Otros apuestan por un arte supuestamente renovador plasmado en trabajos que no tienen nada que ver con el goce estético. El rechazo del objeto artístico, la explotación publicitaria de obras falsamente provocadoras, la deriva hacia el activismo político y el fenómeno de la banalización del arte son algunas de las cuestiones analizadas en este ensayo que propone reivindicar «otro arte contemporáneo» ajeno a la cultura del espectáculo.La crítica ha dicho:«Un gran reportaje bien realizado sobre lo que ha sido el arte de esta generación».Eugenio Trías «Un libro muy inteligente, documentado y valiente».José Corredor Matheos
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El descrèdit de la realitat està format per mirades breus als diferents moments de la història de l'art amb el desig d'entendre les relacions entre les tendències de la pintura occidental i la realitat. Tanmateix, Fuster en va més enllà, ja que, entre les reflexions més purament artístiques, desgrana pensaments filosòfics, observacions sobre els hàbits socials i les doctrines religioses.
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La pintura, del mismo modo que la literatura y el cine, fue otra de las artes que no escapó del implacable genio -creativo y crítico- de Pier Paolo Pasolini. Su inquietud pictórica, acaso una de sus facetas más desconocidas, afloró de forma intermitente a lo largo de su vida, pero siempre permaneció latente e influyó de forma determinante en su multifacética trayectoria. En los textos recogidos en el presente volumen, con su habitual mirada incisiva, lúcida y apasionada, el intelectual italiano se manifiesta sobre la pintura y los artistas de su tiempo -desde Andy Warhol hasta Renato Guttuso-, también sobre clásicos como Caravaggio... e incluso sobre sí mismo.
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Relato escrito por J. M. Coetzee en el marco del programa de residencias para escritores Escribir el Prado, organizado por el Museo Nacional del Prado con el patrocinio de la Fundación Loewe y en colaboración con Granta en español. Su estancia en el museo tuvo lugar entre finales de junio y mediados de julio de 2023. J. M. Coetzee nació en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, en 1940. Además de ser uno de los novelistas más ilustres del mundo, es lingüista, crítico literario y traductor. En 2003 se le concedió el Premio Nobel de Literatura y la Academia Sueca alabó entonces la “brillantez analítica” de su quehacer literario y una “honestidad intelectual nada propensa a hacer concesiones”. Su obra ha sido distinguida asimismo en dos ocasiones con el prestigioso premio Booker. En la actualidad reside en Adelaida (Australia), a cuya universidad está vinculado, y también ha sido profesor invitado en las universidades de Harvard, Johns Hopkins y Stanford. En España ha sido galardonado con los premios Reino de Redonda (2001), creado por Javier Marías, y Llibreter (2003), y su última novela, El polaco, está ambientada en este país. En El vigilante de sala, que escribió como residente inaugural del programa Escribir el Prado, aparece su célebre alter ego, Elizabeth Costello.
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Una guía amena para entender cómo funciona el mercado del arteEn 2019, una tabla que una anciana tenía olvidada en su cocina de París se vendió en subasta por 24 millones de euros. La mujer pasó años sin saber que aquel trozo de madera a priori irrelevante, hoy expuesto en el Museo del Louvre, era en realidad el Cristo burlado, del pintor italiano Cimabue. Por supuesto, no es normal encontrarse con semejante tesoro en una cocina, pero es un ejemplo fascinante de la importancia de conocer, valorar y dedicar tiempo al arte. Rodeado de un halo de lujo y exclusividad, el mundo del coleccionismo se antoja inalcanzable para la mayoría de los aficionados. Sin embargo, es más accesible de lo que parece y una actividad gratificante siempre que concurran dos características fundamentales: la pasión artística y el conocimiento del mercado. María Sancho-Arroyo lleva treinta años trabajando con artistas, coleccionistas e inversores y durante dos décadas trabajó en la famosa casa de subastas Sotheby's. Desde la trastienda de ese universo de sofisticación abre la puerta a los lectores con esta guía que da acceso al rico ecosistema de ferias, galerías y colecciones. ¿Inversión o pasión? desgrana de manera entretenida los canales de venta, los secretos de la tasación, las interacciones entre los museos y el mercado, y las posibilidades del arte como bien de inversión para todos los bolsillos. Un libro, en definitiva, que busca proporcionar «las herramientas esenciales para maniobrar hábilmente en el mercado del arte y asegurar que cada adquisición sea no sólo gratificante, sino que también añada valor y satisfacción a tu experiencia como coleccionista».
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C'est une grande date dans l'histoire de l'art que celle où la peinture cesse d'avoir un rôle cérémonial ou décoratif, mais commence, sans parti pris, à braquer sur la réalité un objectif intelligent. En ce sens, l'artiste hollandais n'est plus une volonté qui exécute un plan préconçu et qui lui subordonne les moyens et les mouvements, c'est un œil qui choisit et qui saisit, c'est un miroir qui peint, tout ce qu'il fait est le résultat d'une réflexion.
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La Madonna Sixtina (1514) de Rafael Sanzio es uno de los lienzos más sugerentes del Renacimiento. Las misteriosas miradas de la Virgen y el Niño han venido interpelando a los espectadores, suscitando las más diversas lecturas. ¿Cómo interpretar tamaña belleza e inocencia? ¿Son esas miradas el fruto de la desolación o la asunción del destino trágico humano?El cuadro está expuesto en la Galería de Dresde, y allí acudió, de manera preferente, buena parte de la inteligentsia rusa de los siglos XIX y XX, para la cual esas miradas ayudan a entender el sentido de la trascendencia o la ausencia de la misma, a la vez que permiten aproximarse a la comprensión de los aspectos más cruciales de la realidad, entre la desolación y la belleza. Gentes ateas como Herzen y Bakunin, y teólogos como Serguei Bulgakov y Pavel Florensky han dejado su testimonio. El cuadro de Rafael subyugó obsesivamente a Dostoievski e irritó a Tolstoi… Algunos intelectuales alemanes dejaron también su interpretación al respecto, como es el caso de Schlegel, Richard Wagner o Nietzsche.Al fin de la Segunda Guerra Mundial el cuadro fue “raptado”, ocultado por los soviéticos y devuelto al cabo de los años a Alemania. Antes fue expuesto en Moscú, donde mereció un amplio abanico de comentarios, llegando incluso a compararse las miradas de la Madonna y el Niño con las de algunos de los supervivientes de los campos de concentración nazis.
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Oro y estiércol reúne una selección de textos -traducidos por primera vez al castellano- en torno a la retablística, el barroco y la forestalidad. El autor no cree posible el culto a una imagen tallada en madera sin venerar al árbol que la encarna. Y es así como nace este libro de escritura arbórea en que la palabra y la madera se suplantan constantemente. El nacimiento sucede en el intersticio que implica todo encuentro, el del sujeto y el árbol, el del sujeto y el retablo recubierto con el oro que vistió la madera y que nos alerta acerca de su encarnación. No es este un estudio sobre retablística. Es un ejercicio de escritura en el que, del mismo modo que la madera encarna la imagen, la palabra encarna al bosque que está «detrás» del retablo. El autor dice que el libro gira fértil y exhausto a la vez sobre estas dos certezas y es que, en efecto, la exuberancia y la extremosidad de la palabra lo caracterizan. Pero se trata de palabras «rumiadas», como quería san Bernardo que sucediera en la meditación. Nos encontramos ante un ensayo -en el sentido etimológico de «acto de sopesar»- en el que se mide el valor de la palabra: no es un retablo, no es un bosque, sino un libro, aunque estas tres realidades se encuentran en una relación de perfecta equivalencia. El lector paseará entre los árboles de un bosque, entre las molduras doradas de los retablos y entre las palabras que dan nueva vida a bosques y retablos.
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¿Una maga que vuela en una escoba? ¿Una hereje condenada a la hoguera? ¿Una mujer fatal que extravía a los hombres? ¿Una experta en el arte de los venenos? La bruja, una figura odiada en la Edad Media, se ha convertido en un icono feminista que encarna el poder y la independencia. Este libro bellamente ilustrado ofrece una colección única de obras de arte en las que las brujas son las protagonistas. Déjate hechizar por la sorprendente selección y descubre las historias míticas sobre las brujas. - Una combinación magistral de obras artísticas y literarias. - Referencias visuales claras, como cronologías y mapas. - Información adicional: anécdotas, contexto e influencias.
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Desde la invención de la fotografía en 1839, gran parte de las contribuciones aportadas por las mujeres han caído en el olvido, dejando su legado en los márgenes de la historia. En los últimos tiempos, esta visión sesgada ha ido evolucionando gracias al rescate historiográfico de numerosas aficionadas o profesionales, partícipes habituales en las distintas etapas del proceso creativo (investigadoras, fotógrafas, retocadoras, auxiliares, etc.). En ''Retratadas'', Stéphany Onfray ofrece un enfoque novedoso analizando los inicios del medio fotográfico desde el prisma del género. Gracias a una lúcida relectura de la relación que las féminas mantuvieron con la cámara, no ya como operadoras, sino como retratadas, propone nuevas líneas de reflexión para desmantelar los discursos hegemónicos que históricamente las han confinado en un papel de observadoras pasivas. Mediante un exhaustivo examen de la cultura visual y material decimonónica, desde la pintura, la literatura o el teatro, pasando por la prensa y una incipiente industria de la moda, la autora explora cómo, gracias a la capitalización de su propia imagen y por lo tanto de su cuerpo, las mujeres desplazaron las fronteras entre los sexos, empezando a ser parte de un diálogo cultural y social que no solamente redefinió los límites de género, sino que favoreció una visión más contemporánea, afectiva y artística del objeto fotográfico.
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Un fabuloso acercamiento a una constelación de mujeres que dedicaron su vida a la practica creativa entendida como camino de conocimiento.Este es un libro que tiene como protagonistas a algunas mujeres visionarias que, desde finales del siglo XIX, vincularon sus impulsos místicos e investigaciones espirituales a prácticas artísticas y creativas. Casi todas lo hicieron desde Europa, aunque muchas tuvieron en cuenta saberes y tradiciones de otros tiempos, lugares y culturas, algunas lejanas.Tras años de opacidad, asistimos hoy a una explosión de curiosidad y fervor por sus figuras: Hélène Smith, Madeleine Lebouc, Anna Mary Howitt, Barbara Leigh Smith, Elizabeth Siddal, Margaret Watts–Hughes, Lili Kolisko, Hilma af Klint, Emma Kunz, Nina Karasek, Elizabeth Wilkinson, Georgiana Houghton, Alice Essington Nelson, Florence Seth, Ethel Le Rosignol, Cicely Martin, Madge Gill, Mary Willis, Josefa Tolrà, Julia Aguilar, Ana de España, Leonora Carrington y Remedios Varo.Se interesaron por las nuevas espiritualidades y los saberes holísticos: el espiritismo, la teosofía, la antroposofía y el interés por antiguas tradiciones herméticas. También por las investigaciones científicas empeñadas en visibilizar lo oculto. Practicaron las nuevas ideas y políticas del socialismo utópico, el anarquismo y el feminismo, basadas en la justicia social y la fraternidad. Y generaron una explosión de apuestas creativas para dar formas a la voluntad de trascendencia y comunicación con mundos más allá del nuestro, de sanación del espíritu y de trazado de caminos de conocimiento que acompañaron su necesidad de transformación de la vida y del mundo.
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La historia del arte de vanguardia durante la primera mitad del siglo XX su puso, entre otras consideraciones, el relevo de Europa (y París como su in discutible capital artística) por Estados Unidos (con Nueva York ocupando esa misma centralidad). Para que se produjera ese cambio de epicentro fue decisivo el intercambio, entre ambos lados del Atlántico, de obras, artistas, críticos, galeristas, directores de museo y coleccionistas. En dicho proceso, tres artistas españoles (Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró) tuvieron una máxima relevancia, llegando a encarnar no sólo muchos de los “ismos” de vanguardia sino, sobre todo, una actitud vital, un modo de entender esos tiempos de utopía y crisis. En este libro se reúnen algunos de los episodios más destacados de esa llegada a Estados Unidos, entre los extremos de la polémica y del aplauso incondicional.
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Los diseños sorprendentemente minimalistas de Architectural Pottery anunciaron nuevos artículos para el hogar que podrían acentuar de manera única el hogar moderno, por dentro y por fuera. Formalmente expresivos pero accesibles, sus macetas y jardineras elegantes, refrescantes y sin adornos, fueron recibidas con entusiasmo por el público tras el lanzamiento de Architectural Pottery en 1950, y pronto se hicieron omnipresentes en espacios que representan el epítome de la vida moderna.Muy codiciados y apreciados en los círculos del diseño, fueron vistos en casas de Richard Neutra, John Lautner y las históricas Case Study Houses, y aparecieron en la primera de las legendarias exposiciones Good Design del MoMA junto con los ahora icónicos diseños de Ray y Charles Eames, Alexander Girard y George Nelson. Durante tres décadas, Architectural Pottery también desarrolló innovaciones en la producción de gres, se expandió a muebles de fibra de vidrio e incluyó al famoso diseñador de muebles Paul McCobb y al escultor David Cressey en su lista de diseñadores.El sueño de un entusiasta del diseño moderno de mediados de siglo, Architectural Pottery: Ceramics for a Modern Landscape es la primera historia completa de esta célebre e influyente marca. Ricamente ilustrado con fotografías contemporáneas y extenso material visual de archivo, incluidos los registros de los fundadores Rita y Max Lawrence, y los archivos personales de diseñadores, directores de arte y fotógrafos asociados con la empresa, cuenta una historia convincente y es un recurso valioso. para coleccionistas e interioristas.La publicación de este nuevo libro coincidirá con una importante exposición en el Museo Americano de Arte Cerámico en Pomona, California.
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Inteligencia, sensibilidad y claridad expositiva en un libro exquisito. Profesora de arte y cronista de exposiciones durante años, los puntos de vista de Mercè Ibarz sobre cuestiones artísticas son siempre personales, fundamentados y de gran lucidez. En este libro invita al lector a enfocar la mirada y establecer una relación directa con las obras. Entre la memoria íntima, la observación culta y el análisis social, este ensayo exquisito y estimulante es una muestra más de la inteligencia, la sensibilidad y la claridad expositiva que definen a la autora.
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El objetivo de Cuadernos Parramón es acompañar al lector en la aventura de iniciarse en el dibujo y la pintura, de una manera muy fácil, sencilla, amena y gratificante. Este cuaderno aporta las bases teóricas mínimas indispensables para empezar a trabajar el color, respondiendo a las inquietudes propias del principiante: a partir de qué colores se puede conseguir la mezcla para obtener un color concreto y como relacionar las distintas mezclas entre sí. A través de textos cortos y con el apoyo de numerosas fotografías y un diseño ágil, atractivo y moderno, este cuaderno constituye una guía didáctica elemental para pintar correctamente con armonía.
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Este no es solo un manual con consejos prácticos y trucos profesionales para dibujar animales, es también una llamada a la convivencia respetuosa entre humanos y animales.Anatomía y movimiento. Para dibujar animales es indispensable aprender a observar y estudiar su forma, comportamiento y movimientos. Tan bellos como repugnantes. Allí donde estén ''en casa, en el jardín, en la naturaleza'' los animales provocan emociones, elementos valiosos para nuestras creaciones, analicemos qué nos provocan y sus razones. Dibujar como palanca de cambio. Comprender a los animales implica acercarnos, establecer una relación con ellos. Esta relación influye en nuestros dibujos, pero también en todos aquellos que los ven. Felix Scheinberger, autor de los exitosos Atrévete con el cuaderno de dibujo y Acuarela para urban sketchers, nos adentra en el mundo de los animales no solo para aprender a dibujarlos, también (y sobre todo) para detenernos y explorar el proceso de aproximación.
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¿Es el arrepentimiento una forma de memoria?, ¿una manera de narrarnos a nosotros mismos?, ¿un acto de imaginación? Alejandro Cesarco ha desarrollado una práctica artística heterodoxa a partir de recursos como la repetición, la narratividad, la lectura o la traducción. Con este libro, en el que cuestiona un devenir del arte regido por el principio de producción y orientado hacia el éxito, transita el arrepentimiento como modo estético y como herramienta metodológica. Lo contempla como una fuerza creadora que se sitúa entre quienes somos y quienes aspiramos a ser, o entre lo que hacemos y nuestras deficiencias.De la mano de pensadores y artistas como Louise Lawler, Sturtevant, Lauren Berlant, Jorge Luis Borges o Macedonio Fernández, Cesarco rastrea la doble función de este sentimiento: no solo una manera de mirar atrás sino también de proyectarnos hacia delante, de (re)evaluar lo que nos impulsa. Bajo el signo del arrepentimiento refleja una particular tonalidad a través de la cual imaginamos y construimos nuestra historia mientras volvemos a contarla.
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High Line, la famosa línea ferroviaria elevada convertida en vía verde de la ciudad de Nueva York, recibe millones de visitantes anualmente y brinda un espacio único para encontrarse con el arte y el espectáculo. Elevated examina las ofertas ricas y multifacéticas de su programa de arte público, High Line Art, presentando obras y proyectos de la última década de artistas clave de todo el mundo.El libro presenta una variedad de proyectos de talla mundial de artistas como Simone Leigh, Paola Pivi, Sam Durant, Jordan Casteel, Cecilia Vicuña, Sheila Hicks, El Anatsui, Phyllida Barlow, Faith Ringgold, Barbara Kruger, Zoe Leonard y muchos otros. Documenta la evolución creativa y la vibrante programación cultural de High Line Art, que ofrece un lienzo a escala de ciudad para que artistas e intérpretes interactúen.A través de s fotografías y conversaciones únicas con los artistas participantes, así como ensayos de críticos clave como Julia Bryan-Wilson y Aruna D'Souza, este libro examina las docenas de instalaciones al aire libre, vallas publicitarias, murales, proyectos de video y participaciones y eventos.
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Paul Durand-Ruel (París, 1831-1922) es el marchante de arte que, ayudando a su padre, difundió las obras de los pintores de 1830 (Delacroix, Courbet, Daumier...) y de la Escuela de Barbizon (Corot, Millet, Diaz...), que, solo y asumiendo grandes riesgos, apostó por los Impresionistas (Monet, Pissaro, Manet, Sisley...) y que, junto con sus hijos, internacionalizó la difusión de la pintura francesa.
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En este nuevo manual, Ai Akikusa nos sumerge en las maravillas del reino animal que habita dentro o cerca del agua. Fiel a su estilo, la ilustradora japonesa nos descubre los rasgos anatómicos más característicos y asombrosos de estos animales, y nos guía paso a paso para mostrarnos cómo los podemos representar con lápices de colores y papel. Conoceremos una variada cantidad de especies marinas como la nutria, el tiburón ballena, el oso polar, el cachalote o la beluga, y otros animales que viven en los ríos, pantanos y estanques como la tortuga, el cocodrilo, el hipopótamos o el castor. Una nueva invitación a fascinarnos con la riqueza del mundo animal y a aprender dibujar a sus protagonistas acuáticos.
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Pablo Picasso fue posiblemente el artista más importante del siglo xx. Revolucionó la pintura y abrió nuevos caminos expresivos. Pero además destacó como escultor, ilustrador de libros, ceramista y grabador, incluso escribió una obra de teatro y un libro de poesía. Pocas personas de su tiempo gozaron de tanta popularidad. Su vida resulta apasionante y su asombrosa obra ha quedado para siempre. Esta caja incluye un libro en el que muestra su vida y obra, así como 40 fichas comentadas con otras tantas de sus más representativas obras.
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Després de la Guerra Civil, la sala capitular del Monestir de Montserrat es va reformar. Els capitells de les 44 noves columnes pretenien ser una síntesi de la història del monestir. En aquest llibre us els oferim tots retratats, i acompanyats del context històric de l'escena que descriuen. Escrit pel monjo de Montserrat, Jordi Puigdevall.
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Sirva Picasso para recorrerlo con la pregunta que rige estas páginas: la que indaga en las fuerzas con las que la pintura conquista su saber más propio —ni recibido ni transferible—, el que consiste en resistirse con furia y determinación al sentido verbalizado. ¿Qué saben, entonces, las obras de Picasso de tal modo que su voluntad de poder radique en no prestarse a decirse? Saben poseerse en sus fuerzas páthicas, trágicas, plásticas. Tres nociones —y tres regímenes sucesivos en el conjunto de su obra— referidas a cómo aprenden a hacerse presencias. Para confrontarse con las mañas del usurpador, para «quitarse de encima» —pintar para quitar— cuanto no contribuya a la culminación plástica de las líneas, las formas, los colores, arrancando las figuras a la figuración, para conseguir que los profanadores permanezcamos fascinados y ofuscados, rebajados a no poder entender. Las imágenes emergen, así, plenas de insolencia, soberbias, vengadoras, dionisíacas, demoníacas, destructoras del sentido y sus distancias. Enloquecedoras de todo atisbo de racionalidad definitoria. Heráclito, Aristóteles, Kant, Nietzsche, Bachelard, Deleuze, Lyotard…, nos prestarán sus útiles para merodear el corpus ingente de Picasso, resultando de estos encuentros entre lo plástico y los teóricos una potencia inexpugnable, dichosamente ajena a las retóricas del museo. Un Picasso imprevisto.
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Una innovadora propuesta al analizar obras de arte: una búsqueda visual que deconstruye 50 creaciones clave para descubrir los elementos que componen una obra maestra. Una introducción a la historia de la cultura visual que presenta nuevas tipologías artísticas y ofrece una visión renovada de los objetos conocidos. 50 obras que abarcan un extensísimo periodo, que va desde las primeras imágenes creadas por humanos que conocemos, que datan de hace unos 30 000 años, hasta una instalación en la frontera entre México y Estados Unidos realizada en 2017. Un libro que pretende disolver las barreras entre los distintos tipos de artefactos culturales, de forma que junto a la pintura y la escultura -que a menudo se consideran las formas artísticas tradicionales- se analizan dibujos, fotografías, grabados, ornamentos, máscaras, miniaturas y carteles. Como objetivo secundario, se establecen vínculos entre el arte «occidental» y el del resto del mundo. La historia del arte es un tema apasionante, repleto de reglas complejas y de palabras técnicas. Ni siquiera los más avezados diletantes están a salvo del eterno enigma que plantea la forma de pensar el arte. Este libro le ayudará a resolverlo.
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El bonheur-du-jour es, además del título original de este libro, un pequeño mueble con cajones en el que se guardan papeles y pequeños objetos a los que se les tiene cariño, un tipo de mueble que dejó de fabricarse a finales del siglo XVIII. Justo la misma función que cumple este curioso dietario, que va de marzo a marzo, en el que Jacques Brosse guarda los momentos en que se maravilla al presenciar el espectáculo de la vida de las plantas, los pájaros y el paisaje de su verde región del Périgord, en el interior del suroeste francés.El vivo azul de las verónicas, el susurro de las hojas, el rojo resplandor de la puesta de sol, la majestuosidad de los nísperos, el negro brillante de los plumajes, el verde jade de los amentos del avellano, el aroma de los higos que estallan al sol o el límpido canto de la alondra irrumpen exultantes en las páginas de este volumen, en el que Brosse entabla un amoroso diálogo con la fauna y la flora que lo circunda, y se lo ofrece al lector a través de pequeñas máximas filosóficas que presentan las cualidades más seductoras que puede poseer el espíritu humano, esas que son fruto de una rara aleación de serenidad y fervor.Frente a los desmanes del progreso y los peajes del modo de vida contemporáneo, que nos obliga en todo momento a estar al corriente, nos hipnotiza y nos arrastra a una vida que ya casi no nos pertenece, Brosse preconiza una saludable ética de la desposesión y una plena consciencia de lo efímero. Con sencillez, belleza y una profunda inmersión en la naturaleza, La alegría del momento nos impele al acto más subversivo que se pueda acometer hoy en día: el revolucionario arte de la contemplación.
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Drawing the Body, el tercer título del exitoso autor Robert Osti, es un libro muy accesible que presenta una forma atractiva y sistematizada de dibujar la figura humana, desde representaciones estáticas, estructurales y anatómicas hasta formas realistas y expresivas.Con un texto mínimo y esencial, el libro está organizado como un cuaderno de bocetos con abundantes imágenes y ejercicios prácticos. Se incluyen demostraciones paso a paso que incluyen ilustraciones originales del autor, fotografías de figuras humanas y referencias históricas del arte de viejos maestros.Esta hermosa y utilitaria guía es indispensable y atraerá a artistas, estudiantes de arte y cualquier persona interesada en la representación artística y científica de la figura y la anatomía humanas.
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Este libro va dirigido a cualquiera que quiera mejorar en el dibujo del rostro humano, ya sea si empieza desde cero o es un artista más experimentado. Desde las estructuras faciales básicas hasta los rasgos más detallados, aprenderá los fundamentos del retrato, además, le proporcionará el espacio necesario para practicar en sus páginas. Aprenda a comprender la anatomía y la forma, emplear la luz y la sombra, realizar bocetos de perfil y de frente, dibujar detalles como el cabello y las arrugas y captar el parecido y las expresiones. Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos directamente sobre la página. ¡Tome un lápiz y descubra el placer de dibujar caras!
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Una celebración de más de 300 escultoras innovadoras que examina 500 años de ingenio creativo de todo el mundo.Al presentar una historia de la escultura más amplia e inclusiva, Great Women Sculptors examina el trabajo de más de 300 artistas pioneras de más de 60 países, abarcando 500 años desde el Renacimiento hasta la actualidad.Organizado alfabéticamente, cada artista está representado por una imagen y un texto recién encargado. Esta amplia encuesta defiende a las escultoras más conocidas de la historia del arte junto con las estrellas en ascenso de la actualidad.Desde nombres más reconocibles como Camille Claudel, Gego, Barbara Hepworth y Yayoi Kusama hasta algunos de las artistas contemporáneas más importantes de la actualidad, como Huma Bhaba, Mona Hatoum y Simone Leigh, este libro muestra 500 años de creatividad escultórica en un libro accesible y visualmente impresionante volumen.
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L'art est la pointe tranchante de l'esprit, l'extension perpétuelle de la pensée vers l'inconnu, l'acte par lequel la pensée se pose éternellement un nouveau problème. L'art est cette attitude qui considère le monde comme un champ d'activité infini et indéterminé, une aventure perpétuelle.
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El fin del arte. Identidad, militancia y sentido es un ensayo fragmentario y experimental, construido a base de textos tan creativos como subversivos detonados a partir de experiencias personales de la autora y que son vinculados con diferentes sucesos de actualidad relacionados con el arte, el mercado y la cultura visual, con la intención de revelar las actuales dependencias de los discursos socio-políticos hegemónicos en las prácticas artísticas contemporáneas. El libro analiza cómo la agenda política ha invadido el ámbito artístico diluyendo su autonomía y su potencial para la disidencia. La tesis principal es que el arte, atrapado en las guerras culturales, ha cedido a consignas ideológicas y militancias olvidando su naturaleza experimental e inútil, su sometimiento a la propaganda lo ha vaciado de sentido. Por eso el título juega con la ambigüedad de “fin”, tanto su finalidad como su posible agotamiento. Aunque el arte no puede morir, su desconexión con la realidad lo ha vuelto irrelevante. En el prólogo, Juan Soto Ivars afirma que la traición intelectual,“directamente ligada con la honestidad”, es lo que mejor define a la autora, por lo que no se puede esperar recorrer este libro sin sobresaltos. Y es que Abellán transita entre la narrativa, la exposición y el ensayo argumentativo sin perder su particular estilo, que oscila entre la ironía y la provocación, con el único propósito de reivindicar el pensamiento libre.
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Se reúnen aquí los tres textos que Wassily Kandinsky (1866-1944) escribió para El jinete azul, el almanaque que, junto con Franz Marc y otros artistas expresionistas, publicó en Múnich 1911. Unos textos donde aborda tres puntos cardinales de toda creación artística -la forma, la composición y el color-, pero desde un punto de vista totalmente innovador y liberador: el que lleva a la abstracción.
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Con realismo o en alegorías fantásticas, con una maestría técnica que iba en aumento con la edad, Goya lo fue registrando todo. No sólo las agonías soportadas por su pueblo a manos de los invasores, sino también las locuras y crímenes cometidos por individuos de este mismo pueblo en sus tratos unos con otros.
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