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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Ilse Bing
Catàleg de l'exposició que se celebrarà en Fundació MAPFRE, Madrid, del 23 de setembre de 2022 al 8 de gener de 2023 i en el KBr. de Barcelona, en 2023.L'exposició té com a objectiu presentar, per primera vegada a Espanya, una exhaustiva retrospectiva de l'obra desenvolupada per aquesta artista alemanya que, al llarg de la seva carrera fotogràfica -que va començar tard, en 1929, quan ja tenia trenta anys, i es va estendre fins al final de la dècada de 1950-, es va centrar en nombrosos i variats temes.
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La exposición tiene como objetivo presentar, por primera vez en España, una exhaustiva retrospectiva de la obra desarrollada por esta artista alemana que, a lo largo de su carrera fotográfica -que comenzó tarde, en 1929, cuando ya tenía treinta años, y se extendió hasta el final de la década de 1950-, se centró en numerosos y variados temas.
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Charles Homer Haskins fue uno de los grandes medievalistas de su generación y profesor de Historia en Harvard. En esta obra demuestra que el Renacimiento no fue un fenómeno repentino, sino un movimiento que se inicia en el siglo XII. Haskins invita al lector a sumergirse en un siglo XII lleno de contrastes, origen dela Europa moderna y del Renacimiento italiano.
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Este volumen reúne una muestra exhaustiva del trabajo del artista de renombre internacional Leandro Erlich a través de 72 imágenes que representan obras de arte cautivadoras, modernas e interactivas.A lo largo de estas imágenes, ensayos críticos de Dan Cameron, Adrian Dannat, Andrés Duprat y Mari Carmen Ramírez ofrecen observaciones agudas sobre el encuentro de las obras de arte, el espacio y las personas.Publicado como parte de la exposición de Erlich ''Liminal'' en el Perez Art Museum Miami, el catálogo se erige como un camino perspicaz en la mente del artista y como testigo de la experiencia de los visitantes
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El libro reúne una serie de artículos, publicados previamente en diversos catálogos de arte, que arrojan luz sobre la metodología y la minuciosa investigación llevada a cabo por Baer. Esta antología profundiza en la obra de Picasso, explorando su desarrollo y los vínculos con los grandes maestros del pasado. Su análisis contribuye a contextualizar y a comprender mejor la riqueza del legado picassiano.
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Tras su célebre monografía Blue Violet (Monacelli, 2021), la fotógrafa Cig Harvey continúa su estudio personal de la experiencia sensorial, centrándose en la naturaleza efímera de la luz, los pigmentos y la visión.Sus últimas fotografías son cuadros exuberantes de sus temas característicos (flora, pasteles, interiores domésticos y la figura humana en el paisaje) acompañados de viñetas en prosa sobre la ciencia y el arte del color, escritas en su estilo vibrante e íntimo.Con un epílogo del galardonado novelista y poeta Ocean Vuong, Emerald Drifters es un catálogo de placeres y desamores, y ''un llamado urgente a vivir''.Cig Harvey es una artista nacida en Gran Bretaña y residente en Maine que utiliza imágenes y lenguaje para celebrar la belleza de lo cotidiano. Su trabajo ha aparecido en The New York Times, Vogue y The Wall Street Journal. Esta es su quinta monografía.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, Madrid, del 30 mayo al 27 de agosto de 2023.Nacido en Brooklyn en 1922, Louis Stettner comenzó a hacer fotos siendo un adolescente en la década de 1930, y dedicó casi ochenta años de su vida a la fotografía. Tras prestar servicio en el Pacífico como fotógrafo para el ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a París en 1947. A lo largo de su vida, alternó la residencia durante largos periodos en Francia y Estados Unidos antes de establecerse definitivamente en París desde 1990 hasta su muerte, en 2016.A caballo entre estas dos culturas, la obra de Stettner incorpora elementos de la fotografía callejera estadounidense y de la fotografía humanista francesa. Formado en la escuela neoyorquina de la Photo League, aprendió con Sid Grossman y fue un gran amigo de Weegee. En París, el joven fotógrafo conoció a Brassaï, que se convirtió en su mentor y le introdujo en la comunidad fotográfica parisina. Stettner fusionó la vertiente lírica francesa con la tradición neoyorquina de fotografía socialmente comprometida para crear su propia versión del humanismo.
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Con la ayuda de su segunda esposa, Francesca Fontana, y una serie de amanuenses y artistas que trabajaron para él durante muchos años, el naturalista boloñés Ulisse Aldrovandi (1522-1605) dirigió una empresa colectiva cuyo objetivo era por encima de todo la acumulación: la acumulación de saber y de objetos que llegaron a conformar la mayor colección de naturalia de la Europa del siglo XVI. Apoyado en el epistolario que se extiende a lo largo de más de cincuenta años de la vida de Aldrovandi, el presente libro abre una ventana sobre el contacto directo con individuos dentro y fuera de Italia, destacando su interés por las novedades del Nuevo Mundo y por las anomalías físicas del mundo natural. En este libro el lector encontrará información sobre su vida, cómo encaró el estudio de las antigüedades y de la historia natural, su red de corresponsales y patronos, así como la influencia y el legado de sus voluminosas publicaciones.
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Muchos artistas aficionados y estudiantes consideran la perspectiva un tema complicado, sin embargo, comprender la tridimensionalidad del espacio es fundamental para comprender el entorno, la forma de percibir las cosas y las estrategias de representación en el dibujo, siendo además indispensable para proyectar edificios, calles, pueblos o vistas urbanas. En estos casos, se recurre a la perspectiva lineal, un sistema de representación que sostiene el uso de líneas rectas convergentes para provocar la ilusión de profundidad. Los principios de esta perspectiva son sencillos de entender y de aplicar y resultan de gran utilidad para resolver problemas de espacios y distancias, sobre todo cuando el modelo presenta afinidades geométricas.
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Pinturas negras de Goya analiza una de las obras más herméticas del artista y, a la vez, de mayor efecto visual y emocional. Pintadas entre 1819 y 1823 en las paredes de la Quinta sobre el Manzanares que poseía el pintor, constituyen un verdadero paradigma de la modernidad, de «Capilla Sixtina» de la modernidad se dice en el libro, y constituyen un verdadero resumen de la obra del artista aragonés. Realizadas entre 1819 y 1823 sobre los muros de dos salas de la Quinta llamada del Sordo, las Pinturas negras proporcionan una imagen del mundo sombrío y del mundo luminoso que siempre ha sido característico de Francisco Goya. Más allá del interés histórico y de la preocupación académica, sin ignorarlos, se contemplan como obras vivas, imágenes vivas en las que, a pesar de su carácter enigmático (quizá también por él), nos reconocemos.
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Isidoro Valcárcel Medina nació en Murcia en 1937 y es sin duda uno de los artistas conceptuales españoles de mayor altura de pensamiento y visión, tierra adentro y allende los mares. La extensión de su obra tiene el valor incalculable de su intangibilidad: inmensa. El presente volumen -compuesto por tres conversaciones que tuvieron lugar entre los años 2003 y 2017, las dos primeras en el programa La Estación de Perpiñán de la radio del Círculo de Bellas Artes de Madrid- es a la vez una introducción y un intento de ahondar en un conocimiento singularmente lógico, realista y tópico, términos que en Valcárcel Medina se acompañan de sus dobleces de sombra, humor y descoyuntamiento.
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El escultor impresionista.Con Medardo Rosso (1858-1928) se inicia un nuevo capítulo en la historia de la escultura. Rosso es el primero que rompe e interrumpe aquella tradición milenaria que va de los escultores egipcios a los realistas del siglo XIX, el primero que rebasa los que parecían términos naturales e inmutables de la escultura.Nadie antes había pensado nunca en obtener con la escultura los efectos de la pintura, los efectos de luz y de sombra propios de la gran pintura, y de la viva realidad. Rosso fue el primero que se propuso unificar pintura y escultura, fundiendo y casi identificando las dos artes, para poder así plasmar la vida verdadera.
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Esta nueva muestra sobre el pintor Joaquín Sorolla ofrecerá una combinación inédita hasta ahora y que se ensaya aquí por primera vez: una exquisita selección de un interesante conjunto de pinturas originales -muchas de ellas pertenecientes a colecciones particulares y, por tanto, apenas vistas antes- y los nuevos formatos de exposición que, utilizando los recursos técnicos de última generación -multipantallas LED y realidad virtual- sumergen al visitante en un espectáculo de imágenes en movimiento y sonidos que amplían e intensifican el efecto sensorial de la pintura y nos permiten viajar cien años atrás a la época del pintor. Ninguna otra pintura podría prestarse mejor a esta fusión que la de Sorolla, que tiene en la luz y el color su principal soporte.
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Vivimos tiempos de profunda transformación en lo que concierne a los ideales y valores de la sociedad y, en este contexto todavía confuso, destaca la evolución del papel de la mujer, su relación con las figuras masculinas, con el trabajo, la maternidad y el sexo. La clínica acoge viejas y nuevas formas de la subjetividad femenina y genera multitud de interrogantes que mueven a la reflexión. Con esta edición, GRADIVA se propone dar a conocer la mayoría de los trabajos presentados en las XI JORNADAS DE INTERCAMBIO EN PSICOANÁLISIS, realizadas en Barcelona los días 21 y 22 de abril de 2023.¿Y la mujer?, es una pregunta que alude a una de las metáforas que utilizó Freud ante lo enigmático y oscuro que era para él lo femenino, refiriéndose no solo a la mujer sino también a lo femenino en el hombre. Ante estos enigmas, Freud comparaba su perplejidad al asombro que podía sentir un marciano si aterrizara en la tierra y descubriera la diferencia de los sexos, asombro semejante, quizás, al del niño o niña que van descubriendo las diferencias sexuales anatómicas que generan en ellos tantas preguntas.Sabemos que gran parte de sus teorizaciones sobre la mujer giraron más en torno a la dialéctica alrededor de la castración, de lo fálico-castrado, que a conceptualizar propiamente las diferencias, dándole al «tener» un valor relevante y quedando lo femenino como enigmático o excluido como diferente. En otros momentos, en diálogo con sus contemporáneos, se iban elaborando conceptos que abrían caminos para conceptualizar las diferencias que hacen a la construcción subjetiva de la mujer y del hombre. Concepciones que incluían los aspectos femeninos y masculinos tanto en el hombre como en la mujer, fruto de las identificaciones, y también desarrollaron conceptos sobre lo específico de cada género.Es necesario recordar que estas elaboraciones se gestaron en coherencia con los aspectos sociales y culturales propios de la época. Tenemos que situarnos a finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX, donde regía el patriarcado y el ejercicio del poder por parte de los hombres, también fueron años muy convulsos históricamente, en los que las dos guerras mundiales dejaron profundas heridas. En este contexto, la mujer tenía asignadas funciones que debía cumplir: ser cuidadora, esposa y madre, quedándole poco o nulo espacio para su proyección intelectual y laboral. Las mujeres tuvieron aún que recorrer un largo camino para tener voz y voto en la sociedad en general.Han pasado alrededor de cien años desde que se publicaron los primeros textos freudianos sobre la sexualidad femenina, han sido considerables los cambios que se han dado en relación con el lugar que ocupa la mujer en la actualidad en el ámbito familiar, laboral y social, han surgidos nuevas formas de concebir la sexualidad, la reproducción y el género. Nos confrontamos con la sexualización precoz, con la disforia de género, con otras corrientes que niegan o reniegan de las diferencias sexuales y anatómicas… Si buscamos en las redes y en la bibliografía, nos encontramos con un número considerable de definiciones de distintas sexualidades, ¿quizás los enigmas sobre la identidad sexual siguen vigentes?, ¿quizás los adolescentes y jóvenes buscan respuestas en las redes? Necesitamos de nuevos parámetros para poder entender y abordar la clínica actual. Son muchos los pacientes que consultan por su malestar ante ciertos conflictos fruto de crisis identitarias o en los que la identidad sexual ocupa un lugar. Conflictivas que nos sitúan como analistas ante dinámicas tranferenciales – contratransferenciales que implican para nosotros nuevos retos.
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El ocaso y el alba son las dos caras del mismo fenómeno: mientras los que estamos aquí vemos la puesta de sol, los que están al otro lado ven el amanecer. dibujar el sol es el segundo libro de la serie dedicada a los históricos talleres de Bruno Munari. El artista italiano recopila algunos ejemplos de soles dibujados por niños, junto con otros representados por distintos artistas, para mostrarnos las infinitas formas en que el sol puede ser interpretado y representado.
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Cómo dibujar letras a mano es una guía creativa para dibujar y pintar alfabetos. Muestra cómo una variedad de instrumentos, técnicas y medios pueden utilizarse para crear letras que prácticamente saltan de la página. Cómo dibujar letras a mano te enseña a dibujar letras que van desde diseños históricamente inspirados hasta extravagantes garabatos de forma libre. Crea alfabetos para mejorar diarios, tarjetas de presentación, álbumes de recortes y tarjetas de felicitación. Copia, adapta, crea y diseña letras. Instrucciones fáciles de seguir paso a paso AUTOR Es un apasionado del diseño gráfico desde muy joven y trabaja como autor, ilustrador y diseñador independiente de guías de arte para lectores de 8 a 80 años. Se inspira en fuentes históricas y contemporáneas, incluidos los grafitis, y siempre lleva un cuaderno de bocetos encima para guardar sus ideas. Vive en Brighton, en la costa sur de Inglaterra, y es un entusiasta de la fotografía.
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Montserrat, 1789. L'àlbum de dibuixos de Pere Pau Montaña i Francesc Renart
L'estiu de 1789, al pintor Pere Pau Muntanya i a l'arquitecte Francesc Renart els van encarregar tota una sèrie de dibuixos de la muntanya de Montserrat per il·lustrar un llibre de geografia. El llibre no s'acabà publicant, però s'ha conservat un volum considerable de documentació relacionada amb el projecte editorial.
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Este libro se centra en la Semana Santa de Úbeda, Fiesta de Interés Turístico Nacional desde 1980. Explora su rico patrimonio escultórico, la influencia del Concilio de Trento (1545-1563) en la iconografía cristiana y la evolución de los temas pasionistas a lo largo de la historia. También analiza las bases literarias de las representaciones cristíferas y marianas. Además, estudia las imágenes titulares de las hermandades de la Semana Santa de Úbeda y las influencias en su creación. En resumen, esta obra ofrece una inmersión en la rica tradición iconográfica y artística de esta celebración.
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Mujeres de la Grecia mítica e histórica dejaron su huella en artes como la pintura y la escultura, asombrando a cuantos contemplaron sus creaciones. Muchas de ellas llegaron a tener sus propios talleres, al igual que los hombres, donde trabajaban en sus obras. La mayoría han quedado en el anonimato, pero de la mano de historiadores como Plinio el Viejo y otras fuentes históricas, es posible conocer la identidad de algunas artistas continuadoras de la labor de Penélope, una de las primeras tejedoras de la cultura helenística. Este libro, ilustrado con ejemplos de su arte, rescata del olvido a pintoras como Timarete, Irene, Calipso, Aristarete, Iaia y Olimpias y rinde homenaje a un colectivo, el femenino, maltratado habitualmente por la Historia del Arte.
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De entre todas las obras de Velázquez, Las hilanderas son, junto con Las meninas, aquellas que más bibliografía han generado. La causa hay que buscarla en su extraordinaria calidad, en la ambición y complejidad de sus composiciones, y en su capacidad para generar respuestas artísticas. Sin embargo, esa abundancia de acercamientos también ha sido propiciada por su ambigüedad, pues ofrecen importantes dificultades de lectura, lo que constituye todo un reto para quienes se acercan a ellas.
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Maravíllate con la belleza natural de nuestro frágil planeta y explora reinos imaginarios con extraños paisajes poblados de seres míticos.Una recopilación de sorprendentes imágenes de la serie World, el éxito de ventas de Kerby Rosanes, con piezas coloreadas por sus talentosos fans. Cada pieza coloreada va acompañada de consejos, trucos y comentarios de Kerby. En la sección de coloreado en blanco y negro aparecen las mismas obras de arte -junto con otras ilustraciones de toda la serie- que inspiran a los lectores a recrear por sí mismos los asombrosos efectos.Este título es la continuación de Mundo de color, y no se repite ninguna imagen de esa obra.
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Andy Warhol fue un incansable cronista de la vida y sus encuentros. Acompañado siempre de una cámara Polaroid, desde finales de la década de 1950 hasta su muerte en 1987 reunió una enorme colección de instantáneas de amigos, amantes, mecenas, famosos y desconocidos, pero también de paisajes, de todo aquello que estaba de moda y de sí mismo. Creado en colaboración con la Fundación Andy Warhol, este libro presenta más de 150 de esas imágenes espontáneas.Se incluyen retratos de famosos como Mick Jagger, Alfred Hitchcock, Jack Nicholson, Yves Saint Laurent, Pelé y Debbie Harry junto a imágenes del entorno de Warhol, de su lujosa vida y sus paisajes, así como bodegones de muñecas Cabbage Patch o sus emblemáticas latas de sopa. Las polaroids, a menudo sencillas e improvisadas, documentan la era de Warhol del mismo modo que hoy Instagram relata la nuestra. Un testimonio único de la vida, el mundo y la visión del maestro de arte pop y de la modernidad.© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
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Un libro de amplio alcance sobre la célebre artista visual, músico y activista por la paz Yoko Ono.Nacida en Tokio en 1933, Yoko Ono es una de las artistas vivas más importantes de la actualidad. En una carrera que abarca más de seis décadas, Ono ha experimentado con una amplia variedad de medios, incluida la música, el arte escénico y el cine.Más conocida como la autora del influyente libro Grapefruit y por su temprana participación en el movimiento artístico Fluxus a mediados de la década de 1960, el trabajo innovador de Ono ha influido en generaciones de artistas, así como su incesante campaña por la paz mundial.Laurie Anderson es una reconocida pionera creativa, conocida principalmente por su trabajo como compositora, artista visual, poeta y música. Eriko Osaka es directora del Centro Nacional de Arte de Tokio y exdirectora de la Trienal de Yokohama. Thierry Raspail es director artístico de la Bienal de Lyon y exdirector del Museo de Arte Contemporáneo de Lyon.
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La presente edición ofrece la lectura de todos los escritos de Picasso publicados en 1989, a los que se suman un gran número de obras inéditas descubiertas en la antigua colección de Dora Maar, en colecciones privadas y en las de los museos Picasso de París y Barcelona. Compuestos a lápiz negro, en color, en tinta china, en bolígrafo o incluso en rotulador, estos textos adornan papel de dibujo, papel de carta, reverso de sobres, tarjetas de invitación, trozos de periódico. Algunos incluso están grabados, iluminados, litografiados o pintados, elevados así al rango de obras de arte, pero resultan esenciales para la aprehensión y comprensión de su obra. La sencillez y la complejidad se combinan como en sus pinturas, sus dibujos o sus textos, como en una habitación de su apartamento o de su estudio, como en él mismo. Un volumen a color, ricamente ilustrado con obras y manuscritos, que, como un recorrido por el museo, permite sumergirnos en el corazón del proceso creativo de uno de los más grandes artistas del siglo XX.
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Lleva tus paisajes urbanos al siguiente nivel y aporta dinamismo al tono y colorido de tus creaciones de la mano de Sketch Club: Acuarela urbana. Con esta obra, el reconocido dibujante urbano Phil Dean nos acerca al manejo de la acuarela, los rotuladores y los lápices en exteriores. En los capítulos finales nos explica cómo aprovechar algunas técnicas esenciales, como la combinación del dibujo y la aguada y el espacio negativo, para crear unas escenas urbanas impresionantes.Con 15 ejercicios paso a paso, este libro te ayudará a perfeccionar tus habilidades de dibujo y pintura urbanos y a desarrollar un estilo personal e inconfundible.
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Animales, arquitectura arte y construcción. Un recorrido por las relaciones entre naturaleza y creación humana desde las construcciones biomiméticas.El objetivo de este libro es mostrar las relaciones que pueden existir entre las construcciones de los animales y el arte contemporáneo a través del análisis de aspectos funcionales y poéticos tanto en obras de arquitectura como en artistas plásticos. El desafío principal es trazar un mapa para cruzar las fronteras entre la creatividad humana y las soluciones en los distintos hábitats de los animales, sumando miradas, desde el arte y la ciencia ampliando nuestra noción de la estética y sugerir la unidad biológica del mundo.Dicho enfoque coincide con criterios que defiende el propio trabajo de la autora, Laura Lio, como artista plástica, con búsquedas que han estado muy presentes en sus dibujos y esculturas. En este estudio ha buscado desarrollar una mirada zoológica crítica con una constelación creativa e interdisciplinar que incluye perspectivas típicamente ignoradas por los estudios sobre animales: su relación con el arte y la arquitectura para así avanzar en una comprensión mayor de las imbricaciones humanas y animales.
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Aunque nos gustaría cartografiarlo de forma minuciosa, el cuerpo humano siempre se ha resistido a ofrecernos un mapa definitivo de sí mismo. Lo único que tenemos de él son retazos y jirones, invitaciones a la digresión y al ensueño. El ensayista Pablo Maurette y el artista Julio César Pérez se han embarcado en esa aventura cartográfica asumiendo de antemano la derrota de toda pretensión universal y han compuesto un atlas del cuerpo tan fragmentario como deslumbrante: un itinerario que se sirve de la historia de la ciencia y de la historia del arte, pero también del detalle y lo particular, de la anécdota prosaica, del asombro y la melancolía, para invitarnos a reflexionar sobre la materia de la que estamos hechos.
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El aclamado ilustrador y novelista gráfico Mark Crilley regresa con una nueva propuesta para aprender los elementos esenciales para hacer cómics. Sus instrucciones fáciles de seguir sobre el arte de hacer cómics, su diseño y cómo contar historias, proporcionan al aspirante a artista una experiencia de aprendizaje incomparable. En este libro conocerás a Emily, una joven y entusiasta fan de los cómics, que tiene una historia que necesita contar. En su intento por convertir esa historia en un cómic, Emily conocerá a tres mentoras que amablemente compartirán con ella sus conocimientos. Trudy, una estudiante de instituto que trabaja en la tienda de cómics del pueblo, enseñará a Emily cómo crear personajes expresivos y cómo transmitir acción y suspense. Madeline, una artista de manga que se autoedita, muestra a Emily cómo usar un panel de composición y diseño para contar visualmente una historia y cómo desarrollar un cómic desde el guion al bosquejo y las páginas terminadas. Sophie, novelista gráfica, guía a Emily por los intrincados detalles de los diálogos y las secuencias para conducir al lector a través de la historia. Página a página, descubrirás los acontecimientos que llevan a Emily a crear su cómic, mientras sus mentoras le enseñan (y a ti también) los elementos esenciales de la narrativa visual y el arte del cómic. Cada lección se basa en la anterior, guiándote a través de los pasos necesarios para planificar y crear tu cómic, con ejercicios complementarios para ir practicando.
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Los escritos de Julius Meier-Graefe sobre impresionismo y postimpresionismo, así como sobre el arte de las generaciones inmediatamente anteriores y posteriores, fueron claves para comprender y asegurar el éxito duradero de estos movimientos. Entre sus aportaciones más destacadas y originales están estos dos textos sobre Auguste Rodin y Medardo Rosso, casi contemporáneos y representantes de lo que Meier-Grafe denomina ''el impresionismo en la escultura''. A Rosso lo llama ''el Mefisto de la escultura'', un calificativo que parece indicar que sus tendencias lo llevan más allá de las limitaciones propias de su arte. Lo mismo podría decirse de Rodin quien, según Meier-Graefe, desatiende las leyes eternas de la escultura más que ninguno de sus predecesores. Las percepciones del autor sobre uno ayudan a esclarecer aquellas que expone sobre el otro, y viceversa. Leídos juntos, estos dos textos conforman un tratado informal sobre lo que sería la escultura impresionista, y leerlos con la perspectiva de la producción escultórica del siglo XX es una invitación a volver sobre la pregunta que se formula en uno de ellos: ¿qué va a ser de la escultura entre todas estas intenciones y hechos?
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Estimada COLLSEROLA
Durant un any, l'il·lustrador Raúl Deamo ha recorregut aquest verd territori. Ha trepitjat els seus corriols i pistes i s'ha endinsat pels boscos fins a arribar a turons, pantans, horts, masies, ermites i paratges naturals de gran bellesa. Sempre amb la llibreta i els estris de dibuix a mà per intentar captar els llocs, els moments i les persones que habiten, treballen o venen a gaudir de Collserola. ''Una serralada que cal redescobrir, perquè Collserola, almenys a mi, mai no em deixa de sorprendre.''
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La asombrosa culminación del proyecto de más de una década del autor / artista para capturar la belleza, conmemorar un lugar y ver el mundo más plenamente.Todos los días (cada día) durante más de diez años, Mary Jo Hoffman ha realizado una fotografía de la naturaleza encontrada, ningún tema demasiado pequeño ni demasiado ordinario. Para Hoffman, ex ingeniera aeronáutica, este ritual diario abrió profundas revelaciones sobre la conexión de todas las cosas, la importancia del lugar geográfico y su propia vida.Este libro comparte una selección de impresionantes fotografías del enorme archivo de Hoffman, acompañadas de ensayos perspicaces, profundamente sentidos y, a menudo, humorísticos, que iluminan los conocimientos adquiridos a través de esta práctica creativa diaria.STILL presenta 275 de las fotografías más impresionantes que la artista ha acumulado durante miles de días consecutivos de tomas diarias: un verdadero festín para los sentidos y un interesante comienzo para la reflexión.
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Una biografía del color más misterioso, evocador y singular de todo el espectro cromático.«El azul siempre ha sido mi color preferido». A partir de esta simple premisa, Daniel Entrialgo explora cómo este color pasó de ser una rareza ignorada a convertirse en la tonalidad favorita de la sociedad moderna (más de un 40 por ciento de la población lo elige como su favorito), y se sirve para ello del mundo del cine, la historia, la literatura o el arte. Y es que el azul, el color que conquista a Occidente, tiene una historia tan curiosa como inesperada: aunque hoy lo asociamos con elegancia y serenidad, no siempre fue así. Los antiguos griegos, por ejemplo, ni siquiera lo reconocían como un color propio.
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He aquí un libro que es un desnudo integral, tanto físico como emocional, acompañado de multitud de fragmentos de cuerpos que han inspirado al autor a lo largo de su vida.El libro se propone como un cuadernos de dibujo en el que se plasma la belleza del cuerpo humano.Disfruten del recorrido sin esperar algo escrito, que no sólo se lee en las palabras sino en los cuerpos que nos sugieren belleza porque ya la contienen y no pueden dejar de desprender pura poesía.
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Para conmemorar el 500 aniversario de la muerte de Leonardo hemos editado este cuidado ART BOOK que incluye una selección de 200 dibujos de Leonardo da Vinci, conservados en la Royal Collection Trust. Encontrará una amplia variedad de dibujos a color y en alta definición, entre los cuales: Figura humana y anatomía Botánica Mecánica e ingeniería Meditaciones sobre belleza Arquitectura Estudio de vestimentas Grotescos Estudios sobre escultura Sólo una parte de sus dibujos está relacionada con sus proyectos artísticos, el resto representa su intento de entender una infinita variedad de experiencias que reflejan su laboratorio privado.
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En este catálogo destaca la diversidad de materiales y técnicas que el artista exploró a lo largo de su carrera. Cada pieza es un testimonio de su búsqueda incansable por entender y expresar la relación entre el espacio, la materia y el tiempo. En las décadas de los ochenta y noventa, las obras de Eduardo Chillida se transformaron a través de su diálogo con la arquitectura, un intercambio que marcó su evolución artística y dejó una huella indeleble en su legado.
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Tras dos importantes exposiciones en 2022 en la Galería Álvaro Alcázar de Madrid con Proyecto para una isla y en la Galería Pelaires de Palma de Mallorca con De sal y ceniza, el artista de la mano del comisario y crítico de arte Iván de la Nuez desarrollan este proyecto editorial en el que se recogen las últimas series de la obra de Nadal. Guillem Nadal consigue que sus cuadros adquieran consistencia de escultura y su pintura tome el aspecto de la materia prima, piezas mixtas que hablan de islas, cráneos y naufragios creando un sistema de señales, un arte de la supervivencia en el que hace uso de los utensilios que le presta la naturaleza. Piezas que están entre el límite del naufragio o del fracaso, de llevarse a cabo o no, pero que a su vez tienen su propia identidad.
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