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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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El 12 de julio de 1962, los Rollin' Stones ofrecieron su primer concierto en el Club Marquee de Londres. Poco después, se añadió una «g», se encendió una chispa y su destino quedó sellado. Ya no había marcha atrás. Estos cinco chavales blancos británicos se proponían tocar música afroamericana. Perfeccionaron un estilo rebosante de matices de blues mezclados con oscuras insinuaciones a las mujeres, al sexo y a las drogas. Denunciados como «corruptores de la juventud» y «mensajeros del diablo», crearon algunas de las canciones más electrizantes jamás grabadas. Su sonido y actitud parecen ahora más fuertes e influyentes que nunca. Elvis ha muerto y los Beatles ya pasaron, pero Jagger y Richards dominan el mundo. Contradiciendo al proverbio inglés, puede que acumulen musgo, pero son culos de mal asiento y no pueden dejar de rodar. Sin embargo, ¿cómo se convirtieron estos sumos inadaptados antisistema en la marca global que hoy conocemos? ¿Quiénes fueron sus víctimas? ¿Cuál es el legado olvidado? ¿Alguna vez realmente puede el artista separarse del arte? El nuevo relato de Lesley-Ann Jones sigue la huella de esta banda contradictoria, perturbadora, granítica e imparable a través de las ilusiones, la gloria y el exilio, durante sus años de fuerza arrolladora y en su posterior ajuste de cuentas con el rock, donde los Stones parecen estar más en desacuerdo que nunca con los valores y la herencia contra los que siempre se han rebelado. Buenos, malos y a menudo feos: señoras y señores, los Rolling Stones como nunca se habían visto.
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¿Cómo se escribe una canción? Es una buena pregunta. Y como muchas buenas preguntas, no hay una respuesta única y simple. De hecho, hay un número prácticamente infinito de formas geniales de escribir una canción. Este libro te guiará a través de un proceso muy simple y elemental para escribir una canción en prácticamente cualquier género una y otra vez, sin importar el nivel de experiencia que tengas. Además, el autor ha realizado grabaciones de audio de todos los ejemplos musicales que podrás encontrar en el libro para que puedas escucharlos a la vez que los ves en su página correspondiente.
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Great Women Painters es un libro innovador que pone de manifiesto una narración más rica y variada de la historia de la pintura. Con más de 300 artistas de todo el mundo, incluye tanto a mujeres pintoras conocidas de la historia como a las estrellas emergentes más emocionantes de la actualidad.Cubriendo casi 500 años de trabajo e innovación, esta selección continúa la célebre serie El ABC del Arte Phaidon y revela y defiende una historia del arte más diversa, mostrando obras y artistas recientemente descubiertos y recientemente apreciados a lo largo de sus más de 300 páginas e imágenes.Las pintoras presentados incluyen: Hilma af Klint, Eileen Agar, Sofonisba Anguissola, Cecily Brown, Leonora Carrington, Mary Cassatt, Elaine de Kooning, Marlene Dumas, Nicole Eisenman, Jadé Fadojutimi, Helen Frankenthaler, Artemisia Gentileschi, Maggi Hambling, Carmen Herrera, Gwen John , Frida Kahlo, Tamara de Lempicka, Agnes Martin, Joan Mitchell, Alice Neel, Plautilla Nelli, Georgia O'Keeffe, Paula Rego, Bridget Riley, Jenny Saville, Dana Schutz, Lee Krasner, Yayoi Kusama.
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En argot japonés, chibi significa «pequeño», y los personajes legendarios de Dibujar animales míticos y monstruos mágicos chibis, con sus adorables cuerpos rechonchos, se ajustan perfectamente a esta descripción. Con este libro, aprenderás a dominar el estilo de dibujo anime y manga con más de 60 tutoriales paso a paso de tus personajes fantásticos favoritos, entre los que se incluyen dragones, sirenas, centauros, unicornios, el kraken y muchos más.
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Cuando David Hockney descubrió el iPhone como medio artístico, se abrieron posibilidades totalmente nuevas para su arte. Hizo sus primeros dibujos digitales la primavera de 2009, describiendo el paisaje matutino con líneas anchas y deslumbrantes colores directamente en una pantalla que ofrecía matices sutiles como expresiones de pura luz sin mezclas. Después, en 2010, Hockney empezó a trabajar con un iPad. Gracias a la pantalla más grande, amplió su repertorio artístico y permitió una interacción aún más compleja de luz, línea y color.Cada imagen de este libro capta un momento fugaz visto a través de una ventana de la casa de Hockney en Yorkshire: desde el vibrante amanecer y el cielo lila de la mañana hasta las apacibles impresiones nocturnas o la repentina llegada de la primavera. Detalles fascinantes revelan gotas en los cristales de las ventanas, luces distantes en la noche, reflejos en jarrones, o una abundante y variada vegetación en el alféizar. En 120 dibujos realizados entre 2009 y 2012, seleccionados y secuenciados por el propio artista, experimentamos el paso del tiempo a través de los ojos de David Hockney.Este libro de artista, que apareció por primera vez en una exclusiva edición firmada, vuelve ahora en tirada ilimitada y con un generoso formato XL que muestra las impresiones de Hockney en brillante resolución. Así que ahora es la ocasión perfecta para hacer caso al consejo del crítico del Times sobre este libro: ''Si quiere que David Hockney le regale un ramo de flores, esta es su oportunidad.''
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Ahora que la poesía es el desván de un metaverso, Joaquín Sabina sigue estando ahí, despierto, contra todo pronóstico, como un dinosaurio superviviente, sí, maldita sea, y su voz cascada de ducados y paterninas. Y, ahora que corta orejas y le aplauden en los Goya, se permite hacer cameos en nuestra telenovela, entre poemas y canciones, como un Groucho Marx de cabaré en la España de pandereta. Disfrazado con las máscaras de toda una carrera de música y personajes en los escenarios, se desbroza a Sabina en este libro, sin dejarle colgado en calle Melancolía. Así que vengan, pequeños y grandes, y no olvidarán jamás el fabuloso homenaje a este maestro del vals: figuraciones del humor en su vida y obra, manifestaciones chirigoteras en los Carnavales de Cádiz, parodias de rap, imágenes de Peter Pan, de Dorian Gray y del Conde Drácula, deconstrucciones del huevo de Colón y hasta un paseo de la mano con Bob Dylan, todo aliñado de lírica y de narrativa. Ocupen su localidad y presten todos atención: estos capítulos son siete versos tristes para una canción.
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Viajando por entre la neblina púrpura del idealismo y la paranoia de los años sesenta, Jimi Hendrix fue el hombre que hizo que Eric Clapton se planteara dejarlo, ante quien Bob Dylan se plegó en su canción «All Along the Watchtower», quien obligó a Miles Davis a replantearse su estilo convencional, y cuyo «Star Spangled Banner» marcó Woodstock. Y cuando su estrella, que con tanta fuerza brilló, se extinguió tan prematuramente, su leyenda perduró en la música y el misterio que rodeó a su muerte. Rompiendo con el tradicional formato de las biografías del rock, Vida y muerte de Jimi Hendrix es una exploración oportunamente psicodélica y caleidoscópica de su vida y su muerte, y un viaje al oscuro corazón de los años sesenta.
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En esta larga e íntima conversación entre Alejandro Amenábar y el periodista Antonio Lucas, el cineasta desgrana los momentos más importantes de su vida. En este documento habla del origen infantil de su pasión por las películas de terror y suspense, así como el gusto por escribir y dibujar historias. Su primer largometraje, ''Tesis'' ( 1996), ganó siete premios Goya y le catapultó a la fama con solo 21 años, hasta convertirse hoy, seis películas después, en uno de nuestros directores más internacionales. Nunca le ha gustado hablar de si mismo, pero en esta íntima conversación con el periodista Antonio Lucas comparte su experiencia vital y profesional, sus orígenes, sus dudas y sus miedos, así como sus reflexiones sobre el éxito, el fracaso, la vejez, la muerte, la amistad, el amor y, por supuesto, el cine.
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Este libro es una compilación de textos del escritor y cineasta Manuel Gutiérrez Aragón, un hombre siempre renuente a hablar de sí o de sus películas y novelas. De hecho, en esta treintena de piezas de distinto tamaño y pretensiones no hay más de media docena donde realmente hable de su carrera de cinco décadas filmando o escribiendo. Pero, en realidad, el lector no debe preocuparse, porque si se trata de conocer la identidad creadora, el mundo de ideas, recuerdos, valores u obsesiones del artista, ello emerge tanto cuando los textos tratan sobre sí como cuando se refieren a otros. Cronológicamente, Manuel Gutiérrez Aragón ha sido primero director de cine y luego novelista, pero en su memoria de los años universitarios se ve a sí mismo en orden inverso como un ''joven escritor reconvertido en aprendiz de cineasta''. No tiene importancia, hay muchos casos de creadores que siguieron ese mismo orden. En este libro el cine está presente como el aire que nos rodea, pero Manuel Gutiérrez Aragón no es un cinéfilo que solo hable de cine. Sus reflexiones de adulto (no siempre ni necesariamente como cineasta) carecen de todo ensimismamiento y en ellas el cine entra en diálogo con otras formas expresivas (idioma, novela, teatro, pintura, música) y con realidades cotidianas (viajes, amistades, comidas). Ahí emerge la personalidad de un creador, que siempre está mucho más allá de su destreza profesional o el valor de sus obras, y permite que atisbemos su forma de ser y estar en el mundo.
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«Eminente músico estadounidense, John Mauceri es un profundo observador y pensador· explora con brillantez el reñido territorio de la música clásica del siglo XX, y aporta una nueva dimensión a nuestro entendimiento de las políticas de la música y del repertorio musical». Larry Wolff Esta ambiciosa obra es una revisión fundamental de la música clásica compuesta en el siglo XX. Su autor afirma que fueron las tres grandes guerras que tuvieron lugar en él las que conformaron su historia. Desde esta perspectiva, Mauceri indaga en los motivos por los que se han añadido tan escasas obras al canon musical desde 1930, examinando las diferentes trayectorias de los grandes compositores que, tras la Primera Guerra Mundial, desarrollaron una voz tan única como versátil, pero con una vocación más popular. Asimismo, defiende que el destino de los compositores durante la Segunda Guerra Mundial estuvo inextricablemente unido a los propósitos políticos de sus respectivos gobiernos. Ello derivó en acontecimientos tan significativos como la desaparición de la música experimental en Alemania, Italia y Rusia· el éxodo de numerosos compositores a Estados Unidos y la repentina recuperación de la música experimental -lo que Mauceri llama «la vanguardia institucional»-, entendida como la lengua franca de la música clásica occidental durante la Guerra Fría. La guerra y la música es un análisis novedoso y certero, realizado por un destacado musicólogo y director de orquesta, que señala, en definitiva, cómo los criterios estéticos contribuyeron a enmascarar los fines políticos de los países involucrados en las grandes guerras que sacudieron el siglo XX. «La gran virtud de La guerra y la música de John Mauceri es su capacidad para reconocer aquello que tantos escritores saben sobre el tema pero no pueden decir: que algo terrible sucedió en la música del siglo XX y en especial después de 1945... Un libro convincente, escrito con gran fluidez».Barton Swain, Wall Street Journal «Un argumento poderoso, decisivo y sólidamente armado para reexaminar toda la gran música del siglo pasado, buena parte de ella escrita en circunstancias extraordinarias, y valorar los motivos por los que necesitamos volver atrás y escuchar».Jon Burlingame «Dos guerras mundiales cambiaron el curso de la música en el siglo XX. Trazando la influencia maligna de la política desde Hitler a Stalin, Mauceri muestra cómo la música se convirtió en armamento al servicio de la ideología. Los compositores refugiados perdieron su lugar en la corriente principal y Mauceri defiende la revisión de aquellos que se vieron olvidados y desestimados». Richard Fairman, Financial Times «Esta brillante obra de Mauceri, La guerra y la música, comienza con una pregunta: ''¿Por qué no interpretamos la música que Hitler prohibió?'', y acto seguido levanta el telón para responderla hasta el más escalofriante detalle». Robert Thompson
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Una invitación a descubrir la vida y obra de uno de los genios del cine, cuyo legado ha inspirado a generaciones de espectadores y creadores. George Lucas es uno de los cineastas más reconocidos y admirados de todos los tiempos. En este libro, David M. Buisán nos descubre la fascinante historia de su vida y obra. A través de sus vibrantes ilustraciones, podremos revivir escenas icónicas de las películas de Lucas, además de conocer detalles y curiosidades sobre la producción y realización de sus grandes trabajos y de otras obras menos conocidas. Sumérgete en la vida del mago de la luz y conoce desde sus primeros contactos con el cine, las películas que marcaron su juventud y su amistad con los artistas que le ayudaron a desarrollar su visión cinematográfica (Francis Ford Coppola, Steven Spielberg), hasta el éxito mundial de sus obras más famosas, como Star Wars o Indiana Jones.
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Un viaje emocional por el cine y la televisión que han definido a toda una generación Hace menos de tres años parecía que el cine estaba muerto, que nadie volvería nunca a las salas, que las grandes estrellas no existían y que solo las películas de superhéroes eran viables económicamente. Y entonces llegó Barbie. Este es un recorrido personal -tan personal que es casi universal- por la historia más reciente del cine, y en particular del cine palomitero, ese cine comercial, orgulloso de serlo, que ha moldeado nuestro imaginario colectivo. Un mundo de dinosaurios, naves galácticas, agentes secretos y sirenas que Alberto empezó viendo primero desde el sofá de casa para poco a poco adentrarse en él profesionalmente. El libro se inmiscuye en rodajes de series y películas, en junkets de prensa, fiestas y premios que, junto a las mismas películas que luego vemos en la sala, configuran un universo que mezcla ficción y realidad y del que ningún peliculero podrá escapar nunca.
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Una entrevista con uno de los grandes cantautores rock de los años 70, Elliott Murphy, fue el detonante de este libro, ¿Cuál fue el papel político del rock and roll en el siglo xx? ¿Fue decisivo en alguna de las revoluciones planteadas en ese periodo de tiempo? Como dijo Murphy, ¿es cierto que todas las revoluciones del siglo xx se hicieron en nombre del rock?Rock & Revolución plantea, sobre todo, preguntas, Mira al pasado siglo, a sus afanes y a sus tragedias, a sus luces y a sus sombras, y contextualiza la llamada “música del diablo” en su tiempo y en su espacio, Los eventos que se miran bajo la lente del rock son la irrupción de la juventud en el discurso cultural, el alzamiento del pacifismo, la emancipación de la mujer, la contestación de la clase obrera o el anti racismo, entre otros, Ahora que ya no es la expresión cultural de las generaciones más jóvenes, ahora que, en cierto modo, ya pasó, podemos analizar su impacto socio-político sin los prejuicios diseñados por la mercadotecnia del estilo musical más popular de los últimos 150 años,
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Este libro rebosante de humor, creatividad e imaginación es tan divertido... ¡que no nos extrañaría que te pusieras a ronronear de alegría! Repleto de variadas lecciones teóricas y prácticas de dibujo, páginas para colorear y muchas ideas gatunas que te inspirarán. Ideal para dibujantes aficionados, artistas expertos y amantes de los gatos de todas las edades, ¡101 dibujos adorables de gatos se convertirá sin lugar a dudas en el libro favorito de todos!
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Émile Jaques-Dalcroze, pedagogo musical suizo, uno de los primeros en utilizar el movimiento corporal como un medio para enseñar música, un método llamado Rítmica.Émile Jaques-Dalcroze, pedagogo musical suizo, fue uno de los primeros en utilizar el movimiento corporal como un medio para enseñar música, desarrollando un método llamado Rítmica. Este método se basa en tener primero una vivencia sonora experimentando emociones a través del cuerpo, para pasar después al aprendizaje de la música mediante el razonamiento.En el Conservatorio de Música de Ginebra comenzó a crear una serie de ejercicios para paliar la arritmia que encontró en sus alumnos, y a trabajar en un aula muy espaciosa con espejos en las paredes. A sus alumnos, futuros músicos, actores o cantantes, que estaban acostumbrados a recibir clases sentados, los hizo poner de pie y trabajar descalzos, para que pudieran desplazarse con comodidad al ritmo de las melodías que él mismo interpretaba al piano. Les hacía experimentar, empleando el cuerpo como instrumento musical primario, el control de sus energías en el tiempo y en el espacio.La Rítmica consiste en interrelacionar los movimientos del cuerpo y los ritmos de la música con la capacidad de imaginación y reflexión.Rítmica y creación nos acerca las propuestas de Émile Jaques-Dalcroze, para descubrir y entender la música y la expresión corporal, tanto física como emocionalmente.
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Volver a contar reúne a algunas de las voces más potentes de la literatura contemporánea para debatir sobre el lugar y significado de los museos en la actualidad. Una mirada nueva y retadora sobre las colecciones de museos, que usa ficciones y posiciones personales para visibilizar vínculos entre colecciones y comunidades locales, esbozando así discusiones sobre colonialismo, estudios de género y culturas originarias.El Centro Santo Domingo del Museo Británico (SDCELAR) y el Hay Festival invitaron a diez escritores latinoamericanos a un experimento donde cada uno seleccionó una pieza −,o un conjunto−, para inspirar una novedosa narración. Los autores se acercaron a la tarea con su particular mirada a los objetos y colecciones que proceden originariamente de América Latina. El resultado son textos híbridos que exploran, desde estilos y tonos muy distintos, los orígenes del continente americano y su relación con Europa.Esta no es una antología de relatos, es un trabajo de narración conjunta que explora vacíos que quedan en el discurso oficial: volver a contar, desde la literatura, lo que fuimos, lo que somos y, quizá, lo que seremos.
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Un ensayo gráfico sobre los artistas del hambre, el nexo de unión entre los antiguos ascetas y los contemporáneos artistas de la performance y el happening. Con un formato novedoso que aúna ensayo divulgativo y el cómic, González Viñas nos muestra a los artistas del hambre que inspiraron, entre otros, a Franz Kafka o Karl Kraus. El libro incluye una historia documental de estos modernos ayunadores y una novela gráfica a todo color sobre estos peculiares pioneros del happening artístico.Aunque la historia del ayuno voluntario puede remontarse a nuestros orígenes culturales más ancestrales, los artistas del hambre aparecieron hace relativamente poco tiempo, entre los siglos XIX y XX. Encerrados voluntariamente en los espacios elegidos y con las condiciones establecidas, los Hungerkünstler trajeron consigo una pregunta que los diferenció: ¿se puede hacer arte del hambre? ¿Y de otras experiencias extremas? Quizás fueron el eslabón perfecto entre los antiguos ascetas ayunadores y los contemporáneos artistas performativos. Eso sí, antiguos y modernos, mediante la acción radical realizada con sus propios cuerpos, provocaron siempre una mirada colectiva que, ya escrutadora, de asombro, de desprecio o de risa, sin duda, define la mentalidad de cada época. La sociedad que encumbró hace más de un siglo a los artistas del hambre puede que no sea tan diferente de la actual.Compuesto de dos partes, un ensayo y una novela gráfica, este libro cuenta y reflexiona sobre la historia de los artistas del hambre. Su compleja y liviana trayectoria, entre lo vodevilesco y lo trascendental, exigía hacer un planteamiento documental previo y una plasmación gráfica que intenta dar respuestas, imaginando la voz interior de un artista del hambre, a sus motivaciones, su pasado, su presente ayunador, su futuro fuera de la celda de cristal, reintegrado –o no– al colectivo. El ficticio Adrian es solo un esbozo. Sus antecedentes se han romanceado en aleluyas. De ahí que se haya optado por cambios de estilo y técnica, por letra escrita a mano, por la realización artesanal y la nula ayuda digital.
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Una obra crucial y revolucionaria para comprender, desde nuevas perspectivas, la corporalidad, el género y la sexualidad en la Edad Media.Mientras que el estudio de la corporalidad en época contemporánea goza de gran predicamento, la mirada hacia los cuerpos del pasado parece quedar en una extraña nebulosa que nadie sabe cómo encarar. Frente a ello, la prestigiosa medievalista Caroline Walker Bynum se propone el ambicioso objetivo de sentar las bases de su análisis sobre el cuerpo en la Edad Media. Sin embargo, al igual que ocurre en nuestro mundo presente, no existía un único concepto de cuerpo medieval, sino que más bien opera una cacofonía de discursos que, lejos de distanciarnos de su estudio, lo hace aún más atractivo. El reto reside, por tanto, en huir de los relatos dominantes e incorporar todas aquellas voces que hasta el momento habían quedado silenciadas. Sólo así, interrogándolas desde las problemáticas de nuestro presente, lograremos ahondar en uno de los aspectos más esquivos del pasado y comprender, finalmente, por qué tanto alboroto por el cuerpo.
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Edición dedicada a una de las artistas contemporáneas con mayor proyección internacional, y a la primera mujer invitada a exponer en Zabalaga, en el Museo Chillida. Esta publicación recoge dieciocho obras que configuran una instalación creada por la artista para el caserío de Eduardo Chillida junto al Museo Chillida de San Sebastián. Primera publicación tras la muerte de la artista en marzo de 2023. Incluye un texto de Ben Luke, editor en The Art Newspaper. Un libro de grandes proporciones que evoca el desbordamiento de las obras del artista.
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La guía definitiva, respaldada por cineastas, sobre la historia, la cronología y los personajes del Universo cinematográfico de Marvel El Universo cinematográfico de Marvel es increíblemente variado y muy complejo. Mundos diferentes, líneas de tiempo, innumerables personajes. Esta es la guía de ese universo. Creado en estrecha colaboración con Marvel Studios, enmarca los eventos más importantes: qué sucedió, cuándo, dónde y por qué.Conoce la historia completa del universo cinematográfico de Marvel, desde antes del Big Bang hasta el Blip y más allá. En el camino, aprende más sobre la evolución de las armaduras de Iron Man, la búsqueda de las Gemas del Infinito y la formación del Multiverso. ¿Quieres saber cuántas veces los extraterrestres han invadido la Tierra o la historia completa del escudo del Capitán América? ¡No busques más!Un libro fantástico para cualquier cinéfilo, lleno de infografías exclusivas, líneas de tiempo esclarecedoras e increíbles imágenes de películas, que ocupará un lugar de honor en la estantería de cualquier fan del Universo Cinematográfico de Marvel. ¡Conviértete en un experto del Universo cinematográfico de Marvel!© 2023 MARVEL¿A quién va dirigido el libro EL UNIVERSO CINEMATOGRÁFICO DE MARVEL. C?Este libro está dirigido a los aficionados al Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), a los cinéfilos interesados en la cronología y la historia de las películas de Marvel, y a cualquier persona que desee comprender la complejidad y la interconexión de este universo cinematográfico. Se presenta como una guía completa, ideal para aquellos que buscan profundizar en el conocimiento del UCM, desde sus inicios hasta sus desarrollos más recientes. Su formato y contenido lo hacen accesible tanto a lectores con conocimientos previos como a aquellos que se acercan por primera vez a este universo.Temas que trata el libro El universo cinematográfico de Marvel. Cronología oficialEl libro EL UNIVERSO CINEMATOGRÁFICO DE MARVEL. C ofrece una exploración exhaustiva del UCM, cubriendo una amplia gama de temas. Se centra en la cronología de los eventos, proporcionando una línea de tiempo detallada que conecta las diferentes películas y series. Además, se adentra en la historia de personajes icónicos, analizando su evolución a lo largo de las diferentes entregas. Se incluyen descripciones detalladas de las armaduras de Iron Man, la búsqueda de las Gemas del Infinito y la formación del Multiverso, entre otros elementos clave de la narrativa. El libro también profundiza en aspectos como las invasiones extraterrestres a la Tierra y la historia del escudo del Capitán América. La obra se apoya en infografías, líneas de tiempo y numerosas imágenes de las películas para facilitar la comprensión y el disfrute de la información. La colaboración con Marvel Studios asegura la precisión y la fidelidad a la información oficial.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro EL UNIVERSO CINEMATOGRÁFICO DE MARVEL. CLas opiniones de los lectores destacan la calidad del libro como una guía completa y detallada del UCM. Se elogia su exhaustividad, su capacidad para organizar la compleja cronología del universo Marvel y la riqueza de información que ofrece. Los lectores aprecian la inclusión de imágenes y elementos visuales que complementan el texto escrito, facilitando la comprensión de la información. Se describe como un "librazo" y una obra que resulta muy atractiva para los aficionados al UCM, ofreciendo una experiencia de lectura completa y satisfactoria. Se destaca su valor como una referencia indispensable para cualquier fan del universo Marvel.
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Las ideas de Gordon Craig estaban muy por delante de su tiempo. Creía en el director escénico como el creador definitivo, que debía dar unidad a las puestas en escena. Propuso un arte del teatro en el que la realidad, en lugar de ser reproducida miméticamente, sería revelada y desentrañada por las alegorías. Creó el concepto del actor como supermarioneta, cuyas acciones no tendrían que estar motivadas psicológicamente, sino que deberían ser simbólicas. El actor debe ser como una máscara para que el público termine de dilucidar. La supermarioneta propuesta por Gordon Craig es un concepto teórico, una figura ideal que sirve como modelo de sugerencia estética que permite una nueva mirada sobre el trabajo del actor. Y las reflexiones que sirven de base para la formulación de dicha figura abren, todavía hoy en día, un enorme y riquísimo campo de experimentación en el arte del teatro que no debería ser desaprovechado por los creadores. Las ideas de Gordon Craig respecto del culto de la personalidad del actor y su crítica radical del realismo tienen enorme significación hoy, cuando el arte del teatro muchas veces
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Sorolla tiene un don extraordinario para la pintura, un dominio de la misma que va mucho más allá del virtuosismo para, con ánimo sereno y radiante, adentrarse en un arte capaz de plasmar lo voluptuoso de los sentidos, el fulgor de la luz, la alegría de la vida.verdad de su instinto. Es un primitivo clásico.orillas de un pantano, los absorbe como una esponja. Allí se rinden al lodo, a las flores de jazmín, a la música, a la extrañeza del idioma y al insoportable verano, pero, sobre todo, se dan de bruces con la descarnada realidad del comercio de seres humanos, un mercado que nunca se detiene. Descubrirán que Nueva Orleans es una colmena de identidades heterogéneas donde se venden mujeres apresadas por las calles y donde el capitalismo muestra su pulsión primitiva, la más esperpéntica.cenas cotidianas en las que ante todo importa lo que no se dice, Miguel Dueñas va trazando un relato, delicado y turbador a la vez, sobre los secretos familiares y sobre el quiebre de esa aparente normalidad que nos protege del caos.«Una trama bien trazada, con una prosa persuasiva y cuidada que nos envuelve+.Mara Malibrán, Mujer Hoy. retrato de la humanidad en una época de violencia, exuberancia y miedo.Quizá se trate de que nos enfrentamos a todo con demasiada prisa: estos poemas ensayan otros ritmos.o por rituales sangrientos, pistolas, dinamita y cuchillos. En general, no es tanto como parece y, al mismo tiempo, hay mucho más de lo que vemos. Porque en España, este país nuestro tan «tenebroso+ y goyesco, abundaron las asociaciones conspirativas sin rostro conocido, desde la legendaria Garduña, el Angel Exterminador, la malagueña Secta del Perrito o la Sociedad del Anillo, hasta una sociedad secreta deà bailarines. O la misteriosa Estrella Solitaria granadina, de la que reproducimos un espectacular reportaje, que incluye fotografías en las que se ve al asustado periodista junto a individuos sectarios y encapuchados. Junto a un periódico desplegable gigante dedicado a Taxil en España y su sociedad secreta Palladium, se incluye un Diccionario Secreto con términos, expresiones y nombres clave sobre ocultismo, teosofía, filosofía hermética y anarquismo, y un gran póster a todo color obra de Pablo Gallo, todo ello para cartografiar a nuestra España más tenebrosa.
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¿Está la música de nueva creación ante la encrucijada de salirse de tono, no ya del bello tono de los instrumentos, sino del medio exclusivamente sonoro como tal?La música de nueva creación (aquélla que aún no hemos creado y, por tanto, sólo está si acaso en nuestras mentes) se halla ante una bonita encrucijada, fruto de una situación más patente que latente: ya hemos escuchado todos los sonidos. Y no solamente los hemos escuchado, sino que, hoy en día, si bien quizá es un poco arriesgado afirmar que hemos escuchado todas las combinaciones posibles de sonidos, no lo es tanto decir que rara vez encontramos alguna combinación que nos sorprenda.Y aquí surge la primera pregunta ante la encrucijada: ¿es importante la sorpresa? Quizá no, y podemos simplemente colgar el cartel de Fin de la Historia y seguir componiendo sin más, utilizando todas esas técnicas ya históricas que hoy en día tenemos tan bien estudiadas y enseñadas. Pero quizá sí. O quizá echamos de menos aquello que, entre otras cosas, también nos aportan la sorpresa y lo nuevo: el no saber (lo que es, lo que viene, lo que suena), el cuestionarse, el que nos saquen de nuestro tono.Quizá hemos perdido la fascinación por lo meramente sonoro, es decir, por el medio tradicional de la música como tal. Quizá el medio de la música ya no es sólo lo musical (como lo aportado por los instrumentos musicales históricos), sino también el sonido cotidiano (de la calle, de la gente, de las diversas máquinas de nuestra sociedad), o quizá ya ni siquiera es sólo el sonido, y no podemos contener el desbordamiento del medio hacia otros medios más o menos sonoros como lo performativo, lo visual, lo socio-político.
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El libro de la serie Reina Roja, el fenómeno audiovisual del año. Con epílogo de Juan Gómez-Jurado y en colaboración con Prime Video. Descubre el proceso de creación de la adaptación audiovisual del best seller de Juan Gómez-Jurado. Con un epílogo del propio autor, estas páginas recopilan material exclusivo del making off de la serie: desde fotografías inéditas del rodaje, storyboards, fotogramas y declaraciones de los creadores y los actores hasta curiosidades sobre los efectos especiales o el desglose de las escenas más icónicas. «Nuestra serie -porque ahora también es tuya- es un desafío a lo que otros dicen que es posible, una oda a la inteligencia, una carcajada en el rostro de la muerte, un aplauso al amor incondicional. Porque así son Antonia y Jon. Y nunca los verás mejor ni más fielmente plasmados que habitando la piel de Hovik y Vicky. Ni mejor contados que por Koldo Serra. Estas páginas son testimonio de cinco años de trabajo narrando el amor». JUAN GÓMEZ-JURADO
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El libro realiza un minucioso estudio del Cine Negro clásico americano (desde 1930 a 1960) a través del análisis de las 60 películas más importantes del género según su autor, tratadas de manera independiente cada una de ellas.¿A quién va dirigido el libro El cine negro. 3ª edición?Este libro está dirigido a aficionados al cine, estudiantes de cine, investigadores del género negro y a cualquier persona interesada en la historia y el análisis del cine clásico americano. Su enfoque detallado y exhaustivo lo hace adecuado tanto para lectores con conocimientos previos sobre el cine negro como para aquellos que se acercan al género por primera vez. La profundidad del análisis y la cantidad de información proporcionada lo convierten en una obra de referencia para estudiosos y apasionados del tema.Temas que trata el libro El cine negro. 3ª ediciónEl libro El cine negro. 3ª edición realiza un estudio profundo del cine negro clásico americano, abarcando el periodo comprendido entre 1930 y 1960. Se centra en el análisis de sesenta películas consideradas como las más representativas e influyentes del género. El análisis no se limita a una simple descripción de las tramas, sino que profundiza en diversos aspectos:Análisis de la producción: Se examinan los procesos de producción de cada una de las películas, incluyendo detalles sobre la realización, los equipos de trabajo y las circunstancias de su creación.Análisis visual: Se presta especial atención al análisis de las imágenes y la estética visual característica del cine negro, explorando la composición, la iluminación y otros elementos visuales que contribuyen a la atmósfera del género.Análisis de personajes: Se estudian los personajes, sus motivaciones y su papel dentro de la narrativa, profundizando en la psicología de los protagonistas y antagonistas.Contexto histórico y social: Se contextualiza el cine negro dentro del marco histórico y social de la época, explorando las influencias culturales y políticas que moldearon el género.Evolución del género: Se analiza la evolución del cine negro a lo largo de las décadas de 1940 y 1950, identificando las tendencias y cambios estilísticos que se produjeron.Influencia y legado: Se explora la influencia del cine negro en la cultura popular y su legado en el cine posterior.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro El cine negro. 3ª ediciónAún no hay opiniones o críticas sobre El cine negro. 3ª edición.
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Que pagui Pujol
Un relat político-musical del panorama punk a la Barcelona dels 80, torna 13 anys després de la seva publicacióDeia Galeano que la història és sempre pura profecia: pel que no ha estat, i contra el que ha estat, anuncia el que serà.Per això, quan pretenen exiliar-nos de la nostra pròpia història, endinsar-se en aquesta crònica músico-sentimental d'ascendència montalbaniana que tragina pels Somorrostros invisibles de l'escena musical alternativa de la Barcelona vuitantera és aire fresc. I tots els interrogants oberts: de nou i un cop més. Amb rivet de crònica salvatge.En el triple salt mortal d'uns joves que van saltar al buit per no caure en l'abisme que els oferia un sistema d'exclusions.Joves lliures contra la seva pròpia història, contra el destí buit que algú els havia dissenyat. Lliures, a voltes, fins a l'extrem d'una autodestrucció desesperada, via speed o via heroïna.De les restes d'aquell naufragi, de les runes i engrunes d'aquell laboratori econòmic repressiu edificat amb la transició, van néixer les pasteres des d'on seguim resistint.
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En una época en la que, a la hora de invertir en un proyecto, priman los criterios de rentabilidad económica y en que la cultura en conjunto es pensada a partir de la ''economía creativa'', resulta vital comprender el análisis económico en materia cultural para percibir su alcance y también sus límites. Por eso es fundamental conocer sus reglas y los desarrollos que conlleva en el plano de las artes y de la cultura.
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Su Friedrich es una de las figuras centrales del cine de vanguardia estadounidense. Scott MacDonald, periodista y profesor, lleva más de cuatro décadas escribiendo sobre Friedrich. Comenzaron a charlar en 1986. Décadas más tarde retomaron sus entrevistas, produciendo un documento inédito hasta esta publicación.Las preguntas de MacDonald se atienen a lo más concreto. Friedrich se explica con lucidez y desenvoltura, su conversación revela una extraordinaria voluntad de vincular con precisión imágenes y palabras, al igual que ocurre en su cine, un trabajo documental (primero en 16 mm y blanco y negro, después en vídeo y color) que se ha desarrollado en paralelo a su biografía, y en el que ha abordado su sexualidad, batallas de género (personales y sociales), la relación con los padres, la salud (física y mental), la pareja, la gentrificación de su barrio o el envejecimiento (de los demás y el propio).
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Cecilia 2 nació bajo el signo de los discos malditos. En 1973 Evangelina Sobredo era una artista que había cosechado un gran éxito comercial con su primer álbum, pero de la que mucha gente esperaba más de lo mismo. En su segundo trabajo, en cambio, la artista se sinceró emocionalmente y decidió abordar temas espinosos, que llevaban décadas silenciados —,la memoria de la Guerra civil, la emancipación femenina, el suicidio—,, pero que pronto transformarían el país arriba abajo. No obstante, la valentía de Cecilia no fue secundada por una discográfica que privaría al álbum de su cubierta y su nombre originales, a lo que se sumó el autoritarismo de una censura que, a pesar de la agonía del régimen, aún sacó fuerzas para prohibir que uno de sus temas —,«Un millón de sueños»—, sonase en las radios. Despojado de sus señas de identidad, el disco fue un fracaso en ventas, aunque medio siglo después es su álbum más elogiado. Este ensayo reconstruye el proceso de creación de este esperado segundo LP de Cecilia y aporta el contexto necesario para entender la importancia de la artista como icono transgresor en nuestra historia musical.
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Un libro para entender a los famosos y sus escándalos con humor e ironía.Este libro, entre el sarcasmo y la crítica, disecciona los comportamientos de las estrellas para explicar cómo funciona la fama. El autor analiza los episodios más mediáticos del momento, como el embarazo de Ana Obregón, los orígenes de la familia Beckham o las excentricidades de Kanye West. ¿Es la humildad de Rafael Nadal una estrategia? ¿Taylor Swift cambia de personalidad para vender sus álbumes? Preguntas que tienen respuesta cuando entendemos que la fama es la consecuencia de un consumo: el espectador es quien concede y arrebata la popularidad.
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Traços
Fruit de diversos viatges a Austràlia als anys seixanta i setanta, el Museu Etnològic i de Cultures del Món de Barcelona conserva a les seves col·leccions municipals un dels millors conjunts de pintures sobre escorça aborigen australiana de tot Europa, que ara s'han estudiat i catalogat. Profusament il·lustrat, aquest llibre dona a conèixer per primer cop una selecció significativa d'aquestes pintures extraordinàries, en un viatge visual que ens transporta des de la pintura tradicional sobre escorça d'eucaliptus fins a la contemporaneïtat més global, crítica i actual.
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En el mundo contemporáneo, la parodia ha acompañado con frecuencia a la recepción del arte, históricamente asociado con la seriedad.Este libro analiza el fenómeno como recurso humorístico, durante un periodo en el que estuvo omnipresente en la vida cultural y política española a través de la prensa. El objetivo es reconocer cómo, por qué, para qué, cuándo y con qué consecuencias el imaginario artístico llamó la atención de los humoristas gráficos y suscitó tanta atención entre los lectores de periódicos. El humor aparece siempre ligado a la dualidad y al relativismo de nuestra posición ante un mundo inestable. Si todo aquello sobre lo que se bromea encierra un tabú, la utilización del mundo del arte como objeto de risa pone de manifiesto los temores de su incomprensión y, al propio tiempo, la fascinación que suscita. Esa dualidad es uno más de los desdoblamientos y de los constantes cambios de posición del ser humano, ligados a una inseguridad por la pérdida de un canon: el que ríe es objeto de risa, el observador es observado, el poder se convierte en contrapoder, lo serio se transforma en cómico.En definitiva, la risa es ambigua. Quién sabe si lo que nos hace reír hoy nos hará llorar mañana.
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El ''blanco'', como tal, solo existe en nuestra percepción, es inútil, por tanto, salir en su busca. En lugar de ello, debemos encontrar el modo de sentir la blancura, ya que a través de este proceso tomaremos conciencia de un blanco ligeramente más blanco que el blanco que percibimos normalmente. Esto, a su vez, nos hará ser conscientes de la sorprendente diversidad de blancuras que podemos encontrar en la cultura japonesa: por fin lograremos entender palabras como ''silencio'' o ''espacio vacío'', y sabremos distinguir los significados ocultos que contienen. A medida que adquiramos esta compenetración con el blanco, nuestro mundo se tornará más resplandeciente y sus sombras más acusadas. Kenya HARA
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Más de treinta años de historia dan para mucho, Más aún si quien escribe sobre una de las bandas fundamentales de la historia del rock lo hace con auténtica pasión pero con la madurez y objetividad de quien ha seguido a Pearl Jam desde sus inicios en Seattle allá por los años noventa. Y esa pasión, es auténticamente contagiosa.Un libro que ahonda en la génesis y evolución de Pearl Jam, pasando por todos aquellos momentos intensos, difíciles, emotivos, por lo que ha transitado el grupo liderado por Eddie Vedder, un tipo que cambió las tablas de surf por los escenarios aupado por una voz poderosísima y un talento y una personalidad fuera de toda duda, Su rock con toques melódicos y sus letras oscuras, intimistas, poéticas, los han convertido en el fenómeno musical que son ahora, Una banda enorme, Esta es su historia.
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En apenas una generación, el tiempo que va desde la aparición de la oferta comercial de televisión en 1990, hasta la actualidad, el medio televisivo ha cambiado tan profundamente que hace irreconocible las formas y las prácticas que conocíamos hace tan solo dos décadas. Algunos hablan incluso de postelevisión atendiendo a las ''tablets'' individuales en que se pueden ver los espacios de la televisión y la colaboración del medio con las redes sociales. Todo es distinto. Y por supuesto lo son las representaciones sociales y culturales armadas desde el medio. Este volumen se concibe como una mirada sobre las transformaciones y en especial sobre las estrategias comerciales y también políticas que ligan los programas a la sociedad.
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Un ensayo sobre cómo el ruido puede ser una fuente de placer, una muestra de dolor, exceso y, sobre todo, un acto de resistencia.En su primer ensayo, el periodista cultural Oriol Rosell lleva a cabo el ambicioso proyecto de seguir el rastro del ruido en la música popular, y lo hace de manera libre y transversal, sin pretender ser exhaustivo pero proporcionando a cada paso un marco histórico y sociológico tan ameno como conveniente. Así, empieza con la aparición de la distorsión en el rock, recorre la normalización del ruido en el rock independiente y expande su mirada hacia escenas como el black metal, el japanoise, y diferentes fenómenos marginales que han provocado un cortocircuito formidable en nuestra comprensión del acto musical. Por estas páginas asoman figuras como Throbbing Gristle o Mayhem y otros nombres esenciales que nos desafían a entender el sonido.
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