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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Catálogo de la exposición donde se muestra la obra de Victor Vasarely, un artista que creía en el poder del arte y que a mediados del siglo XX anticipó las investigaciones acerca del movimiento, la luz y el color. El objetivo es descubrir a un creador comprometido, apreciar y disfrutar su manera de concebir el espacio, organizando de forma sistemática las superficies, jugando con las formas geométricas, la luz, los degradados y los contrastes de color.
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“Narrar visualmente es establecer un criterio de lectura, indicar de alguna forma al espectador cómo queremos que vea aquello que representamos.” La ficción nos ofrece la posibilidad de entender la realidad a través de lugares comunes. Como narradores visuales, debemos aprender a encontrar esos lugares, pues de ello dependerá que los demás participen o no de nuestra historia.
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En este manual paso a paso, el artista Ernest R. Norling nos acerca de forma sencilla y eficaz a los conceptos fundamentales de las leyes de la perspectiva. Con su método en veinte pasos, y a través de más de doscientas cincuenta ilustraciones claras y precisas, Norling desentraña las bases del dibujo que nos permitirán crear a mano alzada todo tipo de paisajes y edificios sin caer en representaciones rígidas y mecánicas.
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La ilustradora y autora japonesa Ai Akikusa nos adentra en el variado mundo de las aves para mostrarnos cómo podemos identificar las distintas especies y plasmarlas sobre el papel. Conoceremos los pajaritos que podemos avistar en nuestras ciudades y bosques más cercanos, como el gorrión, la golondrina, la paloma o el pájaro carpintero, profundizaremos en especies tan asombrosas como el águila, el flamenco, el avestruz o el pingüino emperador, finalmente, nos asombraremos ante los flamantes colores del plumaje de otras especies como el periquito, el pavo real o el colibrí. Una oportunidad para adentrarnos en el rico mundo de las aves y aprender a representar sus bellas particularidades.
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Desde un vestido de alta costura de Dior y una Barbie adornada con rosas hasta mosaicos antiguos y tarjetas de San Valentín victorianas, esta colección curada de más de 200 impresionantes imágenes celebra la flor más emblemática del mundo. Descubra las ex
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* Un viaje a través de la historia mediante 80 obras de arte y sus gamas cromáticas cuidadosamente seleccionadas. * El color permite a los artistas narrar historias, expresar su individualidad, evocar una atmósfera y plasmar mensajes subliminales, y los artistas más grandes han cargado sus pigmentos con referencias sociales, políticas y religiosas. * Desde tierra a piedras semipreciosas e insectos machacados, se examinan los inesperados materiales utilizados para crear pigmentos y hasta qué extremos han llegado los artistas para conseguirlos. A través de 80 maravillosas obras de arte, desde pinturas rupestres a obras maestras contemporáneas, a lo largo de estas páginas podrá navegar por puntos de inflexión de mayor y de menor importancia, así como a contemplar obras conocidas y otras que no lo son tanto a través de una perspectiva nueva y vibrante. Para estas obras, el color no es solo una herramienta, sino también el secreto fundamental de su éxito.
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Una biografía del color más misterioso, evocador y singular de todo el espectro cromático.«El azul siempre ha sido mi color preferido». A partir de esta simple premisa, Daniel Entrialgo explora cómo este color pasó de ser una rareza ignorada a convertirse en la tonalidad favorita de la sociedad moderna (más de un 40 por ciento de la población lo elige como su favorito), y se sirve para ello del mundo del cine, la historia, la literatura o el arte. Y es que el azul, el color que conquista a Occidente, tiene una historia tan curiosa como inesperada: aunque hoy lo asociamos con elegancia y serenidad, no siempre fue así. Los antiguos griegos, por ejemplo, ni siquiera lo reconocían como un color propio.
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He aquí un libro que es un desnudo integral, tanto físico como emocional, acompañado de multitud de fragmentos de cuerpos que han inspirado al autor a lo largo de su vida.El libro se propone como un cuadernos de dibujo en el que se plasma la belleza del cuerpo humano.Disfruten del recorrido sin esperar algo escrito, que no sólo se lee en las palabras sino en los cuerpos que nos sugieren belleza porque ya la contienen y no pueden dejar de desprender pura poesía.
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* Este histórico estudio del street art internacional se sitúa en el punto en el que confluyen el arte y el atlas. * Organizado por continentes y ciudades (desde Nueva York, Los Ángeles y Montreal, en Angloamérica, pasando por Ciudad de México y Buenos Aires, en Iberoamérica, hasta Londres, Berlín y Madrid, en Europa, así como Sídney y Tokio, en el Pacífico), se presentan los perfiles de más de cien de los artistas más importantes de la actualidad y más de setecientas asombrosas obras de arte. * Un testimonio de cómo este variado movimiento artístico contemporáneo se ha convertido en un auténtico fenómeno global: se narra la evolución del arte urbano en cada región y se proporciona un contexto histórico esencial. Desde su génesis en la Costa Este de Estados Unidos a finales de la década de 1960, el street art y el grafiti han viajado a casi todos los rincones del planeta y han dado lugar a nuevos estilos muy floridos y dinámicos. Al exponer sus obras en la galería más grande y abierta del mundo, los grafiteros y artistas urbanos muestran sus creaciones a un público que no puede evitarlas, con lo que desafían las ideas convencionales sobre el lugar del arte en la vida cotidiana. Desde Steve Powers (ESPO), en Nueva York, hasta Ian Strange, en Australia, pasando por el Londres de Eine, el París transfigurado por Honet y OX, y los gigantescos murales de los brasileños Os Gêmeos, esta es la primera historia genuinamente geográfica de esta forma de arte. La forma más elevada del street art y del grafiti no es una mera estética basada en eslóganes, consignas políticas o promoción personal: es un movimiento mundial muy comprometido con la creatividad espontánea y la infinita diversidad de las ciudades.
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Des de la soledat i el silenci
Aquest llibre pretén reivindicar i donar a conèixer la figura i l'obra del pintor autodidacte Jaume Mercant Melis (Capdepera 1908-Palma 1999), un artista particular en el que és personal i peculiar en la seva manera de mirar, de veure i d'interpretar el paisatge mallorquí, i que, si bé al llarg de més de cinquanta anys de trajectòria va conrear diversos gèneres, és considerat un dels paisatgistes més interessants i renovadors de la segona meitat del segle xx a les Balears. El llibre fa un recorregut no tan sols a la seva figura «esquerpa, contradictòria, peculiar i sense redòs en els circuits artístics», sinó que també té present el seu entorn familiar i personal, a més de les circumstàncies i els esdeveniments socials, econòmics, culturals, ideològics i artístics que el varen marcar. Així mateix, s'hi analitzen la temàtica, els elements formals, les influències i les connexions estilístiques i iconogràfiques de gran part de les 265 obres que apareixen en l'extensa catalogació, que abasta des de les obres conservades dels anys vint fins a la darrera documentada, un esbós del 1984. L'obra de Mercant és el resultat d'un aprenentatge continu en solitari, perquè el pintor sempre va voler salvaguardar la seva llibertat, independentment de tendències i modes, per crear un llenguatge propi, personal i identificable, un llenguatge que traspua silenci, sensibilitat i poesia.
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Las recetas de la cocina casera de la familia Dominguín, de larga trayectoria en el mundo de la moda, el arte y la cocina.Tres mujeres de una misma familia. Lucía Dominguín y sus hijas Jara y Palito nos invitan a adentrarnos en su luminoso mundo a través de recetas y recuerdos familiares con los que nos inspiran a ser más creativos en la cocina, en el arte y en la vida. Con un estilo alegre y desinhibido, las autoras rinden tributo a la cocina tradicional de su familia y a las dos matriarcas de la tribu, la abuela Rita y la abuela Azul, Lucía Bosé. El libro se compone como las cuatro estaciones, cuatro etapas con recetas para todos los paladares acompañadas de anécdotas e historias familiares, y combina diversas formas de expresión artística para mostrar su visión de la cocina, su herencia familiar y, fundamentalmente, la vida. Una invitación a su cocina y a su vida familiar, la de tres mujeres, con tres visiones y una misma pasión. Cada receta es un pedacito de ellas, con recuerdos, episodios de unas vidas apasionantes y mucho amor. Pero no te preocupes, no necesitas ser un chef experto para disfrutar de estos deliciosos platos, solo necesitas dejarte llevar por la locura y la magia que envuelve este libro. Ponte el delantal, enciende los fogones y cocina con ellas. Y disfruta. Bienvenidos a Casa Dominguín.
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'En esencia, el arte de Giger se adentra en nuestra psique y roza nuestros instintos y miedos más profundos. Su arte pertenece a una categoría que le es propia. La prueba de ello reside en la intensidad de su obra y de su imaginación, que sólo me atrevería a comparar con las del Bosco y Francis Bacon por su poder para provocar y perturbar.'' - Ridley Scott El artista suizo H. R. Giger (1940-2014) es conocido principalmente por su creación del monstruo espacial de la película de terror futurista Alien, de 1979, con la que ganó un Óscar. En retrospectiva, no fue más que una de las expresiones más célebres del arsenal biomecánico de criaturas de Giger, que fusionaba híbridos de humano y máquina en imágenes de poder evocador y oscura psicodelia. Sus obras se inspiraban en fantasmas del pasado, al tiempo que evocaban mitologías para el futuro. Estas imágenes plasmaron las fantasías y los miedos colectivos de su época: el temor a la bomba nuclear, a la contaminación y al despilfarro de recursos, y a un futuro en el que la supervivencia de nuestros cuerpos esté supeditada a las máquinas. La realización de este libro comenzó poco antes de la inesperada muerte del artista y en él se muestra la historia completa de la vida y del arte de Giger, sus esculturas, su trabajo cinematográfico y sus inconfundibles carátulas de discos, así como el legado que nos ha dejado en su propio museo y la cafetería, que él mismo diseñó, en los Alpes suizos. A través de un estudio en profundidad, Andreas J. Hirsch, un experto en la obra de Giger, ahonda en las temáticas centrales del artista y su mundo. El libro incluye una extensa biografía que parte de citas contemporáneas y de los escritos del propio artista.
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Ensayo profusamente ilustrado sobre la obra de destacados dibujantes de la guerra de trincheras de 1914-18, realidad, por desgracia, más de actualidad que nunca.Por sus cualidades de inmediatez y ligereza, el dibujo es un medio de expresión plástica idóneo en un contexto de guerra. Durante la Primera Guerra Mundial, muchos artistas combatientes produjeron numerosos bocetos, ilustraciones y viñetas sobre su experiencia bélica y la realidad de las trincheras.Adoptando un enfoque transversal de las innovaciones vanguardistas a la prensa satírica, este breve ensayo analiza sus distintas aproximaciones al conflicto, reproduciendo algunas de esas obras más notables. ¿Hasta qué punto era posible captar la deshumanización de la guerra moderna, denunciar las manipulaciones de la propaganda, plasmar el horror?
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Historia de mi vida es una obra muy rica y completa, que nos proporciona una información biográfica enorme, exhaustiva y fiable de la vida y el arte constructivo de Joaquín Torres-García donde ofrece un fresco detallado de los movimientos artísticos e intelectuales de Madrid, Barcelona, París y Nueva York del primer tercio del siglo XX.
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Pablo Rubens (1577-1640). De él salieron cuadros enteramente suyos (los más valorados por el propio pintor y por sus contemporáneos) y otros que son el resultado de diversos grados de participación de los miembros de su taller en el proceso creativo.En el libro se explica la mecánica de la colaboración del maestro con sus ayudantes y se analizan las diferencias que permiten distinguir los cuadros originales de Rubens de los de taller.A cargo de Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura flamenca y escuelas del Norte. El libro incluye una conversación entre el pintor Jacobo Alcalde Gibert y Alejandro Vergara sobre la forma de pintar de Rubens y su colaboración con los ayudantes.
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Avelino Saavedra. Obra plástica y más es el primer libro catálogo que aborda la larga y poliédrica trayectoria artística de este artista plástico, performer, músico improvisador y percusionista nacido en Santiago de Compostela en 1967 y residente en Valencia desde hace más de dos décadas. La selección de obras reproducidas en el libro viene presidida por un prólogo del crítico musical Antonio Martín «Coronel Mortimer» y por un amplio texto razonado del compositor y artista visual Joan Gómez Alemany, así como por diversos escritos del propio Avelino Saavedra y de artistas de reconocido prestigio en el mundo del arte y de la música como Fuencisla Francés, Antonio Luis Guillén, Bartolomé Ferrando, Javier Piñango, Álvaro Terrones y Josep Lluís Galiana (coordinador y editor de este libro catálogo junto a Gómez Alemany).
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Catifes de flors
La tradició popular de fer catifes de flors per engalanar els carrers per Corpus ve de lluny. Aquest llibre fa un repàs de la història d'aquesta tradició, de l'evolució de la tècnica de fer catifes i de les associacions que apleguen els catifaires, i posa èmfasi en els valors d'aquest treball artístic, artesanal i col·lectiu. Alhora, presenta la Federació Catalana d'Entitats Catifaires i la candidatura a la UNESCO d'aquest art efímer amb arrels profundes a Catalunya, que ha aconseguit créixer en valors, en creativitat, en qualitat i en espectacularitat. Quan va començar aquesta festa? Per què està relacionada amb el Corpus? Se celebra a tot Catalunya? I en altres països? Per què vol ser Patrimoni Cultural Immaterial de la UNESCO? Il·lustrat amb fotografies curioses, boniques i evocadores, el llibre dona resposta a aquestes preguntes i mostra la bellesa de les creacions florals, així com la dedicació, la creativitat i l'entusiasme dels catifaires catalans.
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Este libro se centra en la Semana Santa de Úbeda, Fiesta de Interés Turístico Nacional desde 1980. Explora su rico patrimonio escultórico, la influencia del Concilio de Trento (1545-1563) en la iconografía cristiana y la evolución de los temas pasionistas a lo largo de la historia. También analiza las bases literarias de las representaciones cristíferas y marianas. Además, estudia las imágenes titulares de las hermandades de la Semana Santa de Úbeda y las influencias en su creación. En resumen, esta obra ofrece una inmersión en la rica tradición iconográfica y artística de esta celebración.
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Rusia, octubre de 1917. Los bolcheviques toman el poder. Rusia y el mundo nunca volverán a ser los mismos.Cinco meses después del triunfo de la revolución, los nuevos gobernantes nombraron a algunos artistas como Kazimir Malévich, Vasili Kandinski, Vladímir Tatlin o Marc Chagall para ocupar importantes puestos en el recién creado Comisariado del Pueblo para la Instrucción Pública. Estos «vanguardistas» pretendían transformar calles y plazas, la educación y, en última instancia, a las propias personas: hicieron museos de arte moderno por todo el país, enviaron sus obras radicales hasta las regiones más remotas y reformaron con rigor las academias de arte, desarrollando nuevos sistemas pedagógicos que influirían en la Bauhaus y otras grandes instituciones artísticas.Sin embargo, su intento de llevar «el arte a la vida» no acababa de cuadrar con la interpretación bolchevique de una cultura revolucionaria, lo que hizo que no tardase mucho en resquebrajarse la confianza entre ambos. A consecuencia de ello, algunos emigraron, mientras que otros trataron de adaptarse a las demandas del nuevo sistema y de conservar un pequeño reducto de libertad artística. En última instancia, todos fueron marginados y ya nada volvió a ser igual.Los vanguardistas es la primera obra que aborda la asombrosa historia de la vanguardia rusa en su conjunto. De la mano de un número sin precedentes de cartas, diarios y recuerdos, muchos de ellos inéditos, procedentes de archivos y bibliotecas rusas de difícil acceso, el autor lleva a cabo un vibrante y conmovedor retrato de estos excepcionales artistas –de Malevich a Tatlin, de Kandinski a Chagall– y de una época irrepetible.
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«No creo que sea fácil establecer cuándo empezaron las mujeres a pintar: también el caso, muy marginal, de una monja miniaturista es una pura hipótesis. El Trecento florentino, si a alguien se le pasase por la cabeza, la rechazaría como sugestión diabólica. Si acaso, tal vez cargado de prole femenina, a algún pintor se le ocurrió hacerse moler las pinturas por una hijita suya. Pensad: ¿una Laudomia di Bicci, una Ginevra di Fredi? Tiemblo sólo de pensarlo. Y, por el amor de Dios, no hay nombres femeninos entre los contemporáneos de Pollaiolo, de Botticelli. La llegada de Miguel Ángel borró por completo a las mujeres y lo mismo hicieron sus discípulos directos o indirectos: basta pensar en Pontormo, en Rosso, personajes lunáticos, auténticos espantajos de la vida del hogar. [...] Fue a mediados del siglo xvi cuando algo cambió: ciertos padres empezaron a mimar a sus pequeñas, que, astutas, no tardaron en sacar provecho de ello.» Anna Banti Anna Banti (Florencia, 1895 - Ronchi di Massa, 1985) nació en una familia de origen siciliano que se mudó primero a Calabria y luego al Piamonte. Realizó estudios lingüísticos y humanísticos y su obra literaria incluye crítica de arte, novela, traducciones y artículos históricos, literarios y cinematográficos. El tema recurrente en sus escritos es la soledad de la mujer en un mundo de hombres, así como la falta de memoria respecto al pasado femenino. No obstante, su postura y su estilo distan mucho del feminismo violento y reivindicativo. Su prosa, rica y elegante, y su sentido del humor apuntan más bien a una colaboración entre los dos sexos como vía para lograr cambios reales en la sociedad. Casada con el también historiador del arte Roberto Longhi, Banti ejemplifica el ejercicio de la igualdad intelectual a la que debe aspirar la mujer.
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Vicent Andrés Estellés
Vicent Andrés Estellés és un dels poetes fonamentals de la literatura catalana. La seua obra és una narració íntima i universal de la nostra història recent: la mort i la fam, l’horror de la guerra, la crua postguerra i la derrota col·lectiva. Però també la resistència, l’esperança, la lluita constant i la fràgil alegria. En aquest llibre únic, la primera biografia sobre Vicent Andrés Estellés, el músic i escriptor Pau Alabajos ens acosta al recorregut vital del poeta amb motiu de la celebració del centenari del seu naixement. Un viatge que parteix dels seus poemes clau per mostrar-nos la vessant més humana d’Estellés. El fill del forner de Burjassot. El periodista compromès acomiadat pel diari on treballava. El poeta que es conjura amb la causa dels explotats i la reconstrucció d’un país vençut. Que igual recitava en una associació de veïns que rebia els màxims guardons de les lletres catalanes. Que es convertí en emblema i matèria primera del moviment popular de la Nova Cançó. I que, mentre la nostra xarxa cultural de base el reconeixia arreu del país, era perseguit i amenaçat per la dreta franquista que encara avui l’intenta censurar. El poeta que va esdevenir la veu d’un poble.¿A quién va dirigido el libro Vicent Andres Estelles?Vicent Andrés Estellés se dirige a un público amplio interesado en la vida y obra del poeta valenciano Vicent Andrés Estellés, especialmente en el contexto de la conmemoración del centenario de su nacimiento. El libro resulta atractivo tanto para lectores familiarizados con la poesía de Estellés como para aquellos que se acercan a su figura por primera vez. Su enfoque didáctico y conciso lo hace accesible a un público diverso, incluyendo estudiantes, investigadores y aficionados a la literatura y la historia valenciana. La obra se presenta como una herramienta útil para comprender la dimensión humana del poeta, más allá de su producción literaria.Temas que trata el libro Vicent Andres EstellesEl libro Vicent Andrés Estellés, a través de un recorrido estructurado en capítulos cortos que parten de poemas clave del autor, explora diversos aspectos de la vida y obra del poeta. Se centra en la vertiente humana de Estellés, mostrando su trayectoria vital de forma didáctica y concisa. Algunos de los temas que se abordan son:La vida personal de Estellés: El libro explora la vida del poeta desde su origen humilde como hijo de panadero hasta su reconocimiento como figura literaria de primer orden. Se muestra su faceta como periodista comprometido, su participación en la vida cultural valenciana y las dificultades que enfrentó bajo el franquismo.Su obra poética: Se analizan poemas clave de Estellés, utilizando estos como punto de partida para comprender su evolución creativa y sus principales preocupaciones temáticas. La obra no se limita a una simple descripción de sus poemas, sino que los utiliza como herramienta para comprender la personalidad y las vivencias del autor.Su contexto histórico: El libro sitúa la vida y obra de Estellés en su contexto histórico, mostrando su compromiso social y político, así como su papel en el movimiento cultural valenciano. Se destaca su importancia como voz del pueblo valenciano y su enfrentamiento con la censura franquista.Su influencia en la cultura valenciana: Se explora la influencia de Estellés en la cultura valenciana, incluyendo su impacto en la música y otros ámbitos artísticos. Se destaca su papel como figura clave en la renovación de la poesía valenciana contemporánea.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Vicent Andres EstellesAún no hay opiniones o críticas sobre VICENT ANDRÉS ESTELLÉS.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, Madrid, del 19 de septiembre de 2024 al 5 de enero de 2025Arthur H. Fellig, conocido bajo el seudónimo de Weegee (Zolochiv, 1899- Nueva York, 1968), ha sido un fotógrafo reconocido por las imágenes de carácter documental que realizó en Nueva York entre las décadas de 1930 y 1940. Sin embargo, la segunda parte de su carrera profesional que desarrolló en Hollywood a partir de 1947 no siempre ha gozado de la consideración que se merece. El libro recoge una selección de imágenes de su trayectoria que pretende poner en valor y mostrar la coherencia del conjunto de su trabajo, resultado no solo de su propia evolución personal, sino del reflejo de los cambios experimentados por la sociedad estadounidense en esa época.
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El best seller del crítico de arte más importante del mundo: un manual que todos los artistas, expertos y aficionados deberían leer.Ingenioso, apasionado y ganador del Premio Pulitzer, Jerry Saltz -crítico de arte de New York Magazine-, es contactado a menudo por artistas, comisarios, galeristas, profesionales y todo tipo de aficionados al arte para pedirle consejos. Basándose en su experiencia durante décadas de inmersión en el mundo del arte, Jerry Saltz ha logrado reunir todas las respuestas y las ha ordenado en un manual imprescindible para defenderse en el mundo del arte. Cómo ser un artista está repleto de consejos, reglas y ejercicios diseñados para dejar atrás los bloqueos creativos, incentivar la motivación y saber cómo defender una voz y lenguaje propios. Este libro ayudará a cualquier persona creativa a trabajar sus rutinas, mejorar los procesos, entender cómo funciona el mundo del arte y lograr sus sueños.¿A quién va dirigido el libro Cómo ser un artista?Este libro se dirige a cualquier persona con inquietudes creativas, tanto artistas profesionales como aficionados. Se presenta como una guía útil para quienes buscan mejorar sus procesos creativos, superar bloqueos artísticos y comprender mejor el funcionamiento del mundo del arte. Independientemente del nivel de experiencia, el libro ofrece herramientas y consejos para desarrollar una voz artística propia y alcanzar las metas profesionales. Está especialmente indicado para aquellos que buscan orientación y apoyo en su camino artístico.Temas que trata el libro Cómo ser un artistaEl libro aborda una amplia gama de temas relevantes para el desarrollo artístico. Se centra en proporcionar consejos prácticos y ejercicios para:Superar bloqueos creativos: El autor ofrece estrategias y técnicas para desbloquear la creatividad y mantener la motivación. Se enfatiza la importancia de la perseverancia y la práctica regular.Desarrollar una voz artística propia: El libro guía al lector en el proceso de definir su estilo personal y desarrollar un lenguaje visual único. Se anima a la experimentación y a la búsqueda de la propia identidad artística.Mejorar los procesos creativos: Se ofrecen herramientas para optimizar las rutinas de trabajo, mejorar la eficiencia y desarrollar una metodología efectiva para la creación artística.Comprender el mundo del arte: El libro proporciona información sobre el funcionamiento del mercado del arte, las relaciones entre artistas, galeristas y coleccionistas, y las estrategias para promocionar el propio trabajo.Lograr los objetivos artísticos: Se proporciona orientación sobre cómo establecer metas realistas, desarrollar un plan de trabajo y perseverar en el camino hacia el éxito artístico.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Cómo ser un artistaAún no hay opiniones o críticas disponibles públicamente sobre Cómo ser un artista.
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Jesús Ribera. Un artista del Bruc
Jesús Ribera, un jove del Bruc que va morir prematurament, podria haver esdevingut un creador notable. En aquest llibre, a part de les seves creacions, també hi trobareu aspectes de la seva vida, gràcies al relat de les diferents persones que el van conèixer i que el recorden. A més a més, una anàlisi de la seva obra ens aporta una aproximació molt interessant de com va treballar i quines influències va rebre.
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La 1ª monografía de los cientos de vallas publicitarias de la coalición liderada por artistas For Freedoms, la colaboración creativa pública más grande en su historia.Fundada en 2016 por Hank Willis Thomas, Eric Gottesman, Wyatt Gallery y Michelle Woo, For Freedoms es una organización dirigida por artistas que utiliza el arte como catalizador para el compromiso cívico creativo, el discurso y la acción directa.Con el objetivo de infundir una perspectiva antipartidista basada en las artes en el panorama político, For Freedoms ha colaborado con miles de artistas, activistas y académicos para crear más de 500 vallas publicitarias que utilizan el arte como vehículo para profundizar los debates públicos sobre cuestiones cívicas y valores fundamentales.Este volumen completo incluye vallas publicitarias creadas entre 2016 y 2023 por más de 400 artistas como Derrick Adams, Gina Belafonte, Sanford Biggers, Paula Crown, Shepard Fairey, Theaster Gates, Guerrilla Girls, Jenny Holzer, Rashid Johnson, JR, Christine Sun Kim, Marilyn Minter, Sofía Gallisá Muriente, Gordon Parks, Kameelah Janan Rasheed, Maggie Rogers, Hank Willis Thomas, Carrie Mae Weems y Ai Weiwei, entre muchos más.Este nuevo libro celebra cómo For Freedoms ha transformado el espacio comercial público en espacio de exhibición y ha lanzado una colaboración creativa de proporciones épicas.Escrito por Hank Willis Thomas, Eric Gottesman, Michelle Woo, Wyatt Gallery, y Taylor Brock
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Dibujar en 10 pasos: Caballos y ponis le ayudará a transformar sencillas formas geométricas en su perfecto amigo equino en solo 10 pasos. Siga las sencillas instrucciones para crear 50 razas distintas en diferentes posturas, desde un caballo hannoveriano encabritado hasta un poni Fell pastando. ¡Aprender a dibujar nunca había sido tan fácil!
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El objetivo principal de este libro no es otro que hacer disfrutar al lector o lectora observando cada reproducción pictórica, para que se sienta reflejado en el bienestar que se transmite a través de las vivencias de sus personajes protagonistas. Sirviendo cada texto complementario de guía para profundizar más en cada una de las obras y animar a su vez al aprendizaje de mirar un cuadro.La selección de las obras la he llevado a cabo de dos formas distintas: encontrando al azar pinturas que me transmitían un instante de sosiego, tranquilidad… o bien buscando otras que estuvieran relacionadas con un momento de gozo elegido para la ocasión, conformando finalmente la que podría ser una, esperamos que más que interesante, exposición de medio centenar de cuadros, sin estar condicionada a tener en cuenta la representación de épocas, movimientos, artistas…, que nos hablan de los pequeños deleites de la vida.Y dicho todo esto, les invitamos, sin más dilación, a comenzar este colorido itinerario pensado para ofrecerles buenos minutos de agradable observación y lectura. Bienvenidos a Museo deleite.
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Mujeres de la Grecia mítica e histórica dejaron su huella en artes como la pintura y la escultura, asombrando a cuantos contemplaron sus creaciones. Muchas de ellas llegaron a tener sus propios talleres, al igual que los hombres, donde trabajaban en sus obras. La mayoría han quedado en el anonimato, pero de la mano de historiadores como Plinio el Viejo y otras fuentes históricas, es posible conocer la identidad de algunas artistas continuadoras de la labor de Penélope, una de las primeras tejedoras de la cultura helenística. Este libro, ilustrado con ejemplos de su arte, rescata del olvido a pintoras como Timarete, Irene, Calipso, Aristarete, Iaia y Olimpias y rinde homenaje a un colectivo, el femenino, maltratado habitualmente por la Historia del Arte.
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Repleto de ilustraciones inspiradas en las ocho películas de Harry Potter, este libro te hará regresar a las escenas y lugares más memorables de la saga: el primer partido de Quidditch de Harry, su visita al Callejón Diagon, las clases de Hogwarts... ¡y mucho más! En el interior encontrarás más de noventa de ilustraciones detallistas y CAUTIVADORAS, perfectas para horas de relajación y creatividad.
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Tina Modotti
L'exposició Tina Modotti (Údine, 16 d'agost de 1896-Ciutat de Mèxic, 5 de gener de 1942) recupera la figura d'aquesta artista a qui s'ha anat coneixent de mica en mica des de la dècada de 1970. A més de posar èmfasi en la seva relació amb Espanya, la mostra realitza per primera vegada una reconstrucció sense fissures de la figura de Modotti, tant en la seva faceta d'artista/fotògrafa com en la de revolucionària/militant antifeixista. Gràcies a l'extens treball de recerca de la comissària de la mostra, Isabel Tejeda, i a causa de l'escassa producció de la fotògrafa, l'exposició que avui presenta la Fundació MAPFRE reuneix al voltant de 240 fotografies al llarg d'un recorregut cronològic que es divideix en quatre seccions. S'exposen majoritàriament còpies d'època i una extensa mostra de material documental. A més, es presenten obres de fotògrafs del seu entorn proper com Edward Weston, així com una de les pel·lícules que Modotti va protagonitzar a Hollywood. El catàleg de l'exposició recull les fotografies i el material documental exposats, a més dels assajos de la comissària Isabel Tejeda i diversos autors, Jorge Ribalta, Rosa Casanova, David Caliz, Laura Branciforte, Claudi Natoli, Eva M. Vives.
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La exposición Tina Modotti(Údine, 16 de agosto de 1896-Ciudad de México, 5 de enero de 1942) recupera la figura de esta artista a la que se ha venido conociendo paulatinamente desde la década de 1970. Además de hacer hincapié en su relación con España, la muestra realiza por vez primera una reconstrucción sin fisuras de la figura de Modotti, tanto en su faceta de artista/fotógrafa como en la de revolucionaria /militante antifascista. Gracias al extenso trabajo de investigación de la comisaria de la muestra, Isabel Tejeda, y debido a la escasa producción de la fotógrafa, la exposición que hoy presenta Fundación MAPFRE reúne alrededor de 240 fotografías a lo largo de un recorrido cronológico que se divide en cuatro secciones. Se exponen en su mayoría copias de época y una extensa muestra de material documental. Además, se presentan obras de fotógrafos de su entorno cercano como Edward Weston, así como una de las películas que Modotti protagonizó en Hollywood.El catálogo de la exposición recoge las fotografías y material documental expuestos, además de los ensayos de la comisaria Isabel Tejeda y diversos autores, Jorge Ribalta, Rosa Casanova, David Caliz, Laura Branciforte, Claudio Natoli, Eva M. Vives.
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Este catálogo nos permite adentrarnos en el excepcional momento histórico, principios del siglo xx, en el cual el artista irrumpe en la escena artística de París, a través de la mirada y la sensibilidad de Olivier, su compañera de aquellos años, y de algunos de sus amigos y colaboradores.
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Según muchos historiadores del arte, la aventura del arte moderno surgió en la década de 1870 en París, cuando un grupo de artistas, los impresionistas, empezaron a pintar con pinceladas rápidas e imprecisas. En vez de ampulosas escenas heroicas, retra
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El libro perfecto para todo dibujante de manga incipiente.Aprende a dibujar manga desde cero, y haz un curso intensivo para crear tus propios personajes, mundos e historias con la ayuda de este cuaderno de dibujo guiado.Iníciate con instrucciones fáciles y paso por paso para dibujar rasgos faciales y cuerpos manga. Luego, pon en práctica las dotes de dibujo adquiridas con consejos sobre cómo montar las escenas y planificar la línea argumental. En cada sección encontrarás espacio en blanco suficiente para hacer tus propios bocetos, consejos sobre los materiales más adecuados y trucos de experto para que perfecciones tu técnica en todo el proceso. En cuestión de poco tiempo, tendrás la habilidad y la confianza necesarias para empezar a crear tu propio manga.
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Aquest catàleg ens permet endinsar-nos en l'excepcional moment històric en què l'artista irromp en l'escena artística del París, a principis del segle XX, a través de la mirada i la sensibilitat d'Olivier, la seva companya d'aquells anys, i d'alguns dels seus amics i col·laboradors.
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Història visual de Montserrat
Situat en una muntanya de relleu impressionant, el monestir de Santa Maria de Montserrat ha viscut una llarga història que l'ha dut a ser un santuari d'una gran popularitat, a desenvolupar-se com un focus cultural molt rellevant, superar una destrucció gairebé total i a esdevenir un punt de referència per al país. A través de totes aquestes circumstàncies, mai no ha deixat de ser una comunitat de fe que ha perseverat fidelment sota la regla de sant Benet durant mil anys. Les obres d'art conservades al monestir prenen la veu per explicar amb el seu testimoni aquesta història mil·lenària.
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