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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Los acordes de Orfeo nos ofrece un recorrido por algunas de las obras más señeras y consagradas del género operístico, desde sus orígenes, entre el Renacimiento y el Barroco, con Monteverdi, pasando por Mozart, Donizetti y Bizet, hasta las óperas de Alban Berg y Stravinsky, bien entrado el siglo XX.
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Pocos músicos de la historia de la cultura popular han desarrollado una carrera tan centrada en la espiritualidad como George Harrison (Liverpool, 1943 - Los Ángeles, 2001). A través de las estancias en la India, la práctica de la meditación transcendent
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Mitad libro de historia, mitad crítica musical inspiradísima y libérrima. Julian Cope nos presenta, en unestilo que rezuma erudición, humor y pasión, un universo hasta ahora ignoto de bandas de iconoclastas detodo pelaje que produjeron algunos de los sonidos másalucinantes del rock de todos los tiempos. Una obramayúscula sobre un terreno tan inexplorado como fascinantecomo es la música underground del Japón.
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Los escritos reunidos de un músico y artista sonoro con inigualable y que hace décadas es reconocido nacional e internacionalmente por sus propuestas sonoras.La música de Llorenç Barber se resiste concienzudamente a la esclerotización que toda escritura impone. Y es igualmente cierto que, mucho más allá (o mucho más acá) de todas, todas las palabras aquí convocadas, está su música.
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Primer libro de blues que reflexiona sobre la situación actual de América, con Trump, el Black Lives Matter y los disturbios raciales.El blues es un sentimiento que atraviesa el tiempo, una crónica sonora de la experiencia humana y un reflejo de las profundas raíces afroamericanas. Nacido en las plantaciones de algodón del Delta del Mississippi en los albores del siglo XX, este género musical ha evolucionado en paralelo a la historia de Estados Unidos y ha influido a diversas generaciones de artistas desde los tiempos de ese cruce de caminos polvoriento en el que cualquier soñador podía vender su alma al diablo por un puñado de buenos acordes. Esta colección de veinte conversaciones ilustradas es un viaje apasionante hacia los orígenes de una música que lo cambió todo sin pretenderlo, explorando su relación con el movimiento por los derechos civiles, su auge durante la época psicodélica y su relevancia hasta la llegada del movimiento Black Lives Matter. En estas páginas confluyen palabras, canciones, imágenes e historias personales gracias a la magia de la tradición oral. Porque la verdadera esencia del blues se encuentra en los recuerdos de sus protagonistas y, por cada círculo que se cierra, siempre se abre uno nuevo con su propia banda sonora.
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Este libro trata de la revolución que, tras la Segunda Guerra Mundial, dio lugar al soul. Un trabajo enciclopédico descomunal de la mano de Luis Lapuente, el mayor experto en música negra. Un libro en el que encontrarás todo lo que quieres saber y que se acompaña de apabullantes discografías y alrededor de 500 imágenes en 336 densas páginas.
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Ricardo Pérez Montfort presenta un conjunto ensayístico que, mediante la música como hilo conductor, reconstruye la historia cultural de México durante el siglo xx desde distintos ángulos y provee un diálogo con todos los factores que propiciaron la construcción de una identidad para lo mexicano. Es una obra que no sólo brinda una nueva perspectiva y premisas interesantes sobre la música mexicana, sino que también incorpora su discurso a un recorrido histórico y político donde distintas ideologías, una sociedad latente y un espíritu inigualable surge entre el resto.
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Este es un libro atípico. Sus textos abordan diferentes investigaciones que han aportado nuevo conocimiento musical y nuevas obras a partir de otras disciplinas más relacionadas con la ciencia experimental.
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La fuerza y el exceso del hard rock contados por sus protagonistasEl heavy metal de los años 80 fue una fuente de escapismo hedonista que encarnó y marcó una década espectacularmente exagerada. Éxitos como «We're Not Gonna Take It» de Twisted Sister, «Girls, Girls, Girls» de Mötley Crüe y «Welcome to the Jungle» de Guns N' Roses están tan vinculados a esos años como el PAC-MAN y E.T.Nöthin' But a Good Time refleja la energía del hair metal a través de las palabras de quienes lo protagonizaron, como los miembros de Van Halen, Mötley Crüe, Poison, Guns N' Roses, Skid Row, Bon Jovi, Ratt, Twisted Sister, Winger, Warrant, Cinderella y Quiet Riot, así como Ozzy Osbourne, Lita Ford y muchos más.Esta es la crónica definitiva de una época en la que el exceso y el éxito iban de la mano, de una era musical en la que las bandas y sus fans solo buscaban pasar un buen rato... y lo consiguieron.
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LA GUÍA DE LOS FESTIVALES MUSICALES DE ESPAÑA QUE ESTABAS ESPERANDO España es uno de los países con más cantidad y variedad de festivales musicales del mundo, desde los más renombrados internacionalmente hasta los más especializados e insospechados. Festivales de España cataloga sesenta eventos repartidos por toda nuestra geografía. No se centra solamente en aquellos que congregan a más cantidad de público, sino que también reivindica los pequeños festivales que poseen su valor dentro de escenas más subterráneas. David Saavedra, tras casi treinta años pateando festivales, nos introduce en los orígenes de cada uno de ellos, nos cuenta anécdotas y curiosidades y nos proporciona interesantes consejos e información para disfrutar al máximo de su música y de su entorno. Además, incluye entrevistas con algunos de los artistas más significativos que han pasado por sus escenarios. Pasad, leed y soñad con cuál os gustaría que fuese vuestro próximo festival.
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Rima pa los compas cuenta la historia de un grupo de jóvenes raperos en el sur del conurbano bonaerense que, a partir de un taller de escritura en la grilla de un programa social, crearon una productora que realizó decenas de videoclips recorriendo diferentes localidades, apostando a convertirse en una cooperativa que les permitiera una salida laboral. Es un diario de rodaje y un libro de sociología al mismo tiempo.Mientras los capítulos del libro recorren el fuera de plano de esos vídeos, se arma una cartografía de las vidas populares en la pospandemia que muestra cómo se fueron limitando las ofertas de trabajo, la nocturnidad, los afectos, la vida en común, inaugurando una nueva geografía barrial. Rima es también una investigación acerca del vínculo entre juventud y memoria. Van apareciendo en el relato algunos protagonistas que ya no están pero que se encuentran presentes en los murales del barrio 2 de Abril de Rafael Calzada y en estas infinitas canciones de rap.
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El cancionero de Paul Simon, obra que, por vez primera, se publica en lengua castellana, constituye un hito en la historia de la música popular estadounidense, y presenta, en edición bilingüe, las letras del afamado cantautor desde su primer álbum en 1964. A lo largo de su laureada carrera, Paul Simon ha sido distinguido con numerosos honores y recibido otros tantos premios, entre los cuales destacamos sus doce premios Grammy, tres de los cuales (''Bridge Over Troubled Water'', ''Still Crazy After All These Years'' y ''Graceland'') fueron, a su vez, álbumes del año. En 2003 recibió el premio Grammy Lifetime Achievement Award por toda la composición de la música y las letras del dúo Simon and Garfunkel. Ingresó en el Hall of Fame de los compositores y en el del Rock n' Roll, como miembro de Simon and Garfunkel, y también por su carrera en solitario. Su canción ''Mrs. Robinson'', de la película El graduado, figura entre las diez primeras de las 100 canciones más importantes de los primeros 100 años de historia del American Film Institute. Fue galardonado también con el Kennedy Center Honors en 2003 y nombrado una de las ''100 personas que dan forma a nuestro mundo'' por la revista Time en 2006.
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Los 100 mejores discos del soul es, en cierto modo, el bosquejo del canon discográfico del género a través de cien obras definitivas (más una, especial y gloriosa) que Luis Lapuente (el Doctor Soul) cataloga y analiza. Un centenar de piezas discográficas imprescindibles, que atrapan la esencia del soul y desentrañan su historia, sus secretos, su taumaturgia y su embrujo, sus orígenes, sus mimbres, sus capillas sixtinas y sus tesoros ocultos. Con Los 100 mejores discos del soul, el autor cierra la trilogía que arrancó con una visión panorámica del género (El muelle de la bahía) y siguió con el retrato de los ciento un artistas esenciales de su historia (La tierra de las mil danzas), dos libros que alcanzaron grandes ventas. Un libro esencial para ampliar la visión del soul o, simplemente, para iniciarse en él con todas las garantías, y saber qué hay que escuchar.
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Una aproximación histórica a la música experimental valenciana en el contexto internacional y otros escritos sobre música y política.Tiempo de reverberación es un libro ecléctico y multidisciplinar, escaso en la bibliografía existente y fuertemente estructurado y teórico. El autor transita y escribe la historia de la música experimental y contemporánea en València, enmarcada en el contexto internacional y en un período que abarca desde la década de 1970 hasta nuestros días.Los 17 textos recopilados por josep lluís galiana, y que aparecen cronológicamente en la obra, animan al lector a «leerlos como si de un breve relato —todavía en construcción— se tratase sobre hechos, circunstancias y vicisitudes artísticas y musicales ocurridas en el territorio valenciano en una época muy reciente, así como una enumeración de experiencias de quien escribe estas páginas, explica el autor, que ha tenido la fortuna de vivir en primera persona».
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¿Cuál es el código secreto que se esconde tras tantas composiciones musicales? ¿Cómo se sustituyen los acordes para crear una mayor complejidad musical? ¿Por qué la música juega con las emociones de las personas? En este compacto libro, el compositor y pianista Jason Martineau presenta los elementos de la música en términos claros y comprensibles. Repleto de magníficos diagramas y una gran variedad de consejos musicales fascinantes y poco habituales, este excelente manual es un recurso inestimable tanto para principiantes como para profesionales.
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* ¡Cante con todas sus fuerzas! Es una certeza: cantar es bueno para nosotros. Entre otros beneficios, reduce la presión sanguínea y mejora la autoestima y la postura. * Este libro ofrece una guía experta y ejercicios prácticos para ayudarle a añadir ritmo a su vida. * De la mano de Rosie Dow, profesora de canto con una extensa carrera y experiencia, descubra cómo controlar la voz, disfrutar de los beneficios físicos y emocionales del canto, y conectar con sus necesidades y sus puntos fuertes. Tener voz significa ser humano. Su voz es solo suya, un sonido que surge de lo más hondo de su espíritu, creado con su cuerpo y dotado de su historia personal. Cuando utilizamos la voz al cantar, compartimos experiencias y emociones. Conectamos con los demás y con el mundo que nos rodea de un modo único. Para cantar con confianza es preciso que el cuerpo esté preparado y que el corazón y la mente estén abiertos. Con algunos conocimientos y práctica, todo el mundo puede encontrar su voz de cantante y, de ese modo, dar rienda suelta a la convicción y la inspiración para compartir su historia y mejorar su vida. Ha llegado el momento de que el mundo escuche su voz.
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Cantar em fa feliç
Aquest llibre és un viatge per la trajectòria vital i musical de l'Imma Pascual, pianista, cantant, pedagoga i directora del Cor Geriona. A través d'aquest recull de vivències desgranarem els profunds beneficis que genera la pràctica de la música, el cant
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Una guía útil para guitarristas noveles, profesionales de otros ámbitos o guitarristas con experiencia en el flamenco que deseencodificar las armonías o ampliarlas. Este libro recoge diferentes disposiciones relacionadas con los diferentes estilos del flamenco, una enumeración y descripción de diferentes técnicas de mano derecha para su utilización en los diferentes estilos, así como diversos tipos de afinaciones de la guitarra flamenca. Además, incluye un listado de guitarristas, bailaores/as y cantaoras/es para que el lector pueda reconocer y aplicar los acordes del libro.
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¿Por qué una interpretación musical puede emocionar hasta las lágrimas y otra impulsar a bailar o a dar palmas? ¿Es posible que un niño reconozca una canción que oyó en el útero materno? ¿Por qué composiciones que utilizan determinados ritmos motivan a hacer ejercicio en el gimnasio? La larga tradición que vincula el hecho musical con la mente humana, intensificada en las últimas décadas, ha dado lugar a lo que se conoce como psicología de la música, que presta atención en igual medida a la composición, la ejecución, la escucha o la apreciación de esta última. En esta breve introducción, E. H. Margulis (figura sumamente prestigiosa en este campo) conecta esta ciencia con otras áreas más amplias relacionadas con la música suscitando reflexiones y examinando cuestiones que sin duda han de interesar no sólo a músicos, intérpretes, musicoterapeutas o musicólogos, sino también al público general.
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El flamenco es arte, pasión, dolor, sentimiento... ymisterio. Muchas han sido las teorías que, a lo largode la historia, se han formulado para explicar su origen, su excepcionalidad y su endemismo andaluz. Algunas, puramente nominalistas y radicalmente erróneas,como la de que viene de Flandes, otras, simplemente reduccionistas, como la de que es un arte gitano. BlasInfante lanzó una nueva y clarividente teoría al asociar su origen con el íntimo dolor de los derrotadosy humillados andalusíes y moriscos, fellah mengu, dela que vendría la expresión de flamenco. Antonio Manuel, en su prodigiosa obra Flamenco. Arqueología de loJondo, a través del sentimiento y la filología, avanzó en la senda abierta por Infante.
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UNA ANTOLOGÍA DE BREVES OBRAS MAESTRAS COMENTADAS Y ACOMPAÑADAS DE UNA GUÍA DE AUDICIÓN PARA DISFRUTARLAS EN TODA SU EXPERIENCIA. Este libro que sostiene entre sus manos contiene un tesoro incalculable, donde el verdadero valor reside en el centenar de piezas musicales analizadas y que podran disfrutar gracias a la tecnología de los códigos QR. Se trata de una antología de breves obras maestras, auténticas perlas musicales creadas por cien grandes compositores a lo largo de cuatro siglos. Para quienes desean adentrarse en el mundo de la música clásica, este libro pretende ser una guía que los acompañe y los oriente en un fascinante viaje iniciático hacia la mayor belleza sonora creada por el ser humano. Y para los que ya son aficionados, conocer los entresijos de cada pieza seleccionada mediante una guía de audición puede enriquecer su disfrute al escucharlas. • El Adagio para cuerdas de Samuel Barber, ¿la música más triste del mundo? • Casta diva de Vincenzo Bellini, una de las arias más bellas del repertorio belcantista. • La infancia de Cristo, de Hector Berlioz, un autor originalmente incomprendido y rechazado en su país. • Cuarteto para cuerdas n.º 2 de Aleksandr Borodín, un «compositor de domingo». • 4’33’’ de John Cage, el silencio como «sonido inaudible». • La Campanella de Niccolò Paganini: ¿pactó su dominio del violín con el mismísimo diablo? • Bolero de Maurice Ravel, una codiciada máquina de hacer dinero. • Escenas de niños de Robert Schumann: el gran compositor de la esposa extraordinaria.
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Un ensayo sobre la improvisación como proceso básicode la creación artística, dirigido a músicos, actores, bailarines, artistas, etc.Analiza la improvisación como el resultado de crear e interpretar.Festeja el silencio y la escucha como parte clave de la improvisación musical: la creación es una conversación en la que no todos hablan a la vez.El autor cuestiona la enseñanza y la propia etimología del 'conservatorio'. que por algo no se llama el 'exploratorio'.Se relaciona con el free jazz y la libre improvisación electroacústica, donde no existen jerarquías ni predominio de un instrumento sobre otro.Un obra clave y referencial en la literatura sobre este tema en español. Incluye un glosario de términos, una breve bibliografía e índice onomástico y temático ofreciendo al lector una manera de rastrear determinados temas de forma transversal.Escritopor un artista y profesor con varias décadas de experiencia en improvisación, y además larga trayectoriaen cursos, escuelas, conferencias y actividades didácticas. Wade Matthews, (La Chapelle-St. Mesmin, Francia 1955), es doctor en composición y electroacústica por la Columbia University de Nueva York. Como escritor, Matthews ha coordinando números de la 'Revista deOccidente' y 'Doce Notas' y ha publicado en 'La Balsade la Medusa', además de once tomos de la Historia de la Música de Deutsche Grammophon.Vive en Madrid, donde coordina el ciclo de conciertos de músicaimprovisada ¡Escucha! en el espacio CRUCE: arte y pensamiento contemporáneo.
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Un ambicioso ensayo sobre la música en la Grecia clásica y su relación con la palabra, la poesía, la mitología y la filosofía. Que el origen de la cultura Occidental se remonta a la Grecia clásica es algo que todo el mundo sabe. El papel que en ese universo heleno tuvo la música es, en cambio, mucho más desconocido. Santiago Auseron explora en este original y ambiciosísimo ensayo la relación de la música en la Grecia arcaica y clásica con la poesía, el mito, la filosofía, el logos y la videncia. Aborda la vinculación de la armonía, el ritmo y la melodía con la palabra, la conexión entre lenguaje y música, la unión y la escisión de las artes visuales y musicales, la relevancia de la música desde Homero hasta Platón, pasando por el tratado de armonía de Aristóxeno... El libro parte, en palabras del propio autor, de «la inquietud por conocer el rastro de las sonoridades musicales que asistieron al nacimiento de la filosofía».
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En 1989 David Foster Wallace se traslada a Boston para cursar un posgrado en Harvard y se instala en el apartamento de Mark Costello, antiguo compañero de universidad. Juntos descubren su común interés por la naciente música rap. DFW se aventura en un ensayo con el que desmenuzar el ADN cultural del género. Costello escribe pequeñas réplicas que devienen ensayos completos, entrelazados con los de Wallace. El resultado será “Ilustres raperos”, una suerte de tratado que intenta encontrar el sentido del rap a partir de la sociología, la economía, la filosofía, la ley y otras tantas disciplinas.
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Descubrir al compositor y a la persona es fundamental para comprender la dimensión de la obra musical.Roberto Gerhard (Valls, 1896-Cambridge, 1970) es uno de los músicos españoles más importantes del siglo XX. A diferencia de sus coetáneos, es el único que, haciendo acopio de una gran valentía, solicitó a Arnold Schönberg ser aceptado como su alumno, lo que lo convirtió en el único discípulo español del maestro vienés. Tras formarse con Schönberg, apostó por la defensa y difusión de la «nueva música» (parafraseando a Adorno), tanto con su propia obra como con la organización de conciertos. Tras la Guerra Civil se exilió en Inglaterra, donde desarrolló el resto de su carrera profesional hasta su muerte.La correspondencia que aquí se presenta tiene un gran valor no sólo por poner de relieve la relación personal del compositor español con una figura clave en el desarrollo de la música contemporánea, sino porque en ella se recogen nuevos datos biográficos e historiográficos, así como cuestiones de índole musical (compositivas, teóricas, conciertos…) que son de gran importancia no sólo para entender la labor creativa de Gerhard, sino para dimensionar su papel de primer orden en la historia de la música española del pasado siglo.Este libro permite descubrir tanto al compositor como a la persona, cuestión fundamental para comprender en su justa medida la dimensión de la obra musical.
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La saga llega a su fin. Por aclamación popular, llega el cuarto ?y ¿último? volumen de nuestra serie Best séler consagrada a la epopeya del Hip Hop.Este volumen irresistiblemente extravagante y perfectamente documentado, se adentra plenamente en los años '80 presentaño a futuras estrélas como Dr. Dre, Will Smith y Salt n Pepa.Piskor recrea la atmósfera eléctrica déla ?época délos pioneros y sus aventuras con su talento desmesurado, ganador de premio Eisner.
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«Por qué los dioses nunca me permiten asistir a un concierto sin sobresaltos. Cuando no me tengo que pelear con mis demonios internos o con algún cristiano o con la diarrea o el pasón surge un nuevo enemigo», se pregunta Velázquez, cuyas crónicas parecieran ser el gólem engendrado en una orgía entre Günter Wallraff y Alberto Salcedo Ramos (entre otros). Sean bacterias como la Giardia lamblia, listas de invitados VIP sin su nombre sobre ellas, bancarrotas económicas, físicas o emocionales o el tráfico de la Ciudad de México, en cada concierto, cada festival, tiene que pasar por una ordalía para demostrar su inquebrantable feligresía en el templo del rock and roll.En este libro hay desde relatos iniciáticos en donde el autor evoca los tiempos en los que el sueldo entero que pergeñaba despachando en una tienda de discos se iba en mercancía que compraba (o sustraía) ahí mismo, hasta escenas gonzo, escatología aaa o tretas para conseguir boletos, drogas o licores que despertarían la envidia del Lobo de Wall Street.Mantén la música maldita ,no es un libro sobre música sino sobre la relación infecciosa que su autor tiene con ella. Las múltiples tracciones de las crónicas de Velázquez hacen del territorio de lectura un suelo inestable e impredecible. Por él desfilan como un trueno Nick Cave o el decadentismo post-posmoderno (Velázquez dixit) del Muertho de Tijuana, Iggy Pop o Soda Stereo, Marilyn Manson o Marky Ramone, por mencionar sólo a unos cuantos de los personajes que invariablemente arrastran al autor hacia la inmolación.«Leer las crónicas musicales de Carlos Velázquez es como ponerte una borrachera memorable y explosiva, donde todo es pasión. Cada párrafo es un trago más para llegar al éxtasis alcohólico. Y lo mejor de todo: sus textos no dan cruda».Joselo Rangel, Café Tacvbaramas a partir de una premisa encantadora y envolvente, en donde todo mundo soltará una carcajada rotunda.«Carlos Velázquez demuestra que es un escritor con proyecto, no sólo para desarrollar un estilo de humor corrosivo hasta el hueso [...] En los textos de Velázquez no funciona el «Sálvese quien pueda» porque no se salva nadie. De ah¡ la calidad de su literatura».Elmer Mendoza, ,El Universal
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Y ahora, para los detractores de los busca-orígenes, que son los elaboradores de las presunciones apriorísticas fáciles de hacer, unas palabras en prevención de sus anatemas con relación al caso presente, porque, en general, ya han sido descubiertos en sus interioridades y sacados a pública vergüenza por investigadores verdaderos, mejor que yo ?aspirante a investigador? pudiera llegar a realizarlo: ¿Quién, con el argumento de mi incapacidad, osará condenar mi aspiración y mi esfuerzo, tendentes a comprender y a gozar las creaciones culturales de mi país, ni, menos, mi intento de llegar a proporcionar nuevos elementos para la elaboración del juicio estético de los demás? Pues éste es todo el secreto de esta obra. AUTOR Nació el 5 de julio de 1885 en Casares (Málaga). Hijo de Luis Infante Andrade, secretario del Juzgado del pueblo. Su madre, Ginesa Pérez de Vargas, pertenecía a una familia de labradores de clase media. Tras cursar los estudios primarios en la escuela de Casares, ingresa como alumno interno en los Escolapios de Archidona (Málaga), donde estudia el bachillerato entre 1895 y 1899.
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BRILLO, TALENTO Y PODER: LA ESENCIA DE LAS DIVAS DEL POP Las mujeres han dominado las listas del pop desde hace décadas. Su talento y su trabajo las ha aupado a ser los nuevos iconos mundiales, modelo y espejo de las jóvenes generaciones. Nombres como los de Christina Aguilera, Kylie Minogue o Taylor Swift se juntan con otras artistas como Beyoncé, Lady Gaga, Rihanna o Björk. Este libro es un repaso biográfico a algunas de las mujeres que dominan las listas del pop, un pequeño recorrido por su música ilustrado de forma magistral por una gran artista.
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Los escenarios por los que transitan los cuatro estudios contenidos en el presente volumen muestran la estrecha relación existente entre diferentes modelos propagandísticos, de naturaleza musical, implementados en la Alemania nazi del III Reich de Adolf Hitler, y los llevados a cabo en España durante la dictadura del general Francisco Franco. Dichos estudios se ven completados con la aportación artística de obra gráfica reciente (2020).Ambos regímenes otorgaron un papel relevante a la música como expresión artística que debía contribuir a moldear una determinada sensibilidad política de signo autoritario, así como a impulsar una concepción patriótica basada en la exclusión del discrepante y en la eliminación del adversario. Los límites que separaban ambas categorías siempre fueron extremadamente difusos y, por tanto, su concreción solo respondía a interpretaciones arbitrarias, generalmente ajenas a toda norma legal.La creación de un nuevo corpus musical durante el período que es objeto de estudio, tanto en Alemania como en España, favoreció la edición urgente de cancioneros, poemarios, hojas volantes y discos, principalmente, como soportes en los que fijar los mensajes contenidos en canciones e himnos de guerra, contestados desde el campo opuesto con obras de lucha y resistencia.En las décadas de los años 30 y 40 del siglo xx, distintas fronteras europeas colapsaron, violentadas por fuerzas militares de ocupación que las atravesaron entonando alegres canciones populares, como si de una excursión juvenil se tratara, canciones cuyas melodías recordaban a los soldados sus orígenes pero no su destino, unido este, indefectiblemente, al del continente europeo.
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Una de las más importantes artistas de la música norteamericana de las últimas décadas habla por primera vez abiertamente de su vida.El ascenso a la fama de Lucinda Williams ⸺tres veces ganadora del Grammy⸺ no fue fácil. Criada en una familia de clase trabajadora, en el profundo sur de los Estados Unidos, ella y sus hermanos tuvieron que mudar de pueblo en pueblo hasta vez que su padre ⸺el poeta Miller Williams⸺ consiguió, por fin, un trabajo fijo como profesor en la universidad de Arkansas, totalizando más de una docena de diferentes lugares durante toda su infancia y adolescencia entre los que se encuentran Louisiana, Mississippi, Georgia, Utah, Nueva Orleans, Chile o México. Sobre el papel, una educación ideal para la artista en la que se convirtió: una música nómada itinerante cuyas canciones se inspiran en profundas raíces sureñas, utilizando imágenes prácticas para conjurar emociones tempestuosas.En No le cuentes a nadie los secretos que te conté, Williams nos cuenta abiertamente las circunstancias que dieron forma a su música, desde el salón familiar hasta agotar entradas en el Radio City Music Hall. Revelando cuales fueron las inspiraciones de sus inolvidables letras, incluidos los amores condenados al fracaso. Pasó años trabajando como dependienta en tiendas de discos durante el día para poder tocar su música por la noche, y se enfrentó a compañías discográficas, que no se tomaban en serio su rol de mujer en el mundo de la música. ''demasiado country para el rock y demasiado rock''. Pero su espíritu de lucha perseveró, y la llevó a un éxito ganado con esfuerzo que abarca diecisiete nominaciones al Grammy y un legado como una de las compositoras más grandes e influyentes de nuestro tiempo.
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Estas páginas analizan el papel que la experiencia, la acción y la improvisación jugaron en las interacciones entre el jazz y las artes, fundando así nuevos modos articulados de pensar y hacer el arte y de afrontar la vida.Dichos procedimientos se desarrollaron en entornos urbanos alternativos (Harlem, Greenwich Village, Saint-Germain-des-Prés, Haight-Ashbury…) y en diversas comunidades reflexivas y creativas (Black Mountain College, New School for Social Research, Hollywood…), construyendo nuevos cauces simbólicos que contribuyeron a superar la tradicional antinomia entre la alta cultura y la cultura popular.Igualmente, esas interrelaciones tuvieron lugar en un contexto internacional caracterizado por la génesis de la sociedad posindustrial, la lógica geopolítica de la Guerra Fría, el impacto de la migración intelectual y artística Europa - EE. UU. (1930-1960), la pujanza global de la cultura afroamericana y la emergencia de los nuevos movimientos sociales y culturales, entre otros procesos relevantes.
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El universo de la banda de metal más famosa del mundo a través de la parte más importante y trascendental para cualquier fan de la música: sus letras.Más de 40 años después de su formación y tras 125 millones de álbumes vendidos, Metallica sigue siendo la banda más grande de metal rock. Se ha escrito mucho sobre el grupo, pero El sentido de Metallica es el primer libro que se adentra profundamente en los contenidos y el significado de sus letras. Sus poderosos riffs de guitarra y su contundente batería son legendarios, pero las letras de Metallica están a la misma altura que la intensidad de sus canciones. El cantante, James Hetfield, escribe poesía rock sobre la muerte, la guerra, la adicción, la alienación, la corrupción, la desesperación, la rabia, el poder, la religión, la justicia, la locura y otros temas trascendentales. Indignado en «And Justice for All», desconsolado en «Mama Said», enamorado en «Nothing Else Matters», triunfante en «Escape» o avergonzado en «King Nothing», Hetfield pinta un cuadro de emociones con mano maestra. Sutiles pero no oscuras, sus letras merecen especial atención. Y como gran maestro de la narrativa, consigue que sus seguidores se sientan identificados por un amplio abanico de personajes, desde un Dios vengativo hasta un adolescente suicida, pasando por la clásica crisis de la madurez.
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Llach, lletra i música
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Nada hacía presagiar que Brett Anderson ''nacido en la depauperada ciudad dormitorio de Haywards Heath, entre Londres y Brighton, en el seno de una familia humilde'' se convertiría en una de las voces más carismáticas del pop británico de los noventa y en una estrella internacional. En Mañanas negras como el carbón, el cantante de Suede relata sus años de infancia y juventud, entre descampados herrumbrosos y las crueles rivalidades de la adolescencia, entre un padre excéntrico y a veces colérico que aborrecía la música pop, y una madre con temperamento artístico que aceptaba con resignación y melancolía su matrimonio sin amor. Con un estilo elegante, lírico y descarnado, Anderson revive su temprana pasión por la música, que lo llevaría a formar una primigenia versión de lo que sería Suede con Bernard Butler ''uno de los mejores guitarristas de su generación'' y la que fue su primer gran amor y futura líder de Elastica, Justine Frischmann. Con esta mantendría un apasionado y tierno romance cuya ruptura dejó a Anderson destrozado y consumido por los celos, lo que daría lugar a las canciones libérrimas, descaradas e intensas del célebre álbum de debut del grupo, que marcó una época con hits como «The Drowners», «Metal Mickey», «Animal Nitrate» o «So Young».
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