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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Le peintre inquiétantLes superstitions, les peurs, les follies, les hallucinations qui hantèrent les cerveaux flamands et brabançons à la fin du Moyen Âge n’empêchèrent pas chez eux — constatation étrange et d’apparence paradoxale — l’esprit caustique et gouailleur.La complète expression de cette mentalité, nous la trouvons dans les œuvres de Jérôme Bosch qui la reflètent, dans son incohérence, avec la fidélité d’un miroir.
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El «boom» turístico español es un fenómeno tan conocido como poco debatido. En la memoria colectiva ha quedado vinculado a una serie de espacios -Benidorm, Torremolinos- e iconos simbólicos -el biquini, «las suecas»- que dan forma a una narración estereotipada. Con la finalidad de matizar y enriquecer dicho relato, el presente libro propone una revisión de la cultura visual del «boom». La autora analiza un nutrido corpus documental extraído de archivos nacionales y extranjeros, sirviéndose de herramientas analíticas de los estudios visuales y de la antropología del turismo. El repertorio iconográfico resultante revela que el imaginario de lo español durante la dictadura franquista fue mucho más complejo de lo que «a priori» podría pensarse, con una constante negociación entre las imágenes que respondían a la búsqueda de experiencias de los turistas y aquellas en las que un país en pleno proceso de modernización deseaba verse reconocido.
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Un llibre per descobrir l'originalitat i la diversitat de la pintura catalana d'avantguarda sota el franquisme.Entre el 1940 i el 1975, a Catalunya, l'art i les posicions estètiques modernes esdevenen un acte de resistència caracteritzat per l'originalitat, la llibertat i l'experimentació. La figuració expressionista o primitiva, les diferents formulacions de l'art abstracte, l'impacte de la cultura pop o l'expansió de la pintura cap a nous materials, són les principals declinacions d'una etapa que va ser testimoni de la maduresa dels grans noms -Miró, Dalí i Tàpies- però també de l'empenta d'un estol de fins a vuitanta artistes -Guinovart, Mari Chordà, Hernández Pijuan, Esther Boix, Brotat...- que un ampli equip d'especialistes, dirigits per Àlex Mitrani, mostren i analitzen en aquest llibre.
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Aunque, a principios de los años 70, firmara algunos de los artículos más reseñables de la edad de oro de Rolling Stone -como el reportaje sobre Dennis Hopper en Nuevo México- Robin Green jamás fue reconocida en la revista como realmente se mereciera. Auténtica especialista en retratar al sujeto con una inalterable energía, no duró mucho en aquel selecto círculo del Nuevo Periodismo. Fue expulsada por el fundador de la revista Jann Wenner al negarse a cumplir un encargo con uno de los Kennedy, en un acontecimiento que quedaría para siempre en mítico imaginario de la prensa musical mundial. Con el paso del tiempo, ya como guionista y productora de televisión, Green recibió tres premios Emmy y dos Globos de Oro por su trabajo en las series Doctor en Alaska y Los Soprano.
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La peinture de Balthus est une révolution incontestablement dirigée contre le surréalisme, mais aussi contre l'académisme sous toutes ses formes. Par-delà larévolution surréaliste, par-delà les formes de l'académisme classique, la peinture révolutionnaire de Balthus rejoint une sorte de mystérieuse tradition.
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La Historia del Arte está repleta de tesoros por descubrir, a pesar de que suelen estar a lavista de quien contempla el cuadro o la escultura en la que estándisimulados. Manuel JesúsSegado-Uceda nos ofrece en esta obra algunos ejemplos maravillosos. El lector sesentiráante uno de esos pasatiempos que contienen errores por descubrir y que están ante sus ojos,pero tanbien disimulados, que deberá emplear más tiempo delsospechado en advertirlos.Así sucede con muchas obrasde Arte. Las contemplamos mil veces sin reparar en quedisimulan información que no imaginábamos.Mariano F. Urresti.El propósito de los siguientes capítulos esotro el de divulgar parte de la «Ocultura» querodeaa la historia del arte. E intentar que la mirada delespectador se proyecte más allá delos lienzos de laspinturas, de los materiales que presentan las esculturas o de lafuncionalidad para la que se concibió unaarquitectura.
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La mente en la caverna, de David Lewis-Williams (9788446041276).El arte que se creó en las profundidades de las cuevas de Europa occidental a finales del periodo glacial produce admiración y asombro a partes iguales. ¿Qué nos dicen los animales y los símbolos pintados sobre las paredes de cuevas como las de Lascaux, Chauvet y Altamira acerca de la naturaleza de la mente ancestral? ¿Cómo surgieron, por así decirlo, de la nada? La mente en la caverna ofrece la explicación más convincente de todas las que hasta ahora se han propuesto para los orígenes del arte: la respuesta se halla en la evolución de la mente humana. En sus distintos capítulos, el autor combina toda una vida de investigación antropológica con los avances en el ámbito de la neurología más recientes para mostrar cómo los Cromañones, a diferencia de los neandertales, poseían una conciencia de nivel superior y una estructura neurológica más avanzada que les permitían experimentar trances chamanísticos e intensas imágenes mentales que, con el tiempo, tuvieron la necesidad de «fijar» sobre las paredes de las cuevas. El resultado es un libro apasionante, un trabajo casi detectivesco que arroja luz sobre los misterios de nuestros primeros antepasados y sobre la naturaleza de nuestra propia conciencia y experiencia.
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Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte. Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuale
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La presente obra constituye un práctico instrumento de consulta para iniciarse en el mundo de la iconografía cristiana. El lector encontrará en ella la información básica sobre los personajes bíblicos y sobre lossantos más importantes y representados en obras de arte. El libro se completa con un índice de temas cristológicos y marianos en donde la historia, la religión y el arte se unen para desentrañar los símbolos o significados que se ocultan detrás de cada representación.
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Un recorregut essencial per l’art català.Si et fas un embolic entre el Renaixement i la Renaixença o entre el Modernisme i l’Impressionisme, aquest petit llibre, molt pràctic i accessible, et portarà de la mà a través de les diferents corrents i èpoques artístiques de la història. Entén d’una vegada les diferències bàsiques entre el Romànic i el Gòtic, i gaudeix de les millors obres artístiques de la història de Catalunya alhora que aprens a situar-les en el seu context històric i etapa artística. Descobreix com l’evolució de la història de l’art a Catalunya ha esculpit la nostra sensibilitat com a societat i la forma en què avui entenem les expressions artístiques.
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Existen dos herramientas fundamentales en la vida y la obsesión de cualquier artista: la luz y el color. Este libro no pretende ofrecer solo recetas sobre cómo mezclar los colores ni se limita a describir las técnicas de iluminación. Este libro, eso sí, contesta las preguntas más frecuentes que se hacen los artistas: ¿Qué pasa con los colores del cielo durante la puesta de sol?, ¿cómo varían los colores según la distancia?, ¿cómo conseguimos que una forma parezca tridimensional? Una obra escrita pensando en profesionales del arte de todos los tipos, aquellos interesados en el enfoque realista tradicional y también para los que sienten curiosidad por las estructuras y misterios del mundo visual. Su autor, James Gurney, recurre a su experiencia como pintor al aire libre e ilustrador científico, y comparte rigurosa y abundante información sobre herramientas tan importantes. Manual para artistas tradicionales y digitales de cualquier nivel, esta guía viene a llenar el gran vacío que hay entre la teoría abstracta y el conocimiento práctico. Ya trabaje con pinturas o con píxeles, ya use la realidad o la imaginación, da lo mismo, en ambos casos esta será una de sus inevitables referencias sobre la esencia y los fundamentos de la luz y el color.
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Inteligencia, sensibilidad y claridad expositiva en un libro exquisito. Profesora de arte y cronista de exposiciones durante años, los puntos de vista de Mercè Ibarz sobre cuestiones artísticas son siempre personales, fundamentados y de gran lucidez. En este libro invita al lector a enfocar la mirada y establecer una relación directa con las obras. Entre la memoria íntima, la observación culta y el análisis social, este ensayo exquisito y estimulante es una muestra más de la inteligencia, la sensibilidad y la claridad expositiva que definen a la autora.
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William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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La pregunta: ¿Existen nuevas formas de abrir la caricatura a cualquier persona a la que le guste dibujar? La respuesta: ¡Por supuesto! En este libro encontrarás métodos testados y demostrados capaces de simplificar los procesos y enseñar a cualquiera, con independencia de su edad, el arte de la caricatura. ¡Incluye sencillas instrucciones paso a paso y más de 3.000 ilustraciones! Un estudio exhaustivo de emociones y expresiones · Cómo dibujar la caricatura de deportes Caricaturas para publicidad · La caricatura explicada · Desglose completo de personajes caricaturizados Animación para TV · Técnicas de dibujo para caricatura política y de prensa Cientos de estilos nuevos y variados de caricatura · Más de 500 manos caricaturizadas Bocetado de caricaturas · Dibujar multitudes con facilidad · Cómo caricaturizar chicas Montones de preciosas cabezas caricaturizadas · Caricaturas libres e informales · Cientos de rasgos faciales que, combinados, dan lugar a más rostros divertidos que personas hay en el mundo · Cómo crear personajes para chistes y tiras cómicas · Disfraces e indumentaria para caricaturas · Cientos de problemas de cabezas y figuras resueltos
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Descubre las infinitas posibilidades de las acuarelas metálicas. La fusión de las acuarelas con los colores metálicos puede hacer que una obra, literalmente, brille sobre el papel. Tras repasar los materiales, las técnicas y el uso del color con acuarela, la artista Elisabeth Götz nos abre las puertas al fascinante universo de las acuarelas brillantes a través de 20 proyectos. Desde centelleantes ramas y hojas hasta fascinantes mariposas y libélulas, con este libro no solo aprenderás a crear luminosos motivos de flora y fauna, también las técnicas, recursos y trucos que te permitirán dar un toque verdaderamente especial a tus creaciones.
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Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de carácter histórico sino filosófico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relación con la filosofía taoísta a partir de la noción de vacío que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepción china del universo y su comprensión del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica también al lector occidental la adscripción de este arte a la concepción taoísta, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictórica.
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* Francisco de Goya superó sus miedos y Auguste Rodin halló esperanza, Frida Kahlo consiguió hacer frente a sus angustias y Henri Matisse abrazó la felicidad. * Durante miles de años, los artistas han transmitido sus aspiraciones, emociones, sentimientos, ideas e historias a través de sus obras. Al comprender sus objetivos y analizar ciertos aspectos de su trabajo, es posible aprender a gestionar las emociones, mejorar el estado de ánimo, calmar la mente y reducir la ansiedad y el estrés. * Déjese guiar para descubrir cómo cambiar la percepción del mundo de una forma más positiva, gracias al arte y a los artistas. El arte visual puede comunicarse con nosotros de una manera que las palabras por sí mismas no pueden lograr. Puede iluminarnos, animarnos, desafiarnos, instruirnos, cautivarnos y divertirnos. Puede ofrecernos conocimiento, compartir recuerdos, sugerir nuevas ideas y ejercer como terapia, ayudándonos con los problemas emocionales, conductuales o de salud mental. En este libro se analizan obras de más de setenta artistas, entre ellos Artemisia Gentileschi, Yinka Shonibare, Francisco de Goya, Claude Monet, Frida Kahlo, Gustav Klimt, Caravaggio, Vincent van Gogh, Elizabeth Catlett, Andy Warhol y Henri Matisse. Su trabajo y sus ideas son tan particulares como cada uno de nosotros y este es otro de los aspectos positivos de utilizar el arte de esta manera, puede que las emociones sean universales, pero las interpretaciones y reacciones son individuales. Déjese guiar por estas ideas y descubra originales y maravillosas formas de interactuar con el arte.
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Refuerce su habilidad para comprender y evaluar el arte y, así, permitirle experimentarlo al máximo. * Unagran cantidad de ideas con las que podrá observar, interpretar y disfrutar mejor el arte: formas de utilizar los elementos básicos del arte y la experimentación con materiales y técnicas. * Descubra por qué losartistas practican determinados estilos y representan ciertos temas, así como su finalidad y significado.Una sección con seis influyentes artistas proporciona una fascinante visión de distintos entornos creativos y revela seis trayectorias artísticas muy diferentes. Esta es una guía indispensable de la historia del arte que da pie a las preguntas y a la discusión,en especial a la luz de los debates actuales. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obrascaracterísticas y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tantosi se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador.Con textos atractivos, accesibles, acreditados, conun marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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A diferencia de otros animales, el ser humano posee algo único y diferenciador: la posibilidad de creararte. En nuestro intento por alejarnos del mundo animal, buscamos dominar nuestras pasiones y estas, inevitablemente, se transforman en vicios o pecados guiados por las prácticas morales, éticas y religiosas. Pero ¿cómo reflexiona y representa las pasiones el artemás actual? Es más, ¿qué es el arte contemporáneo? ¿Y el arte conceptual? ¿Cuáles son las nuevas técnicasartísticas? Para responder estas inocentes ya la vez tan complicadas preguntas, Óscar García García nos invita a un viaje a través de los siete pecados capitales de la mano de varios de los artistas másimportantes (e irreverentes) de nuestro tiempo.
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Desde la prehistoria, el ser humano ha sido un creador de símbolos, que constituyen un puente hacia sus orígenes, el cosmos y el destino. Las entradas de este Diccionario de los símbolos, seleccionadas del vasto repertorio en dieciséis volúmenes de The encyclopedia of religion, dirigida por Mircea Eliade en colaboración con Ioan Petru Couliano y redactada por destacados expertos internacionales, subrayan la emergencia y la persistencia de esta creatividad. Durante siglos, los símbolos se han vivido como portadores de un sentido capaz de romper los horizontes de los límites humanos para proyectarse más allá. Así, resulta que incluso los objetos más habituales -una llave, un tejido, un espejo, una joya- o los gestos más banales -comer, dormir, ofrecer un regalo, jugar- no son aspectos evidentes de nuestra vida: de hecho, en la historia de la humanidad se han cargado de una densidad que quizás hemos olvidado, pero que atestigua hasta qué punto la búsqueda de sentido está impresa en las profundidades del deseo humano.
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Esta publicación recoge por primera vez en lengua castellana una recopilación de artículos en torno a las artes visuales escritos por Virginia Woolf entre los años 1920 y 1936. En ellos la autora indaga en la relación entre escritura y pintura, narra sus visitas a exposiciones, recoge impresiones y méritos del grupo Bloomsbury, y manifiesta su postura en torno a la aparición del cine o a la vinculación de los artistas con la esfera política.
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Desde el siglo XVII hasta la llegada de la era digital, las teorías del color se han ilustrado con deliciosas ruedas, gráficos policromados y meticulosos diagramas. Esta reveladora edición, que reúne más de 65 obras de todo el mundo, rastrea los infinitos tonos y matices de un tema que inspiró a Newton, Goethe, Sanzo Wada, la Bauhaus y muchos más.¿A quién va dirigido el libro The Book of Colour Concepts?Este libro está dirigido a un público amplio interesado en la historia del color, su significado y su evolución a través de los siglos. Resulta especialmente atractivo para coleccionistas, entusiastas del diseño, historiadores del arte, investigadores, estudiantes de arte y diseño, y cualquier persona fascinada por la influencia del color en la cultura, la ciencia y la filosofía. Su formato y contenido lo hacen accesible tanto a expertos como a aficionados que deseen profundizar en el tema.Temas que trata el libro The Book of Colour ConceptsEl libro explora la rica historia del color a través de cuatro siglos, recopilando más de 65 textos y manuscritos históricos, ilustrados con más de 1000 imágenes. Se analizan diversos aspectos, incluyendo:Teorías del color: Se presentan obras seminales de la teoría del color, como las contribuciones de Isaac Newton y Johann Wolfgang von Goethe, ofreciendo una visión de la evolución del pensamiento sobre el color a lo largo del tiempo. Se incluyen también sistemas de color menos conocidos, como los sistemas teosóficos.Taxonomías del color: El libro proporciona taxonomías exhaustivas del color, ofreciendo una clasificación detallada y organizada de los diferentes matices y tonalidades.Relación entre color y otras disciplinas: Se explora la relación entre el color y otras áreas del conocimiento, como la música y las emociones humanas. Se analiza cómo el color ha influido en la percepción y la experiencia sensorial.Contribuciones de mujeres: Se destaca la importante, aunque a menudo olvidada, contribución de mujeres al campo de la teoría del color, presentando obras de artistas como Mary Gartside y Hilma af Klint.Evolución histórica del color: Desde las primeras manifestaciones artísticas en cuevas hasta la era digital, el libro traza un recorrido por la evolución del uso y la comprensión del color en la historia de la humanidad. Se incluyen ejemplos de diferentes culturas y épocas.Sistemas de color: Se presentan diversos sistemas de color a lo largo de la historia, mostrando su desarrollo y evolución. Se incluyen ejemplos de diferentes métodos de representación y organización del color.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro The Book of Colour ConceptsAún no hay opiniones o críticas sobre The Book of Colour Concepts.
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Examines the social implications and psychological impact of the images and conventions of modern and classical artists.
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Os presentamos la nueva serie que hemos creado dentro de la colección Asiateca, Serie Cultura China. Un total de 30 títulos que poco a poco os iremos descubriendo. Ahora os presentamos estos 10 primeros, donde pasearemos por la increíble cultura china, inspeccionaremos sus artes, disfrutaremos de su talento, en definitiva nos enriqueceremos con su historia. Temas tan interesantes como la ópera, el teatro, la música, la pintura, la literatura... nos dan a conocer estas artes desde sus orígenes a la actualidad.
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Lilith, la que según los textos hebreos fuera la primera esposa de Adán, no fue “concebida” por él como encierto modo lo fue Eva al ser extraída de una de suscostillas. Lilith, como Adán, fue creada del polvo de la tierra, por eso ella siempre se consideró su igual y no quiso someterse a su dominio. En consecuencia, se rebeló, lo abandonó y, libre, gozó de las relaciones en el mundo de Lucifer, muchas veces transmutadoen serpiente y otros malignos seres de la nocturnidad. Fue la primera mujer que se emancipó. La primera 'femme fatale'.
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Las imágenes distan de ser transparentes, están plagadas de sobreentendidos y códigos, tienen etimologías,dialectos y jergas. La visión no es solo un fenómenoóptico, implica también pactos y procesos sociales.La adopción de hormas mentales derivadas de la perspectiva renacentista o el empleo de artefactos como lacámara oscura o la linterna mágica estuvieron cargados de consecuencias. Y la enunciación de la mirada contemporánea supone suscribir, consciente o inconscientemente, un complejo aluvión de atavismos asentados ennuestro ADN cultural, desde Altamira hasta la Capilla Sixtina o las actuales pinturas callejeras. Este libro, profusamente ilustrado, muestra algunos de esositinerarios. Por sus páginas desfilan Leonardo, Brueghel, El Bosco, El Greco, Rembrandt y Arcimboldo, Cervantes y Borges, Goya y Solana, Einstein, Escher y Moebius, Eisenstein, Orson Welles, Hitchcock, Pasolini,Godard, Buñuel y Dalí. Pero también otros eslabones menos conocidos, que han configurado nuestra vivenciaespaciotemporal y hoy nos permiten trasvasar a las tramas audiovisuales las últimas teorías sobre el cosmos.
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Un trabajo exhaustivo que recoge el aporte de las mujeres en las distintas ramas del arte a lo largo de la historia* Guía de bolsillo de los movimientos, las obras, las transformaciones y los temas fundamentales. * Información exhaustiva que va desde las transformaciones impulsadas por las mujeres en su intento de lograr la igualdad con los artistas masculinos hasta las importantes aportaciones que las mismas efectuaron a los movimientos artísticos dominados por los hombres, pasando por todas aquellas artistas desconocidas y olvidadas que están siendo redescubiertas en la actualidad. * Accesible, concisa y profusamente ilustrada, esta obra revela las correspondencias entre los distintos períodos, artistas y estilos, y ofrece a los lectores una completa explicación que les permitirá disfrutar ampliamente de los grandes logros de las mujeres artistas. La producción artística femenina data de tiempos ancestrales, sin embargo, las mujeres han sido excluidas, ignoradas y prácticamente borradas de la historia del arte. Este libro presenta algunas obras de arte producidas por mujeres desde el Renacimiento hasta la actualidad, además, gracias a las correspondencias entre las diferentes secciones, es posible ampliar la información, todo ello sin dejar de celebrar la dedicación y los logros de tantísimas mujeres y de dotar a su obra de contexto.
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Déjate sorprender por una brillante pantonera que esconde miles de curiosidades. ¿Sabes por qué un flamenco es rosa?, ¿quiénes son los All Blacks de Nueva Zelanda?, ¿de dónde viene el término índigo?, ¿qué tienen en común una fresa y una hoja otoñal?, ¿por qué es blanca la leche?
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Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI.La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro.El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación , analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain ).Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
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Para Winckelmann, la belleza del arte trasciende el tiempo y el espacio, por eso es tan importante que tengamos las herramientas adecuadas para comprenderlo. Estas páginas, que se publicaron por primera vez en Dresde en 1764, son un recorrido por las de la continuidad del arte a través de distintas civilizaciones completamente novedosa. manifestaciones artísticas del mundo antiguo partiendo de la idea de que, como la vida, han sufrido un proceso evolutivo. Pasando por egipcios, etruscos, persas y romanos, se detiene a analizar en profundidad el arte de los griegos, lo que proporcionó una visión de la continuidad del arte a través de distintas civilizaciones completamente novedosa. Su ojo crítico con lo que se venía haciendo hasta la fecha y su atención al detalle convirtieron esta en una obra de referencia e inspiración para grandes artistas y teóricos como Goethe o Schiller, aún hoy, continúa siéndolo para todo aquel que se acerque al estudio del arte clásico.
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Fascinante combinación de historia, arte y memorias personales, el libro ofrece una aproximación general a más de dos siglos de historia entremezclada con una mirada íntima a la vida de los artistas del tatuaje, a sus luchas y triunfos personales, a lo aventurado de su profesión y al coraje artístico que define gran parte de esta historia.Durante los últimoscuarenta años, Henk Schiffmacher se ha volcado en cuerpo y alma en su colección, que reúne dibujos de tatuajes, diseños, fotografías y artefactos procedentes de todo el mundo. Cada uno de los cinco capítulos dellibro presenta numerosos elementos inéditos de su colección, e incluye litografías, grabados, instrumentospara tatuar, pinturas, fotografías, pósteres, carteles de tiendas, dibujos originales y diseños de tatuajes conocidos en el negocio como flash, entre ellos hojas flash de época extremadamente raras de los primeros y más importantes tatuadores occidentales. Con másde 700 imágenes, el libro aborda la inmensa variedadde tatuajes de todo el mundo: de los tatuajes indígenas de los maoríes y otros pueblos isleños del Pacífico Sur a las antiguas tradiciones de Asia y las viejas escuelas de Europa y Estados Unidos que dieron origen al tatuaje occidental. El libro también presenta una docena de ilustraciones originales en las que Schiffmacher hace gala de su estilo inimitable, así comouna introducción personal en la que describe su trayectoria como artista y coleccionista y su visión de lahistoria del tatuaje desde el underground a la cultura de masas.Con sus reflexiones y el relato desus más salvajes aventuras, Schiffmacher aporta un punto de vista fascinante a la historia del tatuaje. El libro nos abre las puertas a la historia del tatuaje y a las aventuras que hay detrás de la creación deuna de las colecciones de tatuajes más grandes del mundo, obra de un tatuador autodidacta enamorado de este arte y de sus creadores.
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Una nueva forma de crítica literaria.“¿Cómo es que el arte se ha vuelto tan poderoso que ni siquiera podamos imaginar una realidad que no esté gobernada por sus parámetros?”. El joven académico alemán Markus Gabriel, autor de varias obras renovadoras del panorama filosófico contemporáneo, como Por qué no existe el mundo y Yo no soy mi cerebro, intenta responder en este breve ensayo un tópico ampliamente discutido en la historia del pensamiento: la naturaleza del arte.En El poder del arte, junto con desplegar un audaz cruce entre epistemología, cultura popular y contingencia social, Gabriel sostiene que el arte ostenta un poder incontrolable. Por eso nadie, ni el observador ni el artista, están en posición de dirigir y dominar su destino. Cada obra de arte genera su propio juicio estético y, así, es capaz de juzgarse a sí misma.Al mismo tiempo, junto con dar luces sobre el vínculo entre la estética y su propuesta filosófica, el Nuevo Realismo, El poder del arte es una perfecta puerta de entrada al corpus filosófico de uno de los pensadores más influyentes de la actualidad.
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Animales y seres fantásticos del mundo antiguo al Medievo cristiano. Incluye coda final con imágenes y equivalencias simbólicas de los animales y seres fantásticos que conforman el bestiario.Procedente del mundo grecorromano, bizantino y persa, el bestiario fantástico se apodera del mundo cristiano románico no sin resistencias y críticas. No obstante, cuando se sacraliza esta estética pagana convirtiendo a los animales -tanto reales como imaginarios- en portadores de virtudes o perversiones, empiezan a plagar capiteles, canecillos, metopas, tímpanos, arquivoltas, muros, pilas bautismales, objetos litúrgicos y una incontable serie de soportes que, lejos de la mera función ornamental, aportan un significado simbólico cuyo sentido trata de desentrañarse en este libro.El bestiario fantástico es uno de los motivos escultóricos que más interés genera, y el que mayor efecto de intimidación provoca en el hombre medieval. Estas peculiares e imaginativas bestias nacían por combinación de partes de animales diferentes, creando estampas, en ocasiones, atroces. Los animales podían ser representados solos, en lucha entre sí o con hombres indefensos, siempre con el objetivo de conmover y motivar al creyente en su esfuerzo por evitar las tentaciones y renegar del pecado.Aunque cualquier símbolo tiene dualidad de significados, incluso completamente opuestos, el románico usó ciertos animales con predilección para manifestar el bien y otros como formas del mal. Las aves como la cigüeña, el águila o la paloma simbolizan el anhelo del espíritu por alejarse de lo terrenal en busca de valores más altos. El león, por su parte, representa nobleza y fuerza. Son animales que ''guardan'' el templo. No impiden el paso al recinto sagrado pero advierten que el umbral divide lo sagrado de lo profano. Por el contrario, en la nómina de los animales relacionados con el mal aparecen el mono, como caricatura grotesca del hombre, la serpiente, símbolo del pecado y del demonio, la liebre y el conejo asociados con la concupiscencia por su fertilidad, el jabalí y el cerdo por ser lujuriosos, sucios y perezosos...Esta obra es una verdadera guía sobre todo ese bestiario a través de un proceso de deconstrucción de su significado que, en ocasiones, se remonta a nuestro pasado más arcaico. Un viaje a través del arte, de los mitos, leyendas y tradiciones populares en cuyos contenidos se encuentra buena parte de nuestras principales preocupaciones existenciales.
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En este libro se muestra la capacidad compositiva de la improvisación libre y se describen otras cualidades que desarrollan los músicos y artistas que la practican. Es un intento de equilibrar la balanza entre la improvisación libre y la composición escrita, recuperar el valor que se le ha negado a la improvisación. A través de los escritos de diferentes autores, de las entrevistas personales a un número importante de compositores e improvisadores del panorama internacional, así como del análisis de su experiencia práctica (las relaciones entre la improvisación libre/composición y el free jazz, la poesía escénica, la sensibilización artística de personas con discapacidad intelectual y las orquestas de improvisadores), Chefa Alonso investiga las similitudes y diferencias entre la improvisación libre y la composición escrita. La historia musical occidental se ha centrado en las composiciones escritas y ha sobrevalorado la importancia de la partitura, que ha terminado por convertirse en el objeto central de la actividad musical oficialmente reconocida. Por otro lado, es comprometido estudiar y analizar algo que no está escrito, es difícil entender comportamientos donde las reglas no son transparentes, como es el caso de la improvisación libre. El mundo académico infravalora la formación de los improvisadores y desconfía de los resultados musicales de una negociación artística y social espontánea que implica tolerancia y habilidad para tomar decisiones dentro de un contexto colectivo. Las razones que justifican el rechazo de la improvisación no están basadas en cuestiones de “forma” o de “poética” musical, sino que obedecen más a prejuicios ideológicos derivados de condiciones históricas y sociales.
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Catálogo de las exposiciones ''Ciutat de Sorra'' y ''Pajarazos'' celebradas en los centros de Arte Fabra i Coast (Barcelona) y Patio Herreriano (Valladorlid), respectivamente.Catálogo de la obra del escultor David Bestué en sus últimas dos exposiciones en Barcelona y Valladolid, donde se hace un repaso de la última obra del artista. Con textos de Marta Sesé, Carles Guerra, el propio David Bestué y una conversación entre María Salgado y el artista.
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Una extraordinaria colección de más de 300 imágenes que celebran la belleza y diversidad de los árboles.Este exquisito estudio presenta una impresionante secuencia de imágenes a página completa, desde pinturas de paisajes y dibujos botánicos hasta frescos antiguos, ilustraciones de libros antiguos y fotografías contemporáneas, que revelan el árbol como fuente de inspiración a lo largo de la historia.Abarcando continentes y culturas, Árboles refleja la diversidad de su tema, representando secuoyas gigantes, flores de cerezo, palmeras, álamos, ginkgos y otras especies que se encuentran en los biomas forestales de la Tierra, en una amplia selección de imágenes que datan desde la antigua Grecia hasta la actualidad. Más de 300 imágenes incluyen mosaicos de piedra romanos, mitos nórdicos ilustrados, grabados en madera del período Edo e instalaciones de árboles vivos.Comisariadas por un panel internacional de botánicos, naturalistas, historiadores del arte y otros expertos, las imágenes amplían la definición de arte botánico y juntas forman un homenaje vibrante y vital al mundo natural.Los artistas y colaboradores destacados incluyen: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Ruth Asawa, Paul Cézanne, Agnes Denes, Alberto Durero, Caspar David Friedrich, Global Forest Watch, Andy Goldsworthy, Ernst Haeckel, Utagawa Hiroshige, Frida Kahlo, Yayoi Kusama, Sally Mann, Grandma Moses, Marianne North, Pierre-Joseph Redouté, Daniel Roseberry para Schiaparelli, Antoine de Saint-Exupéry, Sebastião Salgado y Yokohama Nursery Co., entre otros.Panel de expertos: Dr. Giovanni Aloi, Dr. Preston Bautista, Dr. Diana Beresford-Kroeger, Fred Breglia, Casey Clapp, Jim Gardiner VMH, Dr. Andrew Hirons, Tony Kirkham MBE, VMH, Margaret D. Lowman, PhD, Carlos Nobre, PhD, John Parker, Anna Pavord and Christiana Payne.
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