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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Un auténtico héroe popular en América Latina y el artista más importante de México, junto a su esposa, la pintora Frida Kahlo, Diego Rivera (1886-1957) tuvo una vida apasionada dedicada al arte y el comunismo. Tras pasar unos años (en la década de 1910) en Europa, donde se rodeó de otros creadores y abrazó el movimiento Cubista, regresó a México y comenzó a pintar los murales a gran escala que le hicieron famoso. En ellos abordó temas sociales y políticos relacionados con la clase trabajadora, ganándose un estatus profético entre los campesinos de su país. Fue invitado a crear piezas en el extranjero, especialmente en Estados Unidos, donde provocó controversia al retratar a Lenin en un mural para el Rockefeller Center de Nueva York (que fue destruido antes de que se terminara). La obra más notable de Rivera es su Detroit Industry (Industria de Detroit) de 1932, un grupo de 27 frescos en el Detroit Institute of Art en Michigan.Este volumen presenta numerosos detalles a gran escala de los murales, permitiendo que sus diversos componentes y sutilezas sean examinados de cerca. Además de los estos, se incluye una gran selección de pinturas, fotografías de época, documentos y dibujos de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, muchos de los cuales eran hasta ahora desconocidos para los estudiosos y cuya inclusión ha sido posible gracias a la más intensa investigación realizada sobre el trabajo de Rivera desde su muerte. Los textos incluyen una biografía ilustrada y ensayos de destacados historiadores del arte que ofrecen interpretaciones de cada mural. No se puede pedir un estudio más completo de la obra de Rivera. Finalmente su trabajo tiene la retrospectiva que merece.
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El dibujo es una disciplina compleja que requiere años de estudio y perfeccionamiento. Cada error o equivocación forma parte del proceso de aprendizaje. En esta obra se recopilan, analizan y corrigen algunos de los errores más comunes del dibujo: todo problema tiene una solución. Se ofrecen las claves para identificar y definir las causas que impulsan a cometer cada uno de los errores y como enmendarlos.
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Nombrado uno de los 54 mejores libros de dibujo a lápiz de todos los tiempos por Book Authority Representar obras de arte que dejan a los espectadores contemplando si realmente podrían estar mirando una fotografía es una tarea fácil. Con este fantástico libro tendrá una guía completa que muestra a los artistas los secretos y pasos para dibujar retratos realistas a color. Qué materiales utilizar, pasos a seguir, y una gran variedad de técnicas a lápiz de color.
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El artista británico Lucian Freud, disfrutó de una carrera que duró más de siete décadas. Trabajó casi hasta el día de su muerte, cuando dejó sin terminar un retrato de su amigo y asistente de estudio David Dawson.Ahora disponible por primera vez en una edición elegantemente combinada, esta aclamada celebración del trabajo de Freud desde la década de 1930 hasta su muerte en 2011 incluye cientos de pinturas, dibujos, bocetos y grabados, incluso fotografías personales y cartas privadas ilustradas. Más de 480 ilustraciones ordenadas cronológicamenteUna descripción completa de su vida y obra en un lujoso volumen, este libro es una hermosa adición a los estantes de los amantes del arte en todas partes. Creado en colaboración con el Archivo Lucian Freud y David Dawson, Director del Archivo, y editado por Mark Holborn.
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El claroscuro de un genio maldito. «Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer.» Daily Mail Michelangelo Merisi da Caravaggio vivió la más oscura y peligrosa vida de entre los grandes maestros de la pintura. Los ambientes de Milán, Roma y Nápoles en los que Caravaggio se movió, y que Andrew Graham-Dixon describe magníficamente en este libro, son los de los cardenales y las prostitutas, los de la oración y la violencia. En las calles que circundaban iglesias y palacios, las peleas y los duelos eran moneda común. En una de estas disputas, el impetuoso Caravaggio mató a otro hombre y tuvo que huir a Nápoles y luego a Malta, donde escapó de prisión tras verse envuelto en otro episodio violento. Él mismo fue víctima de un intento de asesinato en Nápoles tiempo después. Murió mientras regresaba a Roma en busca del perdón papal para sus crímenes. Tenía 38 años. Andrew Graham-Dixon pasó una década reuniendo las evidencias conservadas sobre la vida de Caravaggio para responder en este libro a muchas de las cuestiones que durante años desconcertaron a los investigadores. Revela las identidades de la gente corriente -a menudo prostitutas y mendigos- que el pintor usó como modelos para sus representaciones de escenas religiosas clásicas describe lo que pasó realmente durante ese fatídico duelo y ofrece el más convincente relato publicado hasta la fecha de las extraordinarias circunstancias de su muerte. Y en el centro de este relato se sitúa la reveladora interpretación que Graham-Dixon hace de los cuadros de Caravaggio para mostrar cómo éste creaba su drama, inmediatez y humanidad, y cómo rompió drásticamente con las convenciones de la época. La crítica ha dicho...«Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer. Impresionantemente erudita y bien escrita, ésta es una extraordinaria historia de un hombre que nunca nos habla más que a través de su pintura.»Daily Mail «La vida de Caravaggio fue en cada detalle tan sangrienta, excitante y atractiva como sus propias pinturas. Entre informes policiales y exuberantes lienzos, Graham-Dixon ha moldeado una vida y la historia de una sociedad.»The Times «Raramente se ha podido contemplar a Caravaggio con tanta profundidad y relieve como en esta maravillosa biografía. El hombre y su obra emergen enriquecidos y revitalizados.»Neil MacGregor, director del British Museum «Tras años en los que los historiadores del arte se han concentrado en los detalles del estilo artístico, es refrescante leer una biografía de Caravaggio que combina la sangre y las vísceras de los callejones de Roma con una verdadera comprensión de la calidad y el carácter de su pintura.»Charles Saumarez Smith, director de la Royal Academy of Art «El que a Graham-Dixon le llevara una década investigar y escribir este lúcido y fascinante libro es una muestra de la profundidad de sus indagaciones, la destreza de su análisis histórico y artístico y la hábil fluidez con la que está expresado. Se trata de una proeza poco común.»Publishers Weekly
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Colección de viñetas que narran el paso del Apóstol Santiago por la ciudad de Compostela en la época actual.
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Pensar el pensamiento
El presente libro aborda la idea del pensar.Generalmente se considera que sabemos aquello que pensamos acerca de una idea determinada, pero quizá no sabemos aciencia cierta qué hacemos, cómo lo vamos haciendo ocómo hemos llegado a ello. Un interesante ejercicio psicológico, educativo, social, acerca de hacer, pensar y sentir. En definitiva, qué se piensa y qué se siente al ir pensando o al ir sintiendo.
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Graphiclassic dedica este número monográfico al trabajo original realizado por Harold Foster para El Principe Valiente, uno de los personajes más famosos del cómic mundial. El Principe Valiente y su creador Harold Foster han gozado del interés del público durante mucho tiempo y ese entusiasmo se verá ampliamente acrecentado al poder observar en un formato adecuado una amplia muestra del trabajo original. Además, incorporamos diversas muestras del proceso en color y ejemplos de como era la impresión industrial en la K.F.S.
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Vivimos en una nueva edad barroca: otro periodo de luces y sombras, ingenio y mentiras, ilusionismo y ansiedad. Como entonces, el mundo es un gran teatro, y el individuo, un ser solitario enfrentado a la incertidumbre. La soledad como elección y destino. Este libro se centra, en primer lugar, en la moral de la España del llamado Siglo de Oro, y en segundo en la de nuestra época en general, en muchos aspectos coincidente con la de aquella: individualismo y postureo, falta de imaginación social y sumisión al orden establecido, entrega a la realidad virtual y preeminencia del miedo.Y, a la vista está, otro tiempo de ortodoxias imperiales, desigualdad social y pesimismo colectivo. Después de las crisis con las que se ha abierto el siglo XXI, nada es lo que se pensaba. Mientras tanto, la vida transcurre como en un tiempo detenido: sin esperanza de futuro ni nostalgia del pasado. Decidiendo solos, en la incertidumbre.
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Este libro recoge la obra antibelicista de Miralda en los 60-70. Empieza con la lavadora de soldados, que eran verdes y salen blancos. Luego, intervenciones en estatuas de París. Es la gran obra que lo consagro internacionalmente.BOOOM es una compilación inédita de fotografías y dibujos realizados por Miralda (Barcelona, 1942), uno de nuestros artistas más reconocidos en el panorama artístico internacional, dotado de una visión mordaz e inteligente del contexto social y político.Booom no llega en cualquier momento. Llega nada más y nada menos que en la peor escalada de violencia bélica desde la segunda guerra mundial.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Sigmar Polke. Afinidades desveladas, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 26 de noviembre de 2024 y el 16 de marzo de 2025.Las reflexiones sobre la pintura han sido una obsesión a lo largo de la historia tanto para los artistas como para los historiadores de arte. La obra de Sigmar Polke, artista alemán considerado como uno de los pintores más influyentes de la posguerra, se centra en la reflexión y la revalorización del arte pictórico, esencial en su aproximación creativa. Esta se concreta en términos de experiencia, de exploración y de azar, y potencia la mezcla imprevista de imágenes y materia, así como su superposición utilizando cualquier medio técnico.La relación entre Polke y la figura y la obra de Francisco de Goya es el trasfondo de esta exposición y del catálogo que la acompaña. El medio centenar de obras mostradas revela un conjunto heterogéneo de paralelismos entre ambos creadores, una conexión atemporal entre sus temas y su factura. Desde el encuentro de Polke en 1982 con la pintura del maestro aragonés Las viejas o El Tiempo, en el Palais des Beaux-Arts de Lille, las consecuencias sobre su obra se sucedieron con rapidez, afectando tanto a los motivos como a la técnica y los criterios compositivos.
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El estudio más completo de la obra del célebre artista holandés Michael Raedecker, que abarca 30 años de carrera.Michael Raedecker, el aclamado artista holandés, registra los recuerdos que encierran espacios y objetos en sus enigmáticas y oníricas pinturas. Casas suburbanas, casas en los árboles, habitaciones vacías y sillas desocupadas flotan en un inquietante aislamiento. Los tonos apagados se penetran con hilo y aguja, donde el artista cose a mano las formas en una materialidad texturizada.Desde el principio de su carrera como pintor, Raedecker ha incorporado el bordado a sus obras como contrapunto visual a su aplicación de pintura deslavada. Este estudio de su obra, diseñado por la aclamada diseñadora gráfica holandesa Irma Boom, es el más completo publicado hasta la fecha, con ensayos de un grupo único y diverso de críticos, comisarios, artistas y académicos.
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Manuel Salvador Carmona (1734-1820) fue el más destacado grabador de la España ilustrada. Desde su formación en París como primer pensionado de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando para el estudio de la talla dulce en la rama de retratos e historia, su compromiso con el arte calcográfico fue ejemplar. En París aprendió con Nicolas-Gabriel Dupuis (1698-1771) y fue el primer español en ser nombrado grabador del rey de Francia. De él se decía que siempre estaba «o con el lapicero o con el buril en la mano», y es que dedicó su larga vida al arte, ya fuera como director de grabado en la Real Academia de San Fernando, como grabador del rey o como maestro de sus discípulos y familiares.
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Siguiendo la estela de su éxito conjunto Dibujo. Cómo crear objetos y entornos con imaginación,Scott Robertson y Thomas Bertling comparten los conocimientos, técnicas y habilidades que cualquier artista necesita desarrollar para dar un paso más con sus dibujos y transmitir sus ideas con mayor claridady precisión.La representación es la siguiente habilidad que hay que trabajar después de aprender a dibujar y, aquí, los lectores de todos los niveles artísticos encontrarán herramientas y consejos útiles pararepresentar distintas formas, superficies, materiales y conceptos.En un momento en el que es tan fácil recrear texturas y volúmenes con programas de renderización en 3D, los autores apuestan por aprovechar las herramientas digitales, pero sin olvidar los fundamentos de la luz, las sombras y la reflectividad. Por eso, a través de sencillas lecciones paso a paso magníficamente ilustradas, ayudan al lector a mejorar sucomprensión visual del mundo y a poner en práctica técnicas que le permitirán representarlo con un resultado más realista. El libro, dividido en dos bloques
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La biografía de Leo Castelli, el principal galeristade arte contemporáneo de Nueva York durante más de cuatro décadas. fue el abanderado del pop-art, el minimalismo y el arte conceptual, descubridor de talentoscomo Andy Warhol, Jasper Johns, Jackson Pollock o RoyLichtenstein.Annie Cohen-Solal, autora también de la biografía definitiva de Sartre, entrevistó al protagonista a lo largo de varios años y narra su vida a través de las voces de los artistas, los amigosy los clientes que convirtieron a la Castelli Gallery en el corazón del arte neoyorquino.Un librolleno de glamour, profusamente ilustrado con fotografías inéditas.Leo Castelli fue hasta los cincuenta años lo que en Estados Unidos se considera un europeo típico: diletante, más aficionado a la vida socialque al trabajo, mujeriego y vividor. Pero entonces abrió su local en Nueva York, y se convirtió en El Galerista: el hombre que dio entidad y cuerpo al pop-art, que descubrió a Jasper Johns, a Lichtenstein, a Rauschenberg o a Warhol. El anfitrión de las fiestas clave, el marchante de los artistas que contaban
un europeo que reinó durante varias décadas en Nueva York,y que desde allí reconquistó Europa con toda una redde galerías satélite.Annie Cohen-Solal llegóa Nueva York a finales de la década de 1980, a tiempode caer fascinada por el hechizo de este hombre enigmático, con el que sostuvo largas charlas, complementadas con los testimonios de sus familiares, esposas yex, hijos, artistas, colaboradores, amigos y adversarios. De todo ello emerge un retrato fascinante, el relato de unos años mágicos en la Gran Manzana y una obra imprescindible para los lectores interesados en el arte contemporáneo y en el mercado que lo rodea.La autora se recrea en la personalidad del hombre:culto, indudablemente, pero sobre todo pleno de habilidades sociales y económicas extraordinarias [
] Castelli representa por primera vez al galerista que alcanza un monopolio artístico [
] actuando sobre la vidaparticular y el comportamiento de los artistas [
] Apasionante vida, muy bien narrada e ilustrada con abundante y muy significativo material gráfico. Fernando Checa, Revista de Libros.
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Una tragèdia pintada
L'assassinat de l'arquebisbe de Canterbury Tomàs Becket el 1170 a mans dels homes del cercle de confiança del rei Enric II d'Anglaterra va causar un enorme impacte a l'Europa del segle xii. La seva mort violenta va ser el tràgic desenllaç d'un conflicte de gran transcendència entre el poder secular de les monarquies feudals europees i el poder espiritual de l'Església. Arran dels fets, la figura de Becket assolí un gran ressó i el seu culte va estendre's arreu, també a la península Ibèrica, on trobem obres que rememoren el seu martiri i santificació, com el conjunt pictòric de Santa Maria de Terrassa (ca. 1180). Una tragèdia pintada narra la difusió del culte a Tomàs Becket i il·lumina les relacions entre Anglaterra i el món peninsular de fa vuit-cents cinquanta anys. Per quin motiu Ramon Berenguer IV va confiar la tutela del seus fills al rei d'Anglaterra? Va tenir Elionor Plantagenet, filla d'Enric II, un paper actiu en la promoció del culte a Becket al regne de Castella? La presència d'un canonge anglès de nom Harvey a Santa Maria de Terrassa va ser determinant en l'elecció del tema de les pintures? Aquests són alguns dels interrogants d'un trencaclosques històric que va tenir com a principal escenari la Catalunya de la segona meitat del segle XII.
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Historia cronológica de la creación de la Capilla Sixtina, uno de los espacios pictóricos más famosos de la historia del arte. Desde su primera impulso, con el papa Sixto IV, para responder a la puesta en cuestión de su liderazgo planteada por Mohammed II, y posteriormente con Julio II, la Capilla Sixtina muestra cómo la política se aprovecha plenamente del potencial comunicativo y propagandístico del arte.Si la decoración de la parte inferior de la Capilla Sixtina muestra la máxima expresión del dominio de los talleres toscanos durante el siglo XV, desde en 1505, es Miguel Ángel quien señala la evolución hacia la idea de genio creativo moderno, cuando la obra de arte comienza a ser reconocida como producto de puro ingenio. Con un enfoque doble, de historiador y de restaurador, con detalle pero también con la intención de llegar a todos los lectores interesados en el Renacimiento, Antonio Forcellino nos hace revivir el prodigioso proyecto de pintar la Capilla Sixtina, reconstruyendo las voluntades y las intenciones de sus artífices -los papas y los artistas- y la historia material, las técnicas y los estilos que reúne esta extraordinaria obra maestra.
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El presente libro ofrece una reflexión sobre el arteatravés de sus «derivas», es decir, los movimientosque anidan en la creación y que hacen que en el arteactual quepan todas las maneras. A lo largo de sus capítulos no sólo se considera la creación propiamentedicha sino también la disciplina de la Historia del arte,sus límites y la necesidad de plantear nuevos métodos y estrategias de lectura. Y ello a partir de unmodode entender el conocimiento a través de intercambiosde saberes entre disciplinas –afines o no–, enlugarde querer encapsularlo en un único y delimitadocampo.Son estos saberes reticulares los que explican las mencionadas «derivas», que, partiendo de un núcleo central que podría resumirse en un análisis de lateoríay la historia del arte global de las dos últimas décadas, se diversifican en múltiples visiones nojerárquicas que dan cuenta de los contextos en los que se generan y operan. En definitiva, este texto desarrolla una serie de «líneas de fuga» que, desde la crítica dearte, los Estudios Visuales, el concepto dearchivo oel de globalización, tanto convergen comodivergen buscando un movimiento continuo y, en últimotérmino, generan un espacio común desde el que reconocer que tanto o más importante que el arte que nuestro momento global concibe, lo es la manera de analizarlo, de narrarlo, de comunicarlo y de hacerlo extensible a una audiencia activa y participativa.
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Despierta tu creatividad y aprende todo lo que necesitas saber para crear tus propias piezas de cerámica ¿Quieres empezar a explorar tu potencial con la arcilla y encontrar la armonía al trabajar con tus manos? ¿O buscas ampliar tus habilidades como alfarero? ¡Cerámica. Técnicas artísticas es el libro perfecto para ti! Con una amplia gama de técnicas y fotografías inspiradoras. Una guía de cerámica práctica con la que aprenderás tanto técnicas esenciales como avanzadas para crear tus propias piezas. La cerámica se ha convertido en una tendencia de bienestar muy popular en los últimos años gracias a sus propiedades relajantes. Con el asesoramiento experto de artesanos que trabajan en una amplia gama de estilos, desde lo clásico hasta lo más vanguardista, este libro te ayuda a dominar todas las habilidades necesarias para dar vida a tus ideas. Un libro imprescindible para alfareros de cualquier nivel que buscan inspiración para sus proyectos cerámicos.
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* Una historia que cautivará a cualquiera que desee levantar el velo de nuestra fascinación por lo espeluznante, lo mórbido y lo sobrenatural. * A través de un viaje en el tiempo, recorriendo sus distintas formas de expresión, este libro traza los caminos entrecruzados del gótico, desde las sombras de la historia hasta el corazón mismo de la cultura popular contemporánea. * Ruinas, demonios inmortales, pasajes oscuros y bosques repletos de terrores expuestos y escondidos: los bucles del gótico se han arrastrado por la arquitectura de iglesias, mezquitas y casas señoriales, irrumpiendo incluso en los grandes almacenes de las zonas periféricas y en ciudades superpobladas. La palabra gótico evoca asociaciones con lo oscuro y lo melancólico, lo extraño y lo temido, así como lugares y personas embrujados. Este libro es una mirada sin precedentes a las formas en las que este extraño estilo se ha manifestado a través de la arquitectura, la literatura, el cine, el arte, los videojuegos y más. Desde las obras de Victor Hugo y E. T. A. Hoffmann hasta el gótico del sur, el folclore antiguo y las películas de terror clásicas, se explora cómo una estética que comenzó en los márgenes se ha reinventado a lo largo de los siglos para convertirse en parte de la cultura global dominante. El libro empieza hablando de la arquitectura y la forma góticas, incluidos elementos como el arco, la casa y las ruinas. Analiza la representación del gótico en entornos rurales y urbanos, así como en el desierto y las zonas fronterizas. A continuación, se adentra en las tradiciones y escenarios góticos de todo el mundo, desde los sublimes Alpes y el interior de Australia hasta el páramo ártico, del oscuro reino folclórico del bosque hasta los paisajes postindustriales de hospitales y asilos abandonados, y luego más allá de los límites del planeta, al incognoscible horror cósmico. El autor investiga los monstruos que nos reflejan a nosotros mismos y a la sociedad, y demuestra que a medida que el gótico ha viajado por todo el mundo y a través del tiempo se ha transformado de acuerdo con la forma de nuestros miedos y ansiedades.
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Históricamente el Mediterráneo ha sido un espacio de entendimiento y confrontación donde Occidente y Oriente han participado en proyectos comunes y se han enfrentado política y militarmente. Sin embargo, desde el siglo XVIII las potencias occidentales han conseguido una hegemonía económica, política y cultural que les ha permitido tener un trato de dominio colonial sobre el conjunto de países árabes o musulmanes.Escapar del punto de vista mayoritario, romper con las creencias hegemónicas e intentar construir un discurso propio que dote de personalidad e identidad a un país o a una cultura es una tarea ardua y costosa. Los países árabes han visto secuestrada su voz y su manera de ver el mundo por una concepción generalista e igualatoria que tiende a negar las diferencias, olvidar la pluralidad de voces o sentimientos, y llevarnos a una historia única e indiscutible, a la sombra de Occidente.Este libro tiene un doble objetivo: por un lado, entender cómo se ha ido construyendo un discurso cultural e ideológico colonial en el que ha primado el desinterés y el menosprecio por aquello que no se conoce o se teme, por otro, dar a conocer el conjunto de proyectos, experiencias y discursos poscoloniales que muy diferentes creadores (desde las dos orillas) van elaborando y que nos dan una visión mucho más amplia y compleja de un área geográfica tan importante como es el Mediterráneo.
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El plaer de l'art
«Hagi escrit sobre el que hagi escrit, Pla ens ha ensenyat a mirar el nostre país i la seva gent, a mirar-nos a nosaltres mateixos i, des d'aquí, a mirar el món, i per això ens agrada», escriu Teresa Amat, que en aquest llibre aborda un aspecte essencial que genera un gran interès tant de la mirada com de la ploma de Josep Pla: l'art i els artistes, especialment l'art i els artistes catalans. Pla va escriure sobre Gaudí, sobre Dalí, sobre Rusiñol, sobre Maillol, sobre Picasso, sobre Gargallo, sobre Miró i sobre tants d'altres. Però l'estudi sobre la relació de Josep Pla amb l'art i amb els artistes encara s'havia de fer. A El Plaer de l'art trobareu aplegats tot de textos de l'escriptor sobre el seu concepte d'art i sobre els artistes que va conèixer.
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¿Sabías que la portada románica de San Miguel de Uncastillo, hoy en el Museo de Boston, se utilizó durante años como puerta de un garaje?, ¿que los tapices flamencos que atesoraba España se quemaban para extraer sus hilos de oro y plata?, ¿que el patio renacentista del castillo de Vélez-Blanco está hoy en el Metropolitan de Nueva York porque su último dueño lo vendió a los americanos, víctima de las deudas por el juego? En estas páginas, José María Sadia emprende un viaje apasionante y perversamente seductor por los entresijos de la venta masiva de los tesoros españoles, en una aventura a ritmo de «thriller» por los detalles de los miles de operaciones de «autoexpolio» de valiosísimas obras artísticas que parecerían ciencia ficción, de no estar rigurosamente documentadas. Una obra, en definitiva, sobre una pérdida irreparable que removerá la conciencia del lector y le hará reflexionar sobre los verdaderos culpables del expolio de nuestro pasado. «Conservación del patrimonio y coleccionismo pueden convivir perfectamente, pero a veces se han cruzado barreras que solo pueden explicarse por la falta de concienciación, educación y puesta en valor de nuestro pasado. El periodista José María Sadia conoce esta historia como nadie y aquí la cuenta sin tapujos, para sorpresa de unos y vergüenza de otros».NACHO ARES, director de Ser Historia.
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Traços
Fruit de diversos viatges a Austràlia als anys seixanta i setanta, el Museu Etnològic i de Cultures del Món de Barcelona conserva a les seves col·leccions municipals un dels millors conjunts de pintures sobre escorça aborigen australiana de tot Europa, que ara s'han estudiat i catalogat. Profusament il·lustrat, aquest llibre dona a conèixer per primer cop una selecció significativa d'aquestes pintures extraordinàries, en un viatge visual que ens transporta des de la pintura tradicional sobre escorça d'eucaliptus fins a la contemporaneïtat més global, crítica i actual.
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En las últimas dos décadas, Nicole Wittenberg ha desarrollado un expresivo conjunto de obras que incluye pinturas de paisajes, retratos y erotismo. Wittenberg, más conocida por sus vibrantes pinceladas, crea imágenes aparentemente espontáneas a partir de estudios y dibujos (a menudo del natural) que sintetiza en pinturas sobre lienzo de mayor tamaño.Entretejiendo gestos pictóricos de distintos temas (algunos publicados aquí por primera vez), esta primera monografía incluye ensayos de la historiadora de arte Suzanne Hudson, el comisario Devon Zimmerman y el pintor contemporáneo David Salle, así como una extensa conversación entre la artista y el escritor Jarrett Earnest. Estos textos crean un retrato profundo de Wittenberg como artista.Presentado en un hermoso estuche de tela que muestra detalles de una de sus composiciones florales, este libro explora toda la gama de la visión artística de Wittenberg y representa la publicación más importante de su obra hasta la fecha. La publicación del libro coincide con dos exposiciones individuales de la obra del artista, en el Museo de Arte Americano de Ogunquit y en el Centro de Arte Contemporáneo de Maine.
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Descubra todo un mundo de expresión y creatividad con la herramienta de dibujo más asequible que existe. Numerosas técnicas e ideas que van desde el sombreado y el difuminado a las monoimpresiones de grafito y el collage, que le permitirán explorar la enorme diversidad que ofrece el dibujo a lápiz. Gracias a las sencillas instrucciones y a la inclusión de las obras de algunos de los mejores dibujantes a lápiz del momento, podrá hallar la inspiración que necesita para mejorar su técnica de dibujo. El humilde lápiz. Uno de los primeros utensilios para escribir que conocemos durante la infancia y, seguramente, aquel que nos resulta más familiar. Sin embargo, no debemos subestimar a esta bestia de carga del mundo de la creatividad: si se utiliza de manera adecuada, es capaz de producir una enorme diversidad de líneas, tonos, texturas, colores y expresiones. Existen lápices blandos que se deslizan por el papel y otros que presentan un mayor agarre y producen un trazo granulado y desigual, o que ofrecen una gratificante resistencia cérea. Además, un lápiz se puede elegir no solo por el trazo que produzca, sino también por el placer de utilizarlo sobre el papel, y no son pocos los artistas que tienen un lápiz favorito cuyas cualidades se adaptan a su manera de dibujar.
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Catàleg de l'exposició inaugurada al Museu Nacional d'Art de Catalunya el 26 de juny de 2008 (21.6.2008 al 21.9.2008), organitzada conjuntament amb la Tate Gallery de Londres, en la qual es proposa descriure l'amistat personal i els diàlegs artístics entre tres de les grans figures de l'art del segle XX: Marcel Duchamp , Man Ray i Francis Picabia. Presenta prop de 300 obres (pintures, objectes, fotografies i cinema) amb els principals temes que exploraren aquests artistes durant la seva experiència dadaista, i que són el reflex de l'univers compartit per tots tres.
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Neo Rauch es uno de los artistas contemporáneos más exitosos y populares del mundo. Rauch, una fuerza líder de la Escuela de Leipzig, el grupo de artistas que surgió de Alemania del Este a principios de la década de 1990 después de la caída del Muro de Berlín, rápidamente se estableció internacionalmente a través de sus grandes lienzos que presentan un cruce entre el surrealismo y la imaginería popular.Caracterizados por una paleta ácida brillante, los paisajes ambiguos de Rauch están poblados por figuras alienadas y conectadas espacialmente que evocan una atmósfera misteriosa de nostalgia distorsionada y utopía fallida. Esta monografía que abarca toda su carrera se realizó en estrecha colaboración con el artista y muestra el trabajo de Rauch junto con ensayos y textos que iluminan su trabajo y su carrera.
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Deu estius a Campins
Durant deu estius consecutius, Antoni Llena, un dels artistes catalans contemporanis més importants, va visitar el seu mestre i amic Antoni Tàpies al seu estudi de Campins. En tornar, en recollia les seves impressions i reflexions en un quadern que va esdevenir, així, un testimoni del procés creatiu d'un gran artista vist per un altre que se'n reconeix alhora, com a deixeble i crític.
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Este catálogo se publica con motivo de la exposición ''José María Yturralde, Una línea de papel'' en el Museo Fundación Juan March de Palma del 18 de febrero al 24 de mayo de 2025 y en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca del 12 de junio al 12 de octubre de 2025.Dedicada al dibujo y los demás trabajos con y sobre papel de José María Yturralde (Cuenca, 1942), la exposición recoge la línea ininterrumpida trazada por el artista sobre el papel desde los comienzos de su carrera artística. Incluye dibujos, maquetas, proyectos y ensayos, cometas, dibujos preparatorios para las diversas series en las que el artista ha ido articulando su trabajo, pruebas de delineación y color, maquetas para carteles, fotografías y sus experimentos con distintas técnicas de impresión, desde los realizados en computadores en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense hasta las recientes impresiones digitales de su serie Enso.
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«Me he bañado, he hablado un rato (siempre de pintura) con Mrs. Julia, y me he ido a desayunar donde todos los días. Luego me he cortado el pelo, pero antes me he sacado cuatro fotos con peinado Beatle, que han quedado inflantes, pero peor de lo que debían. De todas formas, ha sido una buena idea... Las mandaré a casa para que se asusten». Iván Zulueta pasó en Nueva York los primeros seis meses del año 1964 formándose como dibujante y pintor. Este volumen recoge el diario que llevó durante ese período. Se trata de un registro minucioso del día a día de un joven de la clase alta española lleno de incertidumbres, un tanto desubicado, pero que no deja de buscar su sitio. Estas páginas nos ofrecen una dimensión completamente desconocida de los años de formación de quien se convertiría en el enfant terrible del cine español. Esta edición, presentada y anotada por Josetxo Cerdán y Miguel Fernández Labayen, reproduce además algunas fotografías del viaje y numerosos dibujos que Zulueta realizó durante su estancia neoyorquina.
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Jesús Ribera. Un artista del Bruc
Jesús Ribera, un jove del Bruc que va morir prematurament, podria haver esdevingut un creador notable. En aquest llibre, a part de les seves creacions, també hi trobareu aspectes de la seva vida, gràcies al relat de les diferents persones que el van conèixer i que el recorden. A més a més, una anàlisi de la seva obra ens aporta una aproximació molt interessant de com va treballar i quines influències va rebre.
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* Una guía para los aspirantes a convertirse en ilustradores de manga a través de una experiencia de aprendizaje divertida e interactiva. * Sonia Leong, artista profesional de manga, enseña a los lectores las técnicas de dibujo, entintado y coloreado, escritura de guiones, creación de mundos de manga y mucho más. * Con páginas de práctica y estimulantes ejercicios que animan a los artistas a dibujar a medida que aprenden. Incluye numerosos consejos creativos, técnicas, ejercicios y proyectos paso a paso. El recurso perfecto para artistas e ilustradores de manga principiantes.
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Por primera vez se ofrece en este libro un balance de la vida y la obra de Pedro de Villafranca y Malagón (h. 1615-1684), cuya inigualable maestría en el manejo del buril fue reconocida con su nombramiento en 1654 como grabador del rey, cargo que nadie más que él ocupó en tiempos de Felipe IV. Sus retratos guardan una estrecha relación con los de Velázquez, pues muestran la misma habilidad por parte del artista para captar el carácter de sus modelos. Al margen de las efigies del monarca y su familia, Villafranca realizó más de trescientos grabados -sobre todo ilustraciones para libros-, pero trabajó además como pintor, restaurador de obras de arte, tasador y responsable de programas decorativos.
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El vídeo nunca ha sido más frecuente en el arte contemporáneo que hoy. En una época en la que las imágenes en movimiento han saturado la vida cotidiana, los artistas continúan extrayendo nuevas posibilidades del medio.  Desde documentación en vivo has
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Gimme Some Sugar es la muy esperada primera monografía de Genesis Tramaine, el renombrado artista estadounidense cuya estrella continúa ascendiendo en el mundo del arte internacional. Arraigada en su educación en la ciudad de Nueva York de la década de 1980 y su fuerte espiritualidad, Tramaine imbuye sus retratos abstractos de hombres y mujeres con una emoción trascendente, devoción y musicalidad silenciosa, nacida de pinceladas rítmicas y un uso visceral del color cromático. En su estilo gestual, busca, al mismo tiempo, representar y universalizar la humanidad del rostro negro estadounidense al oscurecer la especificidad de los rasgos individuales, eligiendo en cambio retratar la agitación interna y la alegría interna de la mente y el ser.El libro presenta más de 125 imágenes vibrantes y a todo color de los dinámicos y fascinantes retratos de la artista, que son un homenaje inextricable a su profunda fe, su sentido de sí misma y sus domingos por la mañana en la iglesia. Encuadernado en un rico y táctil estuche de piel sintética índigo destinado a evocar una Biblia moderna, Gimme Some Sugar también presenta un mini cuaderno de bocetos cuyas páginas revelan los estudios de dibujo lineal crudo e instintivo de las pinturas maestras a gran escala de Tramaine.
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