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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Apunts per a un incendi dels ulls
Apunts per a un incendi dels ulls' (2020) és un llibre travessat pel foc, una temptativa de reflexionar sobre la iconoclàstia i l’adoració d’imatges a partir de la poesia. Entenent el llenguatge com un cos en construcció, elàstic i mutant, ple d'orificis, en aquest llibre Gabriel Ventura ens endinsa en una experiència lingüística que busca constantment més ull, més pell, més límit on despenyar-se. Revolta, innocència, destrucció i transformació són els temes d’una obra que es pregunta si és possible arrencar el cap del cos del poder i si encara ens podem rebel·lar a través del llenguatge.
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Podría resultar paradójico que quien en 1996 se pronunció ''contra el arte latinoamericano'' agrupe ahoraen este libro algunos de sus escritos sobre el arte en la región. No es así: la obra de Gerardo Mosquera ha contribuido a superar una noción totalizadora y reductora no solo del arte creado en América Latina, sino del continente mismo. Lo prueban los ensayos reunidos en este volumen, buena parte de los cuales no habían aparecido en castellano, que muestran a un pensador que no se resigna al arte con apellidos y trabaja inmerso en los procesos y eventos de la cultura contemporánea.El libro sobrepasa el ámbito latinoamericanopara discutir problemas globales. Nikos Papastergiadis ha señalado que una de las lecciones que nos ofrecees la de ''modificar el papel del artista en la periferia: pasar del que imita lo dominante para accedera lo universal, al que produce contenido universal anivel local. Por tanto, ofrece una metodología distintiva''. Es el nuevo paradigma del ''desde aquí'', defendido por el autor: los contextos son ahora actuadosmás que mostrados.
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Pintura catalana. Segones avantguardes
Un llibre per descobrir l'originalitat i la diversitat de la pintura catalana d'avantguarda sota el franquisme.Entre el 1940 i el 1975, a Catalunya, l'art i les posicions estètiques modernes esdevenen un acte de resistència caracteritzat per l'originalitat, la llibertat i l'experimentació. La figuració expressionista o primitiva, les diferents formulacions de l'art abstracte, l'impacte de la cultura pop o l'expansió de la pintura cap a nous materials, són les principals declinacions d'una etapa que va ser testimoni de la maduresa dels grans noms -Miró, Dalí i Tàpies- però també de l'empenta d'un estol de fins a vuitanta artistes -Guinovart, Mari Chordà, Hernández Pijuan, Esther Boix, Brotat...- que un ampli equip d'especialistes, dirigits per Àlex Mitrani, mostren i analitzen en aquest llibre.
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El retrato en el Renacimiento se le atribuyen múltiples usos y funciones -emotivas, documentales, devocionales o legitimadoras- que lo convierten en uno de los géneros por excelencia de este período. Estas funciones quedarían condesadas en las galerías de retratos: uno de los nuevos espacios de exposición y almacenamiento propios del Renacimiento junto a la cámara de las maravillas y al studiolo. En esta comunicación analizaremos el origen y evolución de estas galerías, sus usos y funciones y sus ejemplos más representativos desde la perspectiva de género. Por eso, en esta ocasión, Felipe II, Francisco I o Fernando II cederán el testigo a Margarita de Austria, María de Hungría, Juana de Austria o Catalina de Austria, mujeres todas ellas que reunieron algunas de las galerías de retratos más significativas de las cortes europeas del siglo xvi, a través de las cuales hicieron presentes a familiares y amigos ausentes en la distancia y en el tiempo, subrayaron su pertenencia a un linaje familiar y legitimaron su posición en la corte y en los círculos reales y nobiliarios.
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España acude a la 59ª edición de la Bienal de Venecia con el artista Ignasi Aballí, de sólida y larga trayectoria, y con una propuesta comisariada por Bea Espejo, gran conocedora de la obra del artista. En Corrección/Correction, Ignasi Aballí dialoga con el espacio arquitectónico del pabellón español, haciendo de su proyecto una oportunidad para investigar los lugares que nos rodean. Con su intervención modifica el espacio del propio Pabellón y, por extensión, su ubicación en la Bienal y su relación con la ciudad, en una metáfora que invita a mirar hacia delante y a planificar nuevos caminos. Con textos de la comisaria Bea Espejo, de la escritora Ruth Estévez, del editor Moritz Küng, del artista Alejandro Cesarco y una conversación entre Aballí y Manuel Borja-Villel, director del MNCARS. En coedición con AECID.
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Es una obra del mayor interés e incluso indispensable para todo aquel que se interese por el tema del simbolismo de los colores, pues no hay libro alguno que pueda sustituirlo. Escrito en el siglo XIX, la obra de Portal surge como un islote de ortodoxia
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A medio camino entréla monografía filosófica y la medíación memorística, Qué es el arte pone en tela de juicio la creencia popular según la cual el arte es un concepto indefinible, y tras élo nos exponélas propiedades que constituyen su sentido universal. Según Daño, y a pesar délas diversas teorías, una obra de arte se define siempre por dos criterios esenciales: el significado y la materialización, y a estos les suma un tercer criterio, el déla interpretación que cada espectador aporta a esa obra.
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En el trabajo creativo, no hay crítico más despiadado que uno mismo. Eshora de plantar cara a tu crítico interior y enseñarle unas cuantasverdades…1–Todo el mundo es creativo2–Las excusas son el enemigo3–Las etiquetas son para las conservas, no para las personas4–La hoja en blanco puede deslumbrarte5–La envidia es un semáforo en verde6–Tu crítico interior es un cretino7–Nadie puede arrebatarte el lápiz de las manos8–Del fracaso surge la genialidad9–Crear en el vacío es un asco10–Los bloqueos están para romperlosSi eres una persona creativa (y sin duda lo eres, como afirma la verdadnúmero 1), descubrirás que todo lo anterior es cierto aunque tu yo másnegativo persista en bloquearte y dejar tu mente en blanco. ¡Aprende aaceptar estas 10 máximas como parte de tu proceso artístico y verás cómotu trabajo avanza a pasos agigantados!
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El catàleg presenta la diversitat dels universos creatius de les joves il·lustradores i comiqueres Bàrbara Alca, Marta Cartu, Genie Espinosa, Ana Galvañ, Nadia Hafid, Conxita Herrero, María Medem, Miriampersand i Roberta Vázquez. En la seva obra, i a partir de l´ús de diferents lllenguatges, registres estètics o de referents culturals, així com a través de l´ús del color, el grafisme o l’experimentació estilística i narrativa, les nou creadores han posat en qüestió les formes canòniques del còmic. Sovint tracten, amb mirada crítica i humor, temes de la realitat millenial com ara la precarietat econòmica i laboral, la desaparició de l’estabilitat, la relació amb la tecnologia, la sororitat o les relacions a Internet, etc.
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Nueva entrega del universo literario de Dungeons and Dragons.Ésta es la historia de cómo Raistlin Majere llegó a ser el poderoso mago llamado a jugar un papel decisivo en la Guerra de la Lanza. Raistlin es el elegido por la Torre de la Hechicería para hacer frente a las fuerzas del Mal en el sombrío futuro que amenaza a Krynn. Y aunque él puede ser la salvación de un mundo, está por ver si su alma no se perderá irremediablemente en la tremenda lucha que se avecina.
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El libro constituye un estudio monográfico y general sobre la estética altomedieval (período románico, s. XII) y sus valores simbólicos, en la pintura, arquitectura, escultura, literatura y pensamiento (fundamentalmente religioso) de la época. Una obra esencial para entender y penetrar verdaderamente en los significados artísticos e históricos del período, así como en la huella que han dejado en nuestra civilización y nuestra cultura.
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La pintora española más importante de principios del siglo XXSus composiciones, aunque siempre impregnadas de la disciplina cubista, reservaban a la figura humana desterrada del cubismo puro, un lugar primordial. ¡Y qué figuras! endurecidas a fuerza de intensidad, particularizadas al máximo, sólo comparables con las figuras góticas.Artista de gran talento, adscrita al cubismo más clásico y poético antes de crear su propio estilo, de vida dolorida y expresión desgarrada, la santanderina afincada en París, María Blanchard (1881-1932), es la artista española más importante de principios del siglo XX.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Darse la mano. Escultura y color en el Siglo de Oro, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 19 de noviembre de 2024 y el 2 de marzo de 2025.El volumen y el color han marchado unidos a lo largo de milenios. Gracias a la policromía la escultura ganó en verosimilitud y vivacidad, convirtiéndose en un eficaz instrumento de persuasión desde los momentos más tempranos de la historia. La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corpórea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia más cercana y real. Escultores y pintores trabajaron al unísono para crear unas obras en las que ambas labores se fundían con perfección. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirtió en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores escénicos, ya fuera al formar parte de una procesión o al ser representada en un lienzo.Este catálogo y la exposición a la que acompaña ilustran la incansable búsqueda de realismo en el arte español del Renacimiento y el Barroco en todo aquello que afectaba a la envoltura de la figura, y muestran a partir de un centenar de obras, pinturas, estampas y esculturas la integración natural de la pintura en la escultura y su triunfo en el mundo hispánico, destacando el valor de lo tridimensional en la transmisión del mensaje sagrado.
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L'art d'explicar l'Art
Una pila de caramels acumulats en una cantonada, una piscina plena d'oli de motor, un terra de fusta per on passejar-hi, quadres enigmàtics amb mil i una interpretacions però amb només una història real al darrere... L'art -especialment el contemporani- pot sorprendre, deixar-nos indiferents o, fins i tot, indignar-nos quan creiem que té una simplicitat poc justificada. L'art d'explicar l'Art acosta obres d'art de tots els temps i, amb una explicació, pot fer que en gaudim, ens emocionem, ens posem tristos o, fins i tot, deixem anar alguna llàgrima de felicitat. El llibre explica els motius pels quals un artista fa el que fa i el missatge que vol transmetre, de manera que davant d'una obra d'aparença senzilla, potser no cal afirmar amb tanta rotunditat «El meu fill petit ho fa millor!», tot i que no dubtem gens ni mica de les enormes possibilitats de tots els fills petits.
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Artista urbano innovador, crítico social y maestro de la sátira, los grafitis de Banksy aparecen de la noche a la mañana en las paredes del planeta y no dejan a nadie indiferente. Este libro presenta un recorrido por las obras imprescindibles de Banksy, sus imágenes más importantes y celebradas: desde las calles de Londres y Nueva York hasta el muro de Gaza o los museos y casas de subastas, estos grafiti conforman un retrato provocador, brillante y mordaz de lo que llevamos de siglo, obras de un creador revolucionario cuya identidad sigue siendo desconocida. El especialista en arte urbano Xavier Tapies nos acompaña en el trayecto con explicaciones sobre el contexto, las anécdotas y las repercusiones de cada obra, junto con citas del propio Banksy y otros personajes. Uno de los principales propósitos de este libro es mostrar que el fenómeno Banksy es mucho más grande que los temas burgueses que caracterizan el arte. Banksy es político. Es, sobre todo, un provocador, un polemista, un hombre que usa las paredes públicas para enviar mensajes punzantes contra la hipocresía, la corrupción y la maldad que ha cread
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Los dos márgenes de la ría de Bilbao ofrecen escenas dignas de las más perturbadoras distopías y evocadoras de un periodo ya concluido. Si bien se aportan datos este es un libro concebido no desde la razón, dado el desconocimiento de la realidad del trabajo en la fundición, la mina o el astillero, sino desde la emoción, alentado por el cariño a un paisaje que perdura en parte. Sirva como reconocimiento a las personas que dedicaron su vida a ello.
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Desde 1989, el año en que nació la World Wide Web, el mundo del arte ha lidiado con el auge de la cultura en red. Esta encuesta sin precedentes de los artistas e innovadores en esta área desde 1989 hasta la actualidad se entrelaza con la narrativa personal de una de las principales voces del mundo digital. En este libro, Omar Kholeif, cuya prolífica carrera es paralela al crecimiento de Internet, cuenta la historia de este medio masivo y cómo ha fomentado nuevas posibilidades para los artistas, tanto analógicos como digitales. El libro muestra el trabajo que abarca una variedad de medios de artistas legendarios como Lawrence Abu Hamdan, Lynn Hershman Leeson, Nam June Paik, Heather Phillipson y Wu Tsang. Esta es una historia para el presente y el futuro, que rastrea a los artistas e innovadores clave desde el surgimiento del arte basado en navegador hasta los albores de las NFT.n Sudjic es Director Emérito del Museo del Diseño de Londres y Profesor Distinguido de Estudios de Arquitectura y Diseño en la Universidad de Lancaster. Cofundador de la revista Blueprint, Sudjic también editó la revista Domus y ha sido cr¡tico de arquitectura para The Sunday Times, The Guardian y The Observer. Fue director de la Bienal de Arquitectura de Venecia y ha comisariado exposiciones en Copenhague, Estambul y Seúl.han, Tom Colicchio, Nina Compton, Wylie Dufresne, Suzanne Goin, Enrique Olvera, Eric Ripert, Clare Smyth, Jean-Georges Vongerichten y Alice Waters, entre otros.
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La educación del des-artista es un hoy un texto más vigente que nunca, un inusitado manual para creadores donde el Arte y su Historia son desactivados por una mirada crítica, una conciencia estética y una práctica artística al servicio de la vida.
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Otros ejemplos recientes no es técnicamente ni un libro de artista, ni un catálogo, ni un libro de ensayo, ni un ejercicio de traducción, y sin embargo es todo eso a la vez. Editado en ocasión de las exhibiciones de Alejandro Cesarco en Artium Museoa (Vitoria) y Lumiar Cité (Lisboa), esta publicación reúne, por un lado, obra que aborda las diferentes funciones, usos y formas de la pedagogía y, por otro, trabajos que reflexionan sobre las relaciones entre la lengua materna, el bilingüismo y el peculiar ecosistema que sustenta esa interrelación. Otros ejemplos recientes incluye, además, un ensayo de Mirene Arsanios, cartelas de obras expandidas y una serie de epígrafes que funcionan como prólogo y delatan la influencia de Macedonio Fernández en la concepción de la publicación
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La belleza puede ser reconfortante, perturbadora, sagrada o profana, puede resultar estimulante, atrayente, inspiradora, incluso escalofriante. Puede afectarnos de maneras muy distintas, pero nunca nos deja indiferentes. En esta obra, el brillante y ecléctico filósofo Roger Scruton explora el concepto de belleza, indagando en aquellos elementos que confieren a un objeto -artístico, humano o natural- esta cualidad y sugiriendo formas de comparar la variedad de criterios que existen al respecto. ¿Hay una manera precisa de medir y juzgar la belleza? ¿Es siquiera posible definirla? ¿Es justo afirmar que es más bello un templo clásico que un edificio de oficinas hecho de hormigón, que hay más belleza en un Rembrandt que en la obra que ganó el último Premio Turner? Las conclusiones a las que llega el autor en este texto, directo y sugerente, tan accesible como intelectualmente riguroso, sin duda pueden resultar controvertidas. No obstante, todas ellas invitan a reflexionar sobre los objetos bellos que nos rodean y a tratar de hallar un sentido más profundo en el efecto que la belleza tiene sobre nosotros.
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Un libro para viajeros y curiosos que nos ofrece una visita inolvidable por la basílica de San Pedro, un recorrido a través de sus personajes y hazañas en este lugar tan especial.Aprenderemos que, en el siglo xvi y durante 150 años, en la colina
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Al cumplir ochenta y cinco años, el estudio de arquitectos fundado en 1937 por un jovencísimo Juan Sordo Madaleno ha querido publicar esta monografía poco convencional en la que se recogen los proyectos más ambiciosos construidos (y no construidos) dentro del contexto de la transformación, y que al mismo tiempo reflejan y determinan la evolución de los paisajes del México posrevolucionario. Desde las primeras construcciones la firma no solo ha sido pionera en la erección de edificios modernos, sino también en diseños arquitectónicos inherentemente urbanos, componentes fundamentales de urbes de escalas superpuestas. Este libro incluye aportaciones de algunos de los principales pensadores de la arquitectura urbana de la actualidad, recalcando el compromiso que ha guiado durante tres generaciones a una familia de arquitectos única.
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Como explica el profesor Iliá Kalinin en la introducción a esta edición de los escritos teóricos de Shklovski: “El formalismo ruso, que apareció en primer lugar con la intención de ofrecer una explicación teóricade las prácticas artísticas coetáneas del futurismo,no prolonga la herencia de la estética clásica sinoque más bien la destruye. [...]. En el caso del formalismo no tenemos ante nosotros una nueva variante dela antigua teoría del arte como representación sino un movimiento en la dirección de aquello que más tarde, en los trabajos de Barthes o de la misma Kristeva,se denominará como ‘texto’. Es decir, en una descripción de los procesos de producción de significado queexcluye en primer lugar el enclave de las intencionesconscientes del autor y descubre un nivel más fundamental, inmanente a la propia factura textual [...]”.
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El centre d'arts Santa Mònica va presentar el febrer del 2022 La tradició que ens travessa, una exposició sobre diverses lectures crítiques de les tradicions que ens han configurat i que encara segueixen fent-ho. D'aquesta experiència tentacular, de les seves derivacions i les seves fugues, parteix aquest llibre. És el rastre escrit dels processos que es van anar desenvolupant al llarg de tot el procés de creació, i que van continuar generant formes de coneixement mentre l'exposició va estar oberta al públic.
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La publicación Nancy Holt Dentro Fuera acompaña la exposición coproducida por el MACBA Museu d' Art Contemporani de Barcelona y el Bildmuseet de Umeå, la muestra más completa de la práctica de esta artistanorteamericana en Europa hasta la fecha, con una ambiciosa presentación de su polifacética obra.En su condición de pionera de las instalaciones sitespecific y la imagen en movimiento, Nancy Holt (1938-2014) amplió los espacios en los que puede ubicarse el arte para incluir los medios más modernos de su época, y cuestionar nuestra forma de entender cuál es nuestro lugar en el mundo. Tanto la exposición como el libro exploran el legado artístico de Holt a través de una amplia selección deobras que abarcan el período comprendido entre 1966y 1992, centrándose en la noción de percepción y delímites entre el «adentro» y el «afuera». Esto incluye obras de cine, vídeo, fotografía, poesía concreta, obras sonoras, escultura e instalaciones de grandes dimensiones, así como dibujos y documentación de susproyectos de land art.El MACBA, con este libro, ha puesto en marcha la primera traducción al español de los textos de Holt, que, en palabras de la propia artista, denotan su compromiso con el arte entendido como una parte necesaria del mundo. A estos relevantes textos se unen los estudios de Karen Di Franco y James Nisbet y una conversación entre las comisarias que iniciaron el proyecto (Katarina Pierre y Lisa Le Feuvre), a fin de presentar el contexto y la relevancia duradera de la obra y el pensamiento de Holt.El libro incluye también un ensayo de Teresa Grandas, co-comisaria de la exposición, que explora las resonancias entre la obra de Holt y el rico legado del arte conceptual en Cataluña.
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A caballo entre la poesía y el relato personal, Crines se adentra en la dimensión política de la noche, un espacio y un lugar por el que transitan personajes (ficción tomada de la realidad) en equilibrio entre el miedo, el deseo, la clase social, el género, la raza... «Seas lo que seas, qué bien que estés aquí», dirá. «El turno de noche arrasa, acecha, acerca», dirá. «Prohibidos los principios y los finales», dirá. En Crines la precariedad, la pérdida y la supervivencia límite lo invaden todo, luminosas como el lamé y el glitter, oscuras como una ventana desde la que no se ve el cielo. «Todo es cuerpo, arquitectura y texto», anotará en un papel de seda que lleva en el bolsillo mientras cuenta sus pasos en kilómetros de recorridos urbanos que activan palabras, melodías, trazos, intersecciones y transformaciones.Escritura somática que expande, completa y desarrolla su práctica artística, «semilla de un nuevo remolino», Lucía C. Pino transita por la memoria personal -tiempo detenido que habla de lucha, dolor y pérdida- y la colectiva, a la luz de lo pequeño y cotidiano.«No sé cómo hablar / solo de ti porque todo / viene de hablar de ti», dirá.
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Nos encontramos ante una obra multidisciplinar en el que autores de diferentes campos de estudio como la Arqueología, Educación, Geografía, Historia y Turismo presentan nuevas contribuciones para estudiar la Sostenibilidad. Se trata de una palabra que corre el riesgo de perder su valor debido a su sobreuso. Por ello, los autores de esta obra presentan perspectivas que van desde el origen de la sostenibilidad, su uso como objeto historiográfico hasta trabajos de análisis del pasado hasta la actualidad.
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La técnica de producción floral cerámica es un oficio industrial que fue desempeñado íntegramente por mujeres a lo largo de los siglos XIX y XX en las fábricas de cerámica europeas. En mi trabajo, recupero esta técnica tradicional para representar la actual mercantilización del enamoramiento y cómo los patrones emocionales son asumidos socialmente como iconos de consumo en la producción de una utopía romántica, donde las experiencias sentimentales se presentan a través de productos fabricados por industrias específicas.
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Reivindicar la resiliencia / Reclaiming Resilience es el proyecto curatorial del colectivo Pakui Hardware (Neringa Cerniauskaite & Ugnius Gelguda) donde, a través de las obras de cuatro artistas (Dominique White, Monia Ben Hamouda, Naomi Rincón Gallardo y Bianca Bondi), aspiran a recuperar y profundizar en la resiliencia como forma de curación, resistencia y aguante. El libro explora de forma crítica el término resiliencia a través de los autores: Mark Neocleous, Serene J, Khader, Alexis Pauline Gumbs, Lisa Parola, Sara Garzon y Rose Vidal.
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Antoni Tàpies. La práctica de l`art
El catálogo Antoni Tàpies. La práctica del arte, editado junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, recoge los textos del comisario, Manuel Borja-Villel, la conservadora del Buffalo AKG Art Museum, Cathleen Chaffee, el comisario y crítico de arte Carles Guerra, y el historiador del arte y comisario de exposiciones Pedro de Llano Neira, así como fragmentos de las entrevistas realizadas al artista por Manuel Borja-Villel y Barbara Catoir en los años 1995 y 1988, respectivamente.
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Un método absolutamente original que ofrece una perspectiva novedosa de la enseñanza del dibujo y la pintura. “Los secretos de la pintura” expone los problemas más complejos con la sencillez más absoluta. Por fin una forma de aprender a dibujar rápida, fácil y gratificante. Ante el reto de desarrollar unas reglas que resolvieran los problemas cotidianos de sus alumnos el autor concibió un completo programa para la enseñanza del dibujo y la pintura. Así, Javier Pérez Prada nos ofrece un método en el que, desde la abstracción y los elementos más básicos, se llega a la anhelada figuración, rompiendo barreras estilísticas y resolviendo todos los problemas a los que se enfrenta el aspirante a pintor. El lector encontrará en este libro una guía de aprendizaje que le permitirá desarrollar su creatividad desde el primer capítulo, logrando un círculo virtuoso inédito hasta la fecha. Además, para el profesional de la pintura esta obra ofrece numerosos recursos para mejorar su trabajo diario, puesto que descubrirá conceptos sobre la organización del color desde las funciones estructurales, así como un completo plan para desarrollar el pensamiento visual.
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" ¿Para pintores? a pintores, porque estos fragmentos, más que describir o analizar el hecho pictórico, quieren mover al lectorhacia la pintura y hacia el pintar. Por tanto, aunque se dedican a la pintura ponen el acento en el pintar, en eso que
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Art trobat
Un antiquari és un caçador d'obres d'art, algú que busca i segueix les peces obsessivament fins que les aconsegueix. No les mata, les cobra. I en l'exercici de la caça, de la possessió, s'amaga el plaer. En la nostra feina hi ha quelcom detectivesc, de novel·la negra. Hem de resoldre els enigmes que plantegen les peces i ens movem a través dels indicis, de les traces que ens permeten aclarir l'escenari del crim i buscar un culpable, l'artista que hi ha darrere les imatges. Som els últims connoisseurs capaços de despertar obres que fa temps que dormen el son dels justos. Em proposo narrar algunes històries d'antiquaris, aventures que no tenen lloc a la sabana africana a la recerca del lleó sinó en els pisos de Barcelona i els seus rodals i també en altres indrets del món on s'amaguen obres d'art adormides, oblidades, soterrades per la tirania de l'útil i el modern.
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«Tots els llibres que parlen del color són llibres sobre història de l’art. Però jo volia explicar com funciona el color tenint en compte no només les grans obres d’art, sinó també les coses banals que ens envolten.» RICCARDO FALCINELLITotes les societats han construït sistemes simbòlics en els quals el color té un paper central: pensem en el negre del dol, el vermell del comunisme o el blau del mantell de la Mare de Déu. El que és extraordinari en el món modern és que la tecnologia i el mercat han canviat la manera de mirar les coses i ens han acostumat a noves percepcions. Els colors carregats de la pantalla són ara el paràmetre amb el qual avaluem la puresa de cada fenomen cromàtic. I potser no en som conscients, però tenim en compte el groc dels Simpson fins i tot quan som davant d’una pintura del Renaixement. Cromorama ens explica com avui el color s’ha convertit en un filtre amb el qual pensem la realitat. Amb l’ajut de 400 il·lustracions, ens descriu com s’ha format la mirada moderna aprofitant tot l’univers de les imatges: no només la pintura, sinó també la literatura, el cinema, el còmic i, sobretot, els objectes quotidians, que ens fa veure de manera nova i inusual.
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* Aprenda a pintar con el medio más meditativo y accesible para el artista: la acuarela. * Inspirándose en pinturas pertenecientes a la colección de la Tate,descubra las técnicas de los maestros de la pintura ala acuarela y mejore sus propias habilidades. * Domine las técnicas y los estilos de destacados artistascon la ayuda de la original serie de la Tate. Cadauno de los títulos de la serie se centra en un mediodistinto e invita a los lectores a seguir el ejemplode artistas muy influyentes a través de 30 trabajos icónicos pertenecientes a la colección. Entre los artistas que se presentan en este libro se encuentran, entre otros, Paul Cézanne, Raoul Dufy, Maggi Hambling,John Marin, Gwen John, J. M. W. Turner, Eric Ravilious, Paul Sandby, John Singer Sargent, Paul Klee.
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En este libro se muestra que el fundamento de la actitud crítica en filosofía -tanto en el criticismo kantiano, como en la crítica marxista, así como la llamada ''teoría crítica de la Escuela de Frankfurt''- procede en realidad de la crítica artística y literaria,y no al revés. Por ello también, este libro se afanaen buscarle un fundamento de legitimidad a la crítica, así como en establecer su alcance y sus límites.
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