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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Kawaii es un estilo artístico japonés que podrás usar para hacer adorables dibujos de diferentes especies animales. Esta guía contiene: - Una introducción sobre diversos materiales y técnicas - Proyectos de animales kawaii con instrucciones paso a paso - Láminas de dibujo para que crees tus propias obras de arte
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Kawaii es un estilo artístico japonés que podrás usar para hacer adorables dibujos de diferentes personajes. Esta guía contiene: - Una introducción sobre diversos materiales y técnicas - Proyectos de diversos personajes kawaii con instrucciones paso a paso - Láminas de dibujo para que crees tus propias obras de arte
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En este nuevo libro, la popular acuarelista y profesora de arte Ana Victoria Calderón amplía nuestros horizontes creativos mostrándonos cómo crear una amplia variedad de texturas para dotar de contexto y profundidad nuestras obras. Desde sencillas líneas o puntos hasta salpicaduras espontáneas o patrones, a través de tutoriales paso a paso y retos creativos, en este manual las texturas se convierten en un elemento clave de nuestras creaciones en acuarela.
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Estrategias de su enseñanza en el siglo XX.
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El presente volumen, que constituye al mismo tiempo una historia general y un ensayo crítico sobre el desarrollo y desarrollos del arte moderno, desde el clasicismo y el romanticismo francés hasta los años ochenta, se articula materialmente sobre dos grandes ejes: una síntesis histórica por períodos, con atención a las corrientes y problemas centrales que los conforman, y un análisis pormenorizado de ciertas obras representativas de los artistas. Con este doble esfuerzo complementario Giulio Garlo Argan, uno de los mayores eruditos y pensadores -en materia de arte- de nuestro siglo, logra estructurar un modelo coherente en el que el debate sobre los problemas estéticos de nuestro tiempo constituye n un verdadero sistema conceptual.
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Yoai, la conocida artista de Instagram, ha vuelto para enseñarte no uno, sino dos populares estilos de dibujo japonés. Un recurso habitual en el anime y el manga es convertir a los personajes en su versión chibi como contrapunto cómico, especialmente cuando expresan emociones. En Dibuja anime y chibis, Yoai te enseña a crear sus característicos y simpáticos personajes de anime y sus versiones chibi, tanto las nociones básicas para dibujar el cuerpo, la pose y los rasgos faciales como técnicas para diseñar la ropa y el pelo.Con los 20 tutoriales de nivel básico, intermedio y avanzado, aprenderás a dibujar paso a paso del modo tradicional —utilizando lápiz y pluma y coloreando con rotuladores y lápices de colores— y digitalmente, con programas de dibujo estándar.E incluso podrás ir un paso más allá y combinar ambos medios. Gracias a los abundantes consejos y técnicas de dibujo, así como a la inspiradora galería y las páginas para colorear, pronto estarás llenando tus cuadernos, artículos de papelería e ilustraciones con tu propio universo de personajes anime y chibi.Dibuja anime y chibis: ¡el curso que estabas esperando!
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El trabajo de Rodríguez-Méndez nace del lenguaje de la escultura, desde donde ha evolucionado en direcciones que lo vinculan con la materialidad, la semántica, la temporalidad o la fisicidad, configurando un cuerpo de obra escurridizo, difícilmente clasificable y altamente sugerente, que ha ido desmaterializándose a lo largo de casi treinta años hasta un punto en que la ausencia, la oquedad o lo omitido hallan estructura para reivindicarse, erigirse y sostenerse. Humores y Espesores se configura mediante una doble vía: por una parte, articula un recorrido sucinto a su ya extensa carrera como artista, por otra, aporta una selección de series fotográficas, instalaciones o acciones de reciente creación, algunas de ellas inéditas hasta la fecha.Humores y Espesores confirma la relevancia de un cuerpo de obra que se ha materializado en instalaciones planteadas desde un rigor y un entendimiento del espacio poco habituales, de trabajos específicos que han condicionado durante largos periodos su día a día y el de su estudio, o de series alargadas durante más de una década, que han convivido con el desarrollo de otras y que han abierto nuevas vías de investigación, siempre desde el lenguaje escultórico, que es al que el artista consagra su práctica, sea cual sea el modo en que cobra forma.
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Con dos libros de instrucciones y un fabuloso kit de iniciación, esta caja constituye una guía completa del arte del dibujo. Explora una amplia gama de técnicas con estudios especialmente diseñados para que practiques, desarrolles tus habilidades y crees tus propias obras de arte. Con consejos prácticos y sencillos sobre cómo elegir los materiales, dar forma a tus composiciones y preparar bocetos iniciales, el Kit completo de dibujo te ofrece todo lo que necesitas para dibujar con confianza y precisión en unas pocas semanas.1. El kit de iniciación incluye: Cuatro lápices de diferentedureza Cuatro lápices de coloresUn carboncilloPlumaTinta negra Goma de borrar2. El Libro de técnicas ofrece una sólida formación preliminar sobre habilidades básicas de dibujo. Desde cómo elegir un medio, preparar un tema y dominar técnicas, hasta aprender a crear composiciones dinámicas, en sus páginas encontrarás todo lo necesario para trabajar con confianza.3. El Libro de proyectos presenta ejemplos prácticos paso a paso, que incluyen los temas más populares del dibujo paisajes, naturalezas muertas, retratos, animales y arquitectura. De este modo aprenderás mientras dibujas, y darás los primeros pasos hacia el desarrollo de tu estilo personal.
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El objeto de este libro es proporcionar ayuda teórica y práctica a todos los que deseéis dibujar y aprender la maravillosa naturaleza del propio dibujo. Analizaremos las ventajas de los materiales y equipos que vamos a utilizar y la superficie sobre la cual trabajaremos. Indagaremos en las características de la línea, el tono, la textura y el color. Aprenderemos a contemplar la naturaleza para verla con más claridad y percepción, y poder expresar nuestra respuesta de un modo propio e individual. Lo creáis o no, todos hemos dibujado alguna vez. El dibujo es un lenguaje precursor de la lectura y escritura. Antes de aprender a leer, a escribir y conocer la aritmética todos hemos dibujado sin que nadie nos enseñara. Una vez empezasteis esta aventura, quizás la pausa entre aquel momento y éste sea más larga de lo conveniente, pero ahora vais a continuar donde lo dejasteis. Como el niño que una vez fuisteis, otra vez tenéis que dejaros cautivar, libraros de las inhibiciones y llenaros de asombro en esta emocionante aventura.
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La autora muestra, mediante ejemplos prácticos y detalladas explicaciones paso a paso, las posibilidades creativas de pintar con acrílicos, aplicando técnicas empleadas habitualmente en la acuarela y en el óleo, adaptándolas a las características propias de este versátil material pictórico.
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Guia práctica que enseña a pintar hermosos cielos, bosques con textura , campos, ríos y suaves reflejos, a través de mas de 60 fotografias paso a paso y de numerosas pinturas llenas de inspiración. Desarrolla técnicas sencillas a través de una serie de demostraciones que muestran el modo de captar la luz y el ambiente. Incluye: - Cómo pintar el color. - Pintar cielos. - Pintar primeros planos. - Pintar árboles. - Pintar agua. - Incluir figuras y construcciones.
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A raíz del vigesimoquinto aniversario de la mítica serie de animación televisiva Futurama, Matt Groening, su creador (así como de Los Simpsons o de Desencanto), nos presenta aquí los entresijos del desarrollo y la historia de la serie.El mundo de Futurama cobra vida en este libro de arte, con comentarios del creador de la serie, Matt Groening, así como del guionista David X. Cohen y de la productora Claudia Katz.Justo a tiempo para celebrar sus 25 años (el primer episodio en España se emitió en la televisión el 29 de mayo del año 2000), y coincidiendo con su nueva temporada, este libro, el único que existe sobre Futurama, examina las primeras siete temporadas de la serie, que empezó en Fox en 1999. Los lectores podrán saber más del desarrollo y la historia visual de los 150 episodios, incluye además un montón de contenido nuevo, bocetos, dibujos nunca mostrados antes, y una guía completa de episodios.Futurama es una de las mejores series de animación de todos los tiempos. Este libro es su legado visual, imprescindible para cualquier aficionado a la animación y la ciencia-ficción.
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Durante más de cuatro décadas, Craig Bergmann ha sido reconocido por entrelazar diseño, horticultura y arquitectura, estableciendo un verdadero diálogo entre el jardín y el sitio arquitectónico. Reverenciado como un amante de las plantas, Bergmann superpone sus diseños con flores vibrantes y follaje texturizado.The Art of Fine Gardening presenta veinte jardines que abarcan su carrera y están ubicados en la costa norte de Chicago. Se dedica un capítulo especial a Gardens at 900, la finca histórica diseñada por el arquitecto David Adler, que desarrolló y reinventó como una serie de exuberantes jardines privados con setos, imponentes topiarios, bordes perennes e intercalados con figuras y adornos clásicos.Con impresionantes imágenes de jardines del destacado fotógrafo Scott Shigley y textos escritos por Bergmann, el libro describe todos los jardines con su propia voz (una voz de verdadera experiencia) y ofrece anécdotas y consejos prácticos a los jardineros.
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La historia del arte de la Antigüedad que me he propuesto no es una mera narración de los periodos y las transformaciones que aquél experimentó, puesto que tomo la palabra historia en el sentido, más amplio, que ésta tiene en la lengua griega, y mi intención no es otra que ofrecer el ensayo de una construcción teórica.' Con estas palabras inicia Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) la que puede considerarse como obra fundacional de la Historia del arte como disciplina académica, cuya primera edición vio la luz en 1764. En sus páginas aborda el arte de egipcios, griegos y romanos, describe piezas, corrige dataciones y atribuciones, pero no se limita a la simple acumulación erudita de datos, sino que, por encima de todo, busca establecer un sistema que permita una explicación coherente del conjunto, y para ello somete a crítica las fuentes, considera que es fundamental experimentar las obras en primera persona, une la producción artística a las circunstancias históricas, en suma, trata de mostrar «la esencia y la interioridad del arte», lo que, a pesar del tiempo transcurrido desde su publicación, sigue estando plenamente vigente. Un texto de obligada lectura para toda persona que aspire a ser historiador del arte.
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El kit completo de caligrafía guía al lector desde las técnicas más básicas hasta las técnicas caligráficas más modernas interpretadas como arte, por lo que constituye una ayuda inestimable para todos los aspirantes a calígrafos. Los métodos de aprendizaje de caligrafía son realmente dinámicos e innovadores e incluyen sencillas instrucciones para personalizar los alfabetos clásicos y lograr con ellos su obra perfecta. También se ofrecen consejos para decidir qué tipo de letra es la más adecuada para el texto elegido. Los proyectos abarcan obras de dos y tres dimensiones, desde obras extremadamente personales, hasta otras comerciales, pasando por libros en forma de acordeón, obras enmarcadas, artículos de regalos, cajas de decoración, letras iluminadas, obras para colgar de la pares, sobres, diseños de logotipos, poemas, sobrecubiertas para libros, tarjetas individualizadas para indicar posición en una mesa, cartas de menú e invitaciones.
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Todo lo que necesita saber para convertirse en artista. Consejos y ejemplos prácticos para dar vida a sus dibujos. Materiales y técnicas, proyectos y galerías.
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Este kit, formado por dos manuales de instrucciones y un juego de materiales para principiantes, constituye una completa guía sobre el arte del dibujo con pasteles. Explore una amplia variedad de técnicas, especialmente diseñadas para ayudarle a mejorar la suya y crear sus propias obras. Con el Kit completo de pastel podrá, gracias a los exhaustivos consejos prácticos sobre los materiales y la creación de composiciones, más una colorida selección de proyectos, mezclar colores y realizar estupendas obras de arte en cuestión de semanas.El kit de materiales para principiantes contiene:-12 pasteles de colores-5 lápices de pastel-1 lápiz de dibujo-1 difumino-1 borradorEl libro Técnicas proporciona los fundamentos para desarrollar habilidades básicas de dibujo. Aquí encontrará todo lo que necesita para comenzar, desde la preparación del tema de dibujo y el dominio de diferentes técnicas hasta la creación de composiciones dinámicas.El libro Proyectos consta de proyectos bien explicados y con instrucciones paso a paso. Abarca todos los temas de dibujo más comunes, como los paisajes, los bodegones, los retratos y la arquitectura. Desde los bocetos preparatorios hasta los dibujos finales, irá ganando confianza paulatinamente hasta desarrollar su propio estilo.
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Dedicado a algunas de las artistas del street art más importantes de la escena contemporánea, este libro pretende ser un viaje de descubrimiento a través de los universos infinitos de estas artistas que, con determinación y coraje, han buscado su lugar en el mundo, un lugar desde el que se hacen escuchar con voces altas y claras. Una maravillosa aventura a través de los universos infinitos de mujeres artistas, que representan la humanidad misma como el ciclo imparable de la naturaleza. Ejemplos de cómo florecen nuevas comunidades de mujeres en todo el mundo, de personas que están cansadas de ser invisibles, que ya no tienen miedo de hacer oír sus voces, que se apoyan unas a otras en lo que solo se puede describir como el principio de un verdadero Renacimiento de la mujer. El street art, arte urbano o arte callejero ha dejado de ser un club exclusivo para hombres. La espera ha sido larga, pero el momento ha llegado. Numerosas artistas de gran talento, en todo el mundo, se abren camino hacia la primera línea.
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En este libro analizamos y acercamos al lector la obra dispersa por todo el mundo del enigmático artista británico que convierte el entorno urbano en su lienzo, revolucionando el mundo del arte con su estilo único y provocador. Conjuga con maestría el estarcido y el grafiti tradicional para crear imágenes cargadas de mensajes políticos y sociales, cargadas de ironía y humor negro, siempre a favor de los más débiles. Su obra invita a la reflexión y al desafío de las convenciones. El anonimato potencia su aura de misterio, contribuyendo a que sus transgresores mensajes resuenen en todo el mundo.
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El segundo libro de la serie bestseller La paleta perfecta, volumen 2, Lauren Wager hace un nuevo acercamiento a las combinaciones de colores con paletas de colores completamente nuevas, organizadas por estaciones del año. En La paleta perfecta vol.2 la diseñadora y autora bestseller Lauren Wager, explora las múltiples posibilidades de las aplicaciones del color por estaciones, dirigiendo al lector hacia una presentación inspiracional de imágenes evocadoras y combinaciones de colores. La presentación de la paleta de colores es dinámica y fresca, y permite al lector apreciar el juego que ocurre cuando los colores se combinan en primer plano y en segundo plano o cuando se encuentran próximos o lejos los unos de los otros. Se trata de un enfoque diferente a las paletas de color del volumen 1, pero sigue manteniendo las referencias a los valores RGB y CMYK para los que quieran adaptar los colores para web o para impresión. Este volumen –a la vez una guía práctica y una herramienta creativa de inspiración para diseñadores, ilustradores, arquitectos, artesanos, además de aficionados a la decoración interior y la moda y las manualidades, sean o no profesionales– proporciona ejemplos de aplicación de colores en los ámbitos del arte contemporáneo, de la moda, la decoración de interiores, la fotografía y el diseño gráfico. Se trata de una colección de combinaciones de colores sorprendentes, con estilo y con éxito asegurado.
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¿Quiere descubrir el significado de la pintura prehistórica? ¿Descifrar los jeroglíficos egipcios y admirar los frescos conservados por las cenizas del Vesubio en la Villa de los Misterios de la antigua Pompeya? ¿Iniciar un viaje por las obras más intrigantes del Renacimiento, el Barroco y los siglos XIX y XX? ¿Desvelar los secretos de La Gioconda, La Virgen de las Rocas, El caballero de la mano en el pecho, la Capilla Sixtina y las pinturas de Rafael o Tiziano, entre otras célebres obras? Estas páginas lo llevarán también a la fascinante pintura del Siglo de Oro, desde clásicos como La Venus del espejo o Las meninas hasta el mundo macabro de Valdés Leal. Descubriremos los misterios del Renacimiento en el pincel de los grandes maestros del norte de Europa: Los esposos Arnolfini de Jan van Eyck, La dama de la perla de Vermeer, Los embajadores de Holbein el Joven, Los proverbios flamencos de Brueghel y sus refranes ocultos. Nos sorprenderán la fantasía presurrealista de la última etapa de Goya, las creaciones de los llamados artistas malditos, como el rebelde Caravaggio, o las obras magistrales de Van Gogh, Francis Bacon, Frida Kahlo, Modigliani y Jackson Pollock. Enigmas aún sin resolver se ocultan en cuadros oníricos como La pesadilla del suizo Füssli, Et in Arcadia ego del clasicista francés Poussin o El almuerzo sobre la hierba del impresionista Manet. También exploraremos posibles viajes en el tiempo y a los llamados pintores sensoriales. A lo largo de la historia, el arte ha transmitido, a menudo de manera velada, mensajes secretos. Los artistas, ante todo intelectuales –incluso los autodidactas–, utilizaron el pincel no solo para plasmar la perfección de un cuadro o una escultura, sino también para comunicar sentimientos, emociones, reflexiones filosóficas, proporciones matemáticas y reivindicaciones ideológicas. Estas se ponían al servicio del poder político, religioso o de la clientela, pero siempre con el sello personal de su época. Una obra necesaria como método y guía para desentrañar los enigmas que ocultan los grandes maestros del arte. Una obra necesaria como método y guía para desentrañar los enigmas que ocultan los grandes maestros del arte.
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Planting Fields es una casa de campo inglesa transportada a la costa norte de Long Island, a unos 48 kilómetros/30 millas al este de Manhattan. Esta lujosa mansión de estilo Tudor, que alguna vez fue el hogar de William R. Coe, presidente de Johnson & Higgins, y su esposa, Mai, heredera de la fortuna de Standard Oil, se encuentra en un paisaje de 400 acres de césped ondulado, jardines formales y bosques.Ahora abierto al público como Parque Histórico del Estado de Nueva York, Planting Fields figura en el Registro Nacional de Lugares Históricos, y sus céspedes y jardines atraen a más de 250.000 visitantes al año y albergan reuniones informales y celebraciones.Este nuevo libro cuenta la historia de Planting Fields a través de impresionantes fotografías nuevas de David Almeida, imágenes históricas y bocetos y planos de los hermanos Olmsted que capturan el espíritu de este raro superviviente de la era Country Place. Una convincente introducción del destacado historiador Witold Rybczynski explora a los diseñadores que le dieron forma y a las familias que vivieron allí, y ensayos adicionales examinan la historia del sitio y el desplazamiento de los pueblos indígenas, además de esbozar el plan futuro para la sostenibilidad y la resiliencia en la restauración del paisaje
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A lo largo de la historia del arte, los períodos de transición se hancaracterizado siempre por un notable incremento en la producción teóricade los artistas, cuyos argumentos se convertían así en una de lasfuentes más seguras para explicar el porqué de esas crisis, sus orígenesy su proceso de desarrollo. La ruptura con los sistemas derepresentación tradicionales que en torno a 1900 emprende la vanguardiaartística constituye, por la brusquedad y radicalidad con que se llevó acabo, un magnífico ejemplo: manifiestos, cartas, declaraciones,panfletos, tratados y testimonios de todo tipo pretender dar cuenta delas razones que animaban a sus ejecutores, y esgrimen los argumentos conque las distintas facciones de la vanguardía histórica se opusieronentre sí o establecieron alianzas frente a enemigos comunes. Explicar ycombatir son los dos objetivos principales que la vanguardia persigue ensus escritos. escritos que día a día nos van descubriendo aspectos malconocidos o prácticamente ignorados de la historia del arte moderno,pues esos mismos escritos son también día a día rescatados del olvido enque estaban. No hace apenas diez o quince años, el número de manifiestosy textos programáticos de la primera vanguardia, recogido y difundidopor las antologías al uso, era todavía muy restringido. hoy, por elcontrario, las reediciones de libros y revistas que habían llegado a serauténticas rarezas bibliográficas, así como la historiografía artísticamás reciente, han puesto ya a nuestro alcance un volumen casidesmesurado de documentos, donde resulta fácil perderse.
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Como muchos grandes pintores del siglo xix, Ingres escribía sobre el arte. Lo hacía en cuadernos desordenados, en borradores de cartas de negocios, en cuentas de gastos, en papelotes dispersos en medio de otros papeles, pero que juntos conforman una de las obras sobre estética más significativas de la modernidad. Fue su alumno Henri Delaborde quien recogió, en 1870, los pensamientos dejados por el maestro, de los que esta edición destila su quintaesencia. Procedentes, pues, de fuentes diversas, y sin embargo singularmente coherentes, en ellos nace una reflexión sobre el arte que tiene en igual medida el sentido de la eternidad y el sentimiento de la vida, el eco del lenguaje confidencial y la vocación de lo absoluto. No estamos frente a un tratado o a una obra sistemática, sino frente a una suerte de aforismos que capturan una intuición, ante reflexiones sobre la pintura desarrolladas en medio de los alumnos, mientras se mueve entre los caballetes, da explicaciones delante del modelo y corrige los trabajos. Sin embargo, pocas páginas están recorridas como éstas por tal tensión metafísica, con un Ingres al margen de los clichés, que hace un elogio de la pureza de la línea, pero también de la emoción en pintura, una mística de lo Bello, que nos habla no del arte de su tiempo, sino del arte atemporal y sin etiquetas, del arte que es «eterno y único», como única y eterna es la belleza de la naturaleza.
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Segunda edición de un libro que invita a sumergirse en las sorprendentes ruinas de esta espléndida ciudad romana.• De gran valor documental y artístico, este lujoso volumen hará las delicias de los amantes del arte clásico, la historia y la antropología.Una soberbia colección de imágenes, realizadas por uno de los mejores fotógrafos de arqueología de Italia, para disfrutar de la innegable magia de la ciudad de Pompeya.Este proyecto fotográfico dedicado a los excepcionales interiores de las viviendas pompeyanas, nació durante la época de la pandemia, cuando la ciudad estaba cerrada al público.En esta extraordinaria situación de aislamiento, Luigi Spina vivió en Pompeya y haciendo uso de la luz natural, captó los coloridos matices y escenas de la Roma clásica.
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'El sí de las niñas'' es la obra teatral más importante de Leandro Fernández de Moratín, así como una de las piezas más destacadas del teatro neoclásico español. Estrenada con gran éxito de público en 1805, presenta de manera sensible y moderna las profundas injusticias subyacentes a la imposición a las hijos del matrimonio por parte de sus padres, costumbre muy extendida en su época y que tendía a beneficiar, frente a los matrimonios por amor, los enlaces por interés.
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Si alguna vez te has embarcado en un proceso creativo, muy probablemente te hayas topado con dudas, miedo ante la página en blanco, sensación de fracaso, el peso de las convenciones… Se trata de factores tremendamente bloqueantes, forjados y anclados en nuestra mente, que no hacen más que entorpecer nuestro fluir creativo.A través de distintas anécdotas y experiencias del mundo del arte, la filosofía, la naturaleza y la neurociencia, el experto en creatividad Richard Holman nos ayuda a detectar y entender cada uno de nuestros demonios creativos y a construir una armadura mental para hacerles frente. Leonardo da Vinci, Marina Abramović, J. K. Rowling, el Dr. Seuss o Herbie Hancock nos acompañan en este camino, un proceso de aprendizaje y autoconocimiento que tiene un solo objetivo: decir adiós a tus demonios.
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«¿Has besado alguna vez la bandera nacional?».En 2008 la economía y las principales instituciones del país estuvieron al borde del colapso. A raíz de ese proceso, una serie de artistas pusieron el foco sobre la cultura oficial española (el himno y la bandera, los toros, las fiestas católicas, el folclore o el 12 de octubre).La crisis de 2008 dio al traste, entre otras cosas, con la promesa de felicidad nacional instituida durante la Transición. Se ha analizado mucho lo que supuso el colapso de la economía y el abismo al que se asomó el aparato del Estado, pero faltaba la tercera pata: el resquebrajamiento de la cultura oficial española. El entramado que conforman el himno y la bandera, los toros, las fiestas católicas, el folclore o el 12 de octubre, y que parecía patrimonio de las fuerzas conservadoras hasta que pasado al dominio público gracias a la reapropiación queer que han llevado a cabo los artistas de la España rarita. Rosalía, C. Tangana, Niño de Elche, Rodrigo Cuevas, Samantha Hudson, los Javis, María Arnal o Palomo Spain son algunos de los creadores que han venido dando la batalla simbólica por ampliar la noción de comunidad y hacer mucho más diversos los imaginarios de lo español.En estas páginas Daniel Valtueña dibuja un mapa de la efervescencia social de aquellos años al tiempo que desliza una crítica al 15M, por haberse erigido en el centro de una memoria sentimental e ideológica que ha opacado otros fenómenos culturales. A continuación, afirma el poder de la cultura, en su dimensión más perversa y en la más transgresora: por un lado, su inmensa utilidad en manos de la oficialidad como cortina, por otro, su capacidad para rasgar esa misma cortina, tomarle las medidas al poder y exponer su miserable condición.
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El arte japonés del sumi-e es la técnica que utiliza la pintura zen para expresar el mundo interior. Su práctica implica una actitud consciente que sosiega la mente, permite encontrar un espacio para la calma, la creatividad y la sensibilidad, y reflejar la constante transformación de nuestra naturaleza vital. Este libro, con un lenguaje sencillo y poético, nos ofrece una clara visión de los principales aspectos de la pintura zen y del método del sumi-e. En sus páginas se describen detalladamente los materiales utilizados (tinta sólida, tinteros de piedra, pinceles de bambú y papeles de fibras) y nos enseña las diferentes pinceladas y técnicas particulares de los cuatro honorables caballeros: el bambú, el ciruelo, el crisantemo y la orquídea silvestre, con la noble finalidad de encontrar un camino para expresar nuestra creatividad, disfrutando de la espontaneidad y la fluidez al pintar.
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El acrílico es sin duda el medio pictórico más versátil de cuantos existen, no en vano es capaz de imitar con excelentes resultados cualquier otro medio, textura o efecto plástico. En manos de un artista profesional, se convierte en un poderoso instrumento que se adapta a cualquier técnica y estilo, avalado por su fácil manejo, una gran pureza de colores y un rápido secado. Por estas razones, muchos principiantes eligen el acrílico para familiarizarse y disfrutar con este medio, explicado a partir de ejercicios didácticos, trucos básicos y consejos prácticos.
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Quinientos años después de su muerte, este volumen de preciosa factura y gran formato recorre la vida y obra de Rafael. Destaca no solo el extraordinario genio artístico, sino también aspectos menos conocidos de la personalidad del gran maestro, quien demostró habilidades empresariales sorprendentemente modernas en su carrera: desde la gestión de una red variada de colaboradores hasta el uso de herramientas de marketing pioneras. De hecho, se dedica un capítulo entero a los grabados que utilizaba Rafael para promocionar sus obras. Un punto de vista original sobre un genio indiscutible, que se convirtió en todo un referente para los artistas de los siglos posteriores.
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A lo largo de una fructífera vida consagrada al arte, Joaquín Sorolla forjó un estilo propio, lleno de luz, color, incluso sabor. Pero en su vasta obra también abordó estilos con los que habitualmente no se le identifica, como el costumbrismo, el modernismo o la pintura social, e incluso realizó una importante obra en tonalidades oscuras. Triunfó en Roma, París o Nueva York y recorrió España para pintar sus rincones y sus gentes. A los cien años de su muerte, su obra sigue muy vigente. Con el ritmo de una novela de intriga y el estilo de un narrador con voz propia, Sorolla en 30 claves muestra el perfil humano y revindica la riqueza artística de este singular pintor. El libro se ilustra con una selección de las obras de Sorolla, así como con obras de precursores, coetáneos o admiradores del artista, y otras imágenes variadas (desde los lugares en que vivió hasta objetos de la época) que en su conjunto contextualizan y ofrecen una cuidada edición.
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Chelo Matesanz protagoniza la sexta entrega de la serie La Colección del Centro vista por los artistas, en una nueva etapa que va más allá del marco específicamente granadino. Creadora con una trayectoria bien consolidada, profundiza aquí en su original deconstrucción del expresionismo abstracto, enriqueciendo y actualizando su imaginario gracias a una serie de claves entre las que sobresale la ironía e incluso el humor, a la vez que homenajea a sus referentes. Entre ellos destaca José Guerrero, por el que ha sentido gran admiración y al que ha regresado ahora para hablar con él en un enriquecedor diálogo plástico. La obra de ambos artistas y su puesta en sala queda documentada con abundantes fotografías, acompañadas en la parte central del volumen por una aproximación literaria de Chelo Matesanz y sendos ensayos de Juan Carlos Román y Ángel Cerviño, comisario de la muestra.
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Un libro de fotografías, dibujos y escritos profundamente personales y exuberantes, Blue Violet es la celebración de Cig Harvey del mundo natural y los sentidos.Blue Violet es una meditación vibrante sobre la procesión de las estaciones, la abundancia sensorial y la magia de la vida cotidiana. En parte libro de arte, guía botánica, enciclopedia histórica y colección de poesía, Blue Violet es un compendio de belleza, color y sentidos. Las plantas, las flores y nuestra experiencia del mundo natural son los hilos que unen este libro único.Explorando los cinco sentidos, Blue Violet lleva al lector a un viaje personal a través de la naturaleza y la gama de emociones humanas. Al igual que con sus tres títulos anteriores: You Look At Me Like An Emergency, Gardening at Night, y You an Orchestra You a Bomb -, este libro invita al lector a hacer una pausa, reír, llorar, crear y ser más consciente del mundo natural.Las imágenes y el texto en una variedad de formas (poesía en prosa, recetas, listas, trabajos de investigación, diagramas) se centran en la experiencia inmediata para comprender la vitalidad de los sentidos en la memoria y los sentimientos.Cig Harvey es una artista que utiliza imágenes y lenguaje para explorar la experiencia sensorial y elevar lo cotidiano. Rica en narrativa implícita, profundamente arraigada en el mundo natural, su obra está dedicada al tema de qué es sentir.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Sigmar Polke. Afinidades desveladas, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 26 de noviembre de 2024 y el 16 de marzo de 2025.Las reflexiones sobre la pintura han sido una obsesión a lo largo de la historia tanto para los artistas como para los historiadores de arte. La obra de Sigmar Polke, artista alemán considerado como uno de los pintores más influyentes de la posguerra, se centra en la reflexión y la revalorización del arte pictórico, esencial en su aproximación creativa. Esta se concreta en términos de experiencia, de exploración y de azar, y potencia la mezcla imprevista de imágenes y materia, así como su superposición utilizando cualquier medio técnico.La relación entre Polke y la figura y la obra de Francisco de Goya es el trasfondo de esta exposición y del catálogo que la acompaña. El medio centenar de obras mostradas revela un conjunto heterogéneo de paralelismos entre ambos creadores, una conexión atemporal entre sus temas y su factura. Desde el encuentro de Polke en 1982 con la pintura del maestro aragonés Las viejas o El Tiempo, en el Palais des Beaux-Arts de Lille, las consecuencias sobre su obra se sucedieron con rapidez, afectando tanto a los motivos como a la técnica y los criterios compositivos.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, Madrid, del 30 mayo al 27 de agosto de 2023.Nacido en Brooklyn en 1922, Louis Stettner comenzó a hacer fotos siendo un adolescente en la década de 1930, y dedicó casi ochenta años de su vida a la fotografía. Tras prestar servicio en el Pacífico como fotógrafo para el ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a París en 1947. A lo largo de su vida, alternó la residencia durante largos periodos en Francia y Estados Unidos antes de establecerse definitivamente en París desde 1990 hasta su muerte, en 2016.A caballo entre estas dos culturas, la obra de Stettner incorpora elementos de la fotografía callejera estadounidense y de la fotografía humanista francesa. Formado en la escuela neoyorquina de la Photo League, aprendió con Sid Grossman y fue un gran amigo de Weegee. En París, el joven fotógrafo conoció a Brassaï, que se convirtió en su mentor y le introdujo en la comunidad fotográfica parisina. Stettner fusionó la vertiente lírica francesa con la tradición neoyorquina de fotografía socialmente comprometida para crear su propia versión del humanismo.
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