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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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El hombre que camina es posiblemente la escultura más célebre del siglo XX, del escultor Alberto Giacometti. Franck Maubert rastrealas circunstancias en las que la escultura fue concebida y nos descubre que la obra ha trascendido su época y dialoga tant
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“El verdadero arte es expresivo y simbólico, hace quetoda forma, sonido, color o gesto sea un signo de alguna esencia imaginativa imposible de analizar. El verdadero arte es la llama del último día, que comienzapara cada hombre cuando por primera vez lo emocionala belleza. Debemos entonces ser artistas en todas las cosas y que nuestra imaginación desee siempre la belleza, única máscara a través de la cual pueden verselos ojos sin velo de la eternidad.”
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Guía de bolsillo con los principales movimientos, edificios, elementos y materiales. Una nueva e innovadora introducción a la cuestión del arte moderno y contemporáneo. Con una estructura sencilla, el libro examina cincuenta obras clave desde los primeros ejemplosdel modernismo hasta el arte contemporáneo. Accesible, conciso y profusamente ilustrado, este libro explica cómo y por qué se desarrolló el arte moderno, quiénintrodujo innovaciones, en qué consistieron y dóndey cuándo tuvieron lugar. Incluye un gran número de imágenes representativas de la historia del arte moderno y contemporáneo y revela las distintas técnicas quese emplearon para crearlas. Desmitifica la jerga técnica y proporciona a los lectores una profunda comprensión y un amplio disfrute del arte moderno y contemporáneo, desde finales del siglo xix hasta el momentoactual.l libro se divide en cuatro capítulos: 'Movimientos', 'Obras', 'Temas' y 'Técnicas'. Se pueden leerde forma sucesiva o independiente unos de otros. Elcapítulo dedicado a las obras, por ejemplo, presenta50 obras esenciales que han tenido una relevancia enel mundo del arte a nivel mundial. Las remisiones enla parte inferior de cada página muestran las conexiones con las otras secciones del libro, mientras que en los cuadros informativos se abordan las principalesaportaciones y el contexto biográfico de cada artista.
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¡¿Diamantes en la basura?! Quien tiene ojo para ello, puede ver la belleza en todas partes, también en la basura y en los objetos más inútiles. La diseñadora Anja Brunt y la ilustradora Tineke Meirink han estado siempre interesadas en la belleza de lo cot
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Si en tiempos premodernos las mujeres fueron consideradas físicamenteinferiores a los hombres, se insistía en su irracionalidady se las recluía a la vida doméstica, eso no significa que todas ellasestuvieran privadas de capacidad de decisión ni que sus vidas fueranirrelevantes para la cultura y la sociedad de su tiempo. Aunquefueron experiencias minoritarias, hubo mujeres que se destacaronen el ámbito público, e incluso otras heroicas, símbolos de la virtudfemenina, la justicia y la fortaleza.La historia de Tomiris es, precisamente, una de esas anomalías:reina de los masagetas (siglo VI a. C.), ante una amenaza exteriorcontra ella y su pueblo, actuó con inteligencia, valentía y singularjusticia. Este libro se ocupa tanto de su historia como de la vida póstumade su figura, de las fuentes de quienes la contaron y de las apropiacionesy usos que hicieron de ella. Recorrer esos caminos nospermite descubrir también algunas de las expresiones culturalesy sociales que se opusieron a la emancipación de las mujeres, asícomo las que propusieron, justificaron y posibilitaron un papeldistinto para ellas en el pasado.
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Del carrer a l'estudi
CATÀLEG A PARTIR DE L'EXPOSICIÓ DEL CARRER A L'ESTUDI , DEL MUSEU DE VALLS _Del carrer a l'estudi_ preténámostrar dues visions entorn el grafit i l'art urbà. Per una banda, la seva història i pràctica en el context de Valls i el Camp de Tarragona, i per l'altra, l'apertura de mires dels seus practicants cap a altres llenguatges artístics. * El llibre inclou la contextualització, la història d'aquestes tendències a Valls i el Camp de Tarragona, un recull fotogràfic i les relacions entre la pràctica urbana dels creadors i la seva obra d'estudi.
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Famosa primera edición: Primera tirada de 5.000 ejemplares numerados (n.º 1.001–,5.000)También disponible en Edición de Arte (n.º 1–,1.000) que incluye una reproducción exclusiva en formato cuadrado de la mesa de centro Arlecchino y un conjunto de cuatro láminas numeradas de interiores de transatlánticos.Estudiar la prolífica obra de GioPonti es apreciar la visión clara y unificadora que hay detrás de un universo creativo complejo. Síntesisde las artes, sus creaciones combinan la grandeza italiana y una ligereza premeditada para dar forma a unestilo icónico que se desarrolló de forma intuitiva.Su capacidad única para trabajar a la perfección condiferentes escalas le permitió abordar con la misma convicción y sentido de la belleza el diseño de una cucharilla o de una ciudad entera. Fue arquitecto y diseñador a la par que editor, poeta y hombre. Un tesoroen sí mismo, su obra es también un hito del Renacimiento italiano de mediados de siglo y de los valores modernistas que buscaba llevar a la práctica.Este nuevo libro sobre el trabajo de Ponti es la monografía más completa publicada hasta la fecha, sin precedentes en escala y alcance. Analiza el desarrollo desu obra a lo largo de 6 décadas, con 136 proyectos catalogados y reproducidos en alta resolución, y presenta cada objeto en el contexto en el que Ponti lo creó. Como ventanas a su vida elusiva, los materiales inéditos y las imágenes privadas que se incluyen crean nuevos diálogos entre sus famosas obras maestras y suslogros menos conocidos. Elaborados en estrecha colaboración con el archivo Gio Ponti, se incluye un extenso ensayo biográfico de Stefano Casciani y un conjunto de textos que ofrecen una visión íntima de toda suobra. Materializando la esencia de la filosofía de lamodernidad de Ponti, este libro presenta la arquitectura como un objeto escénico, un escenario “,autoiluminado”, para su arte de vivir humanistay creatividad ilimitada
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La exposición tiene como objetivo presentar, por primera vez en España, una exhaustiva retrospectiva de la obra desarrollada por esta artista alemana que, a lo largo de su carrera fotográfica -que comenzó tarde, en 1929, cuando ya tenía treinta años, y se extendió hasta el final de la década de 1950-, se centró en numerosos y variados temas.
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La obra de Diego Velázquez nunca ha dejado de sorprender al público interesado en la pintura, que siempre lo ha considerado uno de los grandes maestros del arte de todos los tiempos. Con el ritmo de una novela de intriga y el estilo de un narrador con voz propia, el autor muestra el perfil humano y artístico del pintor sevillano a través de treinta claves que ayudan a entender el porqué del genio y de la unánime y justificada admiración que despierta su obra. Esta cuidada edición, ilustrada con una amplia selección de las obras de Velázquez (así como con obras de precursores, coetáneos o admiradores del pintor), muestra que volver a Velázquez nunca es en vano, puesto que siempre habrá un velo por descubrir y un nuevo aprendizaje para nuestro espíritu que obtener.
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Artista, científi co y pensador, Leonardo (1452-1519) es el personaje más fascinante del Renacimiento. En el recorrido por su obra se muestra al Leonardo pintor, sin olvidar al inventor y al teórico del arte, aspectos que conforman su relevante personalidad. Una gran obra para disfrutar del arte y de la Historia.
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El gran pintor flamenco Pieter Bruegel el Viejo (c. 1525/31-1569) fue un pintor y dibujante dotado de una inventiva extraordinaria que hizo historia a través de sus paisajes hermosos y evocadores, así como sus motivos religiosos notables por su autenti
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Asociado a la eclosión de los Nuevos Expresionismos en los años ochenta, Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) ha sido después uno de los artistas españoles con más proyección internacional. Su obra, en último término singular, abierta a la experimentación constante, y ya lejos del contexto de sus inicios, se ha expuesto luego en grandes museos de todo el mundo, de Montreal a Tokio, de Ciudad de México a Londres, de Sâo Paulo a París, y de Buenos Aires a Venecia, haciéndolo siempre con un gran reconocimiento, tanto por parte de la crítica especializada como del público. El poeta y escritor Enrique Juncosa (Palma, 1961), amigo de juventud del artista y gran conocedor de su obra, es, por su parte, un destacado comisario de arte con una trayectoria también internacional. Ambos han colaborado a menudo juntos, durante un periodo de tres décadas, en exposiciones y libros. Escritos sobre Miquel Barceló recoge una muy completa selección de los ensayos escritos por Juncosa sobre el artista, publicados desde 1994 hasta hoy, y revisados ahora con motivo de su nueva edición. Los ensayos hablan de pinturas, dibujos, cerámicas, libros ilustrados y grandes proyectos públicos, además de aspectos temáticos específicos, como retratos y autorretratos, o el uso del color blanco. Juncosa, que ha tenido la oportunidad de conocer todos los estudios del artista y ver gran número de sus exposiciones a lo largo de todos estos años, escribe con gran claridad, explorando los temas y la iconografía dominante en la obra de Barceló, y facilitando al hacerlo numerosas claves para su interpretación y disfrute.
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Las recetas de la cocina casera de la familia Dominguín, de larga trayectoria en el mundo de la moda, el arte y la cocina.Tres mujeres de una misma familia. Lucía Dominguín y sus hijas Jara y Palito nos invitan a adentrarnos en su luminoso mundo a través de recetas y recuerdos familiares con los que nos inspiran a ser más creativos en la cocina, en el arte y en la vida. Con un estilo alegre y desinhibido, las autoras rinden tributo a la cocina tradicional de su familia y a las dos matriarcas de la tribu, la abuela Rita y la abuela Azul, Lucía Bosé. El libro se compone como las cuatro estaciones, cuatro etapas con recetas para todos los paladares acompañadas de anécdotas e historias familiares, y combina diversas formas de expresión artística para mostrar su visión de la cocina, su herencia familiar y, fundamentalmente, la vida. Una invitación a su cocina y a su vida familiar, la de tres mujeres, con tres visiones y una misma pasión. Cada receta es un pedacito de ellas, con recuerdos, episodios de unas vidas apasionantes y mucho amor. Pero no te preocupes, no necesitas ser un chef experto para disfrutar de estos deliciosos platos, solo necesitas dejarte llevar por la locura y la magia que envuelve este libro. Ponte el delantal, enciende los fogones y cocina con ellas. Y disfruta. Bienvenidos a Casa Dominguín.
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La monografía definitiva sobre uno de los artistas más venerados de nuestro tiempo.Ellsworth Kelly será recordado para siempre como uno de los artistas más distintivos e influyentes de nuestro tiempo. Este libro, el último creado en estrecha colaboración con el artista, mapea su prolífica y diversa obra desde la década de 1940 hasta sus proyectos finales antes de su muerte a finales de 2015. Con una portada recientemente diseñada, esta edición de tapa dura lleva el volumen aclamado por la crítica de Tricia Paik a un nivel superior. nueva audiencia de lectores.
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Repleto de ilustraciones inspiradas en las ocho películas de Harry Potter, este libro te hará regresar a las escenas y lugares más memorables de la saga: el primer partido de Quidditch de Harry, su visita al Callejón Diagon, las clases de Hogwarts... ¡y mucho más! En el interior encontrarás más de noventa de ilustraciones detallistas y CAUTIVADORAS, perfectas para horas de relajación y creatividad.
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Vi è nella pittura daliniana molta ricerca pura di ci. che potremmo chiamare fisica pittorica, molta ricerca nel tipo di energia che corrisponde a ciascun genere di rappresentazione e c'è nelle sue opere più significative una specie di saturazione poetico‐,simbolica capace di esplorare registri occulti dello psichismo e della percezione in una proporzione mai o poche volte raggiunta nella storia della pittura.
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Aquest catàleg ens permet endinsar-nos en l'excepcional moment històric en què l'artista irromp en l'escena artística del París, a principis del segle XX, a través de la mirada i la sensibilitat d'Olivier, la seva companya d'aquells anys, i d'alguns dels seus amics i col·laboradors.
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El lugar que la obra de Gego ocupa en la tradición abstracto-geométrica de Venezuela, una de las más fecundas de América, es complejo, y es que esta obra sutil, que paradójicamente comunica tantos significados,se resiste a las definiciones. Por ello, este libro se plantea como una aproximación a la manera en que esta artista, en dialogó con los principales exponentesde esta tradición, reconociendo y compartiendo algunas de sus ideas, expresó libremente su pensamiento.
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Este libro acercará al lector a descubrir la experiencia -a veces emotiva, otras vivida desde un pano más«intelectual»- de diez artistas con esta joya del patrimonio universal. Artistas como Eduardo Arroyo, Miquel Barceló, Rafael Canogar, Alberto García-Alix, Cristina Iglesias, Carmen Laffón, Antonio López, Blanca Muñóz, Juan Uslé y Soledad Sevilla.
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«No creo que sea fácil establecer cuándo empezaron las mujeres a pintar: también el caso, muy marginal, de una monja miniaturista es una pura hipótesis. El Trecento florentino, si a alguien se le pasase por la cabeza, la rechazaría como sugestión diabólica. Si acaso, tal vez cargado de prole femenina, a algún pintor se le ocurrió hacerse moler las pinturas por una hijita suya. Pensad: ¿una Laudomia di Bicci, una Ginevra di Fredi? Tiemblo sólo de pensarlo. Y, por el amor de Dios, no hay nombres femeninos entre los contemporáneos de Pollaiolo, de Botticelli. La llegada de Miguel Ángel borró por completo a las mujeres y lo mismo hicieron sus discípulos directos o indirectos: basta pensar en Pontormo, en Rosso, personajes lunáticos, auténticos espantajos de la vida del hogar. [...] Fue a mediados del siglo xvi cuando algo cambió: ciertos padres empezaron a mimar a sus pequeñas, que, astutas, no tardaron en sacar provecho de ello.» Anna Banti Anna Banti (Florencia, 1895 - Ronchi di Massa, 1985) nació en una familia de origen siciliano que se mudó primero a Calabria y luego al Piamonte. Realizó estudios lingüísticos y humanísticos y su obra literaria incluye crítica de arte, novela, traducciones y artículos históricos, literarios y cinematográficos. El tema recurrente en sus escritos es la soledad de la mujer en un mundo de hombres, así como la falta de memoria respecto al pasado femenino. No obstante, su postura y su estilo distan mucho del feminismo violento y reivindicativo. Su prosa, rica y elegante, y su sentido del humor apuntan más bien a una colaboración entre los dos sexos como vía para lograr cambios reales en la sociedad. Casada con el también historiador del arte Roberto Longhi, Banti ejemplifica el ejercicio de la igualdad intelectual a la que debe aspirar la mujer.
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Descubre los pasos, trucos y consejos necesarios para dominar las distintas técnicas pictóricas y los principios sobre los que éstas se fundamentan, y aprende las nociones básicas que te orientarán y ayudarán en tu camino de creación.
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La exposición «Magiciens de la Terre» en el Centre Georges Pompidou en 1989, descubrió una profunda falla en el mundo del arte contemporáneo, limitado hasta entonces, con escasas matizaciones o excepciones, a las fronteras de Europa y América del Norte. Veinticinco años después, la mirada occidental ha dejado de ser imperante, tal como se puso de manifiesto en el remake de «Magiciens de la Terre» que tuvo lugar en el mismo lugar, en julio de 2014, y que elevó la exposición de 1989 a la categoría de «muestra de culto». En dicho remake, fue edificante repensar a través de documentos, epistolarios, publicaciones, filmes y fotografías la aventura conceptual de Magiciens de la Terre, pero sobre todo fueron estimulantes los debates llevados a cabo en la Bibliothèque Kandinsky del propio Pompidou sobre la genealogía de la exposición, su recepción crítica y los desplazamientos teóricos que implicó. Los años que median entre «Magiciens de la Terre» de 1989 y su recreación documental en 2014 constituyen el territorio temporal que escanea y cuestiona este libro, un territorio de flujos cambiantes y categorías mezcladas dominado por la capacidad creativa de la interacción y del diálogo, pero también por una economía en crisis que pone en entredicho el desarrollo basado en el crecimiento o por una política de sociedades pospolíticas que generan tanto utopías de no-fronteras como radicales procesos de carácter religioso y territorial.
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Todas las vertientes del arte han tenido y tienen en África una expresión auténtica y original. Este arte no está hecho para ser contemplarlo desde fuera, sino que es una expresión íntima de sus habitantes, que ellos viven desde su interior, porque c
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Guía básica de dibujo para artistas que desean mejorar su técnica en el área concreta de la perspectiva y de la composición.
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Afina tu destreza, gana en confianza y, lo más importante, ¡dibuja!Aprende a construir una figura humana, a capturar el gesto y a dotar a tus trabajos de perspectiva, energía y movimiento, con la orientación experta de Tate: Sketch Club: Figura humana. Dibujo del natural.El libro contiene 20 ejercicios paso a paso con los que ganarás en confianza para bordar tus dotes de dibujo de la figura humana, tanto dentro del estudio como fuera. Con él sabrás por dónde empezar, cuándo parar y cómo corregir errores comunes.
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Un pequeño cuaderno para la iniciación en el arte de la caligrafía. Con este libro aprenderás los secretos de cómo tener una letra maravillosa y elegante realizada con pincel redondo.
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Ensayo profusamente ilustrado sobre la obra de destacados dibujantes de la guerra de trincheras de 1914-18, realidad, por desgracia, más de actualidad que nunca.Por sus cualidades de inmediatez y ligereza, el dibujo es un medio de expresión plástica idóneo en un contexto de guerra. Durante la Primera Guerra Mundial, muchos artistas combatientes produjeron numerosos bocetos, ilustraciones y viñetas sobre su experiencia bélica y la realidad de las trincheras.Adoptando un enfoque transversal de las innovaciones vanguardistas a la prensa satírica, este breve ensayo analiza sus distintas aproximaciones al conflicto, reproduciendo algunas de esas obras más notables. ¿Hasta qué punto era posible captar la deshumanización de la guerra moderna, denunciar las manipulaciones de la propaganda, plasmar el horror?
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Chagall es uno de los artistas más singulares del siglo xx. Adorado por algunos, despachado por otros como fantástico y sentimental, su pintura encierra una cantidad de símbolos y significados ligados tanto a la historia reciente como a las más antiguas tradiciones rusa y judía. El texto de Pieyre de Mandiargues es delicado, original y extraño. Considera a Chagall un «pintor-poeta», le otorga la categoría de «un héroe de nuestro tiempo [cuya obra] es una defensa, una iluminación y una predicación perpetuas del amor», y tiene razón cuando dice que no hay nada en el mundo en el que vivimos que sea tan moderno como el amor. La suya es una lectura atípica de la obra de Chagall, atrevida en sus referencias a su tendencia a la mística, inteligente al cambiar ese término por el de «mágico».André Pieyre de Mandiargues (París, 1909-1991) fue un novelista, poeta, dramaturgo y ensayista francés, cercano al grupo surrealista. Tradujo, entre otros autores, a Octavio Paz, W.B. Yeats, Alberto Savinio, Salvador Elizondo y Yukio Mishima, y su profunda relación con la pintura –estaba casado con Bona Tibertelli de Pisis, sobrina del pintor italiano Filippo de Pisis– le llevó a escribir sobre varios de sus contemporáneos artistas. En 1967 obtuvo el prestigioso Premio Goncourt por su novela Al margen y en 1979, el Gran Premio de Poesía de la Academia Francesa.
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El catálogo de la exposición permanente del Centre Pompidou de Málaga, al igual que la muestra, aborda cinco temáticas -«Metamorfosis», «Autorretratos», «El hombre sin rostro», «El cuerpo político» y «El cuerpo en pedazos»- que ponen de relieve dos cuestiones fundamentales para los artistas contemporáneos: la de la identidad/alteridad y la del cuerpo desmaterializado, y en él están presentes las grandes figuras modernas (Pablo Picasso, Francis Bacon, Max Ernst, Frida Kahlo, René Magritte, Joan Miró, Jean Dubuffet, Marc Chagall o Alexander Calder) y contemporáneas (Georg Baselitz, Christian Boltanski, Annette Messager, Thomas Schütte, Tony Oursler o Kader Attia). Bajo la dirección de Brigitte Leal, directora adjunta del Musée National d'Art Moderne Centre Pompidou y responsable de colecciones, comisaria de la exposición, la presente edición, con la coordinación editorial de TF Editores y producida por TF Artes Gráficas, reúne los ensayos introductorios de la propia Leal y José M.ª Luna Aguilar, director de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso y otros equipamientos museísticos y culturales.
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* El surrealismo surgió como un movimiento literario y artístico dado a conocer por el poeta francés André Breton en 1924, con el Manifiesto surrealista. * Los artistas surrealistas ahondaron en el inconsciente y gozaron con yuxtaposiciones de raros obj
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La poesía no es un género literario, ni tampoco un método para contar sílabas o una plataforma de exhibición narcisista. Es un modo radical de estar en el mundo fundamentado en las aspiraciones primeras del ser humano. En la actualidad, el capitalismo ha cristalizado en una práctica que acapara todos y cada uno de los vínculos sociales. Nunca antes había sido tan necesaria una experiencia vital que, junto con las demás formas de resistencia, contribuya a sustituir las dinámicas económicas por otras basadas en nuestros deseos profundos. Es aquí donde las potencialidades de la poesía por todos los medios pueden aportar un principio de solución. Frente a ese proceso continuo de desposesión, el materialismo poético propone la práctica sistemática, real y cotidiana, de la poesía como «forma de reconstrucción de la vida concreta a partir de las relaciones poéticas particulares que se producen en ella».
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CON +600 BOCETOS DIFERENTES, DIBUJAR ANIMALES CON ALAS, 100 pájaros, mariposas y otros insectos es un libro de referencia visual indispensable para artistas en formación, ilustradores, periodistas de la naturaleza, dibujantes de la naturaleza y cualquier otra persona que quiera aprender a dibujar de manera más realista. o Crear formas y simetría básicas o Dibujar líneas para formas corporales, alas y sombras.o Mejorar su control de líneas
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El manga experimenta un éxito indiscutible en todo el mundo. Es fruto de una larga tradición artística y tiene sus raíces en la pintura del siglo vii. Abarca desde las escenas cómicas que ilustran biombos y rollos pintados hasta los demonios que habitan los relatos de Mizuki Shigeru, de Manga de Hokusai hasta Tezuka Osamu, considerado «el dios del manga moderno», del nacimiento de los gekiga en la década de 1950 hasta One Piece o Demon Slayer. Una obra que aborda una forma de expresión extraordinariamente viva en toda su riqueza y diversidad, desde sus orígenes hasta nuestros días. El manga despierta pasiones entre un público cada vez más amplio de todo el mundo. En Japón forma parte de la vida cotidiana, ya sean lúdicos o pedagógicos, hay mangas para todos los gustos. Pero, ¿a qué se debe semejante éxito? ¿Qué los hace tan distintos de los cómics europeos, estadounidenses u otros para ejercer tal magnetismo? Aunque, al mismo tiempo, no se puede negar la profunda influencia que estos últimos ejercieron sobre el manga a lo largo del siglo XX. ¿Cuándo y cómo nació el manga? ¿Cuál es el origen del término manga y qué significa? Las respuestas a todas estas preguntas se encuentran en la cultura ancestral de Japón, cuyas representaciones artísticas siempre han estado impregnadas de humor. Desde las caricaturas más antiguas, pasando por los rollos ilustrados y las estampas de brocado, parece que a lo largo de los siglos han existido profundas similitudes pictóricas, hasta el nacimiento del cómic moderno y del manga tal como lo conocemos hoy.
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Una obra sobre los famosos hermanos.Carles Esquembre, autor de Lorca y Las tres heridas de Miguel Hernández, cierra la trilogía de poetas españoles con esta tragedia en seis actos sobre los hermanos Machado. El punto estrella de esta obra es la originalidad de su narración, pues Esquembre ha reservado para los lectores las mejores butacas en una especie de teatro grecolatino ficticio donde se representa una gran obra: la vida de Antonio y Manuel Machado. Los personajes de esta historia conocen que no todo el pasado está escrito. De ahí la importancia de recordar: ¡Qué importa un día! Está el ayer alerto al mañana, mañana al infinito, ¡hombres de España, ni el pasado ha muerto, ni está el mañana-ni el ayer-escrito!
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Sabartés es seguramente el más devoto y despersonalizado de los escogidos cronistas de Picasso. El artista le dio su aprobación incondicional y le animó a publicar Picasso. Retratos y recuerdos. Junto a sus publicaciones sobre Picasso, el principal legado
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Situado en doce acres de exuberantes jardines, el Jardín de Esculturas Walda Besthoff y Sydney del Museo de Arte de Nueva Orleans alberga importantes esculturas neoclásicas, modernas y contemporáneas, que van desde los siglos XIX al XXI.Desde su creación en 2003, el jardín ha crecido hasta incluir 100 esculturas, donadas por la Fundación Sydney y Walda Besthoff. Uno de los jardines de esculturas más reconocidos a nivel mundial, que cuenta con un pabellón de esculturas, un anfiteatro y un puente que une el canal de importancia arquitectónica, el Jardín de Esculturas Sydney y Walda Besthoff es gratuito para el público. Durante todo el año, NOMA organiza programas al aire libre en el jardín que incluyen festivales, actuaciones, conciertos, giras y más.Una celebración de más de 20 años de la colección, este vibrante estudio examina la historia del jardín galardonado y perfila las magníficas obras de arte de uno de los jardines de esculturas más importantes de los Estados Unidos.Los artistas que aparecen en el libro y la colección incluyen a Auguste Rodin, Henry Moore, Louise Bourgeois, Fred Wilson, Ursula von Rydingsvard, Claes Oldenburg, George Segal, Frank Stella, Sean Scully, Maya Lin, Do Ho Suh, Ugo Rondinone, Wangechi Mutu, Pierre-Auguste Renoir, Hank Willis Thomas, Robert Indiana, Frank Gehry y muchos otros.
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