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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Presentamos un recorrido de más de mil quinientos años de historia de la pintura en Japón a través del análisis de sus obras más representativas con la explicación de los principales artistas, estilos y movimientos culturales: un viaje visual desde las primeras expresiones pictóricas en los antiguos túmulos funerarios a la pintura nihonga formulada tras la Restauración Meiji a finales del siglo XIX, pasando por los estilos yamatoe, suibokuga, Kano, Rinpa, ukiyoe, etc.Sin dejar de lado la rigurosidad académica, su enfoque didáctico apoyado en una cuidada maquetación, revela las claves de la pintura japonesa. Sus páginas profusamente ilustradas, con un color veraz y ajustado, transmiten la belleza y la riqueza de una tradición pictórica excepcional.Además, encontrarás fichas explicativas, gráficos y curiosidades que enriquecerán tu comprensión y apreciación del arte japonés. Ya seas un amante del arte, un estudiante o simplemente alguien que busca ampliar sus horizontes culturales, este libro es una ventana a un mundo lleno de color, historia y creatividad.
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El dibujo de la figura humana nos compromete a nosotros mismos, por completo: atañe a la emoción que sentimos frente al modelo mientras observamos sus características físicas y percibimos, alternándolos con los nuestros, sus estados de ánimo. Quizá, de forma parecida a lo que sucede en el retrato, y con valores aún más sutiles y profundos, observar el cuerpo de uno de nuestros semejantes provoca una especie de mirada también sobre su fluir interior y provoca casi una reflexión o una proyección en él...No sorprende, por tanto, y es bien sabido, que desde los primeros balbuceos del sentir artístico y religioso la representación del cuerpo humano ha constituido uno de los temas más elevados y significativos. El desnudo identifica al hombre en su esencia, quizá con itinerarios diversos en las civilizaciones de Occidente y en las orientales: en las primeras, por ejemplo, parece surgir, como rasgo distintivo, la tensión en el análisis, en la descripción, en la anatomía y en la explicación de lo orgánico, en la composición entre generalidad e individualidad,en las segundas, al contrario, predomina la atención por el fluir vital, por los indicios difuminados pero reveladores de los caracteres más íntimos y esenciales de las energías interiores. Giovanni Guglielmo Civardi nació en Milán el 22 de julio de 1947. Licenciado en Economía, estudió posteriormente en la Facultad de Medicina y en la Scuola del Nudo de la Accademia di Brera, y se dedicó al retrato y a la escultura. Durante más de una década realizó ilustraciones para diarios, revistas y cubiertas de libros. Organizó muestras personales de escultura y amplió sus estudios anatómicos durante frecuentes estancias en Francia y en Dinamarca. Desde hace muchos años dirige cursos de anatomía y de dibujo de la figura humana, y ha condensado su experiencia didáctica en numerosos libros, reeditados con frecuencia. La mayoría de ellos han sido traducidos a varias lenguas (inglés, francés, español, ruso, alemán, japonés, etc.). De 2011 data el Cuaderno de Lourdes, el más reciente de sus apuntes de viaje. Actualmente vive y trabaja en Milán, Casteggio y Niza.
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El retrato es, en su acepción habitual, la representación de los rasgos de un ser humano, es decir, de su rostro o de la figuraentera.Siempre ha sido, y es aún, un tema importante en las artes figurativas y caro a los artistas, que han encontrado en él,además de un género profesional bien retribuido y socialmente apreciado por su valor simbólico o conmemorativo, tambiénuna oportunidad muy interesante para indagar sobre la condición humana observada desde el punto de vista físico y, sobretodo, psicológico. Es este último punto de vista el que tiende a predominar en los tiempos modernos,ya que la fotografía,como es sabido,ha reducido mucho la función del retrato dibujado y pintado entendido como único medio para reproduciry transmitir los rasgos fisonómicos de un individuo.Pero éste era,evidentemente,tan sólo uno de los aspectos (el ''documental'') del retrato artístico. Reflexionando sobre mi experiencia de retratista,ilustrador y profesor,he tratado de simplificar y de compendiar en una visiónde conjunto los principales problemas con los que normalmente se topa uno al empezar a afrontar el dibujo de la cabeza''genérica''y, posteriormente,del verdadero retrato parecido.Algunos temas de especial importancia (por ejemplo:el dibujo de las manos,el retrato de los niños y de los ancianos,el retra-to de la figura entera,las ''cabezas características'',etc.) deberán ser necesariamente profundizados y a ellos se dedican otrosvolúmenes de esta serie.
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Les obres mestres de l'art català
Una manera original i entretinguda d'explicar l'art perquè arribi Un assaig imprescindible, però també una narració on la veu experta del seu autor desvetlla les curiositats de cada una de les obres seleccionades i tot allò que amaguen.
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Un libro imprescindible para conocer la obra de Leonardo en todos sus aspectos: su técnica pictórica, sus investigaciones científicas y tecnológicas, su estudio dela anatomía, sus códices y cualquier sugerencia nacida de su genio. Todas las obras y pinturas vanacompañadas por fichas descriptivas y técnicas. Toman especial protagonismo los detalles, las obras más controvertidas, aquellas cuya aceptación por la crítica es reciente o las obras maestras que han alimentadoel debate internacional, como Ángel encarnado, Salvator Mundi y La bella princesa.Las leyendas explicativas sacan a relucir los aspectos más curiosos dela historia de cada pintura. Gracias a la colaboración directa con coleccionistas y museos, las reproducciones fotográficas de las pinturas y otras obras reflejan las últimas restauraciones.
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Mark Rothko (1903-1970) fue un gran defensor de la total libertad de expresión del artista y rehuyó las clasificaciones y cualquier intento de interpretación de sus cuadros. Aunque se le considera una figura clave del expresionismo abstracto, formado e
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Icono del Nueva York de la década de 1980, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) se hizo inicialmente un nombre firmando grafitis con el nombre de ''SAMO'', antes de establecer su estudio y alcanzar rápidamente la fama con tan sólo 20 años. Aunque su carrera apenas duró una década, sigue considerándose una figura de culto del arte comprometido socialmente y un pionero en la mediación entre el grafiti y el arte de galería.En su obra, Basquiat hizo uso de fuentes y medios diversos para crear un vocabulario artístico original y urgente, que supuso, además, una crítica mordaz contra las estructuras de poder y el racismo. En su práctica fusionó la abstracción y la figuración, la poesía y la pintura, mientras que sus influencias englobaban desde el arte griego, romano y africano hasta la poesía francesa, los ritmos del jazz y la obra de artistas contemporáneos como Andy Warhol y Cy Twombly. Los resultados son mezclas vívidas y viscerales de palabras, emblemas africanos, figuras de dibujos animados y manchas de colores vivos, entre multitud de otros detalles.Este libro presenta la carrera breve pero prolífica de Basquiat, su estilo único y su profunda implicación con temas tan relevantes como la integración y la segregación, la pobreza y la riqueza.Sobre la serieCada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural,una concisa biografía,aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.
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Picasso dijo de Dalí que era un motor fueraborda que nunca deja de funcionar. El propio Dalí se creía a sí mismo un genio, conderecho a llevar a la práctica cuantas locuras le venían a la cabeza. Pintor, escultor, escritor, cineasta, Salvador Dalí (
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Prospect New Orleans, que ahora celebra su sexta edición, es la innovadora trienal de arte contemporáneo que atrae a miles de personas a la ciudad de Nueva Orleans, Luisiana, durante un período de 4 meses. Prospect.6, que abarca más de veinte lugares en toda la ciudad desde el 2 de noviembre de 2024 hasta el 2 de febrero de 2025, ofrece un importante punto de partida para examinar el cambio climático, los legados del colonialismo y las definiciones de pertenencia y hogar a través del arte. Esta publicación adjunta presenta más de cuarenta obras recientemente encargadas para la trienal, con énfasis en instalaciones a gran escala en espacios institucionales, no convencionales y públicos. El libro también incluye tres ensayos originales, una conversación con un artista y contribuciones de escritores de ficción y poetas.La amplia exposición está fuertemente influenciada por más de cincuenta artistas vivos y por aquellos que residen en o provienen de regiones de todo el mundo conectadas con Luisiana, incluidos Hannah Chalew, Christian Việt Ðinh, Abdi Farah, L. Kasimu Harris, Blas Isasi, Joan Jonas, Brian Jungen, Tuấn Andrew Nguyễn y Amanda Williams.
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La palabra 'Renacimiento' evoca bellezas de tonos púrpura y oro, un mundo alegre bañado en una luz suave, sonidos armoniosos, gentes moviéndose con elegancia, ajenas a los vaivenes del tiempo y a los reclamos de la eternidad: un mundo de plenitud y perfección.
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En 1953, fruto de unas conferencias pronunciadas en la Universidad de Harvard entre los años 1947 y 1948, publicó ''Los primitivos flamencos'', texto fundamental que definía el propio autor de la siguiente manera: ''Como la mayoría de los títulos, el de la publicación presente es impreciso. No he pretendido presentar la pintura flamenca primitiva en su totalidad [...], sino concentrar mis esfuerzos en Hubert y Jan van Eyck, el maestro de Flémalle y Roger van der Weyden. He intentado aclarar, hasta donde ha sido posible, las premisas históricas de sus logros, valorar lo que sabemos o creemos saber sobre su estilo, y seguir en líneas generales el curso de las evoluciones subsiguientes de las que puede decirse que constituyen la principal corriente de la tradición flamenca primitiva''.
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A Joseph Mallord William Turner se le puede considerar el genio más original del paisajismo del siglo XIX. La afirmación del también pintor John Constable: «Parece que pinte con vapor teñido, todo es tan evanescente y etéreo», prefigura su anticipación al impresionismo francés, al que sirvió de inspiración. Un gran libro en el que el lector encontrará la vida y la obra del gran creador.
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El período de la «Edad Media» es sin duda uno de los más complejos y heterogéneos de nuestro pasado. En aproximadamente un milenio, Europa y el mundo mediterráneo ha vivido numerosos procesos y transformaciones. En la presente obra se analizan las expresiones artísticas de dicho período, entendidas como documentos históricos que nos dicen mucho sobre las personas que las ejecutaron o las patrocinaron, y sobre las sociedades para las que fueron creadas. Esta «Historia del arte medieval», complementada con los recursos didácticos que el lector encontrará en una página web, pretende ser una herramienta para ayudar a la mejor comprensión de una época con evidente e injusta mala fama, pero que fue capaz de crear obras excelsas del patrimonio mundial, desde las catacumbas de Roma a la catedral de Burgos, pasando por Santa Sofía de Constantinopla o la Alhambra de Granada.
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Este volumen presenta el magnífico conjunto de 82 retratos y 1 bodegón que el aclamado pintor británico David Hockney ha pintado recientemente y que se expone ahora en el Museo Guggenheim de Bilbao. Con esta serie, Hockney reivindica el género pictór
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La publicación definitiva sobre la artista internacionalmente aclamada Shahzia Sikander, una de las artistas feministas más influyentes que trabajan en la actualidad.Nacida en Pakistán y activa en Nueva York desde la década de 1990, Shahzia Sikander navega por la interacción de múltiples identidades, abarcando una variedad de disciplinas artísticas en su trabajo y reinterpretando críticamente la historia material del sur de Asia.La iconografía claramente feminista de Sikander se centra en las narrativas de mujeres inmigrantes para desafiar las historias del arte eurocéntricas y contrarrestar la erudición orientalista.Este volumen, publicado coincidiendo con una importante retrospectiva de mitad de carrera que se estrenó durante la Bienal de Arte de Venecia y que se llevará a cabo simultáneamente en el Museo de Arte de Cincinnati y el Museo de Arte de Cleveland, es la primera exploración exhaustiva de las ideas y el arte de Sikander. Con cientos de imágenes, muchas presentadas en una página completa o en una extensión completa, el libro ricamente ilustrado sumerge a los lectores en el arte vibrante y subversivo de Sikander.Incluye textos de Manan Ahmed, Aruna DSouza, Bhanu Kapil, Rosalind C. Morris, Fred Moten, y Victoria Sung
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Picasso. Territori i arts i tradicions populars catalanes
Una edició que dóna a conèixer Picasso com a ambaixador excepcional de les arts i les tradicions populars catalanes.
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Hola, Miró!!! Quadern de viatge d'un urban sketcher
Swasky es troba amb Joan Miró a la casa que l?arquitecte Josep Lluís Sert va projectar per al seu amic a Barcelona. Al llarg del seu recorregut per la Fundació Joan Miró de Barcelona i per alguns dels indrets fonamentals de la vida i l?obra d?aquest gran artista, Swasky ens convida a acompanyar-lo en el seu viatge. Amb el quadern a la mà, ens anima a conèixer l?univers de Joan Miró a partir de la seva experiència personal i a gaudir-ne.
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Este volumen de cuentos supuso un antes y un después en la narrativa deConcha Alós, se convirtió en un reto de superación estética paraella,deudor del proceso de renovación formal iniciado por LuisMartín-Santosen Tiempo de silencio, de la narrativa de Kafka, y también, por quéno,del emergente realismo mágico. Concha Alós podría haber sido miembrodepleno derecho de la denominada generación del medio siglo, acompañandoaautoras como Carmen Laforet, Ana María Matute o Carmen Martín Gaite,pero tejió su camino al margen de generaciones, corrientes, de ilustresexiliados en una Barcelona cosmopolita que no era la suya. Marcó sustiempos y eligió, sin influencia de modas ni cánones, cuándo habíallegado el momento de hacer hablar a sus protagonistas, de dar paso a lafantasía, eje central de Rey de gatos.En estos relatos, con una fuerte carga psicoanalítica y una prosaenvolvente, casi psicodélica, conviven «fantasmas y diablos ocultos dela subconsciencia», y se proporciona una perspectiva nueva e inquietantede la realidad de la mujer, vista desde dentro, no desde fuera. Graciasa la experimentación, el mensaje se potencia. Se recrudece la críticaalpatriarcado, el erotismo se multiplica, se contrasta el pasado con unfuturo que no llega. Alós logra que dialoguen las dos personalidadespresentes en sus protagonistas, la «bestia» y la sumisa. Deseaba quecada mujer pudiera ver más allá de su pequeña isla y decidir, por sísola, si se aventuraba a salir de ella.El olvido de esta autora en el mundo editorial español es flagrante,másaún si tenemos en cuenta que autoras que en la actualidad gozanmerecidamente del favor del público y la crítica como MarianaEnríquez oAngela Carter, se mueven en similares coordenadas estilísticas ytemáticas que la propia Concha Alós, quien sufrió el desdén de lacrítica y la purga de la censura, pues se atrevió a dar voz a quienespor entonces estaban silenciados.
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La popularidad imperecedera de Gustav Klimt (1862-1918) atestigua no solo el particular atractivo de su exuberante pintura, sinotambién de los temas universales con los que trabajó: el amor, la belleza femenina, el paso del tiempo y la muerte.K
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Un cuaderno de artista que acompaña al número especial aniversario de la revista Matador. Recoge las impresionantes imágenes del lucernario que el artista mallorquín realizó para la Biblioteca Nacional de Francia, en París en 2016: un gigantesco fresco en arcilla sobre los cristales de la mítica biblioteca y pobladopor las fantásticas formas, animales y criaturas queconforman el imaginario Barceló.
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«La Teología y la cultura de inspiración cristiana han estado a la altura de su misión cuando han sabido vivir con riesgo y fidelidad en la frontera» (Francisco, «Veritatis Gaudium», 5). En tensión hacia ese ideal ha de leerse este libro. Un libro que está escrito a pinceladas. Y así se ha de leer. Como se contempla un cuadro: sin querer agotarlo, sin necesidad de poseerlo en su inexistente exactitud. Estas páginas son, más bien, pinceladas, intentos que buscan aprender a mirar y a narrar para poder vivir, aunque sólo sea por un instante, del acontecer de Dios.Este libro es como un tríptico pintado a varias manos: Braque, Cézanne, Velázquez, Tiziano, Caravaggio, Fra Angelico, Picasso. También están presentes las manos de Nietzsche, Heidegger, Foucault, Giussani, Apollinaire, Marion.Son pinceladas sobre pinceladas, como hacía Rouault. Y así ha de leerse.
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En sus enérgicas pinturas, la pintora brasileña Beatriz Milhazes fusiona dos formas muy diferentes de mirar el mundo. Sus composiciones abstractas, que pueden emparentarse con la obra de maestros del modernismo como Henri Matisse o Bridget Riley, están empapadas de los colores y la luz de su país. En sus pinturas abundan los símbolos de la vida cotidiana brasileña: el carnaval, la artesanía tradicional y motivos cotidianos desde el barroco al pop, todo ello coreografiado con un exuberante ritmo visual. Su atmósfera colorida tiene un encanto exótico irresistible, pero como en las obras de Paul Gauguin encontramos un paraíso roto en el que tonos más oscuros y melancólicos resuenan tanto en las promesas de la vida tropical como en las de la abstracción modernista. En busca de este equilibrio, Milhazes desarrolló una técnica de transferencia especial a finales de la década de 1980. Esta consistía en pintar sus motivos en láminas de plástico que pegaba sobre lienzos. Una vez secos, retiraba el plástico dejando la pintura adherida al lienzo. Este método permite a la artista trabajar con distintas capas en la superficie del lienzo y crear un efecto que oscila entre el brillo esplendoroso y una reluciente melancolía.
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Basílica de la Sagrada Família
En aquesta guia t’expliquem en detall la iconografiai simbologia de cada una de les escenes que es trobena les dues façanes principals de la Basílica de la Sagrada Família, la Façana de la Passió i la del Naixement, que contenen multitud de detalls plens d’al·legories i misticisme.
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Junto con J.M.W. Turner, ningún artista se esforzó más que Claude Monet (1840-1926) en capturar en el lienzo la luz. De todos los impresionistas, fue el hombre del que Cézanne decía solo un ojo, pero ¡Dios mío, qué ojo!, el hombre que se mantuvo completamente leal al principio de la fidelidad absoluta a la sensación visual, pintando directamente a partir del objeto.Se podría decir que Monet reinventó las posibilidades del color y que, ya fuera por su temprano interés en los grabados japoneses, su período como recluta bajo la resplandeciente luz de Argelia o su relación personal con los pintores más importantes de fines del siglo XIX, lo que creó Monet durante su larga vida cambió para siempre el modo en que percibimos tanto el mundo como sus fenómenos asociados. El punto culminante de sus exploraciones fue la serie tardía de nenúfares pintada en su propio jardín de Giverny, la cual, en su giro hacia la ausencia casi total de forma, es realmente el origen del arte abstracto.Esta biografía hace del todo justicia a este artista tan excepcional y profundamente influyente, y ofrece numerosas reproducciones y fotos de archivo junto con comentarios detallados y precisos.
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Eternamente cautivadoras, las pinturas de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) son la encarnación de la felicidad, el amor y la belleza. Basada en el libro de gran formato —,la retrospectiva más completa de su obra publicada hasta la fecha—,, esta edición compacta examina en detalle la historia personal del pintor y las motivaciones detrás de la leyenda. Aunque comenzó su carrera pintando paisajes en estilo impresionista, Renoir encontró su verdadera vocación en los retratos, tras lo cual abandonó por completo el impresionismo. Pese a haber sido malinterpretado con frecuencia, Renoir sigue siendo uno de los pintores más queridos de la historia, sin duda por la calidez, la ternura y la alegría de vivir que emanan sus cuadros.En este texto magistral que detalla toda la trayectoria del artista y traza su evolución estilística, Gilles Néret muestra cómo Renoir reinventó las formas de la mujer en la pintura a través de sus diosas cotidianas de generosas curvas. La última fase en la obra de Renoir, en la que regresó al simple placer de pintar el desnudo femenino a través de su serie de bañistas, fue la más innovadora y de mayor influencia estilística, e inspiraría luego a maestros como Matisse y Picasso.Con una cronología completa, una bibliografía, un índice de obras y espléndidas reproducciones a color, así como fotos y bocetos que ilustran la vida y la obra de Renoir, este es el libro de referencia esencial sobre este maestro de la pintura.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Con sus hombres con bombín flotando en el cielo o la pintura de una pipa sobre la leyenda «Esto no es una pipa», René Magritte (1898-1967) creó una caja de resonancia de objetos e imágenes, nombres y cosas, realidad y representación. Como otras obras surrealistas, las pinturas de Magritte combinan una técnica mimética precisa con configuraciones alienantes inusitadas que desafían las leyes de la escala, la lógica y la ciencia. Un peine del tamaño de un armario, rocas que flotan en el cielo, nubes que atraviesan una puerta abierta: el resultado es un mundo directo pero desorientador, a menudo ingenioso y desconcertante, el cual nos impulsa invariablemente a intentar ver más allá de lo visible y discernir «lo que se oculta tras lo que vemos». Este libro introductorio explora el amplio repertorio de humor visual, paradoja y sorpresa de Magritte, que aún hoy nos impulsa a examinar repetidas veces no solo la pintura, sino nuestra condición de individuos y el mundo que nos rodea.
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Este libro recoge la obra antibelicista de Miralda en los 60-70. Empieza con la lavadora de soldados, que eran verdes y salen blancos. Luego, intervenciones en estatuas de París. Es la gran obra que lo consagro internacionalmente.BOOOM es una compilación inédita de fotografías y dibujos realizados por Miralda (Barcelona, 1942), uno de nuestros artistas más reconocidos en el panorama artístico internacional, dotado de una visión mordaz e inteligente del contexto social y político.Booom no llega en cualquier momento. Llega nada más y nada menos que en la peor escalada de violencia bélica desde la segunda guerra mundial.
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William Monk es un artista nacido en Gran Bretaña y radicado en Nueva York, conocido por sus pinturas enigmáticas y vibrantes que a menudo investigan el mismo motivo o tema en diferentes permutaciones. Profundamente interesado en la idea de crear imágenes que no sean una transcripción directa del mundo real sino un producto de su mente, Monk crea composiciones claramente divisorias con intensidades irregulares de detalle, línea, primer plano y fondo, impulsando su trabajo y los elementos fundamentales. de la pintura hasta el punto de que modelo y sujeto se convierten en dos entidades separadas.
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Ilse Bing
Catàleg de l'exposició que se celebrarà en Fundació MAPFRE, Madrid, del 23 de setembre de 2022 al 8 de gener de 2023 i en el KBr. de Barcelona, en 2023.L'exposició té com a objectiu presentar, per primera vegada a Espanya, una exhaustiva retrospectiva de l'obra desenvolupada per aquesta artista alemanya que, al llarg de la seva carrera fotogràfica -que va començar tard, en 1929, quan ja tenia trenta anys, i es va estendre fins al final de la dècada de 1950-, es va centrar en nombrosos i variats temes.
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Esta obra constituye una guía definitiva para conocerel amplio y variado surtido de herramientas existentes en el ámbito del dibujo y la pintura, así como susdiversas aplicaciones. Reúne los materiales y las técnicas más tradicionales, pero también la mayoría delos productos y procedimientos modernos, interesantesy significativos que han aparecido en los últimos años.
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En el año 2023 se cumplió el centenario del nacimiento del profesor Juan José Martín González, referente en el estudio de la Historia del Arte en España durante el pasado siglo y señero especialista en la escultura de la Edad Moderna, así como uno de los grandes impulsores del conocimiento de la retablística, según se recoge, ampliamente, en los estudios comprendidos en este volumen. Los retablos, sin duda, han contribuido a definir el carácter artístico de la península ibérica, siendo una de las mayores aportaciones de esta a la Historia del Arte. Con tal motivo parece oportuno valorar los avances que se han ido sucediendo desde el inicio de los estudios dedicados a este tipo de obras hasta nuestros días, así como interrogarse sobre qué lecturas, o relecturas, pueden hacerse de ellas. Cierto es que en los últimos años las investigaciones en torno a la retablística no han gozado, por parte de la generalidad de los historiadores del arte, de la misma preferencia que en décadas anteriores, pero todavía siguen siendo objeto de estudio y despiertan la atención del público con renovado interés, lo que nos obliga a progresar en su comprensión y a aceptar el reto de su conservación en las condiciones más óptimas para su transmisión a las generaciones futuras.
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El artista japonés Shimabuku (Kobe, 1969), reconocido internacionalmente por su obra, afectiva y sugerente, realizada en diversos medios como la escultura, el cine y la fotografía, posee un estilo lleno de sentimiento poético y humor, inspirando a públicos diversos a través de lo metafórico. Desde principios de la década de 1990, Shimabuku ha viajado por diversos lugares de Japón y del mundo creando obras y performances que reflexionan sobre la vida cotidiana y las culturas de las personas con las que se encuentra, así como sobre las nuevas formas de comunicación entre nosotros y con los seres no humanos.
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En fugida. Refugiats
Catálogo de la exposición temporal 'En fugida' (Museu d'Història de Catalunya, hasta el 25 de mayo de 2025) que quiere acercarse a la cuestión de los refugiados a partir del relato del equipo del profesor Javier Rodrigo, que parte de los testimonios y la investigación realizada en el marco del proyecto europeo SO-CLOSE. La cuestión de los refugiados, personas que se ven obligadas a abandonar su país de origen a causa de conflictos armados, persecuciones, violaciones de derechos humanos o desastres naturales, es hoy en día, una de las crisis humanitarias más urgentes y complejas con las que se enfrenta el mundo. La exposición cuenta con la colaboración de ACNUR/UNCHR -Agencia de la ONU para los Refugiados y de la ONG Open Arms, que han aportado materiales y experiencias directas de su labor de salvamento y acogida llevada a cabo en lugares especialmente sensibles.
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12 joieres, 1965-1990
Aquest és el primer llibre editat a Catalunya on s'ofereix un recull del treball de 12 primeres dones joieres que van treballar a Catalunya, des de 1960 fins al 1990.Aquest llibre no pretén mostrar una histoòria exhaustiva dels inicis de la joieria contempo- rània a Catalunya, sinó fer palès que, en les transformacions profundes experimentades pel món de la joieria a casa nostra durant la segona meitat del segle XX, hi varen prendre part decisiva una sèrie de dones, les primeres que es van obrir pas en un ofici fins aleshores vetat a elles.
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Andy Warhol fue un incansable cronista de la vida y sus encuentros. Acompañado siempre de una cámara Polaroid, desde finales de la década de 1950 hasta su muerte en 1987 reunió una enorme colección de instantáneas de amigos, amantes, mecenas, famosos y desconocidos, pero también de paisajes, de todo aquello que estaba de moda y de sí mismo. Creado en colaboración con la Fundación Andy Warhol, este libro presenta más de 150 de esas imágenes espontáneas.Se incluyen retratos de famosos como Mick Jagger, Alfred Hitchcock, Jack Nicholson, Yves Saint Laurent, Pelé y Debbie Harry junto a imágenes del entorno de Warhol, de su lujosa vida y sus paisajes, así como bodegones de muñecas Cabbage Patch o sus emblemáticas latas de sopa. Las polaroids, a menudo sencillas e improvisadas, documentan la era de Warhol del mismo modo que hoy Instagram relata la nuestra. Un testimonio único de la vida, el mundo y la visión del maestro de arte pop y de la modernidad.© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
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La creación de la ruta del Kisokaido fue una orden del entonces sogún de Japón, Tokugawa Ieyasu, que a principios del siglo XVII decretó la construcción de estaciones de descanso en el penoso tramo que iba desde Edo (actual Tokio) hasta Kyoto. Se abrieron posadas, tiendas y restaurantes que proporcionaban alimento y alojamiento a los agotados viajeros. En 1835, el famoso xilógrafo Keisai Eisen recibió el encargo de realizar una serie de estampas que representaran la ruta del Kisokaido. Después de hacerse cargo de 24 de estas estampas, Eisen fue sustituido por Utagawa Hiroshige, que completó la serie de 70 imágenes en 1838.Tanto Eisen como Hiroshige eran reconocidos maestros del grabado. Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaido pone de manifiesto los distintos estilos de ambos y su habilidad común. Desde el ajetreado punto de partida de Nihonbashi hasta el castillo de Iwamurata, Eisen opta por una paleta más apagada, pero sobresale en la figuración, sobre todo en la representación de mujeres glamurosas, y se recrea en las imágenes de toda la actividad que se realiza a lo largo del camino, desde el herrado de un caballo hasta campesinos aventando arroz. Hiroshige demuestra su dominio del grabado paisajista con escenas grandiosas y evocadoras, desde las tranquilas orillas del río Ota hasta el imponente paso de Wada o una ascensión a la luz de la luna entre Yawata y Mochizuki.Tomadas en conjunto, las estampas de Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaido suponen no sólo un animado ejemplo del arte de la xilografía, con composiciones audaces y un uso experimental del color, sino también un encantador tapiz del Japón del siglo XIX, mucho antes de que apareciera el fantasma de la industrialización. Esta nueva edición de TASCHEN presenta la serie con la excelencia que merece. Las imágenes reproducidas provienen de la única primera edición de la serie completa que se conoce, lo que asegura la mejor calidad para esta legendaria obra.
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