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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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La moda durante el franquismo, periodo aciago marcado por la represión, la escasez y el atraso, coincidió, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, con el surgimiento de una nueva sociedad. La cultura pop modificó gustos y actitudes, bajo el liderazgo estadounidense. La alta costura dio paso a la ropa lista para llevar y a los grandes almacenes. La España de la mantilla y las camisas viejas quedó atrás: la minifalda, los vaqueros y el bikini hicieron su aparición. Novedades que también encarnaron las rebeldes chicas topolino, con sus zapatos de coja y su llamativo estilo. E incluso muchachas menos extravagantes, más acordes a la Sección Femenina de Falange, que, peinadas con el recogido arriba España, soñaban con casarse con un velo de tul ilusión. Este libro habla de los sueños y las realidades que modelaron y reflejaron las modas en la sociedad española a lo largo de casi cuatro décadas. De Mariquita Pérez, muñeca fascista pero moderna, que acompañó y marcó el vestir de las niñas hasta que tomaban las galas de muje. De las creaciones de diseñadores españoles como Ana de Pombo, Flora Villarreal o Balenciaga. También de la Guardia Civil y las incautaciones de tejidos del mercado negro, donde las medias eran tan preciadas como los cigarrillos y las drogas. Del Sindicato Nacional del Textil, de los salones de belleza, los desfiles de modelos y de la tienda Loewe en el Castellana Hilton, donde compraba Ava Gardner.
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El 18 de julio de 1573 Veronese compareció ante la Inquisición acusado de herejía por una pintura de la santa cena. La acusación, que denunciaba la presencia de elementos profanos en un cuadro religioso, ponía sobre la mesa el debate sobre la interpretación de las escenas bíblicas. Obligado por las circunstancias, pero empujado por la astucia, Veronese encontró una salida con un procedimiento inusual en la época: titular el cuadro Cena en casa de Leví, remitiéndose a un episodio menor de los evangelios, de modo que la blasfemia se diluía. Así, por la magia del texto escrito, el cuadro cambiaba totalmente de sentido sin retocar nada de lo que se representaba en él. En el siglo XIX, esta colisión de Veronese con la Inquisición se convirtió en un modelo del enfrentamiento entre el artista y el poder eclesiástico, lo cual permitía abordar el diálogo entre lo sagrado y lo profano. Ahora sabemos que la solución que Veronese halló para satisfacer a los inquisidores significó una innovación a la hora de resolver los conflictos dogmáticos con la Iglesia, además de un cambio sustancial en el ámbito de la interpretación artística.
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¡Domina los fundamentos: luz y forma, color, composición, perspectiva, profundidad y anatomía humana! Más consejos de expertos, más técnicas clave y obras instructivas mejoran este best seller, título que no puede faltar en la estantería de ningún artista. Tanto si trabajamos con medios tradicionales como si usamos medios digitales, entender la base del arte en sí mismo es esencial para conseguir resultados atractivos y sólidos. Las reglas del mundo real hacen que el arte conceptual sea mucho más creíble, mientras que una comprensión clara de los principios de larga tradición puede elevar un tema clásico a nuevos niveles de éxito. Esta imprescindible edición actualizada está escrita e ilustrada por expertos pertenecientes a una amplia variedad de entornos creativos. Desmitifica los elementos cruciales del arte, al mismo tiempo que una selección especialmente elegida de obras artísticas detalla la forma en que artistas increíblemente profesionales han aplicado estos fundamentos sobre el lienzo con ingenio. Mantén cerca este recurso de alta calidad, tanto si eres un principiante que busca un libro que tenga de todo como si eres un artista experimentado que quiere repasar la teoría y las técnicas. Aprende de algunos de los artistas profesionales de mayor talento pertenecientes a las industrias del arte y el entretenimiento, que ofrecerán consejos, conocimientos y métodos de sus áreas de trabajo. Observa cómo se ponen en práctica los principios, con obras en proceso de elaboración, diagramas encargados especialmente y casos prácticos muy esclarecedores en «Fundamentos aplicados...».
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La màquina Magritte
Malgrat el plantejament aparentment provocador de Magritte, la seva obra no té res de previsible o maquinal. Les seves obres inquieten, fascinen i suggereixen, i no han perdut la seva capacitat de suggestió des que van ser creades, algunes d’elles fa gairebé 100 anys. El catàleg d’aquesta exposició examina l’obra de Magritte des del punt de vista de la seva bellesa inquietant i de les seves idees creatives, de la seva filosofia de la composició. Més de 70 pintures junt amb una selecció de fotografies i pel·lícules familiars procedents de més de cinquanta museus i col·leccions.
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Described by Kenneth Clark as 'one of the most brilliant books of art criticism that I have ever read', Art and Illusion is a classic study of image-making. It seeks to answer a simple question: why is there such a thing as style? The question may be simple but there is no easy answer, and Professor Gombrich's brilliant and wide-ranging exploration of the history and psychology of pictorial representation leads him into countless crucial areas.Gombrich examines, questions and re-evaluates old and new ideas on such matters as the imitation of nature, the function of tradition, the problem of abstraction, the validity of perspective and the interpretation of expression: all of which reveal that pictorial representation is far from being a straightforward matter.First published more than 40 years ago, Art and Illusion has lost none of its vitality and importance. In applying the findings of experimental science to a nuanced understanding of art and in tackling complex ideas and theoretical issues, Gombrich is rigorous. Yet he always retains a sense of wonder at the inexhaustible capacity of the human brain, and at the subtlety of the relationships involved in seeing the world and in making and seeing art.With profound knowledge and his exceptional gift for clear exposition, he advances each argument as an hypothesis to be tested. The problems of representation are forever fundamental to the history of art: Art and Illusion remains an essential text for anyone interested in understanding the complexities of art.For the sixth edition Professor Gombrich has written an entirely new 12-page preface, in which he makes use of the distinction between an image and a sign, so as to clarify his intentions in writing the book in the first place.
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Redescubiertos en los años 1960, La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica y (en menor medida) la «Pequeña historia de la fotografía» han alcanzado el estatuto de clásicos y se han convertido en referencia insoslayable en los c
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Una extraordinaria colección de más de 300 imágenes que celebran la belleza y diversidad de los árboles.Este exquisito estudio presenta una impresionante secuencia de imágenes a página completa, desde pinturas de paisajes y dibujos botánicos hasta frescos antiguos, ilustraciones de libros antiguos y fotografías contemporáneas, que revelan el árbol como fuente de inspiración a lo largo de la historia.Abarcando continentes y culturas, Árboles refleja la diversidad de su tema, representando secuoyas gigantes, flores de cerezo, palmeras, álamos, ginkgos y otras especies que se encuentran en los biomas forestales de la Tierra, en una amplia selección de imágenes que datan desde la antigua Grecia hasta la actualidad. Más de 300 imágenes incluyen mosaicos de piedra romanos, mitos nórdicos ilustrados, grabados en madera del período Edo e instalaciones de árboles vivos.Comisariadas por un panel internacional de botánicos, naturalistas, historiadores del arte y otros expertos, las imágenes amplían la definición de arte botánico y juntas forman un homenaje vibrante y vital al mundo natural.Los artistas y colaboradores destacados incluyen: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Ruth Asawa, Paul Cézanne, Agnes Denes, Alberto Durero, Caspar David Friedrich, Global Forest Watch, Andy Goldsworthy, Ernst Haeckel, Utagawa Hiroshige, Frida Kahlo, Yayoi Kusama, Sally Mann, Grandma Moses, Marianne North, Pierre-Joseph Redouté, Daniel Roseberry para Schiaparelli, Antoine de Saint-Exupéry, Sebastião Salgado y Yokohama Nursery Co., entre otros.Panel de expertos: Dr. Giovanni Aloi, Dr. Preston Bautista, Dr. Diana Beresford-Kroeger, Fred Breglia, Casey Clapp, Jim Gardiner VMH, Dr. Andrew Hirons, Tony Kirkham MBE, VMH, Margaret D. Lowman, PhD, Carlos Nobre, PhD, John Parker, Anna Pavord and Christiana Payne.
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La memoria es la capacidad humana para evocar, reconstruir y reproducir el pasado. La memoria permanece íntimamente unida a la identidad: nos permite conocer quiénes somos ''nosotros'', pero también quiénes son ''los otros''.La memoria es la capacidad humana para evocar, reconstruir y reproducir el pasado. La memoria permanece íntimamente unida a la identidad: nos permite conocer quiénes somos ''nosotros'', pero también quiénes son ''los otros''. La memoria del poder ha erigido enfáticos monumentos, algunos todavía orgullosamente presentes en plazas públicas, mientras que otros muchos han sido olvidados o incluso demolidos al repudiarse sus contenidos y sus formas. El poder de la memoria ha sido utilizado por los regímenes totalitarios de todos los tiempos y lugares que han entendido que la forma más tenaz y sistemática de aniquilar a una cultura es precisamente borrar por completo sus recuerdos.En este libro se reflexiona sobre el culto a la memoria, sobre la ética y la estética de la memoria. Las transformaciones sucedidas en la conciencia universal nos llevarán a constatar los cambios experimentados en el arte de la rememoración que han provocado una total inversión de categorías: frente al monumento se propone hoy el contramonumento, frente a lo heroico, lo antiheroico, frente a la celebración de la victoria y la gloria se invoca el trauma y la opresión, frente a la glorificación de los héroes se alza el reconocimiento a las víctimas. Estos sustanciales cambios en la cultura de la memoria se detectan especialmente en sociedades que realizan tránsitos de dictaduras a sistemas democráticos o en lugares sometidos a conflictos armados, guerras o vulneraciones de los derechos humanos.Pero es un proceso que también afecta a los viejos continentes sumidos en el lánguido bostezo de sus democracias consolidadas. Así podremos comprobar cómo la memoria es una sustancia viva, cambiante y fugitiva que muchas veces provoca reacciones encontradas que oscilan desde la identificacióny la exaltación de la memoria hasta su olvido o incluso su destrucción iconoclasta.
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La nostalgia de la belleza reúne varios ensayos del escritor napolitano Raffaele La Capria, recientemente fallecido a los 99 años. El derecho a no renunciar a un ideal de Belleza en el arte, a reivindicar cierto sentido del límite, junto a su defensa apasionada de la nostalgia por una Belleza natural maltratada, desaparecida, arrasada, constituyen el núcleo sensible del libro.Porque la de La Capria no es la vieja añoranza de los románticos: «Es una nostalgia que sirve para armar la memoria contra la resignación, es un combustible para alimentar la no adaptación. Es una nostalgia que sabeque las ciudades, las costas, los ríos, los paisajes, los cielos, los mares y las tierras han cambiado y se han degradado, y que la vulgar adaptación de los no-nostálgicos encuentra normal esta catástrofe. Contra este desencanto empuño mi nostalgia».
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Este número doble de la revista ''Cuadernos de la Alhambra'' reúne los trabajos relativos al extenso programa de intervención en el patio de los Leones. Este proceso, necesario por el delicado estado de conservación en que se encontraba, se inició en 2002 con la restauración del león número 4, tras una profunda investigación histórico-documental del espacio y la aplicación de una metodología científica, que permite garantizar su preservación.La nueva entrega de la revista parte de una exposición del proceso de intervención, a la que complementan un estudio de la evolución de la imagen de la fuente de los Leones, y de su iconografía e iconología, que tiene en la documentación gráfica histórica y en las fuentes escritas un fiel testigo de la transformación de su fisonomía.
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Este catálogo de exposición reúne obras de tres artistas románticos: los noruegos Peder Balke (1804-1887) y Lars Hertervig (1830-1902), y el español Eugenio Lucas Velázquez (1817-1870), ofreciendo un paralelo entre sus respectivos paisajes para mostrar cómo plasmaron sus visiones interiores de la naturaleza a través de técnicas experimentales que, en cierta medida, anticiparon la manera suelta del Impresionismo y otros movimientos de la pintura moderna.
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Esta é a historia dunha escola que se propuxera ser o xerme dun novo mundo, dun xeito diferente de entender e aplicar a arte as nosas vidas. Pero, sobre todo, é a crónica das mulleres da Bauhaus, fundamentais para alentar o ímpeto revolucionario co que naceu e a intensidade duns ideais que eran rompedores para a época.
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¿Eres una de esas personas que se sienten perdidas en un museo o entre las piezas de una exposición? ¿No sabes qué mirar cuando miras un cuadro? ¿En qué consiste un comisariado? O, si te gusta pintar, ¿acaso no has sentido pánico frente al lienzo en blanco? ¿Es necesaria la técnica? ¿Es el arte una mera construcción intelectual? ¿Dónde quedan las sensaciones? ¿Me gusta, no me gusta...? ¿Lo entiendo o me emociona? ¿Cómo miran el mundo los y las artistas? Este libro atesora respuestas para quienes se hacen estas preguntas, para todos y todas las que intuyen que algo interesante y atractivo sucede más allá de la imagen evidente, bajo la última capa del cuadro. Aun así, no esperéis en estas páginas un libro de instrucciones, ni pautas a seguir, ni obligaciones que asumir, ni fechas, nombres o acontecimientos que recordar. Simple y llanamente, encontraréis sugerencias que estimulan y facilitan la experiencia y el conocimiento de la pintura. Una bendita y placentera maldición, de la que no podemos ni queremos escapar.
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Una escuela que tuvo que hacer frente a la cruda realidad y a la oposición de una sociedad que, aunque muy abierta en teoría, cerró filas al ver aquellas ideas llevadas a la práctica. Si alguien sufrió en mayor medida el menosprecio de sus congéneres y los perjuicios del fracaso, fueron las mujeres artistas que llenaron con su vitalidad y talento la escuela. Como en todas las historias, hay partes que han llegado a nuestros días y otras que se han ocultado. En este libro hemos intentado dar cuenta de todas ellas y arrojar luz sobre aquellas protagonistas que habían quedado relegadas a un anonimato forzoso. Womanhaus es nuestro homenaje a ellas.
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Una publicación imprescindible para entender las claves del coleccionismo de arte.Dani Levinas reúne, en este libro, treinta y cuatro entrevistas a las grandes figuras del coleccionismo contemporáneo, heterogéneas personalidades que hablan de sus motivaciones para coleccionar y de sus maneras de compartir generosamente con el público su pasión por el arte. Levinas es, a su vez, un gran coleccionista que, en este contexto, se nos presenta como un coleccionista de coleccionistas. En sus palabras, lo que distingue a estos hombres y mujeres es su forma de ver el mundo.
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La divulgadora del momento te explica por qué el arte es para todos. Edición especial revisada con ilustraciones.Edición especial revisada con ilustraciones. Para entender el arte no hace falta ser un experto. «Ve más allá de lo que nos han contado.»La Sexta «Una de las divulgadoras de arte más seguidas en castellano.»El País «Muy interesante y fácil de seguir. Un libro que valdría la pena solo por cómo transmite el respeto al arte contemporáneo, lo contextualiza y le da sentido.»La Voz de Galicia Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo xx, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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Una novela biográfica sobre La Roldana, una de las grandes artistas de la historia universal, mediante una magnífica narración de ambientación histórica. El conocido divulgador de Arte, Manuel Jesús Roldán, nos sorprende con esta magnífica novela histórica que cuenta la vida de la escultora de Luisa Roldán, la popular Roldana. Con una ambientación y datos exhaustivos, Roldán ha escrito una novela histórica apasionante sobre la vida de una mujer que hizo valer su talento y triunfó en un mundo de hombres.
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¿Por qué en el país que protagonizó las mayores hazañas de la Historia y sin cuyo liderazgo ni el cristianismo ni Occidente habrían logrado sobrevivir, sus ciudadanos tienen tan mal concepto de su pasado y su presente? ¿Cómo es posible que esté dispuesta a autodestruirse una nación que conectó los dos mundos con «el descubrimiento de América», que impulsó la primera vuelta al mundo de Elcano, realizó colosales aportaciones como la Escuela de de Traductores de Toledo y vio nacer a personajes como Isidoro de Sevilla, Isabel la Católica, Fernando de Aragón, Carlos I, Felipe II, Cervantes, Santa Teresa, Goya, Jovellanos, Ramón y Cajal u Ortega?Era necesario analizar las razones y los métodos empleados (entre otros, la doble vara de medir) para construir la leyenda negra más agresiva y duradera de la historia. Hacía falta estudiar cómo y por qué la propaganda antiespañola «externa» se instaló en el imaginario colectivo patrio, e influyó en nuestra decadencia a partir del siglo xvi, hasta llegar a asumir que éramos inquisitoriales, grotescos, ignorantes y fanáticos. Era necesario examinar cómo este mito «intramuros» derivó en un «harakiri históricocultural», único en el mundo, gracias a una ingenuidad contumaz. Se precisaba actualizar los argumentos de Julián Juderías y P.W. Powell con nuevos datos y un análisis que, partiendo de las fuentes historiográficas, aplicara una metodología interdisciplinar. Por último, hacía falta observar cómo subsiste esa leyenda negra en la actualidad, al tiempo que plantear vías para superarla a través de un nuevo proyecto de éxito colectivo. La leyenda negra: historia del odio a España arroja una nueva luz sobre este período.Tras el éxito de La conjura silenciada contra España, Alberto G. Ibáñez nos sorprende con un nuevo ensayo, todavía más incisivo y penetrante.
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Great Women Painters es un libro innovador que pone de manifiesto una narración más rica y variada de la historia de la pintura. Con más de 300 artistas de todo el mundo, incluye tanto a mujeres pintoras conocidas de la historia como a las estrellas emergentes más emocionantes de la actualidad.Cubriendo casi 500 años de trabajo e innovación, esta selección continúa la célebre serie El ABC del Arte Phaidon y revela y defiende una historia del arte más diversa, mostrando obras y artistas recientemente descubiertos y recientemente apreciados a lo largo de sus más de 300 páginas e imágenes.Las pintoras presentados incluyen: Hilma af Klint, Eileen Agar, Sofonisba Anguissola, Cecily Brown, Leonora Carrington, Mary Cassatt, Elaine de Kooning, Marlene Dumas, Nicole Eisenman, Jadé Fadojutimi, Helen Frankenthaler, Artemisia Gentileschi, Maggi Hambling, Carmen Herrera, Gwen John , Frida Kahlo, Tamara de Lempicka, Agnes Martin, Joan Mitchell, Alice Neel, Plautilla Nelli, Georgia O'Keeffe, Paula Rego, Bridget Riley, Jenny Saville, Dana Schutz, Lee Krasner, Yayoi Kusama.
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En una época en la que, a la hora de invertir en un proyecto, priman los criterios de rentabilidad económica y en que la cultura en conjunto es pensada a partir de la ''economía creativa'', resulta vital comprender el análisis económico en materia cultural para percibir su alcance y también sus límites. Por eso es fundamental conocer sus reglas y los desarrollos que conlleva en el plano de las artes y de la cultura.
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Del autor de Emocionarte, con más de 100.000 lectoresCarlos del Amor va un paso más allá en el viaje a través de los cuadros que emprendió con Emocionarte. Esta vez se centra en el retrato, un género que le permite recrear las vidas de los retratados y de los artistas, y cómo estos últimos también se retratan en su forma de pintar. La elección de sus modelos o los retratos de encargo, la fidelidad realista al retratado o la percepción de este por parte del artista, el autorretrato que tantos practican, quiénes eran los modelos y qué vidas llevaban, las dificultades de acogida de la obra por parte de quien la encarga o por el público, forman parte de la historia íntima de estas obras que iremos descubriendo en el libro. Con su característico estilo literario, Carlos del Amor nos muestra un mundo detrás de cada cuadro y, de nuevo, nos revela que han sido muchas las mujeres artistas, y muy poco conocidas hasta ahora.
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El Siglo de Oro de la pintura neerlandesa engendró algunos de los mejores artistas y artesanos de la historia, pero pocos pueden presumir del genio y el legado de Rembrandt Harmensz. Van Rijn (1606-1669). A pesar de no haber salido nunca de su Holanda natal, Rembrandt elevó su obra más allá de los límites de su propia experiencia, y creó algunas de las obras de arte más variadas e impactantes, ya fueran retratos, escenas bíblicas y alegóricas, paisajes u obras de género. Cualquiera que sea el formato, las pinturas de Rembrandt están tejidas de sutilezas: cada arruga en el rostro, cada mirada o rasgo transmite un poder emocional sin igual entre sus contemporáneos y discípulos.Cada obra está imbuida de humanidad. Las escenas bíblicas, como El baño de Betsabé, se convierten en una vía de reflexión sobre el anhelo y el alma humana, y van más allá de lo que canonizan las escrituras o se muestra en otras representaciones. Sus retratos, ya sean de mecenas o comerciantes adinerados, comunican la esencia del individuo por medio de delicados rasgos distintivos, con sus rostros bañados en una luz etérea sobre fondos de tonos terrosos. Tal vez lo más sorprendente de su serie de autorretratos sea el propio triunfo de este formato o género. Rembrandt comenzó a pintarlos en su juventud y siguió haciéndolo hasta un año antes de su muerte, y gracias a ellos se observa el proceso introspectivo que lo acompañó toda su vida.Esta monografía tamaño XL reúne las 330 pinturas de Rembrandt Harmenszoon van Rijn en exquisitas reproducciones. El presente volumen muestra la obra pictórica de Rembrandt como nunca antes, desde El festín de Baltasar hasta la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp.
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El rojo fue el primer color que el hombre dominó en la sociedad occidental, tanto en la pintura como en la coloración. Probablemente por eso fue durante mucho tiempo el color «por excelencia», el más rico desde el punto de vista material, social, artístico, onírico y simbólico. Admirado por griegos y romanos, el rojo era símbolo de poder, riqueza y majestuosidad en la Antigüedad. En la Edad Media adquirió una fuerte dimensión religiosa, evocando tanto la sangre de Cristo como las llamas del infierno. Pero era también, en el mundo profano, el color del amor, la gloria y la belleza, así como el del orgullo, la violencia y la lujuria. En el siglo XVI, la moral protestante entró en guerra contra el rojo, en el que veían un color indecente e inmoral, ligado a las vanidades del mundo y a la ''teatralidad papista''. A partir de entonces, en toda Europa, tanto en la cultura material como en la vida cotidiana, el rojo entró en declive. Este ocaso atraviesa toda la era moderna y contemporánea y se acentúa con el paso del tiempo, aunque adquiere nuevos simbolismos y significados, sobre todo a nivel ideológico. Esta edición aporta la representación de distintas tonalidades de rojo para acompañar la lectura fascinante de la historia de este color.
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El arte de la oscuridad es un original libro basado en más de 200 obras de arte cuidadosamente seleccionadas e inspiradas en lo mórbido, lo melancólico y lo macabro. Los sugerentes capítulos del libro presentan una selección de obras de arte que expresan ansiedades y aversiones, tensiones y temores que trascienden el tiempo que, por siempre, han acechado nuestras mentes y, aunque resulten difíciles de afrontar, forman parte de la condición humana.S. Elizabeth nos habla sobre las influencias e inspiraciones de los artistas representados en el libro para preguntarnos, ¿podemos ganar algo al enfrentarnos a nuestros demonios? ¿Por qué nos atrae tanto el miedo y lo grotesco? ¿Y qué nos dice esto sobre la mente humana? Conectemos con nuestras sombras y disfrutemos de estas obras de arte, que nos van a ayudar a reconciliarnos con nuestro lado oscuro.
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Lois Van Baarle (Loish) recoge en este libro una mirada única de su proceso creativo y la importancia que desempeñan los bocetos en su obra. Descubre cómo la autora explora la gestualidad, la estilización y da vida a sus personajes utilizando diferentes técnicas tradicionales y digitales. El libro incluye detallados tutoriales sobre la construcción de personajes y paisajes que te mostrarán cómo Loish captura el espíritu de su obra final gracias a un exquisito trabajo preliminar. Déjate llevar por la magia de Loish a través de sus bocetos, de las obras de arte exclusivas que presenta en este libro y del capítulo especial donde se exploran los conceptos personales de la autora para ofrecerte una visión en profundidad de cómo sus ideas iniciales evolucionan hasta culminar en logrados diseños conceptuales. Inspirador y divulgativo, con El Sketchbook de Loish ¡desearás ponerte a dibujar! Libro estilo The art of con grandes dibujos
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Este cuidado Art Book incluye la explicación detallada de cada una de las 15 xilografías del Apocalipsis (Incunable n.º 1 de la Biblioteca Nacional de España (BNE)) a cargo de Concepción Huidobro Salas. En la parte final del libro se reproducen, en alta resolución, todas y cada una de las imágenes, que permiten maravillarnos de la genialidad y la perfección técnica de Alberto Durero, todo ello apoyado por el texto correspondiente que refleja el momento. El complemento perfecto a esta obra obra especial, impactante, tanto por la iconografía como por la forma de presentarla, haciendo una crítica de los poderes fácticos tanto políticos como religiosos.
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En este manual paso a paso, el artista Ernest R. Norling nos acerca de forma sencilla y eficaz a los conceptos fundamentales de las leyes de la perspectiva. Con su método en veinte pasos, y a través de más de doscientas cincuenta ilustraciones claras y precisas, Norling desentraña las bases del dibujo que nos permitirán crear a mano alzada todo tipo de paisajes y edificios sin caer en representaciones rígidas y mecánicas.
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Un ensayo ilustrado de vanguardia de 75 tatuadores contemporáneos de todo el mundo que están traspasando los límites de su forma de arte.Con casi 700 imágenes, tatuaje: Una nueva generación de artistas muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres más importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle.Cada artista va acompañado de una selección de imágenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y cómo están transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta prácticas culturales e indígenas, Tatuaje abarca todos los estilos y técnicas, ofreciendo una mirada interna a cómo trabajan los artistas de todo el mundo hoy en día, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje. como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.
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Camins de mar i muntanya
20 excursiones entre la costa y el interior Este libro está pensado para los entusiastas de las excursiones que buscan explorar la belleza de la costa catalana, abarcando desde los acantilados abruptos y las calas escondidas hasta las montañas del litoral, los valles, marismas y desembocaduras costeras. Nuestro viaje nos llevará desde el Alt y el Baix Empordà hasta el Baix Camp y el Baix Ebre, con paradas en otras comarcas que combinan el encanto del mar y la montaña, como el Maresme, Garraf y La Selva.
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Desde el siglo XVII hasta la llegada de la era digital, las teorías del color se han ilustrado con deliciosas ruedas, gráficos policromados y meticulosos diagramas. Esta reveladora edición, que reúne más de 65 obras de todo el mundo, rastrea los infinitos tonos y matices de un tema que inspiró a Newton, Goethe, Sanzo Wada, la Bauhaus y muchos más.¿A quién va dirigido el libro The Book of Colour Concepts?Este libro está dirigido a un público amplio interesado en la historia del color, su significado y su evolución a través de los siglos. Resulta especialmente atractivo para coleccionistas, entusiastas del diseño, historiadores del arte, investigadores, estudiantes de arte y diseño, y cualquier persona fascinada por la influencia del color en la cultura, la ciencia y la filosofía. Su formato y contenido lo hacen accesible tanto a expertos como a aficionados que deseen profundizar en el tema.Temas que trata el libro The Book of Colour ConceptsEl libro explora la rica historia del color a través de cuatro siglos, recopilando más de 65 textos y manuscritos históricos, ilustrados con más de 1000 imágenes. Se analizan diversos aspectos, incluyendo:Teorías del color: Se presentan obras seminales de la teoría del color, como las contribuciones de Isaac Newton y Johann Wolfgang von Goethe, ofreciendo una visión de la evolución del pensamiento sobre el color a lo largo del tiempo. Se incluyen también sistemas de color menos conocidos, como los sistemas teosóficos.Taxonomías del color: El libro proporciona taxonomías exhaustivas del color, ofreciendo una clasificación detallada y organizada de los diferentes matices y tonalidades.Relación entre color y otras disciplinas: Se explora la relación entre el color y otras áreas del conocimiento, como la música y las emociones humanas. Se analiza cómo el color ha influido en la percepción y la experiencia sensorial.Contribuciones de mujeres: Se destaca la importante, aunque a menudo olvidada, contribución de mujeres al campo de la teoría del color, presentando obras de artistas como Mary Gartside y Hilma af Klint.Evolución histórica del color: Desde las primeras manifestaciones artísticas en cuevas hasta la era digital, el libro traza un recorrido por la evolución del uso y la comprensión del color en la historia de la humanidad. Se incluyen ejemplos de diferentes culturas y épocas.Sistemas de color: Se presentan diversos sistemas de color a lo largo de la historia, mostrando su desarrollo y evolución. Se incluyen ejemplos de diferentes métodos de representación y organización del color.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro The Book of Colour ConceptsAún no hay opiniones o críticas sobre The Book of Colour Concepts.
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William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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Os presentamos la nueva serie que hemos creado dentro de la colección Asiateca, Serie Cultura China. Un total de 30 títulos que poco a poco os iremos descubriendo. Ahora os presentamos estos 10 primeros, donde pasearemos por la increíble cultura china, inspeccionaremos sus artes, disfrutaremos de su talento, en definitiva nos enriqueceremos con su historia. Temas tan interesantes como la ópera, el teatro, la música, la pintura, la literatura... nos dan a conocer estas artes desde sus orígenes a la actualidad.
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Las mujeres detrás de Picasso pone el foco en las protagonistas tanto de la vida como de la obra del célebre pintor. Olga Khokhlova, Dora Maar, Françoise Gilot o Jacqueline Roque son solo algunos de los nombres que inspiraron al malagueño, le ayudaron a promocionar su obra y le cuidaron en todas las etapas de su vida. ¿Cuánto sabemos de él y cuánto de ellas? Mujeres de talento desbordante, todas tuvieron que superar innumerables obstáculos y enfrentarse a las violencias que sobre ellas vertieron tanto el artista y el entorno en el que les tocó vivir como, más tarde, la historiografía y sus sesgos de género. Este libro nos acerca a las biografías de quienes hicieron que Pablo se convirtiera en Picasso y de quienes existieron no gracias al pintor, sino a pesar de él. Eugenia Tenenbaum, historiadora del arte y experta en perspectiva de género, traza los perfiles de cada una de las protagonistas. A través de diversos géneros y recursos literarios, reconstruye fragmentos de las vidas de estas mujeres fascinantes para devolverlas al lugar en el que siempre deberían haber estado. Tanto la portada como las ilustraciones interiores corren a cargo de nueve artistas de gran relevancia: Naranjalidad, María Hesse, Laura Agustí, Esther Gili, Lady Desidia, María Herreros, Ana Santos, Isa Muguruza y Sara Herranz. Las mujeres detrás de Picasso es una obra para cuestionar la historia, descubrir y comprender mejor algunos capítulos esenciales de nuestro pasado más reciente y acercarnos al arte de una manera inclusiva y justa, que entienda la creación artística como un esfuerzo colectivo en lugar de como un trabajo individual.
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La mirada captiva
Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.
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El libro que tiene en sus manos quizá le rompa los esquemas, le haga dudar de sus creencias más profundas, peaje obligado para transmitir el increíble mensaje de esperanza, con evidencias y pruebas que conducen a la inmortalidad, reencarnación, inexistencia del tiempo y de la materia, la custodia de la memoria y consciencia fuera de nuestro cerebro, así como la existencia de Dios a través de las matemáticas y de la proporción áurea. Todos estos conceptos los plasmó Salvador Dalí en sus obras. Valiéndonos de ellos, trataremos de descodificar al «divino»: maestro, místico, alquimista, esotérico, matemático, geómetra sacro, mitológico, físico cuántico, praxiteliano, hiperespectral y visionario. que incluso llegó a predecir la fecha exacta de su muerte en una de sus pinturas. Comprobará que las obras de Dalí afectan a las ondas cerebrales, que el conocido cuadro La persistencia de la memoria (relojes blandos) goza de una inspiración bíblica, mitológica, cuántica y transcendental. También conocerá cuál fue realmente su última pintura y firma estampada en vida. Descubrirá el extraordinario misterio que esconde La cesta de pan y por qué Dalí quiso ser enterrado en el museo de Figueras, renunciando al descanso eterno junto a su esposa Gala. Revelamos también el cálculo de la fórmula matemática plasmada en el estudio de Leda atómica y la geometría sagrada oculta en La Última Cena. Confiamos en que disfrute de las numerosas anécdotas dalinianas, históricas, religiosas, artísticas, científicas, astronómicas y musicales que aderezan este apasionado trabajo de investigación. «Comienza un viaje fascinante en un mar de curiosidades que a buen seguro le sorprenderán y, en ocasiones, incluso le desconcertarán». M. ARIÑO Editora de la revista Muy Interesante
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Desde adorables mascotas hasta animales exóticos, Lorna Scobie te ayudará a capturar toda la maravilla del reino animal en cada página. Descubrirás los consejos y trucos de Lorna para crear animales llenos de energía y personalidad, sea cual sea tu nivel de habilidad artística. Ya sea que quieras crear una jirafa usando un collage, dibujar a tu gato dormido o pintar algunos pingüinos, Lorna te inspirará a encontrar al artista que llevas dentro y, lo más importante, ¡a divertirte un montón mientras lo haces! De la creadora de 365 Días de Arte.
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