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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Introducción al arte occidental del siglo XIX
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Alfaguara recupera esta joya del ganador del Premio Booker John Berger, uno de los autores fundamentales de la literatura contemporánea. Literaturas Alf
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Partiendo del estudio de los mitos fundacionales acerca del origen y la naturaleza de la luz, de la visión y del invento de la imagen figurativa, el autor analiza con agudeza las principales manifestaciones prácticas en que se ha plasmado la expresión icónica en la cultura de la modernidad occidental, para desembocar finalmente en un nuevo mito, en el de penetrar en el interior de las imágenes, una aspiración arcaica que hoy tiene su manifestación más popular y expansiva en la tecnología de la Realidad Virtual Inmersiva.
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Coleccionar arte contemporáneo es una de las actividades más incomprendidas y enigmáticas que pueden observarse en el amplio catálogo de conductas humanas. A partir de las voces de sus protagonistas -doce coleccionistas españoles de arte contemporáne
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«Se invita a los jóvenes artistas de Zúrich para que acudan con sus propuestas y aportaciones sin que importe su orientación particular.» Así decía el llamamiento que Hugo Ball publicó en un periódico de Zúrich el 2 de febrero de 1916 cuando decidió fundar el mítico Cabaret Voltaire, la cuna del dadaísmo. Y lo hizo sin saber quiénes acudirían ni qué llevarían. Tres días más tarde, el Voltaire abrió sus puertas sin ninguna planificación previa. «Mítico» es un adjetivo que suele asociarse, con frecuencia, al dadaísmo y a algunos de sus geniales representantes: Tristan Tzara, primero en Zúrich y luego en París, junto a André Breton, futuro padre del surrealismo, George Grosz en Berlín, donde también destacaron artistas como Raoul Hausmann y Hannah Höch, pioneros del collage y del fotomontaje, y Richard Huelsenbeck, autor del insustituible Almanaque dadá, la pareja Duchamp-Picabia con su dadaísmo neoyorquino… Pero, como oportunamente se pregunta el autor de este libro, ¿qué hubo de verdad y qué de mito en el origen y la evolución del dadaísmo? En cualquier caso, esta amena y documentada biografía colectiva, en la senda de los trabajos de historia narrativa de Barbara Tuchman y Peter Gay, retrata las figuras y los momentos más brillantes de un movimiento que transformó radicalmente el arte del siglo XX y cuyas ramificaciones llegan hasta nuestros días. Una revolución antiacadémica y provocadora que, partiendo de la idea de destrucción, logró construir obras artísticas y literarias de una frescura y una vitalidad que aún no se han apagado. Sin dadá, nos dice Jed Rasula, hoy no tendríamos collages musicales, ni fotomontajes, ni happenings… Y ni siquiera habrían existido el surrealismo, el pop art y el punk. «Sin dadá, la vida moderna tal como la conocemos difícilmente podría calificarse de moderna.»
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Una compilación de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era «Umberto Eco cambió nuestra mirada sobre los libros: imprescindibles, pequeños, frágiles, a veces criminales, casi siempre salvadores. Un maestro que nos enseñó a entrelazar la sabiduría y el juego con su estilo sagaz y lúdico, con su asombrosa inventiva y certera lucidez.»Irene Vallejo El concepto de «estética» nace en Europa en el siglo XVII y, por lo tanto, muchas historias de la estética tomaron en escasa consideración las teorías de la belleza y del arte elaboradas antes de estas fechas. Ahora bien, desde hace muchos años la actitud de los historiadores ha cambiado y la Edad Media se ha valorizado como una época rica en especulaciones fascinantes sobre la belleza, el placer estético, el gusto, la belleza natural y la artificial, las relaciones entre el arte y las demás actividades humanas. En este compendio de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era, Eco reconoce, de forma accesible para el lector no especializado, las etapas de un debate que presenta aspectos dramáticos y apasionantes, y nos permite entender mejor la mentalidad y el gusto artístico del hombre medieval.Reseña:«Un estudio delicioso... Tremendamente lúcido y fácil de leer, el ensayo de Eco está cargado de excelencia y de la energía de un hombre enamorado de la materia.»Boston Globe
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OBSERVA Y DIBUJA EL MUNDO Ideal para cazatesoros marinos y futuros artistas, este libro de dibujo enseña a los niños a observar y dibujar la naturaleza con un estilo divertido e interactivo. El popular profesor de dibujo en YouTube Brad Woodard, responsable del programa Brave Kids Art Club, comparte de forma sencilla lecciones, consejos y trucos para salir ahí fuera y dibujar cosas guais. En este cuaderno de dibujo encontrarás: - Exploración guiada: Anima a los más pequeños a descubrir la flora y fauna marina, enseñándoles qué observar y dónde buscar criaturas del océano. - Libertad creativa: Enseña a los niños a confiar en lo que crean y a ser libres para descubrir su propio estilo dibujando y pintando. - Animales impresionantes: 40 ejercicios para dibujar paso a paso todos tus animales marinos favoritos, así como caracolas, aves y plantas. - Diario de exploración: Incluye decenas de páginas en blanco para que cada joven artista guarde sus observaciones y dibujos. ¡Esta es una guía esencial para niños de entre 6 y 12 años que quieran explorar el océano y aprender a dibujar! Acerca del ilustrador Brad Woodard es un diseñador, ilustrador y creador de contenidos que dirige una agencia creativa llamada Brave the Woods. También es el administrador del programa online The Brave Kids Art Club, donde no solo enseña técnicas básicas de dibujo, sino también cómo explorar y conocer el fascinante mundo que nos rodea.
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El mito del andrógino ha tenido una gran influencia en todas las artes. Péladan, con su gran erudición y originalidad de pensamiento, le sigue el rastro desdeEgipto hasta los clásicos grecolatinos y la figura católica del ángel, para acabar dedicándole un himno, que es también un himno a la Belleza. Para Péladan ''ser bello es pertenecer a un tercer sexo''.
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A través de estas páginas Sorolla se nos desvela a través de la materialidad de objetos que le acompañaron en vida. Su colección de enseres despierta varios relatos, anécdotas e historias fragmentadas. Una amena biografía del artista a través de pequeñas narraciones contadas a través de los bienes con los que Sorolla rodeó su existencia.
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La Modernitat Cauta: 1942-1963. Resistència, resignació, restauració
LA CULTURA I L'ART EN EL PURITÀ I AÏLLAT PRIMER FRANQUISME Ara fa cinquanta anys, Barcelona inaugurava el Museu Picasso, fet que certificava la voluntat col·lectiva de reprendre el projecte cultural i de país anterior a la Guerra Civil. Enrere quedaven dues dècades en què, superada la immediata postguerra, la voluntat de modernització cultural del país havia maldat per sobreviure, adaptant-se a unes circumstàncies profundament adverses, en forma d'una modernitat no sempre visible que va sobreviure amb cautela durant els primers anys del franquisme fins a l'arribada de la nova atmosfera aperturista dels anys 60. Els autors reflexionen sobre les polítiques culturals, les orientacions estètiques, les circumstàncies històriques i els protagonistes més significatius entre 1942 i 1963, d'acord amb les úniques estratègies possibles aleshores: resignació, restauració o resistència. REPÀS DE LES MANIFESTACIONS ARTÍSTIQUES I LA VIDA CULTURAL AL LLARG DEL PRIMER FRANQUISME, EN QUÈ LA RECERCA DE LA MODERNITAT ARTÍSTICA QUEDA LATENT. ARTICLES DELS MILLORS EXPERTS EN L'ART DE L'ÈPOCA, QUE S'ESTÀ REVALORANT. ES TRACTEN SOBRETOT TRES DISCIPLINES ARTÍSTIQUES: ARQUITECTURA, PINTURA I LITERATURA.
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«La magia es vista como una capacidad innata de la humanidad que siempre vuelve a emerger, especialmente tras largos períodos de racionalismo, y que ni la religión, ni la ciencia ni la política consiguen erradicar jamás.» Nadia Choucha, Surrealism and the OccultDurante años, El arte mágico de André Breton fue un auténtico libro de culto, objeto de deseo de los bibliófilos parisinos. Publicado en 1957 por el Club Français du Livre en una tirada limitada, a ojos de su autor representaba el anhelo de toda una vida: nada menos que una historia universal del arte, desde sus orígenes prehistóricos hasta nuestro tiempo, acompañada de una iconografía irreprochable, de la que estaba convencido que sería uno de sus mensajes más duraderos.La particularidad de esta historia, cuyas notas y documentos visuales había ido acumulando a lo largo de los años, es la de estar contada con las premisas delsurrealismo. Por sus páginas desfilan: el Bosco, Brueghel, Uccello, Durero, Grünewald, Altdorfer, Holbein,Arcimboldo, Caron, Desiderio, Blake, Füssli, Goya, Friedrich, Böcklin, Gauguin, Gustave Moreau, Rousseau,De Chirico..., sin olvidar el arte religioso de lasmás diversas épocas y culturas del mundo. Toda esta fabulosa corriente visual, compuesta por más de doscientas reproducciones de gran calidad, constituye el último sueño de Breton. El volumen se cierra con una interesante e insólita sección de ciento cincuenta páginas sobre el valor y la significación de lo mágico ennuestra época, en forma de encuesta realizada a personajes de la talla de Martin Heidegger, Octavio Paz,René Magritte, Georges Bataille, Claude Lévi-Strauss,Julien Gracq, Benjamin Péret, Pierre Klossowski, Roger Caillois, Juan Eduardo Cirlot, Leonora Carrington,Julius Evola, Maurice Blanchot, René Nelli... Unade las figuras más representativas de las grandes pulsiones artísticas y literarias del primer tercio delsiglo xx es sin duda André Breton (1896-1966). Bretoncreía que el ser humano es como un animal encerradoen una jaula, dando vueltas y vueltas sobre sí mismo,y asumió una suerte de pasión amorosa por la purezasalvaje, por la desnudez original, donde la vida vuelve a ser lo que era, realidad viviente, no una mera exterioridad cuantificable sin sustancia ni contenido.Y pensó que esto sólo puede cumplirse si la potenciadel deseo nos conduce a las raíces más profundas y auténticas de la Imaginación. De ahí que terminara proclamando que «solamente es bello lo maravilloso», como da buena muestra el río de imágenes que seleccionótan cuidadosamente para este libro.
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Estas páginas recogen las clases que Nicholas Ray impartió a sus alumnos entre 1971 y 1979. Clases de cine, de interpretación y de dirección de actores que transmiten una apuesta vital irrenunciable en busca de la autenticidad emocional y de la máxima libertad expresiva. El conjunto ofrece una valiosa colección de textos y de debates bajo los que palpita una filosofía de la vida y de la creación que entrelaza las propias experiencias autobiográficas del cineasta con las enseñanzas y las teorías de autores a los que admira (Stanislavski, Grotowski) para bucear en los rincones más íntimos y más incontrolables del alma humana. Reunidos y editados por Susan Ray, la mujer que compartió con el cineasta los últimos diez años de su vida y que estuvo implicada en el rodaje de sus últimas películas, estos textos se presentan aquí en una edición especial completamente inédita, pues se enriquece con la traducción y con un comentario paralelo en extenso a cargo de Manuel Martín Cuenca (director de películas como La mitad de Óscar, Caníbal, La hija o El amor de Andrea), cuya aportación contextualiza de forma didáctica las reflexiones del cineasta norteamericano, a la vez que potencia su actualidad y su vigencia.
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Balé literal, de Laura Lima, es una obra visual, performática, teatral y arquitectónica conformada por una multiplicidad de entes en forma de esculturas, pinturas y otros objetos. Realizado en 2019, el Balé literal tuvo lugar una única noche en A Gentil Carioca, una galería de arte del centro de Río de Janeiro. En aquel momento la instalación se construyó entre las dos salas de la galería situadas a ambos lados de una intersección de calles. Se colocaron dos bicicletas, una en cada edificio, y la fuerza generada por el pedaleo movía el hilo del que colgaban las obras y los objetos presentados. En 2023, Balé literal tuvo una segunda versión y la estructura se adaptó para instalarse en el interior del MACBA.La presente publicación se inicia con un largo recorrido visual que funciona como un paseo inmersivo por el universo que propone Laura Lima mediante esta «obra gigantesca, infinita y contramonumental», utilizando sus propias palabras. El libro incluye una conversación entre Elvira Dyangani Ose y Laura Lima, así como dos ensayos de Tania Rivera y Marcia Tiburi que permiten interpretar la obra en relación con el contexto político de Brasil, así como darnos algunas pistas sobre los conceptos y las estrategias que la artista pone en juego al activar toda la maquinaria que rodea al Balé literal. La publicación incluye, también, una descripción y referencias visuales de todos los elementos que conforman la instalación de Balé literal.La publicación consta de una sola edición en castellano e inglés, así como de un opúsculo con los textos en catalán.
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Un recorrido riguroso, exhaustivo y ameno por los estilos artísticos que se sucedieron en Europa durante el siglo XIX: romanticismo, eclecticismo, realismo, impresionismo, simbolismo, modernismo, así como la arquitectura de hierro y cristal y la escuela de Chicago,creadora de los primeros rascacielos. Una época de grandes genios como Delacroix, Gauguin, Renoir, Van Gogh, Rodin, Eiffel o Gaudí. Con este nuevo título de la serie Breve historia del Arte descubrirá todos losmovimientos artísticos que se sucedieron en Europa alo largo del siglo XIX, una de las épocas más interesantes de la Historia Contemporánea. Desde los grandesacontecimientos político-económicos como el colonialismo o la unificación de Italia y Alemania, a los convulsos sucesos que tuvieron lugar en España tras la muerte de Fernando VII (de las guerras carlistas, la subida al trono de Isabel II y su destronamiento hastala restauración borbónica pasando por la I República), todos los movimientos artísticos: Romanticismo, Realismo, la arquitectura ecléctica y la de hierro y vidrio, Impresionismo, Puntillismo, Simbolismo y Modernismo se tratan en esta Breve Historia. Grandes artistas como Delacroix, Gericault y Eiffel en Francia, Friedrich en Alemania, Paxton en Inglaterra, los grandesmaestros impresionistas franceses y españoles, los artistas que abrieron el camino a la pintura del sigloXX (Cezanne, Gauguin, van Gogh), el escultor Rodin yel genial Gaudí exhiben su obra a lo largo de las páginas de este título, imprescindible para adquirir una información completa sobre esta época tan importante del Arte y la Historia. En un estilo ágil y ameno yde una forma rigurosa Carlos Javier Taranilla de laVarga conocerá en detalle a los grandes maestros de la época a lo largo de todos los campos de la creaciónartística: arquitectos, escultores y pintores, tantoen Francia (donde surgieron la mayoría de los estilos) como en las principales naciones de Europa (Inglaterra, Alemania, Italia) incluida España. Una obra imprescindible para comprender los fu
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Articulado sobre cinco conversaciones entre David Bestué y personas vinculadas a Madrid desde muy diversos ámbitos —los arquitectos María Langarita y Víctor Navarro, el arqueólogo Alfredo González-Ruibal, el periodista Borja Casani, el cineasta y escritor Luis López Carrasco y la poeta Olvido García Valdés—, este trabajo complementa la exposición FLOR HISPANIA, comisariada por Bestué y enmarcada dentro del programa del Museo Centro de Arte Dos de Mayo que invita a artistas a realizar lecturas personales en torno a la colección del museo.Tanto en el planteamiento curatorial como en las piezas de su propia autoría, David Bestué descompone y reinterpreta símbolos, iconos y elementos históricos de Madrid, buscando nuevas formas de reflexión y diálogo con la tradición y las narrativas visuales. El conjunto convierte FLOR HISPANIA en un espacio de interrelación que revela las múltiples facetas, tensiones y riquezas del contexto urbano y cultural madrileño, y sus constantes contradicciones y transformaciones. El catálogo incluye, además de una selección de obras, objetos e imágenes, una entrevista de los editores a Bestué.Madrid es centro geográfico, político, económico y simbólico de España. Hay quien piensa que esa cualidad vincula la ciudad a la pureza de unos valores, de una tradición, y hay quien, sin embargo, cree que su posición la obliga a ejercer de motor de cambio del país. Estas visiones contrapuestas tienen un correlato físico entre los que entienden Madrid como algo estable, invariable, y los que, por el contrario, la conciben como una trama de fuerzas en conflicto.David Bestué
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Art i blasfèmia
El 18 de juliol de 1573 Veronese va comparèixer davant la Inquisició acusat d'heretgia per una pintura del sant sopar. L'acusació, que assenyalava la introducció d'elements profans en un quadre religiós, posava sobre la taula el debat sobre la interpretació de les escenes bíbliques. Obligat per les circumstàncies, però empès per l'astúcia, Veronese va trobar una sortida amb un procediment inusual a l'època: titular el quadre Sopar a casa de Leví, remetent-se a un passatge menor de l'Evangeli, de manera que la blasfèmia es diluïa. Així, per la màgia del text escrit, el quadre canviava totalment de sentit sense retocar res del que s'hi representava. En el segle XIX, aquesta col·lisió de Veronese amb la Inquisició va esdevenir un model de l'enfrontament entre l'artista i el poder eclesiàstic, fet que permetia abordar el diàleg entre el sagrat i el profà. Ara sabem que la solució que Veronese va trobar per satisfer els inquisidors va significar una innovació a l'hora de resoldre els conflictes dogmàtics amb l'Església, a més d'un canvi substancial en l'àmbit de la interpretació artística.
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El concepto de calidad siempre ha resultado escurridizo. La relatividad de los juicios de valor en estética es algo que desde Aristóteles hasta Kant y Croce ha quedado bien establecido en el pensamiento europeo, lo que suponía un freno a cualquier intento de definir y establecer con claridad conceptual en qué consiste la calidad en el arte. Alejandro Vergara se enfrenta a la difícil tarea de cercar este concepto convencido de la importancia de ese esfuerzo intelectual y para ello primero expondrá el recorrido sinuoso y esquivo de la idea de calidad a lo largo de la historia del pensamiento occidental y posteriormente, basándose en su amplio y reconocido conocimiento de la pintura europea de los siglos XV al XVIII, se adentrará en una exposición práctica, acompañándonos a descubrir, como si se tratara de una indagación detectivesca, qué se entendió en Europa por calidad durante tres largos siglos en los que se produjo gran parte de la mejor pintura europea.
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![Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw6eda647f/images/large/1531941.16.jpg?sh=240 "Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]")
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Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]
Eclecticisme, acumulació, superposició, relació, celebració… aquestes són algunes de les paraules que serveixen per descriure la publicació de Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus fa un recorregut per l’univers artístic i vital de l’artista mitjançant una seixantena d’obres que van des de finals dels anys vuitanta fins a l’actualitat i que es materialitzen en forma d’escultures, collages, fotografies, instal·lacions, vídeo i accions en viu.El llibre inclou una selecció de textos d’Elvira Dyangani Ose, Martí Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares i Núria Gómez Gabriel, que ajuden a posar el focus en diversos aspectes de la seva pràctica, així com una àmplia documentació gràfica de la seva obra. La intenció final és aconseguir dinamitar l’ordre cronològic de la narrativa i establir una contaminació de relats que ajuden a entendre el seu univers.La publicació consta de tres edicions separades en castellà, català i anglès.
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¿Crees que el tatuaje japonés es solo carpas koi, dragones y flores de cerezo? ¡Pues es mucho más! Detrás de cada línea de tinta hay siglos de historia, maestros legendarios y personas que han desafiado las normas para convertir su piel en arte.En Crónicas del tatuaje japonés conocerás las historias de los artistas, visionarios y rebeldes que moldearon esta tradición. Desde maestros tatuadores que han creado escuela, como Horichiyo, el «Shakespeare del tatuaje», o el célebre Horiyoshi III, hasta personajes insólitos como el doctor que coleccionaba pieles humanas o los yakuza que usan su piel como manifiesto, este libro es un viaje por la historia oculta del irezumi.
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Desde lo curatorial reflexiona sobre la curaduría enel Estado español, rozando levemente el contexto latinoamericano. Desde una posición cercana a los modos de hacer, la escritura aquí se aleja de verdades establecidas y estructuras cerradas. No se pretende hacerun repaso histórico ni establecer una taxonomía fija,sino sugerir posibilidades, estrategias, tácticas yprácticas para el incierto terreno de lo contemporáneo, manteniendo una visión orgánica del comisariado.Los curadores Ángel Calvo Ulloa y Juan Canela conversan con otros profesionales sobre arte y cuestiones político-sociales que atraviesan su trabajo: condiciones laborales, conciliación familiar, relacionescon artistas, multidependencia, fórmulas institucionales, mercado, evolución del formato expositivo o cómoafectan y se afrontan fenómenos como el 8M o la crisis del covid-19. A través de voces de varias generaciones percibimos una amalgama de la práctica curatorial en estos primeros años del siglo XXI: Martí Manen,Gabriel Pérez Barreiro, Chus Martínez, Manuela Moscoso, Agustín Pérez Rubio, Catalina Lozano, Aimar Arriola, Pablo Lafuente, Tamara Díaz Bringas, Nuria Enguita, Beatriz Herráez, Peio Aguirre, David Barro, ManuelSegade, Anna Manubens, Jesús Alcaide, Eva González-Sancho Bodero, Julia Morandeira, Tania Pardo, Elvira Dyangani y Valentín Roma.
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![Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw57853e1c/images/large/1531933.94.jpg?sh=240 "Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]")
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Eclecticismo, acumulación, superposición, relación, celebración… estas son algunas de las palabras que sirven para describir la publicación de Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus (Fachada Foto Fiesta Futuro Fideos) hace un recorrido por el universo artístico y vital del artista a través de unas sesenta obras que van desde finales de los años ochenta hasta la actualidad y que se materializan en forma de esculturas, collages, fotografías, instalaciones, vídeos y acciones en vivo.El libro incluye una selección de textos de Elvira Dyangani Ose, Martí Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares y Núria Gómez Gabriel, que ayudan a poner el foco en diferentes aspectos de su práctica, y reúne una amplia selección de imágenes de las acciones y obras del artista, así como vistas de sus diferentes instalaciones. La intención final es conseguir dinamitar el orden cronológico de la narrativa y establecer una contaminación de relatos que ayuden a entender su universo.La publicación consta de tres ediciones separadas en catalán, castellano e inglés.
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Libro pensado para la introducción práctica en el ámbito de la traducción directa e inversa entre el español y el inglés. Aunque puede servir de apoyo a cualquier profesional de la traducción entre estos dos idiomas, se adapta particularmente al listado de competencias que requieren los alumnos hispanohablantes del Grado en Estudios Ingleses, en su disciplina de traducción de textos generales y literarios.Cada capítulo se estructura con una serie de objetivos, numerosos ejemplos y tareas, con sus claves de resolución y abundante bibliografía de consulta. Esta segunda edición se ha ampliado con tareas de práctica adicionales para facilitar el autoestudio.
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La fantasía de una cultura dominada por imágenes es una posibilidad cada vez más factible. La tecnología digital, responsable de la mayoría de las imágenes que se cruzan en nuestra vida, ha experimentado un desarrollo exponencial en los últimos años que ofrece un escenario cada vez más rico y complejo. Sin embargo, a pesar de lo sofisticadas que puedan ser las herramientas que crean y distribuyen las imágenes, un análisis de sus usos y funciones revela que éstas reproducen, mantienen y perpetúan actitudes, respuestas y sentidos que cuentan con un largo recorrido en la historia. Aunque la tecnología cambie, las imágenes mantienen en muchos casos los usos que se le asignaron desde antiguo. Además, en el contexto del posthumanismo, la noción de cultura visual se amplía para incluir experiencias y usos de imágenes por parte de animales o Inteligencias Artificiales. El presente libro se propone analizar distintos casos contemporáneos enraizados en una cultura visual digital y posthumana. Los actos iconoclastas del grupo terrorista Dáesh, las imágenes conversacionales en el contexto del procés de Cataluña, la construcción de la imagen del poder con Barack Obama y la postfotografía, la problemática de la autoría de un selfie tomado por un macaco o la constatación que los dinosaurios sólo existen en imagen son los temas que se estudian para comprender nuestra cultura visual.
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L'artista sud-africà William Kentridge no es refia d'aquells que abracen cegament les pròpies certeses sense tenir en compte els dubtes i les paradoxes. L'ambigüitat i les contradiccions són al centre de la seva obra, que ha crescut i s'ha transformat al ritme de la polièdrica Sud-àfrica. El setembre del 2020, la periodista Gemma Parellada va entrevistar William Kentridge al seu estudi de Johannesburg amb motiu de l'exposició que l'artista preparava per al CCCB. Kentridge va parlar de segregació, de les repercussions del colonialisme i de la lluita antiracista, dels desequilibris i dels abusos de poder, del privilegi i del paper de l'art a l'hora de repensar els relats dominants.
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Arte. Grandes temas Cátedra
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Lo que percibimos no es algo dado. Máquinas fotográficas, cinematográficas, ordenadores, no son solo modos técnicos para distribuir lo sensible a domicilio, sino también objetos rituales que prescriben el límite de la experiencia en el mundo contemporáneo.El autor analiza así los modos en que se organiza el común estético occidental, y la dimensión política de este fenómeno, a través de lo que llama rituales de la percepción. Con una perspectiva latinoamericana como alternativa, traza un recorrido por el trabajo de varios artistas para mostrar los mecanismos con los cuales las artes desarticulan ese patrón estético develando formas de existir que no se dejan programar y que los devenires técnicos no pueden imaginar.
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Sumérgete en un océano donde las palabras juegan con los peces y las imágenes se transforman en adivinanzas llenas de movimiento, las «Adivi-danzas». Es una invitación aimaginar, dibujar y escribir a pescar en el lenguaje cotidiano con las redes del pen
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Sastraka/Maleza beste hainbeste arlotan arituak diren lau lagunen lanaren emaitza da. Honen guztiaren sorreran Pello Lizarraldek José Ignacio Agorreta margolariari bidali zion testu bat dago, oinarri bera hartuta, handik gutxira, Imanol Ubeda musikariak hamabi kanta ondu zituen eta Imanol Rayo zinemagileak argazki bilduma. Sastraka/Malezan bidaia labur bat dago, ezinezko bidaia bat. Heriotzaren kontzientzia, apur bat bada ere, izan orduko, gero eta maizago harrapatzen gaitu iraganera itzultzeko bidea hartzeak. Eta itzuli egin behar jakiteko bidearen buruan itzalak eta dezepzioa besterik ez dagoela eta irtenbideren bat bilatzera behartuta zaudela. Testu honetatik abiatuta sortu den guztia Iruñean, Gasteizen eta Donostian egongo da ikusgai 2022. urte honetan zehar. Eta Bilbon, 2023. urte hasieran. Inaugurazio egunetan Imanol Ubedak eta Don Inorrez-ek kontzertua eskainiko dute egitasmo honetarako egindako kantak aurkezteko. Sastraka/Maleza ez da erakusketa hutsa, ordea, gainera liburu bat baita. Erein argitaletxeak argitaratu du eta egindako lan guztia jasotzen du: testua, margolanak, diskoa, argazkiak eta argazki horiei laguntzeko sartutako soinuak. ------------------------------- Sastraka/Maleza es el resultado del trabajo de cuatro personas que se han ejercitado en otras tantas disciplinas artísticas. En el origen de todo esto está el texto que Pello Lizarralde envió al pintor José Ignacio Agorreta, más tarde, tomando como base el mismo escrito, el músico Imanol Ubeda compuso doce canciones y el cineasta Imanol Rayo realizó una serie de fotografías. Sastraka/Maleza es un breve viaje, un viaje imposible. En cuanto tomamos conciencia, por pequeña que sea, de la muerte, se apodera de nosotros con mayor frecuencia el deseo de tomar el camino que nos lleva de regreso al pasado. Y debemos volver para comprobar que al final de ese camino solo nos esperan las sombras y la decepción, y que estamos obligados a buscar una salida. Todo lo que surgió a partir de este texto se podrá ver en Pamplona, Vitoria y San Sebastián a lo largo de este año 2022. Y en Bilbao a comienzos del año 2023. Los días de cada una de las inauguraciones Imanol Ubeda y Don Inorrez ofrecerán un concierto donde interpretarán las canciones compuestas para este proyecto. Pero Sastraka/Maleza no es únicamente una exposición, sino que es, además, un libro. Publicado por la editorial Erein, recoge todo el trabajo realizado: el texto, las pinturas, el CD con las canciones, las fotografías y un disco que recoge los sonidos que acompañan a estas últimas.
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En este cautivador artbook, la talentosa artista Ashleigh Izienicki -nacida en Colorado y conocida mundialmente bajo su marca, MissUpacey- nos invita a explorar su proceso creativo único, en el que combina hábilmente temas oscuros y macabros con un toque de delicadeza y feminidad. Con más de 603.000 seguidores en Instagram, un exitoso Patreon y una tienda online que ofrece productos de diseño exclusivo, como pines, fundas para teléfonos, calcomanías y artículos de papelería, Ashleigh ha logrado cautivar a una audiencia global con su estilo inconfundible. Actualmente radicada en California, Ashleigh trabaja tanto en medios tradicionales como digitales, y comparte en este libro una serie de tutoriales en ambos formatos, ofreciendo a los amantes del arte y sus seguidores una ventana íntima a su proceso, el diseño de su estudio y sus fuentes de inspiración. Además, abre su corazón sobre los retos y las alegrías de gestionar un negocio artístico, aportando consejos valiosos para los creativos que comienzan su camino. Hellebore: The Art of Missupacey refleja los valores de producción de excelencia que caracterizan a la editorial: papel de alta calidad y una exquisita edición en tapa dura con acabados especiales. Un verdadero tesoro para los seguidores de MissUpacey y para los amantes del arte en general, que disfrutarán de tener esta joya en su estantería por muchos años.
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VAJILLISTAS ES UNA HISTORIA VISUAL de 275 años de moda en el arte de la mesa, con fotografías de más de 100 servicios originales que recorren desde la porcelana de la época de Maria Antonieta hasta el Duralex de los setenta, pasando por la cerámica ''degenerada'' de la Alemania de entreguerras o los juegos de café Art Decó de las flappers de los felices años veinte. Pero también es la historia de las mujeres que inspiraron, fabricaron y disfrutaron esas vajillas, y de cómo sus vicisitudes acabaron reflejándose en el plato: Emperatrices de Francia, alfareras húngaras acusadas de intentar asesinar a Stalin, pintoras vanguardistas y cabareteras de Berlín, todas desfilan por Vajillistas para contarnos esta historia de señoras fieras y platos bonitos.
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Publicado con motivo de la exposición Del lapicero al buril. El dibujo para grabar en tiempos de Goya, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 17 de octubre de 2023 y el 14 de enero de 2024.En la segunda mitad del siglo XVIII España se liberó de la dependencia que había tenido del extranjero en el ámbito del grabado. La formación de dibujantes y grabadores cualificados, encabezados por Manuel Salvador Carmona, permitió acompañar con estampas los importantes proyectos culturales y científicos promovidos por el pensamiento ilustrado, cuyo epílogo será la publicación de los Caprichos de Francisco de Goya en 1799. Si las estampas de esa época son bien conocidas, no lo son tanto los dibujos para grabar que les sirvieron de punto de partida. Su carácter utilitario los ha relegado a un segundo plano en la historia del arte. Y, sin embargo, de sus cualidades depende absolutamente la calidad del grabado, sin un buen dibujo es imposible obtener una buena estampa.En Del lapicero al buril —dos de los instrumentos más utilizados por dibujantes y grabadores— se muestran los distintos usos que tuvieron los dibujos en el proceso de creación del grabado, desde los que realizaban los artistas que inventaban las imágenes hasta los elaborados por los propios grabadores en sus talleres. La variedad de técnicas utilizadas así como su adecuación a los temas que representan sirven también para ofrecer un recorrido sobre el dibujo español en tiempos de Goya
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Entre las muchas y muy diversas influencias de otros maestros que confluyen en la obra de Picasso, la del Greco es quizás la más temprana y decisiva, ya que se inició a finales del siglo XIX, cuando el malagueño, casi adolescente, residía en Madrid. Estudiante de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, sabemos que Picasso pasó más tiempo en el Museo del Prado copiando a los grandes maestros que en la propia Academia. «¡Greco, Velázquez, inspirarme!» o «Yo, el Greco» se puede leer en dibujos de aquellos años de formación. Recuperado del olvido por los jóvenes vanguardistas de aquella época, el Greco, con su audaz desafío al canon de la tradición clásica, aportó las claves a Picasso para romper definitivamente con el arte del pasado y con los pilares de la representación tradicional.El Greco acompañó a Picasso durante toda su trayectoria, pero su influencia fue especialmente crucial para el desarrollo del cubismo y, en particular, del cubismo analítico. En esta primera fase del cubismo, el tema se descompone en fragmentos geométricos que van acumulándose hasta crear una imagen.Picasso crea una ilusión de relieve y profundidad que se basa en el sombreado y en la que destaca la bidimensionalidad del lienzo, al mismo tiempo, recuerda al Greco en el aplanamiento de la perspectiva y el formato vertical, incluso en la pincelada, que evoca los «crueles borrones» –en palabras de Francisco Pacheco– del cretense
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