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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Una advertencia sobre cómo la economía digital amenaza la vida y el trabajo de los artistas: la música, la escritura y las artes visuales que sustentan nuestras almas y sociedades. Se escuchan dos relatos sobre ganarse la vida como artista en la era digital. Uno surge de Silicon Valley: «Nunca ha habido un mejor momento para ser artista. Si tienes un ordenador portátil, tienes un estudio de grabación. Si tienes un iPhone, tienes una cámara de cine. Y si la producción es barata, la distribución es gratuita: se llama Internet. Todo el mundo es un artista, simplemente explote su creatividad y publique sus cosas». El otro relato proviene de los propios artistas: «Claro, puedes poner tus cosas ahí, pero ¿quién te va a pagar por ellas? No todo el mundo es un artista. Hacer arte lleva años de dedicación y eso requiere medios de apoyo. Si las cosas no cambian, el arte en gran medida dejará de ser sostenible». Entonces, ¿qué relato es el verdadero? ¿Cómo se las arreglan los artistas para ganarse la vida hoy en día? Deresiewicz, un destacado crítico de arte y de la cultura contemporánea, se propuso responder a estas preguntas. Sostiene que estamos en medio de una transformación de época. Si los artistas fueron artesanos en el Renacimiento, bohemios en el siglo xix y profesionales en el xx, un nuevo paradigma está surgiendo en la era digital.
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Las intuiciones de Diderot sobre los problemas expresivos y compositivos, sobre el dibujo y el color o sobre el claroscuro reflejan poderosamente el debate dela segunda mitad del siglo XVIII en torno a las artesfigurativas, tanto que su Ensayo sobre la pintura impresionó profundamente a los pensadores alemanes másdestacado de su siglo -Lessing, Schiller y especialmente Goethe, que los traducirá añadiendo sus propios comentarios-, y anticipan muchas de las cuestiones queabordará la crítica de arte posterior, influyendo notablemente sobre los escritos de arte de autores comoBaudelaire, Zola o Apollinaire.
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La representación de formas vegetales ha sido una constante dentro de la historia de la fotografía. Este catálogo bilingüe, entendido como un jardín contemporáneo, crea un relato visual a partir de una selecciónde obras de la colección ''Per Amor a l'Art'', incluyendo artistas como Karl Blossfeldt, Imogen Cunningham, Hans-Peter Feldmann, Richard Hamilton, Jochen Lempert, Alessandra Spranzi...
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Una película independiente sobre unos famosos asesinatos comienza su rodaje en la sierra de Madrid. Por ella desfilará un extenso elenco de divertidos personajes, a cuál más incompetente que el anterior, dejandoa su paso planos muy mal rodados y lecciones para toda la vida. En este libro encontrarás multitud de consejos y conceptos técnicos y artísticos de todos los departamentos que conforman un rodaje de cine desde unpunto de vista cercano, sincero y práctico. Como lector no tienes por qué saber mucho de cine para sentirla angustia de los protagonistas, pero este Manual de cine indie es más que un desternillante relato sobre los entresijos de una filmación. Es un inspirador viaje lleno de sorpresas y enseñanzas técnicas que invita a devorar sus páginas, el retrato de una forma dehacer cine en España que resultará muy familiar tanto para quienes estén empezando como para los que tengan ya el beneficio de la experiencia. Que, a veces, reírse de los demás es muy sano. Y hasta instructivo.Esta es la divertida y fascinante historia de un rodaje en el que todo lo que podría haberse hecho mal sehizo mal. AUTOR Ezequiel Romero (Jerez de la Frontera, 1987) es un director de fotografía con infinidad deproyectos audiovisuales a sus espaldas. La mayoría de ellos son tan pequeños que es difícil acordarse deellos, otorgándole un puesto privilegiado en primeralínea de la retaguardia cinematográfica. Miembro de esa primera generación audiovisual que ha tenido que lidiar con la llamada democratización del cine , Ezequiel se ha curtido en todo tipo de proyectos independientes en España y por todo el mundo, siendo parte tanto de la primera hornada de webseries en nuestro paíscomo de proyectos en el corazón de África, por todaEuropa o en el loco cine de Bollywood, en el que asegura no haber tenido que ponerse a bailar todavía. Suestilo cinematográfico nace de un espíritu aventureroy trotamundos, con la pasión puesta en la resoluciónde problemas con ingenio y con pocos medios, algo indispensable en el audiovisual actual. A día de hoy trabaja en un amplio rango de proyectos y géneros en cine y publicidad en España y Reino Unido (donde vive,quejándose siempre del tiempo). Sigue poniendo en práctica las distintas facetas de su experiencia tanto en fotografía como en efectos visuales, edición, guióne incluso interpretación. Ahora, además, ha escritoeste libro. Para más información: www.ezequielromero.com
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Adaptación al cómic de la novela Emilio Carrere La torre de los siete jorobados, clásico incontestable delfantástico español llevado al cine por Edgar Nevilleen 1944. Cobra así nueva vida, en viñetas, esta historia en la que una ciudad subterránea convive con laurbe de Madrid entre misterios, tahures y aparecidos.Todo el sabor del folletín, no exenta de ribetes entre lo excéntrico y lo sobrenatural, servido en una novela gráfica de lectura absorbente que demuestra quelas grandes historias no están perdidas para siempre,sino que están llamadas a revivir periódicamente.
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* Aprenda a dibujar el cuerpo humano sin miedo con Jake Spicer, profesor y autor. * Informativa e instructiva, esta guía completa ofrece todas las herramientasnecesarias para dibujar la figura humana, del naturalo reproducida en una pantalla. * Reúne la enseñanzade las habilidades de observación, expresión y comprensión, con una amplia sección de referencias anatómicas, y las trata desde un enfoque coherente. Comenzando con los principios clave de la observación, este libro le ayudará a construir una base sólida de habilidades para realizar dibujos bien observados y conproporciones precisas. A medida que progresa, analizará procesos y hará ejercicios que van más allá de lopuramente observado para expresar el gesto, la formay la esencia de su modelo. Incluye ejemplos fotográficos e ilustrativos a lo largo del libro que apoyaránsu aprendizaje a cada paso. La claridad de los tutoriales quedescriben paso a paso todos los procedimientos aporta una comprensión práctica de los materiales, habilidades e ideas clave en el dibujo de la figurahumana. Una amplia sección de referencias anatómicas, divididaen zonas manejables, ampliará su conocimiento de lafisiología humana.
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El 11 de julio de 1897, el científico Salomon AugustAndrée, el ingeniero Knut Frænkel y el fotógrafo NilsStrindberg se embarcaron en el Örnen, un globo aerostático con el que pretendían explorar el Polo Norte.La increíble expedición, seguida con apasionado interés por la sociedad sueca de la época, tuvo un desenlace fatal: después de tres días de vuelo, el globo descendió hasta caer en un banco de hielo y los tres intrépidos aventureros subsistieron unos meses hasta fallecer. Probablemente, la aventura del Örnen se habríaido desvaneciendo en la memoria escrita y oral europea si no fuera porque, 33 años después, en una nuevaexpedición ártica, se halló el último campamento de los exploradores suecos. Entre sus pertenencias se encontraba todo el material fotográfico que había ido elaborando Nils Strindberg y, de repente, la cuasi leyenda del Örnen se hizo imagen.Esta historia esla que da origen al presente coloquio en dos ensayosentre el fotógrafo y crítico Joan Fontcuberta y el filósofo Xavier Antich. El viaje del Örnen y el legadode negativos fotográficos de Strindberg -deteriorados como un cuerpo herido- sirven a Fontcuberta para reflexionar sobre la humanidad de la fotografía y la perdurabilidad de las imágenes en una época en la que parecen haber perdido precisamente su carácter material esencial. Para el pensador, las fotografías puedenllegar a ser tan enigmáticas como la vida: nacen en un instante, fijan un momento y, a medida que pasa eltiempo, adquieren nuevas dimensiones vinculadas a lamemoria. Todo ello lleva a Antich a reflexionar sobrela propia construcción de la mirada y la memoria visual no solo a través de la fotografía sino también através del arte y la literatura.Dos ensayos incisivos que aportan una inteligente revisión del papel de la fotografía en nuestra saturada cultura audiovisual actual y, más allá de los límites del análisisfotográfico, nos regalan una estimulante exploraciónde ''lo humano'' en tiempos de algoritmos e inteligencia artificial.
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La música és casa meva
La música fa millors les persones i la societat? Al llarg del temps, els fi lòsofs s'han plantejat aquesta qüestió amb un gran escepticisme. Alicja Gescinska afirma que la música escampa una influència positiva sobre nosaltres i pot tenir un paper important en el nostre desenvolupament personal i ètic. Avui, però, té poca rellevància en l'educació i la vida quotidiana, i la considerem només una font de relaxació, entreteniment o consol. En aquest assaig tan lúcid i clar en les formes i en els continguts, Gescinska assegura que la música és un dels fonaments de la nostra existència: ens fa més empàtics i estimula l'experiència creativa humana. La música dona forma al nostre lloc al món i sempre ens fa sentir a casa. «La música no només amplia la nostra comprensió dels altres, sinó també de nosaltres mateixos. En la música aprenem qui som i de què som capaços. La música contribueix a l'autoconeixement i el desenvolupament personal, i això és un component rellevant de la seva importància moral. »
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Este libro traza un recorrido desde los orígenes delgénero (Apartado de correos 1001, Brigada criminal oA sangre fría) hasta la época más reciente (Grupo 7,No habrá paz para los malvados o Que Dios nos perdone). También pasa por la contribución del injustamentedenostado Antonio Isasi Isasmendi y el cine quinqui de los ochenta. El cine negro español propiamente dicho arranca en 1981 con El crack, de José Luis Garci, que surge de la misma mitomanía que puso en marcha esanostalgia de la novela y el cine negro para retratarla corrupción.
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'El cine comienza con Goya'' cuenta los orígenes y creación de un lenguaje universal que será la matriz original del cine. Goya creó ese lenguaje visual dondese funda el lenguaje universal del cine. A la matrizgoyesca del lenguaje cinematográfico serán fieles todos los patriarcas fundadores. Georges Méliès, D. W. Griffith, Friedrich Wilhelm Murnau, Sergueï Eisenstein, Carl Theodor Dreyer, Fritz Lang, Alfred Hitchcock,Orson Welles, Luis Buñuel, Akira Kurosawa, Billy Wilder, John Huston, Stanley Kubrick, Andrzej Wajda, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Néstor Almendros, Luis García Berlanga, Carlos Saura, entre otros grandes maestros, utilizan, rinden homenaje y enriquecen el lenguaje universal concebido y creado por Goya para tocar latécnica y herramientas fotográficas con la gracia deun arte nuevo compartido por todas las civilizaciones.
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CON +600 BOCETOS DIFERENTES, DIBUJAR ANIMALES CON ALAS, 100 pájaros, mariposas y otros insectos es un libro de referencia visual indispensable para artistas en formación, ilustradores, periodistas de la naturaleza, dibujantes de la naturaleza y cualquier otra persona que quiera aprender a dibujar de manera más realista. o Crear formas y simetría básicas o Dibujar líneas para formas corporales, alas y sombras.o Mejorar su control de líneas
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Siempre se dice que lo más importante de cualquier proyecto es la idea.Pero sin argumento, sin relato que la defienda, una idea se quedahuérfana. Las ideas hay que dotarlas de “ verdad” y laverdad surge de tus vivencias, experiencias vividas y compartidas, es loque define la singularidad de tu proyecto. Esto exige una implicación,ambición e ilusión importantes. En este nuevo libro el autor nos enseñacómo las conexiones entre los objetos cotidianos y las palabras producenimágenes y relatos que confluyen para definir su obra, su identidad
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En 1928, Federico García Lorca escribió e impartió la conferencia sobre las «Canciones de cuna españolas» que ahora presentamos. Toda una obra de orfebrería literaria a la par que mapa melódico y social -muy respetuoso y tierno- de los pueblos de España y de sus múltiples entresijos. Vaya por delante que no es esta una edición crítica, sino popular y de lujo, que cuenta con una hermosa presentación del escritor José Javier León. «En esta conferencia no pretendo, como en las anteriores, definir, sino subrayar, no quiero dibujar, sino sugerir. Animar, en su exacto sentido. Herir pájaros soñolientos. Donde hay un rincón oscuro, poner un reflejo de nube alargada y regalar unos cuantos espejos de bolsillo a las señoras que asisten». Con estas palabras iniciaba el poeta granadino la que posiblemente fuera su conferencia más hermosa, más lograda. Una obra que deslumbra por su sensibilidad y rigor tanto en el contenido como en la forma y que seduce con su arrullo recordándonos, una vez más, por qué Lorca es uno de los escritores de nuestro país más importantes de todos los tiempos.
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Un recorrido didáctico para aprender a dibujar. En
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Si en tiempos premodernos las mujeres fueron consideradas físicamenteinferiores a los hombres, se insistía en su irracionalidady se las recluía a la vida doméstica, eso no significa que todas ellasestuvieran privadas de capacidad de decisión ni que sus vidas fueranirrelevantes para la cultura y la sociedad de su tiempo. Aunquefueron experiencias minoritarias, hubo mujeres que se destacaronen el ámbito público, e incluso otras heroicas, símbolos de la virtudfemenina, la justicia y la fortaleza.La historia de Tomiris es, precisamente, una de esas anomalías:reina de los masagetas (siglo VI a. C.), ante una amenaza exteriorcontra ella y su pueblo, actuó con inteligencia, valentía y singularjusticia. Este libro se ocupa tanto de su historia como de la vida póstumade su figura, de las fuentes de quienes la contaron y de las apropiacionesy usos que hicieron de ella. Recorrer esos caminos nospermite descubrir también algunas de las expresiones culturalesy sociales que se opusieron a la emancipación de las mujeres, asícomo las que propusieron, justificaron y posibilitaron un papeldistinto para ellas en el pasado.
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Casa de labrador en las afueras de Madrid, la Quintafue comprada por Goya en 1819. En 1820 pintó sus paredes con los motivos mássombríos. Poco después el lugar fue cayendo en el olvido, perseguido por las desventuras, dando las llamadas Pinturas Negras pie a todasuerte de interpretaciones.En esta edición crítica aumentada, el autor sopesa las divergentes teorías surgidas recientemente sobre las salas y las pinturas de la Quinta, para, con carácter casi definitivo, deducir, con nuevas pruebas gráficas, la distribución real de las mismas.
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Una deslazada y ondulosa cabellera de mujer ha sido,secularmente, un elemento de enorme admiración y, asimismo, de capacidad turbadora en los mitos eróticos de la sociedad masculina, un agente fetichista incitador de secretas fantasías en su imaginación, que se manifiestan tanto en la literatura como en el arte. Sinembargo, aquella ''corona real de la femineidad'', como la calificó Paracelso, ha encontrado condenas y restricciones morales y religiosas en muchos periodosde la historia. A pesar de ello, el pelo, su adorno,cuidados y belleza, ha inspirado a multitud de poetas, literatos y pintores, como recogen las páginas de este libro. Desde Ovidio al caballero Brantôme, hastalos modernistas, su glosa ha sido una constante en los campos de la sensibilidad artística.
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El Jazz es la base de toda la música estadounidense.Empezando como una revolución rítmica en Nueva Orleans, el jazz se transformó en big band swing, bebop yrhythm and blues, mientras que sus ideas de groove eimprovisación se convirtieron en parte integral del soul y el rock, luego del funk y el hip-hop. Este libro se centra en el desarrollo del jazz en las comunidades afroamericanas de cinco ciudades: Nueva Orleans,Chicago, Kansas City, Nueva York y Los Ángeles —,a través de una combinación de estudios urbanos, contexto histórico y perfiles clave de figuras importantes. También es una guía auditiva: las listas de reproducción seleccionadas iluminan la interacción dinámica de sonido y solo, blues y grooves, improvisacióny swing en conjunto. Los maestros de jazz enseñaron alos músicos del planeta cómo encontrar sus propias voces individuales y luego arriesgar esto en una conversación dinámica con otros. El jazz es una historia de arte, cultura, raza, libertad, estética, política,lucha y autoexpresión.
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Una nueva forma de crítica literaria.“¿Cómo es que el arte se ha vuelto tan poderoso que ni siquiera podamos imaginar una realidad que no esté gobernada por sus parámetros?”. El joven académico alemán Markus Gabriel, autor de varias obras renovadoras del panorama filosófico contemporáneo, como Por qué no existe el mundo y Yo no soy mi cerebro, intenta responder en este breve ensayo un tópico ampliamente discutido en la historia del pensamiento: la naturaleza del arte.En El poder del arte, junto con desplegar un audaz cruce entre epistemología, cultura popular y contingencia social, Gabriel sostiene que el arte ostenta un poder incontrolable. Por eso nadie, ni el observador ni el artista, están en posición de dirigir y dominar su destino. Cada obra de arte genera su propio juicio estético y, así, es capaz de juzgarse a sí misma.Al mismo tiempo, junto con dar luces sobre el vínculo entre la estética y su propuesta filosófica, el Nuevo Realismo, El poder del arte es una perfecta puerta de entrada al corpus filosófico de uno de los pensadores más influyentes de la actualidad.
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Juega con el color, desarrolla tu creatividad y descubre tu paleta personal con este manual práctico de acuarela. El color es una de las vías de expresión de nuestra personalidad más profunda. Con esta guía práctica, Lisa Solomon nos introduce en la teoría del color a través de divertidos experimentos con los que descubrir distintas maneras de conectar con el color en nuestra vida y en nuestros proyectos. . Una introducción al color: qué es y cómo los percibimos, la terminología esencial (tono, atenuación, valor, cálido o frío...) y los sistemas de colores más comunes (RGB, CMYK, Pantone...). . Un repaso de todos los materiales y herramientas que necesitas conocer para adentrarte en el apasionante mundo de las pinturas con base de agua. . 15 ejercicios con los que asimilarás las cuestiones esenciales de la teoría del color: combinaciones de color, la rueda de colores tradicional, jugar con la saturación... . Y, además, 16 meditaciones de color, pequeños ejercicios de repetición que te permitirán concentrarte en el ajuste del color y dejarte llevar por la inspiración.
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Este libro reúne escritos sobre la voz, la escritura y el deciren los que Ixiar Rozas ha trabajado desde hace años. Durante este tiempo la autora se ha acompañado de una investigación trans—arte, filosofía, literatura, feminismo, estudios escénicos, culturales, visuales, sonoros…— con la que ha sentido, pensado y practicado la escritura, la danza, la performance y el arte sonoro. Entre la poesía, las partituras lingüísticas y la teoría, a veces sonido, a veces imagen, a veces texto, en las que ha apoyado su propio trabajo. Dar voz a la palabra, sonarla, sería la antipolítica —tal vez contrapolítica— de la política actual, generalizante, desvocalizada, en la que la escucha y sus extensiones han quedado ensombrecidas. La voz que respira puede arrojar algo de luz a una mirada encerrada en su pensamiento y en la cárcel de lo semántico. Sonar la voz quiere decir hacerla vibrar en todos sus ritmos. Sea o no palabra, tal vez mero sonido, imagen, gesto. Y eso nos sitúa en escuchas y lugares imprevistos, en los que podemos com-ponernos y com-penetrarnos con otros seres.Este libro incluye un epílogo de la filósofa Marina Garcés.
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En el transcurso de la historia, la música nos ha definido como especie. Sin embargo, es una parte ignorada del relato de nuestros orígenes. En busca de ese cosmos musical, este libro nos ofrece un viaje estimulante sobre la relación del ser humano con este arte. Una obra extraordinariamente tejida que abarca desde su evolución hasta los daños del colonialismo musical, pasando por un enfoque más científico sobre cómo responde el cerebro a la experiencia de músicos y aficionados. Una lectura para reflexionar sobre la importancia de la música y su presencia en nuestras vidas.
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Después de doctorarse en 1813 con su tesis filosófica Sobre la cuádruple raíz del principio de razón suficiente, Arthur Schopenhauer se ocupó un tiempo de la ciencia, a pesar de tenerla por actividad menor frente al arte y más aún a la filosofía. Lo hizo a raíz de su encuentro con Johann Wolfgang von Goethe, el cual, tras haber leído dicha tesis doctoral, se interesó por el joven filósofo, al que introdujo durante 1814 y 1815 en su todavía reciente Teoría de los colores (1810), así como en sus observaciones y experimentos al respecto. En esos años, se encontraron en alguna ocasión y mantuvieron una viva correspondencia que fue volviéndose cada vez más escasa tras la publicación de la obra de Schopenhauer fruto de todo ello: Sobre la visión y los colores.
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¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostración, todo se vuelve luminoso y accesible. El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras: Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko... Y el arte se torna límpido. 42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDER•, Análisis de la obra «paso a paso»•, Detalles puestos de relieve 42 PÁGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AÚN MÁS•, Contexto histórico y cultural•, Cuadros complementarios
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El cuerpo es últimamente centro de interés creciente de las ciencias humanas. Sus secretos están lejos de ser completamente desvelados. Estudios recientes insisten en que el cuerpo tiene una historia y que esta historia abarca apariencia y profundidad, deseo y poder, caída y apoteosis, vida y muerte. Este es el contexto en el que el presente libro pretende adentrarse, apelando a los instrumentos del historiador de las imágenes. Hasta hoy, el comentario estético tradicional se ha situado esencialmente en el terreno de las apariencias, escamoteando la confrontación con lo que las supera, lo visible no es únicamente cuestión de superficie. El cuerpo es una representación, inseparable de la mirada que lo elabora y de los ''media'' que lo exhiben, indisociable de su propio envoltorio cutáneo (maquillajes, incisiones, armaduras, velos, adornos) y traducido por palabras, letras, películas de color, bloques de mármol, pantallas de proyección. Este libro estudia el papel que desempeñan en la construcción del imaginario del cuerpo las creencias, los efectos de conciencia, los gustos estéticos, los deseos, los caprichos, las obstrucciones y los temores.
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Cesc, cartellista
Un llibre que ens convida a (re)descobrir l'obra d'un dels artistes més importants de la nostra història. «Cesc, fill del gran dibuixant del Noucentisme D'ivori, va fer un pas endavant i va deixar de banda els tics repolits d'aquesta herència per endinsar-se en una realitat històrica i social pròpia dels seus temps, com era lluitar contra una dictadura, sempre amb contenció per no alertar la censura. Cesc va saber crear un codi propi gairebé sempre basat en la figura humana en totes les seves etapes, sovint mostrant la convivència de generacions. Aquest nou llibre sobre Cesc era necessari perquè cobreix vessants fins ara no recollides, com ara treballs fungibles, publicitat, felicitacions de Nadal, promoció de la lectura i de la recuperació de la llengua catalana, etc. I en tots els camps Cesc és imaginatiu més enllà dels tòpics. [...] Però la seva essència és el ninot, seguint l'estela dels ninotaires catalans. El dibuix a ploma, fluid, sempre amb gestualitat expressiva, convida a la reflexió empàtica. És el gran sociòleg de la Catalunya del franquisme. Parli d'anar a escola o de marxar de vacances, el seu compromís polític, és a dir amb la polis, és sempre present.» Daniel Giralt-MiracleCesc va ser un dels grans cronistes del seu temps, d'un humor no càustic, que representava totes les classes socials sense malícia.
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¡Crece como artista, aprende y experimenta nuevas técnicas y que tu arte mejore constantemente! Dibuja lo que amas pretende, sencillamente, animar a la gente a dibujar. El momento perfecto no existe, lo único que hace falta es tener el deseo de crear, la motivación para lanzarse a ello de cabeza y, claro está, no decaer y seguir mejorando y avanzando. Para adquirir destreza en el dibujo, lo que hay que hacer es, básicamente, dibujar mucho. En esta obra, la autora profundiza en los procesos y comparte conocimientos, técnicas exclusivas y secretos comerciales aprendidos durante su carrera, mediante divertidos proyectos desglosados y tutoriales guiados, aprovechando así la oportunidad de crecer a la par que las personas a las que enseña.
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La melodía del violín de Lev fascinó a Helena Attlee desde la primera vez que la oyó en un concierto. Pronto averiguó que se trataba de un viejo instrumento italiano que llevaba el nombre de su antiguo propietario ruso y contaba con una rica historia. Ávida por descubrir los detalles de su origen y el resto de secretos que albergaba su delicado cuerpo de madera, Attlee se dirigió a Cremona, la cuna del violín italiano y el punto de partida de un extraordinario viaje de fin inesperado. A través de las visitas a talleres polvorientos, bosques alpinos, iglesias venecianas, lujosas cortes florentinas y remotos mercadillos rusos, El violín de Lev nos lleva del corazón de la cultura italiana a sus más lejanos confines. Una historia asombrosa de lutieres y científicos, príncipes y vagabundos, instrumentistas, compositores y viajeros, que es a la vez una conmovedora meditación sobre el poder de los objetos, de los relatos y de la música para crear culturas enteras y transformar la vida de las personas.
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La segunda mitad de los sesenta es crucial en la historia del pop y el rock. Se cuenta, con profusión, la presencia de formaciones y personalidades nacionales que marcan el momento pero también el influjo internacional y las numerosas visitas exteriores. Clave es aportar una visión transversal, global, año a año, incidiendo en todos los géneros convivientes y mostrando toda esa cultura popular que personifica un tiempo diferente: moda, diseño gráfico, radio, televisión, revistas, diarios, nuevo cine, publicidad, reproductores e industria discográfica. Se palpan subculturas, drogas legales e ilegales y una sensación de estar conectados, permanentemente, con el exterior. Y es que, más allá de los avatares políticos, la variedad artística –,de Los Bravos a Serrat y de Aute a los jovencitos Paco de Lucía y Camarón de la Isla–, es incesante y, al margen de importar fenómenos, se exportaban diferentes nombres y corrientes al mundo.
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¿Dónde están las mujeres en el mundo del arte? ¿Qué papel tienen? ¿Cómo se ha trasmitido su historia? ¿Cuántas mujeres artistas sabrías enumerar? ¿Has visto muchas de sus obras expuestas en museos? Helena Sotoca es la creadora de Femme Sapiens, una cuenta de Instagram que recorre la Historia del Arte con perspectiva de género y un humor muy sagaz. Con ironía, sátira y un punto de vista feminista, la autora reflexiona sobre cuestiones como el arte, la mujer y su papel en la cultura, los cánones de belleza o la sexualidad femenina, de una manera insumisa y didáctica a partes iguales.
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Demasiados artistas se encuentran en una rutina frustrante: incapaces de vender sus cuadros colgados en galerías y atascados en proyectos que no pueden terminar o abandonar, utilizan cualquier excusa para evitar trabajar en el estudio. La autora, Carol Marine, sufría ese bloqueo del pintor, hasta que descubrió la pintura diaria. La idea es simple: hacer arte (normalmente pequeño), a menudo (la frecuencia depende de cada uno) y, si se desea, publicarlo y venderlo en Internet. Hoy, Marine figura entre los mejores y más célebres pintores diarios, y es la comisaria de la popular galería online dailypaintworks.com. En este libro revela los consejos y trucos que la ayudaron -tanto a ella como a otros pintores diarios- a tomar el pincel y crear un trabajo hermoso, abundante y comercializable. Con un tono alentador y ejercicios útiles, Marine te enseña a: * Dominar la composición y el valor. * Tener confianza en cualquier medio (incluida la pintura al óleo, la acrílica, la acuarela y otras). * Elegir los temas sabiamente. * Fotografiar, publicar y vender tu arte en línea. * Conectar con el creciente movimiento de pintores diarios en todo el mundo.
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En el 60 aniversario del film ¿Qué fue de Baby Jane?, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: El duelo de divas, el rodaje, la repercusión, las secuelas... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Este libro pretende ser un manual de referencia para los maestros de música y que en un solo libro tengan material para todos los niveles de educación primaria.En un planteamiento interdisciplinar con otras áreas curriculares, la programación presentada a partir de la nueva legislación educativa no se olvida de las nuevas tecnologías, tampoco de la diversidad en el aula ni de la inclusión del alumnado utilizando la música. Todo ello con una metodología activa y vivencial.El libro explica paso a paso todo lo que se necesita para preparar un curso entero, desde la metodología, los recursos, las actividades a realizar, la evaluación, etc., tomando como marco de referencia la enseñanza por competencias.
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Esta nueva publicación de las Colecciones Fundación MAPFRE hace un recorrido por la Suite Vollard, los 100 cobres grabados que Pablo Picasso realizó entre el 13 de septiembre de 1930 y marzo de 1937, por encargo del marchante y editor Ambroise Vollard y que hoy es considerado uno de los testimonios histórico-artísticos más importantes del siglo XX.El conjunto apareció en 1939 en dos formatos distintos, uno grande (760 x 500 mm) sobre papel avitelado firmados por el artista con lápiz rojo o negro, con 50 ejemplares por plancha, y otro más pequeño (445 x 340 mm) sobre papel verjurado de Montval con la marca al agua «Vollard» o «Picasso» en tirada de 250 ejemplares. Este segundo formato se encuentra hoy disperso como láminas sueltas en diferentes colecciones privadas o públicas y solo algunos de estos conjuntos, como el de FUNDACIÓN MAPFRE, se conservan unidos.El catálogo incluye la reproducción de todas las planchas que conforman la serie y cuenta con textos de Rocío Robles y Leyre Bozal Chamorro. Además, se completa con una cronología que aborda el período en el que Picasso grabó la serie.
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La exposición El gusto francés pretende paliar una deuda pendiente: la del análisis de la presencia del arte galo en nuestro territorio a lo largo de un período prolongado, el de mayor influencia recíproca e interrelación entre los dos países: los siglos XVII, XVIII y XIX. El proyecto se plantea de manera transversal. Cruza aspectos de la historia del gusto con elementos de la historia del coleccionismo, combinados con otras disciplinas colaterales como son el estudio de las relaciones diplomáticas, los fenómenos de hibridación cultural o el análisis de la construcción de las identidades nacionales. Asimismo, desde el punto de vista estrictamente material, la muestra no se plantea límites y trata de pensar en esa evolución de un cierto gusto atravesando territorios creativos tan diversos como la pintura, la escultura, los textiles, las artes suntuarias y objetos de uso cotidiano o la moda.
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Un auténtico héroe popular en América Latina y el artista más importante de México, junto a su esposa, la pintora Frida Kahlo, Diego Rivera (1886-1957) tuvo una vida apasionada dedicada al arte y el comunismo. Tras pasar unos años (en la década de 1910) en Europa, donde se rodeó de otros creadores y abrazó el movimiento Cubista, regresó a México y comenzó a pintar los murales a gran escala que le hicieron famoso. En ellos abordó temas sociales y políticos relacionados con la clase trabajadora, ganándose un estatus profético entre los campesinos de su país. Fue invitado a crear piezas en el extranjero, especialmente en Estados Unidos, donde provocó controversia al retratar a Lenin en un mural para el Rockefeller Center de Nueva York (que fue destruido antes de que se terminara). La obra más notable de Rivera es su Detroit Industry (Industria de Detroit) de 1932, un grupo de 27 frescos en el Detroit Institute of Art en Michigan.Este volumen presenta numerosos detalles a gran escala de los murales, permitiendo que sus diversos componentes y sutilezas sean examinados de cerca. Además de los estos, se incluye una gran selección de pinturas, fotografías de época, documentos y dibujos de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, muchos de los cuales eran hasta ahora desconocidos para los estudiosos y cuya inclusión ha sido posible gracias a la más intensa investigación realizada sobre el trabajo de Rivera desde su muerte. Los textos incluyen una biografía ilustrada y ensayos de destacados historiadores del arte que ofrecen interpretaciones de cada mural. No se puede pedir un estudio más completo de la obra de Rivera. Finalmente su trabajo tiene la retrospectiva que merece.
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