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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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* Una lectura obligada para todo aquel que se sienta hechizado con el arte excepcional. * Un esclarecedor homenaje a 100 piezas artísticas que revelan qué es lo que las hace obras maestras. * Chloë Ashby explica por qué cada pieza que presenta resulta tan vital. Incluye obras seleccionadas para ofrecer una yuxtaposición única de estilos, medios y escuelas artísticas, para que incluso los más expertos historiadores del arte se crucen con obras infravaloradas, fuera del canon tradicional, y para conocer a visionarios rebeldes que aún ejercen su influencia en artistas de vanguardia. Con datos sobre los géneros más importantes, este libro es un resumen de las obras de arte que importan y una descripción de por qué no se las puede perder. Repleto de enlaces y sugerencias para leer, escuchar, ver y disfrutar. La vida es demasiado corta para el arte malo. Las propuestas de este libro valen la pena.
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El revolucionario de la escultura, el precursor de Rodin.La emoción es un instante, se vislumbra y enseguida huye, y el artista la persigue y la llama para que no se vaya, como hace el niño que va tras su madre.Mi obra es una concepción de luz, de emoción, de una perspectiva móvil, ilimitada, no es algo estatuario, muerto, sino que está marcada por la vibración del estado de ánimo y por las diferentes coloraciones de la naturaleza.
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Trabajo esencial que muestra la obra de más de 300 artistas modernos y contemporáneos nacidos o afincados en América Latina.Los artistas latinoamericanos han ido adquiriendo cada vez más relevancia internacional a medida que el mundo del arte ha ido descubriendo las extraordinarias escenas artísticas de la zona. En un formato accesible ordenado alfabéticamente, este volumen presenta obras clave de 308 artistas que, en conjunto, demuestran la variedad y vitalidad de las obras de arte que se están realizando. Centrándose en los artistas nacidos o que han vivido en las 20 regiones de habla hispana y portuguesa de América Latina, y presentando a artistas históricos y vivos -tanto conocidos internacionalmente como nombres menos conocidos fuera de sus países de origen-, este libro ha sido creado en estrecha colaboración con un experto panel de 68 asesores y escritores.
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Pintora francesa muy celebrada en su época, especializada en pintura de animalesNacida en Burdeos pero crecida en París, Rosa Bonheur tuvo desde niña predilección por el lápiz y el pincel. Siendo adolescente, pasaba horas y horas en el Louvre, copiando a los grandes maestros. Pronto también descubrió su pasión por los animales.Rosa Bonheur acabará convirtiéndose en la más destacada pintora de animales de la pintura francesa de todos los tiempos, y su éxito será tal que cuanto cuadro completaba era de inmediato adquirido por coleccionistas, sobre todo, de Inglaterra y de los Estados Unidos.Pintora pionera, Rosa Bonheur fue también mujer adelantada por la independencia y libertad con que vivió su vida, con plena autosuficiencia económica y siempre junto a Nathalie, su compañera.
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Espejo crítico de nuestro tiempo, el arte contemporáneo juega un papel crucial para cuestionar nuestra realidad histórica y plantear los problemas filosóficos de la sociedad actual. Por medio de un estilo ameno y elegante, y valiéndose de ensayos que parten del arte y recorren otras disciplinas, Pol Capdevila nos sumerge en algunos de los dilemas filosóficos acerca del tiempo y nos muestra cómo afectan al desarrollo de nuestras vidas y de nuestra cultura. Espectros del tiempo penetra en debates trascendentales sobre nuestro tiempo histórico, tales como la tiranía del reloj, la aceleración de nuestras sociedades, el desvanecimiento del pasado y la sensación generalizada de un fin de la historia. En un constante diálogo filosófico con el arte contemporáneo, Pol Capdevila recorre las contradicciones y crisis de sentido de las sociedades contemporáneas, haciendo partícipe al lector de las dimensiones de la tragedia. ¿Por qué la experiencia del presente ha perdido su consistencia? ¿Podrán el pasado, el presente y el futuro articular una relación productiva, que permita hacer avanzar la historia? ¿Podemos entender el tiempo como algo que se construye colectivamente, en lugar de padecerlo bajo la forma de una dramática finitud? A través de un enfoque que combina la hermenéutica del arte y la filosofía del tiempo, Espectros del tiempo es una obra fundamental para entender la relación entre el arte, la historia y nuestra experiencia temporal en la sociedad contemporánea.
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En movimiento es el título de la primera exposición temporal de la Galería de las Colecciones Reales. Pero es además, o sobre todo, una metáfora de la propia Galería y de la transformación que este proyecto está impulsando en Patrimonio Nacional. Esta muestra exhibe una cuidada selección de los ejemplos más relevantes de la colección de vehículos y carruajes de Patrimonio Nacional en su contexto histórico. Adentrarse en la museografía es hacer un viaje a lo largo del tiempo, asomarse a través de esas ventanas que se evocan en el montaje y conocer la evolución de unas piezas que aunaron utilidad práctica, comodidad, tecnología y belleza. Se trata de una de las mejores colecciones de Europa en su género y los carruajes que la componen tuvieron, además, un excepcional protagonismo en la vida cotidiana de la corte. Sabido es que, durante siglos, la corte española fue itinerante y que este fue uno de sus aspectos diferenciales respecto a otras cortes europeas. Hoy en día, muchos de esos vehículos se han musealizado, mientras que otros aún sirven para las ceremonias oficiales.
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Este libro no es una historia del arte al uso. No es un recorrido por las consideradas grandes obras del arte universal y que habitualmente aparecen en los manuales escolares. Tampoco es un recetario de cómo distinguir el arte románico del gótico.Esta historia irreverente del arte se centra en la Europa occidental y el Mediterráneo, desde la caída del imperio Romano de Occidente hasta el siglo XV, para recorrer en un extraordinario viaje artístico lugares como Roma, Constantinopla, Damasco, Granada o Florencia y explorar la sensibilidad de aquellos artistas que, con su desempeño, han construido la cultura en la que vivimos.
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Esta guía reúne veinte curiosidades geológicas, como puentes naturales, miradores, cuevas, paredes erosionadas, ermitas incrustadas en abrigos rocosos, barrancos, enormes rocas en equilibrio, prodigiosas montañas de sal, restos de conos volcánicos... La piedra, cuando está desnuda, es bella y ofrece un festival de colores y texturas.
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Compendio de trabajos de Oteiza. Poesía, prosa, cartas, escritos, todos ellos inéditos y sorprendentes como el propio autor. ElíasáAmézagaáha sido capaz de expresar su trayectoria en unas líneas: ''Oteiza no es la paz, ni la concordia, ni el conformismo, ni el triunfo, ni el dinero, ni la gloria. Es la lucha, los nervios, la inquietud, la cólera de Dios, la reencarnación de Lope de Aguirre con sus furores épicos''. El mismo Jorge se definió como ''un utopista, no creo más que en una utopía yáesaáha sido mi desgracia. Creer en la revolución, siguiendo una utopía, unos programas, unos sueños''.
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Desde majestuosos y ancianos robles hasta frondosos bosques de abetos, Árboles en el arte reúne una magnífica selección de obras que representan la belleza de los árboles y paisajes arbóreos.Los álamos de Monet, los cipreses de Van Gogh o el espléndido pino que daba sombra a Georgia O’Keeffe en Nuevo México son solo algunas de las maravillas recogidas en esta compilación que, acompañada de textos explicativos sobre los artistas y sus creaciones, hará las delicias de los amantes del arte y la naturaleza.
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En el tercer centenario de Kant: su estética.“Puede decirse que el problema estético no ha sido formulado con precisión hasta Kant. Los antiguos confundían lo bello con lo bueno, no distinguían en el fondo la ética y la estética. Los modernos, que antecedieron a Kant, cometieron idéntica confusión, mezclando unos la lógica con la estética y otros la estética con la moral. La visión sistemática, total, de los problemas de la filosofía fue la que permitió a Kant formular con precisión e independencia el problema estético. Esta es acaso su principal contribución a la teoría de la belleza.” Manuel García Morente (1886-1942), filósofo, traductor de las principales obras de Immanuel Kant (1724-1804), resume aquí los elementos centrales de la teoría estética kantiana.
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La mujer ha desempeñado un papel esencial en la historia de la humanidad. En la Biblia, el libro más influyente en la civilización occidental que ha guiado a miles de millones de personas, también tiene un puesto principal. Si se exceptúa la deidad, el personaje humano más importante que aparece es femenino. Muchas mujeres destacan por sus aportaciones al conjunto de los seres humanos (Eva o María), otras han sido decisivas en la historia del pueblo de Israel, o protagonistas del Antiguo Testamento (Débora, Ester o Judit). Esta obra te ayudará a identificar a las principales protagonistas y sus distintas variantes iconográficas. Podrás reconocerlas y saber cuáles han sido las causas y las implicaciones de sus representaciones.
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Un ensayo ilustrado de vanguardia de 75 tatuadores contemporáneos de todo el mundo que están traspasando los límites de su forma de arte.Con casi 700 imágenes, tatuaje: Una nueva generación de artistas muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres más importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle.Cada artista va acompañado de una selección de imágenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y cómo están transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta prácticas culturales e indígenas, Tatuaje abarca todos los estilos y técnicas, ofreciendo una mirada interna a cómo trabajan los artistas de todo el mundo hoy en día, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje. como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.
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La obra escrita de Remedios Varo, con excepción del paródico tratado De Homo Rodans (1960), permaneció prácticamente oculta durante muchos años o fue publicada de forma fragmentaria y dispersa. Sin embargo, supuso para ella una prolongada oportunidad para dar rienda suelta a sus pensamientos más íntimos. En los cuadernos aparecidos tras su muerte se encontraron cartas, relatos, proyectos y sueños que reflejan nítidamente su compleja personalidad. Angustiosos o humorísticos, espontáneos siempre, los escritos de Remedios Varo completan la imagen de una artista total, que logró expresarse por igual a través de la página y del lienzo. Editar este material, en principio no concebido para su publicación, supone asomarse al taller de una artesana solitaria, que anteponía el proceso creador al éxito y que, a la vez, se relacionó intensamente con destacadas figuras de su época como Benjamin Péret, Leonora Carrington, Kati Horna, Wolfgang Paalen, Esteban Francés, Gerardo Lizarraga o César Moro. Viajar a través de la obra, escrita y pictórica, de Remedios Varo nos permite revivir la agridulce aventura del exilio y reconstruir un panorama colectivo de creación, amistad, libertad y resistencia. «Remedios combina máquinas, poesía, misterio, imágenes oníricas de un laboratorio, aparatos científicos, instrumentos musicales, creación, alquimia y magia». Irene Vallejo «El surrealismo reivindica su obra por entero». André Breton Primera recopilación completa de la obra escrita de Remedios Varo. Reúne cartas, sueños, relatos, recetas humorísticas, ejemplos de escritura automática y proyectos inacabados. Incluye textos inéditos. Remedios Varo (Anglés, Gerona, 1908-México, 1963) es una de las más interesantes figuras del exilio republicano español. Inició sus estudios en 1924 en la Academia de San Fernando de Madrid y posteriormente se trasladó a Barcelona, donde se impregnó del espíritu vanguardista de la época. Al estallar la Guerra Civil, viajó a París y se integró en el grupo surrealista. En 1942, se trasladó a México, país en el que residió hasta su muerte. Su obra pictórica, profundamente personal y a la vez resultado de diferentes influencias que van desde el surrealismo hasta la pintura flamenca o la alquimia, es actualmente reconocida y reclamada en los más importantes museos del mundo. Además de su extensa producción pictórica, Remedios Varo se dedicó a otras actividades como la creación de objetos, esculturas y figurines para el teatro, y, muy especialmente, a la escritura. A través de la palabra, Remedios Varo recrea el mismo ambiente onírico que se despliega en su pintura y nos conduce a un mundo de prodigios habitado por criaturas singulares, en un tiempo y un espacio diluidos por el humor y la poesía. Isabel Castells Molina (1965) es profesora titular de Literatura Española en la Universidad de La Laguna. Estudiosa del surrealismo y del exilio republicano español, ha editado la obra literaria de Eugenio F. Granell. Ha editado también a autores de la vanguardia canaria como Antonio Dorta, Julio Antonio de la Rosa y Emeterio Gutiérrez Albelo. Es responsable de la primera recopilación de la obra escrita de Remedios Varo (México, Era, 1997). La edición que presentamos ahora reúne de nuevo todo ese material, actualiza la bibliografía que ha generado el creciente interés hacia su obra e incluye documentos inéditos.
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Cuatro grandes pintoras.Ramón Gómez de la Serna glosa aquí las figuras de cuatro destacadas pintoras del siglo XX.La santanderina María Blanchard (1881-1932) y su arte magnífico, hecho a la misteriosa luz de sus tiernos sentimientos.La parisina Marie Laurencin (1883-1956), aristocrática en el plasmar la femineidad.La porteña Norah Borges (1901-1998), con la simbólica profundidad de sus obras.La gallega Maruja Mallo (1902-1995), que supo dar con su pintura el mordisco al mundo.
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From 1964 to 1974 Lygia Clark and Hélio Oiticica, had an extraordinary correspondence which has now been translated into English.
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Catálogo de las exposiciones ''Ciutat de Sorra'' y ''Pajarazos'' celebradas en los centros de Arte Fabra i Coast (Barcelona) y Patio Herreriano (Valladorlid), respectivamente.Catálogo de la obra del escultor David Bestué en sus últimas dos exposiciones en Barcelona y Valladolid, donde se hace un repaso de la última obra del artista. Con textos de Marta Sesé, Carles Guerra, el propio David Bestué y una conversación entre María Salgado y el artista.
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La ilustradora y autora japonesa Ai Akikusa nos adentra en el variado mundo de las aves para mostrarnos cómo podemos identificar las distintas especies y plasmarlas sobre el papel. Conoceremos los pajaritos que podemos avistar en nuestras ciudades y bosques más cercanos, como el gorrión, la golondrina, la paloma o el pájaro carpintero, profundizaremos en especies tan asombrosas como el águila, el flamenco, el avestruz o el pingüino emperador, finalmente, nos asombraremos ante los flamantes colores del plumaje de otras especies como el periquito, el pavo real o el colibrí. Una oportunidad para adentrarnos en el rico mundo de las aves y aprender a representar sus bellas particularidades.
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Avec sa préférence pour les solitudes immobiles, les formes robustes et permanentes et les végétations sèches, et en s’éloignant tout autant du « moi » romantique que de la pesanteur réaliste, Théodore Rousseau (1812-1867), personnel par les procédés qu'il emploie, mais non dans l'effet produit, a réussi à montrer le vif de la nature humaine en contact immédiat avec la nature extérieure, avec la vérité profonde et permanente des choses.
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El escepticismo como corriente filosófica ha tenido un tremendo impacto en la filosofía moderna y contemporánea. Además, en el siglo XX, y sobre todo en el siglo XXI la relación del escepticismo con el arte ha cuestionado, de manera desconcertante, los sistemas de representación vigentes hasta el momento. El arte que se ha contagiado de elementos escépticos sin reconocerlo expresa o reflexivamente, ha puesto en cuestión las formas tradicionales de producción, exhibición y creación artística. Una vez descompuesta la idea romántica del genio creador, el artista se ha posicionado en el mundo del arte con nuevas funciones, mirando a los asuntos colectivos, feminismo, identidad, género, pacifismo, xenofobia, globalización, memoria, crisis del sujeto…, desde la neutralidad o la suspensión del juicio (epoché). Un nuevo paradigma que aflora en los capítulos de este libro innovador, y que nos obliga a reconsiderar el objetivo y la función de la creación artística. El arte se abre a la creación múltiple, rica en posibilidades, donde lo importante no es la limitación en el acuerdo, sino la aceptación de todas las sugerencias.
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Desde un vestido de alta costura de Dior y una Barbie adornada con rosas hasta mosaicos antiguos y tarjetas de San Valentín victorianas, esta colección curada de más de 200 impresionantes imágenes celebra la flor más emblemática del mundo. Descubra las ex
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La cancelación fallida del arte de las vanguardias.“Degenerado, judío y bolchevique.” Así definía Adolph Hitler el arte de vanguardia: el arte de Chagall, de Otto Dix, Paul Klee, Kandinsky, Picasso, Mondrian u Oskar Kokoschka.Con la finalidad de denigrarlas ante el arte del nuevo Reich, los nazis requisaron de colecciones privadas y museos públicos todo tipo de obras adscritas a los distintos movimientos artísticos de principios de siglo y las convirtieron en objeto de mofa en una exposición inenarrable: la exposición del “Arte degenerado” que, inaugurada en Múnich en julio de 1937, emprenderá luego un periplo por todo el país hasta convertirse en una de las exposiciones de arte más visitadas del siglo XX.Paradójicamente, con esta iniciativa, los nazis, antes que ''cancelarla'', acabaron cristalizando la modernidad contemporánea mucho mejor que cualquier otra manifestación artística.
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Desde el siglo XVII hasta la llegada de la era digital, las teorías del color se han ilustrado con deliciosas ruedas, gráficos policromados y meticulosos diagramas. Esta reveladora edición, que reúne más de 65 obras de todo el mundo, rastrea los infinitos tonos y matices de un tema que inspiró a Newton, Goethe, Sanzo Wada, la Bauhaus y muchos más.¿A quién va dirigido el libro The Book of Colour Concepts?Este libro está dirigido a un público amplio interesado en la historia del color, su significado y su evolución a través de los siglos. Resulta especialmente atractivo para coleccionistas, entusiastas del diseño, historiadores del arte, investigadores, estudiantes de arte y diseño, y cualquier persona fascinada por la influencia del color en la cultura, la ciencia y la filosofía. Su formato y contenido lo hacen accesible tanto a expertos como a aficionados que deseen profundizar en el tema.Temas que trata el libro The Book of Colour ConceptsEl libro explora la rica historia del color a través de cuatro siglos, recopilando más de 65 textos y manuscritos históricos, ilustrados con más de 1000 imágenes. Se analizan diversos aspectos, incluyendo:Teorías del color: Se presentan obras seminales de la teoría del color, como las contribuciones de Isaac Newton y Johann Wolfgang von Goethe, ofreciendo una visión de la evolución del pensamiento sobre el color a lo largo del tiempo. Se incluyen también sistemas de color menos conocidos, como los sistemas teosóficos.Taxonomías del color: El libro proporciona taxonomías exhaustivas del color, ofreciendo una clasificación detallada y organizada de los diferentes matices y tonalidades.Relación entre color y otras disciplinas: Se explora la relación entre el color y otras áreas del conocimiento, como la música y las emociones humanas. Se analiza cómo el color ha influido en la percepción y la experiencia sensorial.Contribuciones de mujeres: Se destaca la importante, aunque a menudo olvidada, contribución de mujeres al campo de la teoría del color, presentando obras de artistas como Mary Gartside y Hilma af Klint.Evolución histórica del color: Desde las primeras manifestaciones artísticas en cuevas hasta la era digital, el libro traza un recorrido por la evolución del uso y la comprensión del color en la historia de la humanidad. Se incluyen ejemplos de diferentes culturas y épocas.Sistemas de color: Se presentan diversos sistemas de color a lo largo de la historia, mostrando su desarrollo y evolución. Se incluyen ejemplos de diferentes métodos de representación y organización del color.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro The Book of Colour ConceptsAún no hay opiniones o críticas sobre The Book of Colour Concepts.
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1874 est l'année de la premiàre exposition du groupe de peintres qui entrera dans l'histoire sous le nom d'« Impressionnistes », mais c'est aussi l'année de la 91e édition du traditionnel Salon de Paris de Peinture et Sculpture. Le journaliste et homme politique Ernest Duvergier de Hauranne (1843-1877), avec son compte rendu, plein de nuances et de sarcasme, des úuvres exposées au Salon Officiel, nous permet de saisir l'état de confusion et d'attente o- se trouvait alors l'art de la peinture en France.
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Más allá del dibujo académico, existe un manera de dibujar más espontánea e intuitiva. Este manual es una invitación a perder el miedo a manchar el papel, explorar y crear libremente. A partir de tres movimientos, tres manchas de acuarela superpuestas, aprenderemos a dar vida a 15 animales y nos adentraremos en las infinitas posibilidades de la mancha y el trazo. ''Cada uno de los animales de este libro es un reto, una oportunidad para aprender a explicarlo reduciéndolo a mancha y trazo, un proceso de desaprendizaje y de deconstrucción.''
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Quince ensayos breves de Colm Tóibín, escogidos entre los más de cuarenta que ha escrito sobre artistas y sus obras, constituyen este libro inédito sobre arte, y en especial sobre una determinada forma de mirar y dejarse cautivar, una forma de leer y también de narrar. Toda obra de creación, ya sea plástica o literaria, tiene un punto de partida, a veces simplemente una marca en una tela o una palabra en una página en blanco, un dispositivo que dispara la imaginación. Miró, Calder, Tàpies, Barceló, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... ponen en evidencia que la imaginación, cuando trabaja, siempre está sola, y que ese momento de concentración furiosa y única del acto creativo solo la inteligencia puede decantarlo o moderarlo. En el prefacio que abre el libro, Tóibín sugiere que seguramente debe a la pintura el hecho de haberse dedicado a escribir.
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William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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A través de 30 proyectos paso a paso, la galardonada artista Harriet de Winton nos guía magistralmente para aprender a pintar bellos animales, insectos y seres vegetales de todo el mundo. Una introducción perfecta no solo al arte botánico, también a las bases de la técnica de la acuarela, la composición y la teoría del color.
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La Historia del arte ha sido un éxito de ventas mundial que en este 2023 cumple 70 años desde su primera publicación. Es la introducción al arte mejor y más popular jamás escrita, publicada en todo el mundo en más de 30 idiomas. Atraídos por la sencillez y claridad de su escritura, lectores de todas las edades y procedencias han encontrado en el profesor Gombrich a un verdadero maestro, que combina conocimiento y sabiduría con un don único para comunicar su profundo amor por la materia.Actualizado con una nueva portada impresionante y un prefacio escrito especialmente por la nieta del profesor Gombrich, Leonie, este formato de bolsillo permite que la obra clásica de Gombrich continúe su progreso triunfal para otra generación y siga siendo el título de primera elección para todos los recién llegados al arte y su historia.La posición de Sir Ernst Gombrich en el mundo del arte y su popularidad entre los expertos y un gran número de lectores en general no tienen rival. Nacido en Viena, llegó a Londres en 1936 para trabajar en el Instituto Warburg, donde se convirtió en director desde 1959 hasta su jubilación en 1976. Ganó numerosos honores, incluido el título de caballero, la Orden del Mérito y el Goethe, Hegel y Premios Erasmo.
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Las corporalidades, identidades y orientaciones no-heterosexuales, trans e intersexuales han estado tradicionalmente alejadas del ámbito de la educación formal, como si la vida y la escuela fuesen dos realidades disociadas entre sí. Con la llegada de la educación afectivo-sexual, se abrió una oportunidad para que estas formasen parte de la cotidianeidad escolar, pero los contenidos ligados a los riesgos en torno a las infecciones de transmisión sexual y los embarazos no deseados, junto con su prevención, han acaparado el tratamiento que se hace de la sexualidad en nuestros centros. Son contenidos que, además de desplazar al colectivo LGTBIQ hasta su borrado en este campo educativo, esconden mensajes discriminatorios que reproducen y legitiman las distintas violencias que sufren las personas que no se ajustan a los parámetros normativos de sexualidad (binarismo, ciscentrismo, heterocentrismo, monosexualidad, LGTBIQfobia, etc.). Así, mientras que las formas no hegemónicas de transitar la sexualidad están siendo cada vez más visibles entre las generaciones más jóvenes, en el ámbito de la educación escolar existen múltiples dificultades para atender a esta diversidad de manera profunda e integral. En este sentido, el presente libro explora esta relación entre educación afectivo-sexual y colectivo LGTBIQ -más caracterizada por sus desencuentros que por sus encuentros-, trazando un recorrido por distintas dimensiones de la realidad sociocultural, desde el foco en lo que el autor denomina sistema normativo de sexualidad hasta el marco escolar y la educación afectivo-sexual. Seguidamente, se plantean los resultados de un estudio y se finaliza con algunas propuestas que permiten orientar la práctica docente hacia el logro de una educación afectivo-sexual diversa e igualitaria.
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Las mujeres detrás de Picasso pone el foco en las protagonistas tanto de la vida como de la obra del célebre pintor. Olga Khokhlova, Dora Maar, Françoise Gilot o Jacqueline Roque son solo algunos de los nombres que inspiraron al malagueño, le ayudaron a promocionar su obra y le cuidaron en todas las etapas de su vida. ¿Cuánto sabemos de él y cuánto de ellas? Mujeres de talento desbordante, todas tuvieron que superar innumerables obstáculos y enfrentarse a las violencias que sobre ellas vertieron tanto el artista y el entorno en el que les tocó vivir como, más tarde, la historiografía y sus sesgos de género. Este libro nos acerca a las biografías de quienes hicieron que Pablo se convirtiera en Picasso y de quienes existieron no gracias al pintor, sino a pesar de él. Eugenia Tenenbaum, historiadora del arte y experta en perspectiva de género, traza los perfiles de cada una de las protagonistas. A través de diversos géneros y recursos literarios, reconstruye fragmentos de las vidas de estas mujeres fascinantes para devolverlas al lugar en el que siempre deberían haber estado. Tanto la portada como las ilustraciones interiores corren a cargo de nueve artistas de gran relevancia: Naranjalidad, María Hesse, Laura Agustí, Esther Gili, Lady Desidia, María Herreros, Ana Santos, Isa Muguruza y Sara Herranz. Las mujeres detrás de Picasso es una obra para cuestionar la historia, descubrir y comprender mejor algunos capítulos esenciales de nuestro pasado más reciente y acercarnos al arte de una manera inclusiva y justa, que entienda la creación artística como un esfuerzo colectivo en lugar de como un trabajo individual.
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Modigliani est surtout un peintre de portraits : c’est un portraitiste.“Ce que je cherche, ce n’est pas le réel, ni l’iréel, mais l’Inconscient, le mystère de l’instincitivité de l’être”, disait‐il à propos de ses tableaux. Ce livre regoupre les portraits que Modigliani a peint de ses amis avec les souvenirs de Modigliani qu’ont écrit ses amis. Livre, compagnon de celui intitulé Paysages, publiés tous deux à l’occasion de l’exposition au Musée de l’Orangerie dédiée à Amedeo Modigliani, septembre 2023.
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“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant...“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant, Modigliani fut élève à Livourne de Guglielmo Micheli, peintre de paysage dans la tradition des Macchiaoli italiens. Et pourtant avec Modigliani, de par ses nombreux portraits, c’est aussi l’Italie, le Midi et surtout Paris qui parlent.
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En este cautivador artbook, la talentosa artista Ashleigh Izienicki -nacida en Colorado y conocida mundialmente bajo su marca, MissUpacey- nos invita a explorar su proceso creativo único, en el que combina hábilmente temas oscuros y macabros con un toque de delicadeza y feminidad. Con más de 603.000 seguidores en Instagram, un exitoso Patreon y una tienda online que ofrece productos de diseño exclusivo, como pines, fundas para teléfonos, calcomanías y artículos de papelería, Ashleigh ha logrado cautivar a una audiencia global con su estilo inconfundible. Actualmente radicada en California, Ashleigh trabaja tanto en medios tradicionales como digitales, y comparte en este libro una serie de tutoriales en ambos formatos, ofreciendo a los amantes del arte y sus seguidores una ventana íntima a su proceso, el diseño de su estudio y sus fuentes de inspiración. Además, abre su corazón sobre los retos y las alegrías de gestionar un negocio artístico, aportando consejos valiosos para los creativos que comienzan su camino. Hellebore: The Art of Missupacey refleja los valores de producción de excelencia que caracterizan a la editorial: papel de alta calidad y una exquisita edición en tapa dura con acabados especiales. Un verdadero tesoro para los seguidores de MissUpacey y para los amantes del arte en general, que disfrutarán de tener esta joya en su estantería por muchos años.
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Una profesora de danza se sienta ante su escritorio de madrugada para trazar su última coreografía, aquella que le permita no bailar nunca más. Ha abandonado una relación, su profesión, su posible maternidad. Propone una aventura a su madre, una mujer que una tarde decidió dejar de caminar. Un baile en forma de paseo. Ambas recorren su ciudad de provincias en dirección a oriente, hacia la luz. Conforme el viaje avanza, el trayecto se convierte en el protagonista. Un camino en línea recta que atraviesa la ciudad. Que cruza este libro. Que sigue más allá. Un libro íntimo y poético que a través de este peregrinaje nos introduce en los deseos, ausencias y penas, muchas veces no desveladas, de una madre y su hija. De trasfondo, la ciudad, el trayecto compartido, personajes que las acompañan, una historia de la danza y coreografías icónicas. Pómulo y lejanía, de movimientos suaves, es el brillante debut novelesco de la periodista y docente Stefanía Caro.
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Quan les dones havien de pintar flors ens aporta una nova perspectiva d'una època coneguda per la passió artística en totes les seves manifestacions. Mentre que les pintores femenines havien quedat ancorades a un gènere considerat menor, l'arribada d'un nou corrent artístic va capgirar aquesta situació prenent com a bandera la representació floral. Qui eren aquestes dones? I, encara més, què pintaven? Consol Oltra treu a la llum la seva història i recupera unes obres que van aconseguir trencar la barrera de l'àmbit privat per integrar-se dins l'espai públic. Tot i que l'època les va acabar silenciant, avui per fi podem considerar-les com el que eren: obres de primera fetes per artistes excel·lents.
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