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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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En 1565 Richard Breton edita en París Les Songes drolatiques de Pantagruel, una colección de 120 estampas grabadas en madera por un autor anónimo, que las firmó utilizando el nombre de Rabelais. El artista desconocido que grabó las estampas pudo ser François Desprez. Una selección de 25 estampas de Desprez fueron la inspiración directa de la serie de 25 litografías de Salvador Dalí tituladas también Les Songes drolatiques de Pantagruel. Dalí mantuvo las composiciones originales, introduciendo pequeños detalles que subrayaban su carácter fantástico. El imaginario carnavalesco pasa por el filtro de la «paranoia-crítica» daliniana, en una expansión de la estética de lo grotesco. Ese ciclo satírico-surrealizante sirve como pretexto visual para revisar a ese artista extravagante que llegó a decir que «la belleza será comestible o no será». Dalí canibaliza el mundo pantagruélico y nos invita a degustar un menú que es más inquietante que sabroso.
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Al fusionar el expresionismo europeo con la cultura popular estadounidense, André Butzer comenzó a dar forma a su obra, que transita por los extremos artísticos y políticos del siglo XX. Con influencias de lo más variado, desde Friedrich Hölderlin y Edvard Munch hasta Walt Disney y Henry Ford, desarrolló un universo ficticio centrado en la colonia espacial NASAHEIM. Allí habita la Peace-Siemens, una simpática forma de cabeza que combina ideas utópicas con el pensamiento económico del incipiente consumismo de masas, mientras figuras como el Wanderer ofrecen proyecciones románticas y el Shame-Human, reflexiones sobre el pasado político. Este universo da profundidad temática a los lienzos, donde los personajes actúan como protagonistas de la pintura y envuelven la N-House, hogar de todos los colores, en un estilo que el artista ha denominado ''expresionismo de ciencia ficción''.Transcurridos algunos años del nuevo milenio, los colores cobraron vida propia y se convirtieron en pinturas abstractas de líneas que recorrían los lienzos con libertad. A partir de 2010, Butzer exploró los límites de la pintura, las dimensiones y potencialidades fundamentales de la expresión pictórica, en las superficies aparentemente negras de sus N-Paintings. En 2018, se mudó a California, donde empezó a pintar al aire libre durante todo el año. Las obras de esta etapa rebosan frescura y colorido, y constituyen una gran familia de líneas y figuraciones modeladas por su experiencia en el límite de la abstracción.Este es el primer libro que abarca toda la obra de Butzer desde 1999 hasta 2023, que se caracteriza por un impulso casi musical compuesto de desarrollo, regreso y nuevos comienzos. Las láminas se intercalan con citas contemporáneas del artista que arrojan luz sobre su actitud idiosincrásica como trasfondo de la obra, así como fotografías procedentes de sus archivos. El ensayo introductorio de Hans Werner Holzwarth analiza las diferentes fases de la obra y ubica las ideas del artista en un discurso más amplio sobre la abstracción y la figuración tras el fin de ambos géneros. Y, lo que es más importante, las impecables ilustraciones de gran formato revelan con total fidelidad la delicadeza como colorista de un artista que se cuenta entre los pintores de su generación con un mayor reconocimiento internacional.
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Este catálogo de la exposición de Paula Rego en el Museo Picasso Málaga narra la historia de una artista de extraordinario poder imaginativo. Paula Rego ha revolucionado la forma de representar a las mujeres y ha desempeñado un papel fundamental en la redefinición del arte figurativo en Portugal y a nivel internacional. Es destacable el carácter personal de gran parte de su obra, el contexto sociopolítico en el que está arraigada y las referencias e inspiración para la creación de sus trabajos, que van desde los cómics hasta la pintura histórica. Este libro cuenta con un gran repertorio de imágenes de la obra de Paula Rego, entre las que se incluyen collages, pinturas, pasteles a gran escala, dibujos a tinta y lápiz, grabados y esculturas. Una ocasión única para conocer a fondo la trayectoria de esta enorme artista portuguesa.
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A través del estudio iconográfico y mitológico de sus obras de arte en la arquitectura, la escultura y la pintura ha sido posible conectar el arte románico con la cultura y la mentalidad de su tiempo, demostrando cómo cada obra de arte refleja el momento sociocultural, a partir de las imágenes del mito dominante, que corresponde a un entorno común, delimitado por una época, un estilo y una estética artística.
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Tienes en tus manos el recetario definitivo sobre esmaltes cerámicos:una guía que incluye más de 250 fórmulas para crear todo tipo deesmaltes (desde los porcelánicos, de barnices y rakú, hasta los de gresy baja temperatura), así como diversas recetas de pastas cerámicastradicionales y de autor.Cada fórmula incluye la composición, una breve pero ilustrativadescripción y una fotografía que muestra el aspecto final del esmaltepara percibir rápidamente su color y nivel de brillo y opacidad. La guíase abre con una útil y rigurosa introducción a los conceptos básicos dela formulación, aplicación y ajuste de los esmaltes, y se cierra con unglosario básico y varias tablas de equivalencias sobre materiales ytemperaturas.En definitiva, una guía indispensable para cualquier ceramista que deseeexperimentar o ampliar su conocimiento sobre esmaltes y pastas cerámicas
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La representación visual de la casa en las artes desde el feminismo contemporáneo.Este libro trata sobre la actividad artística relativa a la casa desde su relación con el desarrollo del movimiento feminista iniciado en los setenta hasta hoy. Se profundiza en la importancia de dicha relación y se hace un análisis basado en conceptos creativos, estudiando las causas que subyacen en estas creaciones visuales. Se muestra así una cronografía desde artistas de renombre, obras y acontecimientos sociales. Las reflexiones y propuestas la obra pretende transformar el modelo social actual y conseguir una sociedad más justa e igualitaria a través de todo ello.
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Joseph Beuys és l'artista que va dir que 'tot ésser humà és un artista', potser perquè ara puguem imaginar també que 'tota ampolla de vi és una obra d'art'. Aquesta plaqueta vol ser un convit a descobrir o redescobrir l'obra de Beuys més tocada per la vinya i el vi, dins el seu projecte DIFESA DELLA NATURA.
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Over 100 global artists working with collage, as chosen by a team of art experts – an indispensable who's who of the most exciting and innovative names working in the medium.Collage is an artistic language comprising found images, fragmentary forms, and unexpected juxtapositions. While it first gained status as high art in the early twentieth century, the past decade has seen a fresh explosion of artists using this dynamic and experimental approach to image making.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Metapintura. Un viaje a la idea del arte, celebrada en el Museo del Prado (15 de noviembre de 2016-19 de febrerode 2017). Ambos se centran en la Edad Moderna y tienen como punto de partida aquellas ocasiones en las quela pintura dejó de ser primordialmente una «ventana»de comunicación con el exterior, para transformarseen «espejo». Es decir, hizo de sí misma, de sus leyeso sus autores, los protagonistas del cuadro.En el libro se estudian imágenes y textos a través de los cuales la sociedad de la época expresó su relación conelarte. Su estructura es cronológica y se inicia conuncapítulo sobre la imagen religiosa, protagonistadel arte español hasta mediados del siglo XVIII y enla queel concepto de arte confluye con los de utilidad y culto. Le siguen dos capítulos que muestran cómose fuecreando una alternativa al predominio de la imaginería sagrada, y cómo se hicieron cada vez más abundantes las imágenes y los relatos de carácter civil, a través de los cuales la pintura o la escultura quedarondefinitivamente instaladas en el catálogo de las actividades «artísticas» e intelectuales. Los dosúltimoscapítulos analizan los cambios en el sistemade las artes que se produjeron en el siglo XVIII, cuando los pintores encontraron amparo institucional a través delas academias, se consolidó el concepto de «escuela española», se multiplicaron las fórmulas de autorrepresentación, y el artista acabó por convertirse, especialmente a través de Goya, en tema de su arte. Acaba el libro en 1819, con la creación del Museo del Prado,que preludia un cambio fundamental en la manera de concebirse la relación entre el artista, su materia yla sociedad.
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En 2016 el Museo Picasso de Barcelona adquirió el fondo fotográfico de Lucien Clergue relativo a Picasso: cerca de seiscientas fotografías en blanco y negro a las sales de plata, todas ellas copias de época. Este libro presenta, en forma de crónica, una selección de este conjunto: la narración en imágenes que Clergue hizo de Picasso a lo largo de numerosos encuentros que tuvieron lugar en el sur de Francia, donde ambos vivían.Picasso-Clergue es a su vez un álbum de familia y el diario de una amistad.Edición en francés.
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El llibre aplega una sèrie d'articles, publicats prèviament en diversos catàlegs d'art, que fan llum sobre la metodologia i la minuciosa recerca duta a terme per Baer. Aquesta antologia aprofundeix en l'obra de Picasso, explorant-ne el desenvolupament i els vincles amb els grans mestres del passat. La seva anàlisi contribueix a contextualitzar i a comprendre millor la riquesa del llegat picassià.
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Primera monografía sobre Torrigiano: el imaginero renacentistaEste volumen es la primera obra dedicada a Torrigiano y traza un viaje cautivador a través de las cuatro ciudades que moldearon su destino: Florencia, Roma, Londres y Sevilla. En sus páginas se reconstruye la relación entre su vida errante y su ambiciosa personalidad artística, incluía su relación con Miguel Ángel y cómo le impactó en su obra, ofreciendo una nueva lectura de la obra del legendario imaginero.En primer lugar, se reconstruye la vida de Pietro Torrigiano, a medio camino entre el mito y la historia. En segundo lugar, se analiza su producción en terracota, y en especial sus esculturas sevillanas tardías, desde la perspectiva de sus viajes. Por último, el libro indaga en la fortuna posterior de la obra y de la leyenda de Torrigiano. Se demuestra, por una parte, cómo sus obras dieron lugar a un nuevo género de arte en el mundo ibérico: la imaginería, el cual se practicará hasta bien entrado el siglo XVIII. Por otra parte, se rastrea el mito prometeico de Torrigiano, que le sobrevivió y floreció durante el Romanticismo, al mismo tiempo que, paradójicamente, la historia del arte marginaba su obra y descartaba su historia como mera leyenda. En este sentido, este proyecto trata de cómo la historia del arte mató a Torrigiano, y cómo solo lo podrá recuperar mediante el mito en tanto metáfora.
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Marcas personales de infancia, de tierra natal, de lengua materna, nutren los trazos de estos gouaches y bocetos inéditos con los que Marc Chagall honra pasajes del Antiguo Testamento de «esta Biblia soñada cuyas palabras cantan como un poema». Chagall inició en 1931 este monumental trabajo por encargo del consagrado editor y galerista francés Ambroise Vollard, quien, tiempo atrás, le había confiado la creación de los gouaches para Las fábulas de La Fontaine (Libros del Zorro Rojo, 2011). Eligió comenzar su representación bíblica con la creación de Adán, ya que su idea primordial del arte siempre estuvo ligada a la imagen del hombre. Chagall, quien creó sus pinturas durante un período marcado por el antisemitismo y la amenaza de la guerra -circunstancias políticas que se reflejan en su iconografía- concibió a la vez este proyecto como una manera de regresar a los rumores primigenios de su tierra natal y de homenajear a su cultura y a su pueblo. En esta Biblia soñada, resignificó las marcas históricas sobre los textos sacros con el arte deslumbrante de la variedad de técnicas y colores, y la autenticidad de quien dijo: «Por más extraño que parezca, en nuestra época, que, a pesar de sus numerosas realizaciones, considero desquiciada, uno siente la necesidad de escapar a otra dimensión... Hace rato ya que el arte no huele bien: la pureza del alma fue sustituida por una cloaca».
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La muestra Miró: poema traza las relaciones entre laobra pictórica de Joan Miró y la poesía desde diversospuntos de vista, en una visión profunda que trasciende el concepto de “ilustración”, una noción que limita y establece una jerarquía entre medios inconciliable con el discurso del artista. Este vínculo pintura-poema recorre toda la carrera de Joan Miró y se desarrolla a través de dos líneas distintas, interconectados en el discurso expositivo: una más directa y pragmática, la que se refiere a su colaboración concreta con diversos poetas en lengua francesa, española y catalana, otra más compleja y especulativa, la que desentraña el papel de la poesía en su concepto y prácticade la pintura.
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Catálogo de exposición sobre la obra Jorge Pineda.
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Com podem viatjar de la ciutat al camp en una tarda, sense agafar cap vehicle? Com podem endevinar què s’amaga entre les branques d'un bosc espès? Com podem trobar i perdre i tornar a trobar un gat sense moure’ns de lloc? De la mà de l’artista Antoni Tàpies farem un recorregut per algunes de les seves obres, ensopegarem amb un poeta que fa jocs de mans, i coneixerem una àvia i una néta que busquen un gat. Si no el perdem de vista destaparem els secrets amagats en les obres de Tàpies. I és que en l’art hi ha molta màgia per descobrir!
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La arquitectura del siglo XX se distingue por su asombrosa diversidad. Del mismo modo que el choque delo puramente estético con lo comercial produjo una feliz simbiosis, las visiones puristas y otras más experimentales, la estéticas monumentales y otras más pintorescas se encontraron cara a cara. Desde los grandes arquitectos estrella hasta nombres internacionalesmenos conocidos, esta panorámica cronológica nos transporta hasta el corazón de las ideas, tendencias y cambios que han definido el siglo XX.De Frank Lloyd Wright y Antoni Gaudí a Frank O. Gehry y ShigeruBan, todo está aquí. Los 31 capítulos, organizados cronológicamente, lo sitúan todo en perspectiva, ilustrados por cientos de fotografías en gran formato, asícomo por una pléyade de dibujos y planos. El apéndicebiográfico abarca a todos los arquitectos más importantes del siglo y también a los nuevos talentos. Y las espectaculares ilustraciones incluyen algunas de las mejores imágenes de la arquitectura moderna.Para aquellos que admiran el espíritu y el diseño deedificios del siglo XX, este es un título de referencia. La colección abarca no sólo a los autores sino también a los grupos, los movimientos y los estilos quedefinieron una era en el arte de la construcción. ¡Una obra indispensable para los amantes de la arquitectura!
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Volver las palabras del revés para encontrar lo oculto en las entrañas del lenguaje. Las vidas paralelas de las ideas, lo que se dice, lo que se indice, lo que se desdice y lo que no se dice, lo que se elimina. El encuentro y expresión de las ideas. Su viaje a través de nosotros, seres sociales. Un pensamiento sobre el pensamiento, pero pensamiento artístico. Un tiempo que no viene, sino que deviene. Ojo pinto: habla el ojo y habla en presente. Textos cortos que a veces son un relato y otras veces una máxima. También puede ser un dibujo, que nombra y adjetiva lo que figura en el verbo de la escena, de la composición. Sensaciones mentales, despertares en y de lo cotidiano. El comentario sabe lo dicho y el cómo se dice. También sabe lo que no se dice.
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Guía para investigar en la perspectiva y la estructura de lo que se dibuja • La perspectiva atmosférica • La perspectiva lineal central • La perspectiva lineal oblicua • La perspectiva aérea • Estructura • Sombras • Reflejos Giovanni Guglielmo Civardi nació en Milán el 22 de julio de 1947. Licenciado en Economía, estudió posteriormente en la Facultad de Medicina y en la Scuola del Nudo de la Accademia di Brera, y se dedicó al retrato y a la escultura. Durante más de una década realizó ilustraciones para diarios, revistas y cubiertas de libros. Organizó muestras personales de escultura y amplió sus estudios anatómicos durante frecuentes estancias en Francia y en Dinamarca. Desde hace muchos años dirige cursos de anatomía y de dibujo de la figura humana, y ha condensado su experiencia didáctica en numerosos libros, reeditados con frecuencia. La mayoría de ellos han sido traducidos a varias lenguas (inglés, francés, español, ruso, alemán, japonés, etc.). De 2011 data el Cuaderno de Lourdes, el más reciente de sus apuntes de viaje. Actualmente vive y trabaja en Milán, Casteggio y Niza.
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Este libro ilustrado es un maridaje de los textos de Andrés Sánchez Magro y las ilustraciones de Sean MacKaouli. A través de sus páginas, recorremos las noches del Florida Park, las habitaciones de hospitales en los que se respira la tensión entre la vida y la muerte, el contraste de los paisajes del deseo con los escenarios castizos en los que los que se mezclan los rituales católicos con el whisky. Por su parte, las ilustraciones oníricas de MacKaouli dan cuerpo a los textos a través de la tensión entre elementos realistas y fantasiosos. Un camaleón que emerge entre los rascacielos, un carrito de bebé que contiene tierra yerma o una bombilla cuyo centro de irradiación es una cruz católica nos sumergen en el universo literario de Sánchez Magro.
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María Goyri (Madrid, 1873-1954) formó parte de la vanguardia en defensa de los derechos de la mujer y de su acceso a la educación y a la cultura. Fue la primera mujer en cursar estudios oficiales en Filosofía y Letras en la Universidad Central y una de las primeras investigadoras en temas filológicos y literarios. En sus primeros años escribió varios artículos sobre la educación y el trabajo de la mujer en periódicos y revistas, con una orientación feminista. Filóloga, escritora e historiadora, dedicó su vida a la investigación y la docencia. Se formó en la Asociación para la Enseñanza de la Mujer, fundada por Fernando de Castro en 1870, de la que sería después profesora, y tras cursar los estudios de Comercio e Institutriz en dicha Asociación, ingresó en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Central en el año 1892, donde se licenció en 1896 y se doctoró en 1909. De carácter discreto e independiente, Goyri reunió excepcionales dotes de talento y perseverancia en el estudio que la hicieron merecedora del reconocimiento de sus profesores y el respeto y admiración de sus compañeros. Su presencia en las aulas fue un ejemplo vivo de compromiso para elevar la cultura de la mujer al más alto nivel, inaugurando una etapa de apertura de los títulos universitarios al alumnado femenino, y su correspondiente profesionalización. En aquel periodo frecuentó los cenáculos culturales, conoció a Ramón Menéndez Pidal, con quien se casaría en 1900, participó en eventos relacionados con la pedagogía y la literatura, y mantuvo contacto con relevantes intelectuales, entre ellos Emilia Pardo Bazán, José Echegaray o Marcelino Menéndez Pelayo, quien fue su profesor en la Universidad. Fruto de su intensa actividad profesional son las numerosas obras de diverso contenido, en especial sobre el romancero, que se recogen en uno de los capítulos de este libro. El trabajo de referencia relacionado con la Universidad fue la tesis doctoral titulada «La difunta pleiteada. Estudio de literatura comparativa», que leyó el 16 de junio de 1909 y que 8 fue calificada con sobresaliente por un tribunal formado por Antonio González Garbín (Presidente), Cayo Ortega Mayor, José Alemany y Miguel Asín. Además de su pasión por los libros, María Goyri tuvo una gran afición con la que disfrutó intensamente: la fotografía. La compartió con su gran amiga Carmen Gallardo, y también con Ramón Menéndez Pidal, al que calificó de maestro en la materia. Este aspecto, poco conocido y apenas estudiado, se justifica con el epistolario personal y los originales conservados en la Fundación Ramón Menéndez Pidal, objeto de estudio y análisis para esta muestra por el Grupo de Investigación Fotografía y Documentación (Fotodoc) de la Universidad Complutense de Madrid. A su etapa universitaria, que comprende más de tres lustros, dedicamos la exposición «María Goyri en la Universidad», celebrada en la Biblioteca Histórica Marqués de Valdecilla con motivo del 150 aniversario de su nacimiento, dentro del programa de actividades que la Fundación Ramón Menéndez Pidal organiza para conmemorar el acontecimiento. La Universidad Complutense de Madrid contribuye así a los eventos y manifiesta el orgullo de contar entre sus egregias estudiantes con una mujer excepcional de imborrable huella.
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Esta Addenda viene a completar el Catálogo de manuscritos medievales de la Biblioteca Histórica «Marqués de Valdecilla» (Universidad Complutense de Madrid) editado en 2019. Se describen ahora de manera sistemática los manuscritos medievales de la Biblioteca Histórica (posteriores al BH MSS 161), es decir, los datados desde el siglo XIII al XVI de diferentes procedencias que no se incluyeron en el mencionado catálogo por no proceder de la colección fundacional ildefonsina recogida por José de Villaamil y Castro. Desde el punto de vista de su contenido son piezas que preservan importantes repertorios o documentos jurídicos y canónicos que constituyen fuentes de primer nivel para la historia cultural. Aunque es menor el aporte de los textos clásicos (Salustio y Esopo), su presencia en la Biblioteca Histórica nos informa de su recepción en la Península en fechas bastante tempranas. El corpus no ha sido adecuadamente estudiado y catalogado hasta la fecha y, por su antigüedad y variedad temática, merece ser puesto a disposición del público y los investigadores, como parte importante del rico patrimonio bibliográfico español
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Aunque la obra de Vermeer se reduce a 35 pinturas, ha originado un éxito de ventas del New York Times, una película protagonizada por Scarlett Johansson y Colin Firth, récords de visitantes en museos de todo el mundo, desde Ámsterdam hasta Washington, y la creación de medidas especiales para controlar al público que acude al Mauritshuis de La Haya, lugar de peregrinación de miles de personas para observar la enigmática, inocente y encantadora Joven de la perla, también conocida como la ''Mona Lisa holandesa''. Sin embargo, en vida, Johannes Vermeer (1632-1675) apenas era conocido más allá de Delft, su ciudad natal, y su reducido círculo de mecenas. Al morir, su nombre quedó en el olvido, excepto para algunos coleccionistas y marchantes de arte neerlandeses. Fuera de Holanda, sus obras incluso se atribuyeron erróneamente a otros artistas. No fue hasta mediados del siglo XIX cuando Vermeer llamó la atención del mundo del arte internacional que, viendo con buenos ojos su precisión narrativa, la meticulosidad de los detalles de su textura y los planos de luz majestuosos, descubrió a un genio y nunca volvió a apartar la vista de él. Esta edición reúne el catálogo completo de la obra de Vermeer en un formato compacto. Con una calidad de reproducción excepcional, permite disfrutar al máximo de las escenas sosegadas y al mismo tiempo cautivadoras, tan apreciadas en galerías de toda Europa y Estados Unidos. A través de detalles precisos y de ensayos se traza la habilidad excepcional del artista no sólo para plasmar los usos y costumbres del Siglo de Oro neerlandés, sino también para sintetizar una historia en un solo gesto, una expresión o una simple mirada.
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Nada hay más universal que el amor, y nada como él ha logrado inspirar las mayores obras artísticas y literarias de la humanidad. En la Edad Moderna, era tal su importancia social y cultural que llegaron a existir tratados sobre el amor que triunfaron en
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Félix Beltrán. Siempre el diseño presenta una reedición de los libros más significativos del autor: Desde el diseño (1970), L etragrafía (1973) y Acerca del diseño (1975) así como una selección de quince textos y entrevistas donde se recogen las ideas más destacadas del diseñador. Estos textos nos ayudarán a entender el diseño al servicio de la propaganda política, social y cultural durante la revolución cubana, y la evolución que ha tenido el mundo del diseño y la comunicación iberoamericana durante los últimos 60 años. Es interesante descubrir tras la lectura de estas páginas que Félix evita en lo posible las lecciones magistrales y prefiere utilizar una especie de mayéutica ùmétodo socrático de enseñanza basado en el diálogo entre maestro y discípuloù para reflexionar sobre su trabajo.
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La colección reunida por Juan Abelló y Anna Gamazo constituye uno de los fondos artísticos más ricos del ámbito europeo, con obras que van desde la Edad Media al siglo XXI. Entre sus fondos se concentra un grupo muy coherente de pinturas y dibujos con vistas de la ciudad de Madrid y de parajes de su comunidad autónoma, que aquí son reunidos y estudiados por primera vez de forma monográfica. La riqueza y variedad de las obras permite un sugerente recorrido por un Madrid hoy desaparecido o muy transformado. Este conjunto equivale a un pequeño museo de la evolución de la imagen de la capital y los Reales Sitios cercanos, algunos de cuyos parajes son hoy Patrimonio de la Humanidad.
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El libro reúne una serie de artículos, publicados previamente en diversos catálogos de arte, que arrojan luz sobre la metodología y la minuciosa investigación llevada a cabo por Baer. Esta antología profundiza en la obra de Picasso, explorando su desarrollo y los vínculos con los grandes maestros del pasado. Su análisis contribuye a contextualizar y a comprender mejor la riqueza del legado picassiano.
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Bellísimos motivos fantásticos y oníricos para colorear.Peggy Nille te abre las puertas a un país maravilloso donde conviven la fantasía y la ensoñación. Embárcate en su fantástica imaginación y descubre sus casas con forma de frutas, su pueblo tortuga, sus globos aerostáticos estrafalarios... Coloreando sus dibujos, los verás cobrar vida ante tus ojos.Un relajante libro antiestrés con más de 90 ilustraciones.Con un papel de 150 g ideal para colorear con distintos materiales.Sumérgete en un universo encantador coloreando escenas que te harán olvidar tu día a día.
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Aquesta publicació presenta l’obra de Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985), centrada en la creació d’ecosistemes escultòrics en els quals famílies de formes germanes creen fluxos i comunitats, es repeteixen i muten en l’espai. Es tracta de la primera monografia de l'artista que acompanya les exposicions ocell somni de màquina, Somni màquina d'ocell i Màquina somni d'ocell que tindran lloc en el Museu Centro de Arte Dos de Mayo, MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona i Fondazione Sandretto Re Rebaudengo respectivament.Mitjançant el treball amb elements orgànics, l’artista construeix relats sobre l’aïllament, la immunitat i la connectivitat que apel·len a un subjecte contemporani, fragmentari i en desplaçament constant. Si bé l’escultura ocupa un lloc principal en la producció de Solar Abboud, el vídeo també ha estat un mitjà rellevant –especialment en els primers anys de la seva pràctica artística– i, junt amb els quaderns de treball, conformen el suport de l’origen de cada forma, de cada peça i de les relacions que es creen entre si. Les seves últimes obres són éssers híbrids i sincrètics de cos mig d’animal, mig de màquina que ocupen un espai intermedi entre l’enginyeria i la mitologia. La publicació consta de tres edicions separades en castellà, català i anglès, en les quals es recullen els textos de les comissàries del projecte –Tania Pardo, Claudia Segura Campins i Irene Calderoni–, les contribucions de Chus Martínez i Manuela Moscoso i una conversa entre l'artista i Cecilia Alemani, així com una extensa documentació gràfica i una catalogació de la seva obra.
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Andy Warhol (Pittsburgh, Estados Unidos, 1928) es sinlugar a dudas uno de los artistas más relevantes y conocidos del siglo XX. Este volumen, que acompaña a la exposición homónima en Barcelona, Madrid y Málaga,subraya la forma en que Andy Warhol capturó el «cultoa la mercancía» desde los inventos industriales delsiglo XIX.
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Dante y su legado en la Universidad Complutense de Madrid desde las artes y las letrasEl origen de este libro fue la Exposición llevada a cabo en 2021 por la Universidad Complutense de Madrid con motivo de los 700 años de la muerte del gran poeta Dante Alighieri, autor de uno de los libros más importantes de la literatura universal. Es indudable la enorme influencia que el divino Dante ha ejercido en el arte y en la literatura posterior a su Divina Comedia.Destaca en el catálogo los fondos bibliográficos complutenses, tales como un incunable veneciano de 1493 de la citada obra, la primera edición en castellano de 1515 o ediciones del siglo XVIII y XIX, incluidas las que fueron ilustradas con los grabados de G. Doré. Entre los trabajos artísticos, podemos encontrar a los pintores Botticelli o Delacroix, el poeta y pintor William Blake, el escultor Auguste Rodin, o el grabador Paul Gustave Doré ya referido. En el siglo XX, Dalí desarrolló su proyecto interpretativo llegando a crear una serie de acuarelas que se convirtieron en 100 grabados y más recientemente, Miquel Barceló también se hizo eco de esta obra con 200 ilustraciones, en las que el color cobra gran protagonismo.Junto con los trabajos de estos artistas reconocidos, se muestran una veintena de proyectos artísticos seleccionados a través de una convocatoria abierta con el objetivo de visibilizar la producción e investigación artística contemporánea en relación con la interpretación de la Divina Comedia.
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Fernando Botero es un artista con estilo propio. Durante más de seis décadas, la técnica del boterismo colombiano ha fascinado a coleccionistas, instituciones y espacios públicos de todo el mundo por su visión exagerada, rolliza y singular del cuerpo humano. A través de sus corpulentas creaciones, Botero se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos de Latinoamérica, y sus obras se han expuesto en algunos de los lugares más emblemáticos de todo el mundo, como la Park Avenue de Nueva York y los Campos Elíseos de París. Esta edición de la serie Basic Art de TASCHEN ofrece una introducción esencial a esta destacada figura del arte contemporáneo. El libro, que recorre la obra de Botero desde sus primeras caricaturas de animales hasta las últimas esculturas en bronce a gran escala, analiza las diversas influencias del artista, de Paolo Uccello al expresionismo abstracto, y rinde homenaje al ingenio, la ironía, la perspicacia y la agudeza crítica que se ocultan tras las proporciones absurdas de sus composiciones.
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Proyecto para un monumento a José Luis Cuerda. Historias de la ruraleza reúne una serie de textos e imágenes impresas de la exposición de José Luis Serzo, cuyo eje central es la obra escultórica creada por el artista en homenaje al cineasta albaceteño José Luis Cuerda.Nos encontramos ante un catálogo que habla del proceso de creación, del propio monumento, del cineasta y de su universo: la ruraleza. Un término que nos evoca toda una mezcolanza de conceptos como rareza, rural, natural y extrañeza.José Luis Serzo (Albacete, 1977) es un artista multidisciplinar destacado por sus exposiciones-relato. “Post Show”, “El fantástico vuelo del hombre cometa”, “Thewelcome”, “Los sueños de I Ming” o “Los Señores del Bosque” son algunas de sus series, en las que a través de pintura, dibujo, fotografía, objetos, instalación, vídeo y la literatura como hilo conductor, cuenta historias un tanto oníricas y con una trascendencia optimista.
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El catàleg presenta la diversitat dels universos creatius de les joves il·lustradores i comiqueres Bàrbara Alca, Marta Cartu, Genie Espinosa, Ana Galvañ, Nadia Hafid, Conxita Herrero, María Medem, Miriampersand i Roberta Vázquez. En la seva obra, i a partir de l´ús de diferents lllenguatges, registres estètics o de referents culturals, així com a través de l´ús del color, el grafisme o l’experimentació estilística i narrativa, les nou creadores han posat en qüestió les formes canòniques del còmic. Sovint tracten, amb mirada crítica i humor, temes de la realitat millenial com ara la precarietat econòmica i laboral, la desaparició de l’estabilitat, la relació amb la tecnologia, la sororitat o les relacions a Internet, etc.
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Todo lo que se necesita para aprender a pintar sin depender de aptitudes especiales para el dibujo. Wendy Jelbert presenta claras instrucciones para pintar motivos de puertas y ventanas usando bocetos ofrecidos en forma de plantillas desprendibles y reutilizables. • Instrucciones claras y fotografías paso a paso • Cinco proyectos fáciles de seguir • Seis plantillas reutilizables • Preciosos e inspiradores cuadros
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Darse la mano. Escultura y color en el Siglo de Oro, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 19 de noviembre de 2024 y el 2 de marzo de 2025.El volumen y el color han marchado unidos a lo largo de milenios. Gracias a la policromía la escultura ganó en verosimilitud y vivacidad, convirtiéndose en un eficaz instrumento de persuasión desde los momentos más tempranos de la historia. La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corpórea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia más cercana y real. Escultores y pintores trabajaron al unísono para crear unas obras en las que ambas labores se fundían con perfección. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirtió en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores escénicos, ya fuera al formar parte de una procesión o al ser representada en un lienzo.Este catálogo y la exposición a la que acompaña ilustran la incansable búsqueda de realismo en el arte español del Renacimiento y el Barroco en todo aquello que afectaba a la envoltura de la figura, y muestran a partir de un centenar de obras, pinturas, estampas y esculturas la integración natural de la pintura en la escultura y su triunfo en el mundo hispánico, destacando el valor de lo tridimensional en la transmisión del mensaje sagrado.
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