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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Yoai, la conocida artista de Instagram, ha vuelto para enseñarte no uno, sino dos populares estilos de dibujo japonés. Un recurso habitual en el anime y el manga es convertir a los personajes en su versión chibi como contrapunto cómico, especialmente cuando expresan emociones. En Dibuja anime y chibis, Yoai te enseña a crear sus característicos y simpáticos personajes de anime y sus versiones chibi, tanto las nociones básicas para dibujar el cuerpo, la pose y los rasgos faciales como técnicas para diseñar la ropa y el pelo.Con los 20 tutoriales de nivel básico, intermedio y avanzado, aprenderás a dibujar paso a paso del modo tradicional —utilizando lápiz y pluma y coloreando con rotuladores y lápices de colores— y digitalmente, con programas de dibujo estándar.E incluso podrás ir un paso más allá y combinar ambos medios. Gracias a los abundantes consejos y técnicas de dibujo, así como a la inspiradora galería y las páginas para colorear, pronto estarás llenando tus cuadernos, artículos de papelería e ilustraciones con tu propio universo de personajes anime y chibi.Dibuja anime y chibis: ¡el curso que estabas esperando!
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Se dice que Hokusai pintó su primer cuadro a los seis años. Un año después de su muerte, con 89 años, se publicaron póstumamente sus dibujos para libros ilustrados. Esta edición recorre cada una de las fases creativas de la larga y prolífica carrera del artista: desde los retratos de actores con los que se inició hasta los 1300 diseños realizados en sus últimos años bajo el nombre de Manji.Este volumen, que reproduce 746 xilografías, pinturas, bocetos e ilustraciones de libros, muchos de ellos con gran detalle, es la publicación más completa sobre el que posiblemente sea el artista más famoso de Japón. El atractivo de Hokusai como figura representativa del periodo Edo de Japón perdura hasta el día de hoy: en marzo de 2023 se publicó una versión de su icónica xilografía La gran ola de Kanagawa, de su serie Treinta y seis vistas del monte Fuji, que se subastó por 2,76 millones de dólares.Esta monografía va mucho más allá de La gran ola y presenta obras de arte familiares y otras menos conocidas y rara vez reimpresas. Titulada The (almost) complete Hokusai, ofrece una variedad inigualable de temas y técnicas: desde una vista de la cascada Kirifuri hasta mapas de gran formato de los caminos del Tōkaidō y del Kisokaidō y de la península de Bōsō, desplegables de libros ilustrados, entre los que se cuentan originales estampas eróticas (shunga) y manuales de dibujo, como los quince volúmenes Hokusai manga, y varias representaciones de animales, como sus diversas series de xilografías sobre pájaros y flores y sus posteriores pinturas en pergaminos colgantes de patos en medio de un arroyo y un tigre en la nieve.Tras un extenso trabajo de documentación, esta edición presenta nuevas fotografías de obras de arte conservadas en más de 100 instituciones de todo el mundo. Estas incluyen museos y colecciones de Europa, Estados Unidos y Japón, como el santuario Hiei en Kisarazu, donde con motivo de esta edición se volvió a fotografiar un panel que representa la caza de un jabalí al pie del monte Fuji.Los textos de Andreas Marks sitúan las obras de Hokusai en su contexto histórico y exploran su influencia en artistas occidentales como Degas y Gauguin, a pesar de que nunca abandonó Japón. The (almost) complete Hokusai combina la investigación rigurosa sobre la autenticidad del arte de Hokusai con reproducciones extragrandes, incluidos cuatro desplegables, para ofrecer un carnaval visual del Japón del periodo Edo y una valiosa obra de referencia académica.
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En este iluminador ensayo, Rafael Argullol traslada al lector al núcleo artístico de la Italia del siglo xv, la Toscana, en un momento crucial de la historia. Las circunstancias políticas, económicas, sociales y culturales del denominado Quattrocento sentaron las bases de uno de los episodios culturales más trascendentes de nuestra civilización: el Renacimiento. Argullol analiza de forma rigurosa y amena las características plásticas, arquitectónicas y literarias del período, así como las tensiones culturales que la irrupción del humanismo produjo en la sociedad tardomedieval. Un acercamiento tan fundamental como sugerente al lento pero imparable advenimiento del hombre moderno.
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Manuel Salvador Carmona (1734-1820) fue el más destacado grabador de la España ilustrada. Desde su formación en París como primer pensionado de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando para el estudio de la talla dulce en la rama de retratos e historia, su compromiso con el arte calcográfico fue ejemplar. En París aprendió con Nicolas-Gabriel Dupuis (1698-1771) y fue el primer español en ser nombrado grabador del rey de Francia. De él se decía que siempre estaba «o con el lapicero o con el buril en la mano», y es que dedicó su larga vida al arte, ya fuera como director de grabado en la Real Academia de San Fernando, como grabador del rey o como maestro de sus discípulos y familiares.
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La vida y la época de Pieter Bruegel el Viejo (c. 1526/30-1569) estuvieron marcadas por el conflicto cultural. Fue testigo de guerras religiosas, del brutal mandato del duque de Alba como gobernador de los Países Bajos y de los efectos palpables de la Inquisición. A día de hoy, el artista flamenco continúa estando rodeado de misterio. No se sabe exactamente ni dónde ni cuándo nació. Si bien los primeros estudiosos de su figura enfatizaron el carácter vernáculo tanto de su pintura como de su obra gráfica, la investigación moderna otorga más relevancia al contenido humanista de sus creaciones. Tras unos inicios como diseñador de grabados para el editor Hieronymus Cock, Bruegel produjo numerosas series de litografías que se distribuyeron por toda Europa. En ellas ilustraba vicios y virtudes junto a alegres fiestas en los pueblos y magníficos paisajes panorámicos. Con el tiempo fue volcándose cada vez más en la pintura, realizando encargos para la élite cultural de Amberes y Bruselas. Esta monografía es un homenaje a la evolución artística de Bruegel, un creador que afrontó con valentía los problemas de su tiempo a la par que ofrecía innovadoras propuestas y soluciones novedosas. En lugar de idealizar la realidad, ilustró el espanto de las guerras religiosas y adoptó una posición crítica con respecto a la iglesia católica. Para ello desarrolló su propio lenguaje pictórico de la disidencia, introduciendo en escenas cotidianas inocuas ideas subliminales con el fin de eludir las repercusiones. Esta colección tamaño XL abarca la totalidad de sus 40 pinturas, 65 dibujos y 89 grabados en reproducciones impecables. Cada obra es un testimonio único de las costumbres religiosas y de la cultura popular de su época.
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Dedicado a algunas de las artistas del street art más importantes de la escena contemporánea, este libro pretende ser un viaje de descubrimiento a través de los universos infinitos de estas artistas que, con determinación y coraje, han buscado su lugar en el mundo, un lugar desde el que se hacen escuchar con voces altas y claras. Una maravillosa aventura a través de los universos infinitos de mujeres artistas, que representan la humanidad misma como el ciclo imparable de la naturaleza. Ejemplos de cómo florecen nuevas comunidades de mujeres en todo el mundo, de personas que están cansadas de ser invisibles, que ya no tienen miedo de hacer oír sus voces, que se apoyan unas a otras en lo que solo se puede describir como el principio de un verdadero Renacimiento de la mujer. El street art, arte urbano o arte callejero ha dejado de ser un club exclusivo para hombres. La espera ha sido larga, pero el momento ha llegado. Numerosas artistas de gran talento, en todo el mundo, se abren camino hacia la primera línea.
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Con Dibujar y pintar bonitas flores, aprenderá a dibujar impresionantes flores y plantas y a pintarlas con acuarelas de alegres colores siguiendo sencillas instrucciones paso a paso. Cree cosmos, campanillas chinas, lirios, hortensias, macetas con plantas del dinero, entre otras, y realce su belleza añadiéndoles gradaciones de colores, lavados, sombreados y reflejos. Este relajante método de tres pasos permite dibujar flores y plantas desde diferentes ángulos y perspectivas. Ponga en práctica todo lo aprendido para esbozar y pintar sus especies botánicas preferidas.
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El libro ofrece instrucción artística, lecciones prácticas y progresivas sobre cómo dibujar la figura y papel para cuaderno de bocetos de alta calidad en un hermoso paquete que incluye páginas en blanco para dibujar y copiar. Los artistas tendrán entonces un registro de su proceso, como si fuera un cuaderno de bocetos, que a muchos artistas les gusta documentar y guardar.En este inspirador libro de trabajo, la artista y autora contemporánea Juliette Aristides divide el proceso de dibujo de figuras en lecciones pequeñas y manejables, las presenta progresivamente, introduce principios y técnicas en la tradición del taller que son fácilmente accesibles y comparte el lenguaje y el contexto necesarios para comprender el proceso artístico y crear buenos y elaborados dibujos.La educación en Atelier se centra en la creencia de que trabajar en un estudio, no sentado en una sala de conferencias, es la mejor manera de aprender sobre arte. Todo artista necesita aprender a dominar el dibujo de figuras. Los talleres han producido a los mejores artistas de todos los tiempos y ahora ese modelo educativo está experimentando un renacimiento. Estos estudios, un retorno a la formación artística clásica, se basan en el modelo del siglo XIX de enseñar a los artistas emparejándolos con un artista maestro durante un período de años. Los estudiantes comienzan copiando obras maestras y luego avanzan gradualmente hacia la pintura a medida que desarrollan sus habilidades.Figure Drawing Atelier es como tener un taller en un libro, y la maestra es Juliette Aristides, una artista de formación clásica y autora de enseñanza de arte de best sellers con popularidad casi de estrella de rock en el mundo contemporáneo del arte representacional. En cada página, Aristides utiliza las obras de los viejos maestros y de los artistas realistas más respetados de la actualidad para demostrar y enseñar los principios del dibujo y la pintura de figuras realistas, llevando a los estudiantes paso a paso a través de la curva de aprendizaje y permitiéndoles trabajar a su propio ritmo.
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Pablo Rubens (1577-1640). De él salieron cuadros enteramente suyos (los más valorados por el propio pintor y por sus contemporáneos) y otros que son el resultado de diversos grados de participación de los miembros de su taller en el proceso creativo.En el libro se explica la mecánica de la colaboración del maestro con sus ayudantes y se analizan las diferencias que permiten distinguir los cuadros originales de Rubens de los de taller.A cargo de Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura flamenca y escuelas del Norte. El libro incluye una conversación entre el pintor Jacobo Alcalde Gibert y Alejandro Vergara sobre la forma de pintar de Rubens y su colaboración con los ayudantes.
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Aprenda a pintar sus propias obras maestras con la técnica del impasto grueso. La galardonada artista profesional Lisa Elley, también conocida como «la reina de la espátula», ha creado 8 pinturas al óleo específicamente para este libro. Asimismo, ofrece instrucciones expertas y sus conocimientos personales para enseñar a pintar con espátula, ya sea con óleo o acrílico. En este libro, encontrará arte inspirado en Vincent van Gogh y temas que van desde un viñedo toscano y un campo de flores hasta escenas otoñales, montañas y paisajes costeros. Los proyectos van acompañados de los hermosos trabajos artísaticos de Lisa, de textura especialmente gruesa, para darnos una visión completa y paso a paso del arte de la pintura con espátula
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La 1ª monografía de los cientos de vallas publicitarias de la coalición liderada por artistas For Freedoms, la colaboración creativa pública más grande en su historia.Fundada en 2016 por Hank Willis Thomas, Eric Gottesman, Wyatt Gallery y Michelle Woo, For Freedoms es una organización dirigida por artistas que utiliza el arte como catalizador para el compromiso cívico creativo, el discurso y la acción directa.Con el objetivo de infundir una perspectiva antipartidista basada en las artes en el panorama político, For Freedoms ha colaborado con miles de artistas, activistas y académicos para crear más de 500 vallas publicitarias que utilizan el arte como vehículo para profundizar los debates públicos sobre cuestiones cívicas y valores fundamentales.Este volumen completo incluye vallas publicitarias creadas entre 2016 y 2023 por más de 400 artistas como Derrick Adams, Gina Belafonte, Sanford Biggers, Paula Crown, Shepard Fairey, Theaster Gates, Guerrilla Girls, Jenny Holzer, Rashid Johnson, JR, Christine Sun Kim, Marilyn Minter, Sofía Gallisá Muriente, Gordon Parks, Kameelah Janan Rasheed, Maggie Rogers, Hank Willis Thomas, Carrie Mae Weems y Ai Weiwei, entre muchos más.Este nuevo libro celebra cómo For Freedoms ha transformado el espacio comercial público en espacio de exhibición y ha lanzado una colaboración creativa de proporciones épicas.Escrito por Hank Willis Thomas, Eric Gottesman, Michelle Woo, Wyatt Gallery, y Taylor Brock
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Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros ¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro? Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guía que cambiará para siempre la manera en que miramos el arte contemporáneo. Desde los nenúfares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detrás de las obras, las personas que hay detrás de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno. Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante.La crítica ha dicho:«Will Gompertz [...] un tipo singular. Rápido como la sangre. Y de algún modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lúcido que tiene algo de síntesis mental de lo complejo. [...] una exploración que desacraliza con audacia e ironía tanto el cuello duro de la crítica de arte, a la vez que hace su propia crítica desde la orilla de la claridad.»Antonio Lucas, El Mundo«Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.»Nati Pulido, ABC «Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporáneo. [...] En realidad, el libro requiere algo más que un simple pestañeo. Se lee más bien como un completo y ameno manual de 472 páginas.»Ángeles García, El País «Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Qué estás mirando?, un ameno recorrido por la creación moderna para que la comprenda todo el mundo.»Javier Ors, La Razón«Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesita demostrar nada. Aúna sencillez, falta de afectación y hondura, con lo que alimenta en quien le escucha la sensación de que en cada una de sus palabras hay un poso de sabiduría. [...] ¿Qué estás mirando?, un texto original, irreverente y muy accesible que, dirigido tanto a escépticos como a convencidos, resuelve una buena porción deesas preguntas que muchos se plantean y pocos se atreven a formular.»Hoyesarte.com (10,490 Traffic Rank en España, Alexa)
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Vuelve la fresca sabiduría de Gompertz para enseñarnos a mirar como artistas y experimentar una nueva manera de estar en el mundo. Los artistas han aprendido a prestar atención. El resto de los mortales, sin embargo, pasamos la mayor parte del tiempo con el piloto automático, corriendo de aquí para allá, y nuestra excesiva familiaridadcon lo que nos rodea nos ciega ante el sinfín de maravillosos fenómenos que afirman la vida. Pero no tiene por qué ser así. A su más puro estilo, Will Gompertz nos lleva a la mente de los artistas, desde estrellas contemporáneas hasta viejos maestros, desde los más famosos hasta algunos menos conocidos, a lo largo y ancho del mundo, para mostrarnos cómo mirar y experimentar el mundo con mayor conciencia.Tras leer Mira lo que te pierdes disfrutamos contemplando el cielo en días nublados como el pintor romántico John Constable, Hockney se convierte en el nuevo guía de nuestros paseos por el bosque, entendemos qué es de verdad una amapola gracias a Georgia O'Keeffe, y Rembrandt nos contagia su valentía a la hora de mirarnos a nosotros mismos. Este libro nos ofrece la estimulante sensación de estar verdaderamente vivos.La crítica ha dicho:«Will Gompertz es un tipo singular. Rápido como la sangre. Y un defensor de la claridad en un territorio de opacidades».Antonio Lucas, El Mundo «Gompertz es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor».Nati Pulido, ABC«Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesitan demostrar nada. Aúna sencillez, hondura y falta de afectación».Hoyesarte.com «A Gompertz se le da mal ser aburrido».The Times «Gompertz es el mejor profesor que has tenido jamás».The Guardian
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Sólo veinte pinturas y ocho dibujos pueden atribuirse con toda seguridad al pintor flamenco Hieronymus Bosch, El Bosco (aprox. 1450-1516), pero gracias a sus visiones fantásticas se ha convertido en uno de los artistas de culto más relevantes de la historia. Transcurridos 500 años desde su muerte, sus obras siguen siendo motivo de inspiración para investigadores, artistas, diseñadores y músicos, nombres de grupos de death metal y vestidos de diseño.Esta edición ofrece el universo inquietante de El Bosco al completo en un formato compacto. Con desplegables y una atención especial por los detalles, conocemos las facetas compositivas del artista y las creaciones más fascinantes e inquietantes salidas de su desbordante imaginación. Estas páginas reviven sus seres híbridos, sus escenas dantescas, su contexto religioso y moral, y sus versiones pictóricas de refranes y modismos. La sucesión de imágenes se complementa con los textos de Stefan Fischer, historiador del arte y experto en la figura de El Bosco, que desvela al lector los temas y las influencias más relevantes de estas obras de arte crípticas e hipnotizantes.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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El aclamado ilustrador y novelista gráfico Mark Crilley regresa con una nueva propuesta para aprender los elementos esenciales para hacer cómics. Sus instrucciones fáciles de seguir sobre el arte de hacer cómics, su diseño y cómo contar historias, proporcionan al aspirante a artista una experiencia de aprendizaje incomparable. En este libro conocerás a Emily, una joven y entusiasta fan de los cómics, que tiene una historia que necesita contar. En su intento por convertir esa historia en un cómic, Emily conocerá a tres mentoras que amablemente compartirán con ella sus conocimientos. Trudy, una estudiante de instituto que trabaja en la tienda de cómics del pueblo, enseñará a Emily cómo crear personajes expresivos y cómo transmitir acción y suspense. Madeline, una artista de manga que se autoedita, muestra a Emily cómo usar un panel de composición y diseño para contar visualmente una historia y cómo desarrollar un cómic desde el guion al bosquejo y las páginas terminadas. Sophie, novelista gráfica, guía a Emily por los intrincados detalles de los diálogos y las secuencias para conducir al lector a través de la historia. Página a página, descubrirás los acontecimientos que llevan a Emily a crear su cómic, mientras sus mentoras le enseñan (y a ti también) los elementos esenciales de la narrativa visual y el arte del cómic. Cada lección se basa en la anterior, guiándote a través de los pasos necesarios para planificar y crear tu cómic, con ejercicios complementarios para ir practicando.
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Este 2021 se conmemora el centenario de la muerte de la escritora Emilia Pardo Bazán, una mujer valiente que luchó toda su vida por los derechos de las mujeres. Emilia vivió una infancia feliz con sus padres en Galicia, en la que dio sus primero
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La comida y el surrealismo son amantes perfectos: sexo y langostas, collage y canibalismo, el encuentro de un cisne y un cepillo de dientes en una pastelería. Las cenas opulentas que organizaban Salvador Dalí (1904-1989) y Gala (1894-1982), su mujer y musa, fueron legendarias. Afortunadamente para nosotros, Dalí publicó un libro de cocina en 1973, Les dîners de Gala, que desvela algunos de aquellos ingredientes sensuales, imaginativos y exóticos que confluían en tan célebres encuentros.Esta reedición abreviada agrupa 78 de sus recetas en 12 capítulos, ilustrados especialmente por Dalí y organizados en función de los distintos platos, así como una sección dedicada a los afrodisíacos. Las ilustraciones y las recetas se acompañan de las extravagantes reflexiones de Dalí cual asuntos tratados en las conversaciones durante las cenas: ''La mandíbula es nuestra mejor herramienta para aferrarnos al conocimiento filosófico''.Todas las valiosas recetas del libro pueden prepararse en casa, aunque en algunos casos se requiera buena mano en la cocina y una despensa bien surtida. Son platos de la vieja escuela, con especialidades de los mejores chefs franceses de restaurantes de París condecorados con estrellas Michelin. El buen gusto, por voluptuoso que sea, nunca pasa de moda. Y dando a conocer al gran público este libro excepcionalmente raro, TASCHEN aporta una obra de arte, un recetario práctico y una experiencia multisensorial a la cocina actual.
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Aprende a dibujar paso a paso a los animales KAWAII más tiernos y colorea cada escena que te proponemos con los tonos sugeridos o bien deja volar tu imaginación y aplica tus colores favoritos. Además aprende trucos e ideas para completar tus creaciones: elementos decorativos, estados de ánimos y expresiones diferentes para crear una galería infinita de personajes.
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Un recorrido por el Museo del Prado ?por sus imprescindibles y sus olvidados? de la mano de una Estrella de Diego. áá Paseos por el Museo del Prado. Por sus clásicos y sus olvidados. Por su historia, sus historias y sus recovecos. Siguiendo la estela del clásico Tres horas en el Museo del Prado de Eugenio d'Ors, Estrella de Diego nos propone un nuevo recorrido con una mirada del siglo XXI.Y así asoman por estas páginas imprescindibles como Las meninas de Velázquez leídas a la luz del Pierre Menard de Borges, o las obras de Goya, también cuadros históricos que hoy vemos con otros ojos e interpretamos con otra perspectiva, como Las hijas del Cid de Teófilo de la Puebla o Juana la Loca de Pradilla, o la escultura del Hermafrodito, y lienzos olvidados como los de Clara Peeters o el espléndido retrato de un león africano titulado El Cid de Rosa Bonheur, que durante demasiado tiempo estuvo guardado en los sótanos, acaso porque su autora era mujer y lesbiana, y si hoy hay que reivindicarla es sobre todo como una gran pintora a secas.El Prado inadvertido se mueve entre el ensayo y la memoria personal y es un homenaje a un museo que ha acompañado a la autora a lo largo de toda su vida. Un museo cargado de pasado y de futuro, un espacio vivo, que se va transformando a través de las miradas de las sucesivas épocas. Porque, como dice Estrella de Diego: «Los museos, como las palabras y las historias y las imágenes, van cambiando a cada paso, llenándose de narrativas diferentes y nuevas, las que exigen los cambios en el gusto, las que persiguen las transformaciones en el concepto de calidad, las que se construyen, aun sin saberlo, desde las leyes del extranjero: traer y llevar las preguntas. Es cuestión de sacar lo olvidado a la luz ?aunque lo olvidado sea diferente en cada momento histórico? y rescatar lo excluido teniendo clara una cosa: por mucho que tratemos de recuperar lo excluido, siempre quedará algo fuera, alguien fuera.»
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El color es la auténtica esencia de la acuarela. ¡Aprenda a utilizarlo con estilo! Este práctico libro presenta 10 paletas distintas de tres colores, así como instrucciones paso a paso para aprender a pintar tres sencillos proyectos de acuarela con cada una de ellas.Con cada paleta aprenderá a obtener una sorprendente gama de tonos, lo cual le servirá para conocer a fondo cada uno de los tres colores que la componen. ¿Está preparado para perfeccionar su técnica de pintura a la acuarela? Tanto si es un acuarelista principiante como un artista con experiencia, en este libro encontrará toda la inspiración que necesita. Cuando termine estos 30 proyectos habrá adquirido un sexto sentido para el color.
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Aprender a pintar a la acuarela de la mano de una diseñadora de moda. Aprender a pintar a la acuarela directamente con el pincel sin dibujo previo, componer con soltura, saber observar el mundo para crear con espontaneidad, hacer vibrar los colores y explorar con deleite las múltiples facetas de la acuarela, tal es el programa preparado por Bleu tango, la firma de moda ecorresponsable creada por la autora, Lou Ripoll. El objetivo de este libro para principiantes no es otro que el de divertirse pintando. Por eso, cada técnica se explica con sencillez, para ir adquiriendo confianza y seguridad desde los primeros pasos con la acuarela. Solo hay que dejarse guiar…
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El segundo libro de la serie bestseller La paleta perfecta, volumen 2, Lauren Wager hace un nuevo acercamiento a las combinaciones de colores con paletas de colores completamente nuevas, organizadas por estaciones del año. En La paleta perfecta vol.2 la diseñadora y autora bestseller Lauren Wager, explora las múltiples posibilidades de las aplicaciones del color por estaciones, dirigiendo al lector hacia una presentación inspiracional de imágenes evocadoras y combinaciones de colores. La presentación de la paleta de colores es dinámica y fresca, y permite al lector apreciar el juego que ocurre cuando los colores se combinan en primer plano y en segundo plano o cuando se encuentran próximos o lejos los unos de los otros. Se trata de un enfoque diferente a las paletas de color del volumen 1, pero sigue manteniendo las referencias a los valores RGB y CMYK para los que quieran adaptar los colores para web o para impresión. Este volumen –a la vez una guía práctica y una herramienta creativa de inspiración para diseñadores, ilustradores, arquitectos, artesanos, además de aficionados a la decoración interior y la moda y las manualidades, sean o no profesionales– proporciona ejemplos de aplicación de colores en los ámbitos del arte contemporáneo, de la moda, la decoración de interiores, la fotografía y el diseño gráfico. Se trata de una colección de combinaciones de colores sorprendentes, con estilo y con éxito asegurado.
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En relació amb l'actual conflicte entre Catalunya i Aragó per les 97 peces artístiques i les pintures murals del monestir de Sixena, aquest llibre ens convida a mirar darrere el marc per veure la història de veritat: reis, prínceps, comtes, cavallers, pa
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Dibujos a lápiz simpáticos, geniales y originales al estilo pop surrealista Si quieres crear tus propios personajes manga al bello y peculiar estilo de la destacada artista del surrealismo pop Camilla d'Errico, estas treinta lecciones didácticas y sencillas son justo lo que necesitas. Con un lenguaje ameno y motivador, la autora te guiará paso a paso por sus lecciones de dibujo a lápiz y con portaminas mediante ejercicios perfectos para todos, desde los principiantes hasta aquellos que se apuntan al reto de las clases magistrales. En las páginas de este libro encontrarás información sobre cómo trabajar elementos complicados (como las manos, el cabello humano, el pelaje animal y los fondos) para dibujar sirenas, niños dragón, niñas leopardo, vampiros y todo tipo de personajes rebosantes de creatividad y carácter. Dibujo manga pop es una oportunidad única de acceder a los fundamentos de la expresión artística y te ofrece todas las herramientas que necesitas para crear tus propias obras maestras de arte manga pop.
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L’exposició Els mons d’Alícia. Somiar el país de les meravelles integra les múltiples visions del personatge en els àmbits de la literatura, el cinema, les arts escèniques i les arts plàstiques, i el situa en un segle XXI que ha esborrat les fronteres entre la realitat i el món imaginari. Alícia hi apareix com una figura precursora: una nena amb una gran curiositat per totes les coses, que desafia la lògica de les idees immutables i troba el seu camí en un mon absurd.
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Se trata de una recopilación, la primera de su género, de textos y documentos, algunos de ellos poco conocidos, que subrayan la impronta «humanista» del Renacimiento: el relieve que se da a la actividad del hombre, a sus posibilidades, a su acción terr
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Pintura barroca en Valencia (1600-1737) ilumina un escenario muy poco conocido de la historia del arte español. En paralelo al desarrollo de los focos artísticos de Madrid —capital de la Monarquía Hispánica— y Sevilla —núcleo comercial de su vasto territorio trasatlántico—, Valencia se revela como un centro de producción pictórica de primer orden durante el siglo XVIIy primeras décadas del XVIII. A través de sus lazoscomerciales y culturales con Italia, recibió la influencia directa de importantes creadores, como Sebastiano del Piombo, José de Ribera, Pietro da Cortona, Carlo Maratta o Corrado Giaquinto. La tradición vernácula, que pervivía a la sombra de grandes figuras como Juan de Juanes o Juan Sariñena, se enriqueció con esasinfluencias y creció pujante con los valores novedosos que le aportaron artistas foráneos sobresalientescomo Francisco Ribalta, Pedro Orrente y Antonio Palomino.
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Usando un proceso simple de diez pasos, aprenda a dibujar un contorno básico comenzando con formas simples, luego agregue lavados de color y detalles finos para completar su trabajo. Organizado en tres capítulos basados en el nivel de habilidad, este libro presenta 25 proyectos encantadores, cada uno de los que le muestra cómo pintar una flor en diez pasos. Hay muestras de pintura para cada planta, que le muestran los colores que necesita mezclar para cada paso del camino y la pintura terminada sirve como referencia para guiarlo. ¡No podría ser más fácil! También se incluye una sección de técnicas útiles al principio, y consejos de pintura inteligentes del autor.
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Catalogo publicado con motivo de la exposición El taller de Rubens, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 15 de octubre de 2024 y el 16 de febrero de 2025.En siglos pasados la mayor parte de los pintores europeos trabajaban en equipos compuestos por un maestro y un número variable de colaboradores. Este volumen se centra en uno de los más prolíficos y exitosos: el taller dirigido en Amberes por Pedro Pablo Rubens (1577-1640). De él salieron cuadros enteramente suyos (los más valorados por el propio pintor y por sus contemporáneos) y otros que son el resultado de diversos grados de participación de los miembros de su taller en el proceso creativo.En el libro se explica la mecánica de la colaboración del maestro con sus ayudantes y se analizan las diferencias que permiten distinguir los cuadros originales de Rubens de los de taller.A cargo de Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura flamenca y escuelas del Norte. El libro incluye una conversación entre el pintor Jacobo Alcalde Gibert y Alejandro Vergara sobre la forma de pintar de Rubens y su colaboración con los ayudantes.
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Una colección accesible de proyectos de encuadernación creativos con diferentes técnicas de corte y plegado, además de costuras con puntadas corridas, collar de perlas y cadeneta. Entre los proyectos figuran un Libro con ranura, un Acordeón con bolsillos y una Encuadernación rústica de varios pliegos que se pueden enriquecer con toques personales para crear cuadernos de notas, libros y recuerdos únicos. Su elaboración resulta divertida y satisfactoria, y además sirven comoregalos maravillosos. Una posibilidad de crear diversos libros en blanco, es decir, receptáculos ingeniosos para poemas, fotos, sueños y diarios. Desarrolle las estructuras básicas probando con diferentes escalas y materiales. Encuaderne un conjunto de libros muypequeños o busque láminas de papel enormes para plegarlas con formas esculturales. Busque papeles inusuales para darles un nuevo uso (por ejemplo, catálogos deropa, menús de restaurantes o carteles), o eche un vistazo a su tesoro de recuerdos. Cubra las páginas con escritura o bocetos, sellos de goma y mapas para describir y documentar sus historias. Tanto si ya se hainiciado en la encuadernación como si es un principiante, permita que los conocimientos y la pasión de Rachel le inspiren para explorar las múltiples posibilidades el libro artístico.
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En 1943 Peggy Guggenheim organizó, junto a Max Ernst
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La forma de abecedario se adecua perfectamente a la poesía de Picasso, quien desde siempre sintió aficiónpor las letras y las palabras. Este abecedario no solo reúne los temas recurrentes en los escritos, sino también a los diversos protagonistas de la poesía de Picasso: poetas, escritores, editores, etc. Nos permite acceder al corazón del universo picassiano.
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La naturaleza es un universo en sí mismo que cuenta con gamas de colores particulares, motivos y morfologías propias, encuadres y composiciones recurrentes, y las increíbles posibilidades expresivas de los paisajes y el mundo vegetal. Santi Sallés, urban sketcher de reconocido prestigio y un auténtico apasionado de la naturaleza, ha reunido en este personal manual práctico un compendio excelente de recursos y consejos para aprender o mejorar el dibujo de esta especialidad.. Materiales y herramientas: de la acuarela al gouache pasando por el lápiz y el bolígrafo, cada instrumento de dibujo y cada tipo de tinta y pigmento tiene sus secretos y su terminología. ¡Descúbrelos aplicados al medio natural!. Dibujar la naturaleza: la morfología de las hojas, las plantas y los árboles, las vistas campestres y la sensación de profundidad, los bosques y la repetición de motivos. ¡Conoce a fondo las formas, los movimientos y las composiciones que nos brinda el mundo vegetal a la hora de ilustrarlo!. Técnicas de dibujo: cuando cruzamos las diferentes técnicas de dibujo -como la mancha, el collage o la reserva- con los motivos naturales surgen efectos visuales muy particulares. Santi Sallés te enseña a jugar con ellos.
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Reconcíliate con tu mejor caligrafía Aquí tienes todo lo que necesitas para empezar a crear, un libro práctico para que recuperes una de las más bellas tradiciones: la caligrafía. Aprenderás las bases de las letras y sus componentes. Hoy la recuperamos modernizada para que la lleves a tu terreno y crees letras únicas con personalidad y estilo propio.
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A lo largo de una fructífera vida consagrada al arte, Joaquín Sorolla forjó un estilo propio, lleno de luz, color, incluso sabor. Pero en su vasta obra también abordó estilos con los que habitualmente no se le identifica, como el costumbrismo, el modernismo o la pintura social, e incluso realizó una importante obra en tonalidades oscuras. Triunfó en Roma, París o Nueva York y recorrió España para pintar sus rincones y sus gentes. A los cien años de su muerte, su obra sigue muy vigente. Con el ritmo de una novela de intriga y el estilo de un narrador con voz propia, Sorolla en 30 claves muestra el perfil humano y revindica la riqueza artística de este singular pintor. El libro se ilustra con una selección de las obras de Sorolla, así como con obras de precursores, coetáneos o admiradores del artista, y otras imágenes variadas (desde los lugares en que vivió hasta objetos de la época) que en su conjunto contextualizan y ofrecen una cuidada edición.
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