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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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La Guía FilmAffinity es un recorrido por la historia del cine desde sus inicios. En sus más de 400 páginas se analizan cientos de películas y se muestran cientos de fotogramas. La web FilmAffinity nació en 2002 y, para celebrar la mayoría de edad, sus creadores queríamos ofrecer a nuestros usuarios y lectores algo especial. Y nada mejor ni más útil que esta guía, encargada a varios expertos y editada por dos de las personas que conocemos que más saben y mejor escriben sobre cine. Este volumen, que incluye decenas de fotogramas y carteles de películas, no es solo un resumen de un siglo y cuarto de cinematografía, desde sus inicios hasta la actualidad) sino también un análisis preciso y riguroso de la evolución de este arte. Un libro que es una actualizada historia del cine mundial a un tiempo rigurosa, amena y didáctica.
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Playlist. Rebels i revolucionaris de la música
James Rhodes és una de les grans estrelles del moment. La seva formació acadèmica musical va començar als catorze anys i va acabar quatre anys després, quan va deixar de tocar el piano durant una dècada. Des que va tornar a la música, ha llançat set àlbums, ha actuat en alguns dels escenaris més prestigiosos del món i ha publicat 3 llibres supervendes.
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Curtis Mayfield fue uno de los intérpretes y compositores más influyentes de la historia de la música popular estadounidense. Sus letras reivindicativas tuvieron sobre el soul y el rhythm & blues un efecto liberador, pero fue aún más importante su papel como referente social y el peso que su música tuvo sobre el Movimiento por los Derechos Civiles.
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Hilario Camacho nace en el barrio de ChamberŪ. Con veinticuatro aŮos, Alan Milhaud, el productor mŠs ambicioso, lo lanza como el nuevo Dylan hispano-elťctrico.CorrŪa el aŮo 1972 y, para entonces, Hilario ya llevaba seis aŮos de recorrido, desde su arranque en Canciůn del Pueblo. Fue siempre dos pasos por delante, luchando consigo mismo y expresando esa lucha a travťsde cientos de sobrecogedoras canciones. Camaleůnico,con un don para calzar el verso en la melodŪa asombroso, Hilario fue no solo pionero en la concreciůn delfenůmeno de la canciůn de autor en EspaŮa, sino que se atreviů a ser su propio molde, poniendo por delantesu libertad al ťxito masivo o la continuidad artŪstica. Son famosas sus escapadas (hasta llegaron a darlopor muerto). Y siempre volvŪa, sorprendiendo. Su final es casi tan legendario como su propia vida.
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Rihanna invites you into her world with thisstunning visual autobiography. From herBarbados childhood to her worldwide concerttours, from quintessential fashion moments toprivate time with friends and family, the bookshowcases intimate photographs of her life asan artist, performer, designer, and entrepreneur.Impeccably produced, this sumptuous largeformat volume offersunparalleled access toone of the most groundbreaking artists of ourtime as never before—and never again
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El anillo del nibelungo es sin duda una de las mayores obras de la música moderna, y ha fascinado tanto a críticos como a melómanos durante más de un siglo. Ningún trabajo reciente ha estudiado la obra maestra de Richard Wagner con la exhaustividad y la agudeza del filósofo Richard Scruton, que no sólo examina los aspectos dramáticos y musicales, sino también la simbología y la filosofía del ciclo del Anillo. El íntimo vínculo entre la estructura musical y dramática permite a Scruton descubrirnos la singular concepción de la humanidad en Wagner, para quien la nalidad del arte consistía en «mostrarnos la libertad en su forma más inmediata, contingente y humana, recordándonos lo que signi ca para nosotros». La dramatización de temas como el amor, la muerte, el sacrificio y la libertad permitieron a Wagner mostrar las más profundas verdades de nuestra condición y, con ello, renovar nuestra fe en ellas.
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Su voz desgarrada cambió la historia del flamenco.José Monje Cruz, Camarón, empezó a desplegarsu don cuando era solo un niño y llegó a conquistar las audiencias de París y Nueva York. Inquieto, pasional, magnético, su arte creció imparable y revolucionario. Desde su nacimiento en San Fernando (Cádiz) hasta su temprana muerte, pasando por su estancia en Madrid, su etapa con Paco de Lucía, su boda con la Chispa, sus trabajos con Tomatito y sus conciertos más memorables, este libro es un homenaje con duende a un hombre de breve biografía pero huella infinita.
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Las Cosas por su Nombre es una sincera autobiografía,una certera recopilación de recuerdos y reflexionesde alguien que alcanzó el éxito, ha dirigido compañías discográficas, ha sido promotor y agitador cultural. Desde el profundo conocimiento, narra en primera persona las reglas básicas del movimiento mod... y critica sin ambages a quien vive anclado en el pasado conactitud reaccionaria.
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Reflexions De Pau Casals
En aquesta obra Pau Casals reflexiona sobre la seva època i ens ofereix el conmovedor relat de la seva extraordinària vida. És la història de la recerca apassionada de la bellesa i la justicia en un període d unaenorme turbulència. La història d un músic que va tocar per la reina Victoria del Regne Unit a finals delsegle XIX i per al president John F. Kennedy poc abans de la mort d aquest.
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Tarzán es sin duda uno de los personajes más queridos por el cine. A lo largo de las décadas, el mito del hombre mono ha ocupado las pantallas de cine y televisión con diferentes rostros y estilos. Este libro analiza todos los films de Tarzán, los actores que le dieron vida y las constantes del mito.
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El 27 de mayo de 1784, Wolfgang Amadeus Mozart conoció en una tienda vienesa a un coqueto estornino que cantó una versión improvisada del tema de su Concierto para piano n.º 17 en sol mayor. Al percibir un espíritu afín en el joven pájaro, Mozart lo compró y se lo llevó a casa como mascota. Durante tres años, el estornino vivió con Mozart, influyendo en su obra y sirviéndole de compañero, distracción, consuelo y musa. Dos siglos después, los estorninos son vilipendiados incluso por los conservacionistas más compasivos. Como especie invasora no autóctona, invaden hábitats sensibles, compiten con las aves locales por los lugares de anidación y el alimento, y diezman los cultivos. Lyanda Lynn Haupt, ornitóloga y naturalista experimentada, conoce bien las difíciles y a menudo tensas relaciones de estas aves con otras especies y el medio ambiente. Pero después de rescatar a un estornino bebé, Haupt se encontró encantada con la misma inteligencia y el mismo espíritu juguetón que habían encantado a su compositor favorito. En 'El estornino de Mozart', Haupt explora el improbable y extraordinario vínculo entre uno de los compositores más apreciados de la historia y uno de los pájaros más comunes de la Tierra. Las historias entrelazadas de la querida mascota de Mozart y del propio estornino de Haupt ofrecen una ventana inesperada a la amistad entre humanos y animales, a la música, al mundo secreto de los estorninos y a la naturaleza de la inspiración creativa. Una mezcla de historia natural, biografía y memorias, 'El estornino de Mozart' es un tour de force que despierta una sorprendente conciencia de nuestro lugar en el mundo.
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Gabriel Ruiz Cabrero, arquitecto encargado de la conservación de la Mezquita-Catedral de Córdoba desde 1978, ofrece en este libro una mirada profunda y detallada sobre uno de los edificios más emblemáticos del mundo. Nos sumerge en el misterio de los orígenes de esta estructura única, que hunde sus raíces en los edificios de la antigua Hispania y en la cultura omeya del Oriente, y describe como sus sucesivas autorías desembocan en un monumento que parece haberse creado a sí mismo en el tiempo. Desde la visión de Abderramán I, emigrado sirio, y un arquitecto local en el siglo VIII, hasta las sucesivas ampliaciones y reformas, cada etapa de la construcción de la Mezquita-Catedral de Córdoba supone una réplica intelectual y artística de la anterior. Con su estudio, Ruiz Cabrero desvela las leyes que han regido la evolución de este prodigio arquitectónico e invita al lector a contemplar la Mezquita-Catedral con comprensión y admiración nuevas y a celebrar su genuina evolución a lo largo de los siglos.
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Un delicioso viaje por la Alhambra de Granada, una de las obras maestras que la cultura musulmana erigió en la península Ibérica y Patrimonio Mundial desde 1984. Este libro nos guía por la Alcazaba, el Mexuar, el palacio de Comares, el Patio de los Leones... a través de la riqueza de contrastes de la luz y el agua, el colorido y la exquisita ornamentación nazarí de los palacios, jardines y patios. Un placer para los sentidos.
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Esglésies d'Eivissa i Formentera
Les esglésies d'Eivissa i Formentera, les illes Pitiüses, que es publiquen en aquest llibre es varen edificar entre els segles XIV i XIX. Les característiques arquitectòniques comunes i particulars de cadascuna es mostren amb noves fotografies i plànols, així com amb textos descriptius del seu estat actual i històric, unes dades, en gran part, ja divulgades.
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Oscilando con elegancia entre la reflexión ensayística y la descripción narrativa de su propio proceso de crecimiento personal, Charlotte Van den Broeck presenta trece miniaturas sobre la tragedia personal y profesional de diversos arquitectos que, incapaces de confrontar su propio fracaso, tomaron la radical decisión de quitarse la vida. Con un lenguaje poético, descarnado y sincero, Van den Broeck se adentra en los vericuetos de la mente y nos propone un viaje a los desafíos de la creación a través de piscinas, teatros, bibliotecas, museos, iglesias, cuarteles, oficinas de correos, villas, campos de golf y jardines de esculturas de Europa y Estados Unidos. Una indagación fascinante y turbadora del difícil y peligroso equilibrio entre el afán de perfección y la cordura.
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«El rasgo fundamental del espectáculo moderno es la puesta en escena de su propia ruina». Así se expresaba Guy Debord en 1959. Lo que desde entonces parece claro es que -aunque las ruinas siempre ocupasen un lugar en la reflexión teórica y en la sensibilidad artística- el devenir histórico cercano ha abocado a la humanidad y a la vida en la Tierra hacia ese horizonte extraño. Siguiendo esta intuición, en este libro se estudia la presencia de las ruinas y los descampados en el arte, la arquitectura y el pensamiento europeos contemporáneos. Y, si se logra mostrar algo, eso es que las ruinas ocupan un lugar central, tanto en las denuncias más o menos veladas a los modelos socio-económicos heredados, como en las propuestas regeneradoras más recientes sobre el paisaje.
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Inauguramos la colección Clepsidra con una preciosaconferenciadel músico Paul Hindemith sobre Bach. Pronunciadael 12 de septiembre de 1950 en la Bachfest deHamburgo conmotivo del segundo centenario de la muerte de Bach, lleva porsubtítulo una frase significativa: “Una herencia obligatoria”.¿Qué herencia es esa? Analiza Hindemith su visión y su comprensiónde la obradel gran músico alemán desde su propiaexperiencia como creador, “comparado con Bach, cualquiermúsico, incluso el más dotado, se sitúa de entrada en desventaja”,anticipa.
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Dos filósofos conversan sobre la situación del arte en la actualidad: lo que quiere decir de hoy en adelante, lo que, lejos de ser una palabra anticuada, nos permite reflexionar de nuevo. El elaborado pensamientode Jean-Luc Nancy sobre este tema es retomado y también continuado en el curso de una discusión en la queLèbre se interroga con él sobre la mejor manera de aprehender el compromiso del cuerpo sensible en la actividad artística y la aproximación a las obras, la relación del arte con la técnica, la historia, su modulación en las artes tradicionales y nuevas, su posición actual frente a la religión, la política y la literatura. Este texto, un diálogo en el más pleno sentido filosófico del término, constituye en sí una introducción al pensamiento de Nancy en torno al hecho artístico: qué es el arte, su significación y finalidad en nuestro tiempo, su polimorfismo, la responsabilidadque tiene para con el mundo, su interacción con él…
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The African Ancestors Garden es el primer libro que se publica en conjunto con el Museo Internacional Afroamericano (IAAM) en Charleston, Carolina del Sur. El jadín del museo realizado por Hood Design Studio, dirigido por el galardonado Walter Hood, ejemplifica la misión del museo de reflexionar sobre su ubicación en Gadsden's Wharf, el punto al que casi la mitad de todos los africanos esclavizados llegaron a América del Norte.Con contribuciones de figuras fundamentales para la realización del Museo Afroamericano Internacional, este importante libro presenta la investigación intensiva del sitio y los conceptos que se aplicaron en los distintos espacios del museo, incluido un estanque infinito reflectante y una exhibición etnobotánica de plantas africanas traídas al norte. La respuesta de diseño de Hood a estos terrenos históricos aborda la memoria, la tragedia y la cultura, un conmovedor homenaje a la comunidad viva de Charleston y a la diáspora africana en general.Hood Design Studio, dirigido por Walter Hood, ganador de la subvención MacArthur 'Genius', está a la vanguardia del campo en expansión del activismo social a través del diseño, y este libro nos permite una descripción detallada de la conceptualización y creación de un paisaje notable y profundamente significativo. , proponiendo una forma de diseñar espacios públicos e instituciones culturales que encarnen la experiencia afroamericana.
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Libro de conversaciones con los componentes de SuperstudioFundado en 1966 por Adolfo Natalini y Cristiano Toraldo di Francia, a los que más tarde se unieron Gian Piero Frassinelli, Roberto y Alessandro Magris y Alessandro Poli, Superstudio fue uno de los grupos más influyentes de la llamada arquitectura radical. El grupo nació en un momento fructífero de crisis marcado por la trágica inundación de Florencia de 1966 y por las fuertes tensiones políticas y sociales en Italia, pero también en una época de gran renovación artística y lingüística. Su obra ha influido en más de una generación de arquitectos, historiadores, diseñadores y artistas, y está presente en muchos de los museos más importantes del mundo.Este libro recoge las conversaciones que Gabriele Mastrigli mantuvo con tres de los protagonistas del grupo (Natalini, Toraldo di Francia y Frassinelli), ilustradas todas ellas con muchas de las imágenes que hicieron famoso a Superstudio y que dan cuenta de su intento más ambicioso de abordar la relación entre vida y proyecto a través de una refundación antropológica y filosófica radical de la arquitectura.
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Humanos e inteligencias artificiales en nuevos paradigmas y estéticas para el almacenamiento de datos, arquitectura, preservación y cultura digitalEn un momento en que humanos e inteligencias artificiales generan volúmenes de datos sin precedentes, Marina Otero Verzier explora el lado material y extractivo de la nube. Otero Verzier propone nuevos paradigmas y estéticas para el almacenamiento de datos, integrando arquitectura, preservación y cultura digital. El ensayo aborda el borrado y el duelo como actos de resistencia contra la compulsión por acumular y la pérdida de soberanía sobre nuestras memorias digitales, ahora en manos de corporaciones.
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This first monograph from New York-based Young Projects explores a new approach to spatial design that combines digital and analog methods at the intersection of exploration and architecture. This monograph introduces the cutting-edge research and work of Young Projects, founded by Bryan Young, where materiality, structure, and form intersect to generate new architectural typologies. The book presents a selection of the practice’s most relevant five innovative houses completed between 2015 and 2020 as well as less in-depth looks at other projects that define the practice. Each house serves as a chapter through which Young Projects’ broader body of work is explored across scales, illustrated through a rich landscape of drawings, diagrams, renderings, mock-ups, prototypes, and photography. The through-line connecting all chapters is the studio’s interest in using ambiguity and anomaly to create novel and accessible spaces, whether for high profile clients like Heidi Klum or a new resort in St Kitts. Young Projects seeks to draw users into immersive spatial experiences that unfold over time, in a manner that is familiar but subtly foreign. This quality of “allure” is a result of a unique and experimental approach to materiality and spatial legibility. These are the threads that tie the work together and have set Young Projects apart as an emerging practice, as well as inform the larger-scale projects the studio undertakes as it enters its second decade. Young Projects’ process often begins with simple exercises in form-finding experiments they undertake within their Brooklyn studio. Material research has included hand-pulling plaster with an irregular knife, using furniture foam as a casting bed, and forming concrete with palm stems. These experiments, among many others, mine characteristics that are not typically associated with conventional architectural materials and break traditional methodology, allowing for qualities of randomness and spontaneity to enter the process of making. The studio finds that letting go of control (at the right moments) produces results that are often surprising, entirely bespoke, and resist replication.
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QUE RULE EL AMOR es una ferviente y sentida invocación al principio activo que enhebra la vida y obra delroquero judeoantillano acaso más ecléctico que dieraaquella quinta estadounidense, mas también un alto enel camino que anuncia tiempo de reflexión. De ese afán por echar la vista atrás y desgranar las esenciasde una obra tildada de extemporánea en sus primeros compases, y encumbrada ahora a lo más alto del pedestal roquero, emerge este pausado alegato —no exento decierta candidez, inopinada psicogeografía, autoanálisis panteísta e inmisericorde humor—, narrado a capela, y escrito a cuatro manos, con la inestimable ayudade David Ritz, escriba y confesor, entre otros, de Ray Charles, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Etta James yB. B. King. No corrían buenos tiempos para el rock cuando, tras unos primeros tientos inciertos, Kravitzenfrentábase —a contracorriente, para mayor gloria— alas modas del momento: en la cresta de la ola, rugíala incipiente insurgencia que, a hombros de sus conversos, hacía que el hip hop arrasara con los cimientos de la propia industria discográfica y, en el extremo más conservador, se resistía a fenecer la despampanante opulencia de las reliquias del rock más duro y grandilocuente que gastaban por aquel entonces sus máspálidos coetáneos. «Mi vida tiene que ver con los opuestos», subraya. «Blanco y negro. Judío y cristiano.Jackson Five y Led Zeppelin. Puro Géminis.» Es estala historia de una vocación temprana que, pese a unamuy lenta germinación —rechazaría contratos con las más grandes discográficas hasta dar con su propia voz—tendría final feliz: Lenny, mientras se curtía tocando por doquier, y sobrevivía pinchando en fiestas, rebozando pescado y alquilando el asiento trasero de unauto como vivienda, encontraría la salvación en la música, en el Todopoderoso (Little Richard mediante) yen el amor incondicional de los suyos.
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Bajo el mecenazgo de la poderosa familia Medici, con un importante catálogo de obras religiosas y seglares, y contribuciones a la célebre Capilla Sixtina, Sandro Botticelli (1444/1445-1510) tenía asegurada la fama. Aún así, tras su muerte su obra quedó en el olvido durante cuatrocientos años. Fue en el siglo XIX cuando el pintor empezó a obtener un importante reconocimiento histórico y artístico. En la actualidad, Botticelli está considerado una figura destacada del Renacimiento temprano florentino. Sus obras seglares El nacimiento de Venus y Primavera, sobre todo interpretadas como alegorías de la primavera, se encuentran entre las pinturas más célebres del mundo, espléndidas con sus delicados detalles, líneas elegantes y equilibrio compositivo. Sus disposiciones son fluidas pero preparadas, sus figuras, serenas pero sensuales. Venus, en particular, está considerada como un icono histórico-artístico de la belleza: de tez pálida y rasgos delicados, con una tenue promesa de fecundidad. Esta introducción esencial presenta obras clave de Botticelli para comprender el nacimiento de una leyenda del Renacimiento. A través de las escenas alegóricas y mitológicas más famosas del pintor, así como de sus brillantes obras religiosas, exploramos su maestría en figuración, movimiento y las líneas que ha inspirado a artistas como Edgar Degas, Andy Warhol, René Magritte o Cindy Sherman.
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Este pequeño volumen es uno de los más hermosos libros del maestro, no sólo por la cuidada selección de sus fotografías, su delicado diseño y estampación, sino también por la calidad y penetración de los textos, de tres de sus amigos más cercanos. ''Decir que Masats -escribe Óscar Tusquets, su primer editor- es un gran fotógrafo documental, es quedarse corto. Es un artista muy ligado a la realidad, es cierto, como lo era Velázquez y lo es Antoñito López, pero, como estos grandes artistas, Masats va mucho más allá.
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Guía Básica para pintar plantas y flores en sencillos pasos ¡Las formas y colores de las plantas y flores tropicales son fascinantes! Con esta guía paso a paso, y gracias a la magia de la acuarela, se podrá darles una sorprendente dimensión decorativa a e
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100 dies del rock de la dècada dels 70 i 80
El testimoni de dues dècades transcendents per a la memòria musical de diverses generacions, a través de 100 dates significatives. Dues dècades que comencen amb la fi dels Beatles, que a mig camí reben una forta sacsejada amb l'assassinat de John Lennon, i que acaben amb el pop anodí de Phil Collins liderant les llistes d'èxit mentre el grunge ja pica a la porta. Dues dècades, les dels anys 70 i 80, plenes de noms propis, de context històric i de diferents moviments musicals - el rock progressiu, el glam, el punk, la new wave, el rap...- que van redefinir el rock. UN LLIBRE PLE DE NOSTÀLGIA, AMB NOMS QUE HAN PASSAT A LA HISTÒRIA DE LA MÚSICA, I ESCRIT DES DE L'ÒPTICA DE LA MÚSICA ANGLOSAXONA, AMB 100 REFERÈNCIES MUSICALS ALS PAÏSOS CATALANS. * Aquest llibre recull 100 moments que defineixen el rock dels 70 i dels 80, que donen peu a parlar d'artistes, de cançons, d'èxits, de fracassos, però també de la vida i de la mort. * El recorregut comença el 1970: l'any de la fi dels Beatles, una dècada marcada per les morts de Jimi Hendrix, Janis Joplin i Jim Morrison. I acaba el 1989 amb la publicació del disc de Phil Collins _...But Seriously_, que es va convertir en un dels discos més exitosos de la dècada, i el primer número 1 de la dècada dels 90. * L'autor tanca cada capítol amb una contextualització lligada a l'escena musical catalana.
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'Ya desde el título el libro se posiciona en un espacio que se sitúa entre dos párpados. Los párpados sirven para cerrar los ojos, y lo que Juan Manuel Castro Prieto hace es cerrar los ojos para ver. Porque la mirada no es una función fisiológica sino cultural. No vemos con los ojos sino que construimos la realidad, porque el mundo no es otra cosa que una interpre- tación. Como dice el inuit en la publicidad de Play Station 2 filmada por Kevin Thomas “to see that place you don’t need eye sight, you need vision” (para ver este lugar no necesitas los ojos, necesitas la visión). Situado, pues, a este lado de los párpados, Castro Prieto ofrece su visión particular de las cosas''.
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Cinema i política
Aquest llibre és una introducció àmplia i accessible a la relació ambivalent entre cinema i política. Inspirant-se en la teoria crítica (Michel Foucault, Theodor Adorno), l'autor argumenta que el cinema és una eina clau tant en la construcció de l'autoritat política, la dominació, com en les crítiques de les injustícies en les societats contemporànies. Des d'aquesta perspectiva, Cinema i política inclou anàlisis precises dels clàssics del cinema occidental (Fritz Lang, Stanley Kubrick, Pier-Paolo Pasolini, Agnes Varda, Jean-Luc Godard), i adopta una visió global amb exemples del cinema africà, asiàtic o llatinoamericà (Ousmane Sembène, Akira Kurosawa, Glauber Rocha). El llibre comença cronològicament des dels inicis del cinema fins a finals del segle XIX, i avança a través de diferents períodes històrics que arriben fins als nostres dies amb l'anàlisi de pel·lícules recents com Joker (2010) i de sèries brillants com The Handmaid's Tale i Black Mirror.
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Los innovadores desmanes de los Talking Heads llegarían a oídos de Warhol y Lou Reed, y el excéntrico cuarteto firmaría al poco, aupado por tan ilustres mentores, con Sire Records. La música de baile para gente con cabeza hacía parcialmente suyas tanto las más rudas convulsiones del punk formativo más minimalista como otras sonoridades («Psycho Killer», «Burning Down the House», «Once in a Lifetime») que trascendían, a la manera de los Clash —toda proporción guardada—, lasevidentes limitaciones del punk. Haciendo caso omisode los más funestos augurios reservados para los disturbios conceptuales de la escena indie, sus primerosálbumes se convirtieron rápidamente en clásicos, tras los que, con la controvertida y egocéntrica participación de Brian Eno en Remain in Light, iniciaron suvertiginosa ascensión al estrellato. Pronto, sin embargo, las relaciones empezaron a tensarse por cortesíadel crecido cantor. A raíz de esos desencuentros, Chris y Tina empezaron a trabajar en su propio proyecto, Tom Tom Club, dando con una hibridación de funk, disco, pop, electro y otras músicas ajenas al canon occidental que tendría gran impacto en la indolente geografía clubera.
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Lo Roto y Lo Sagrado es la fascinante historia de una de las canciones más queridas, al tiempo que un revelador y magistral estudio del sobrecogedor poder de la música.Cuando, tras un largo proceso de escritura, Leonard Cohen grabó por primera vez Hallelujah, atrajo escasa atención y la canción fue desestimada tanto por su sello discográfico como por los críticos. Hoy es una de las piezas musicales más grabadas de la historia, versionada por numerosos iconos como Céline Dion, Enrique Morente, John Cale o, sobre todo, Jeff Buckley.¿Cómo llegó una canción relativamente desconocida a convertirse en un himno internacional de la resiliencia y la tragedia humanas, que cada generación siente haber descubierto y reivindica como propio?¿Cómo surgen las grandes canciones? ¿Cómo las personas volcamos todas nuestras emociones en algo tan lábil dándole un significado único?
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L'artista sud-africà William Kentridge no es refia d'aquells que abracen cegament les pròpies certeses sense tenir en compte els dubtes i les paradoxes. L'ambigüitat i les contradiccions són al centre de la seva obra, que ha crescut i s'ha transformat al ritme de la polièdrica Sud-àfrica. El setembre del 2020, la periodista Gemma Parellada va entrevistar William Kentridge al seu estudi de Johannesburg amb motiu de l'exposició que l'artista preparava per al CCCB. Kentridge va parlar de segregació, de les repercussions del colonialisme i de la lluita antiracista, dels desequilibris i dels abusos de poder, del privilegi i del paper de l'art a l'hora de repensar els relats dominants.
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Assaig teatral on es recrea un programa radiofònic habitat de personatges que repassen algunes de les obres de Txékhov per esbrinar si, més de cent anys després, ens hem acostat a aquest futur meravellós que presagiava l'escriptor.
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¿Sabía que Frank Sinatra sostenía que ''Something'', compuesta por George Harrison, era la mejor canción de amor jamás escrita? ¿Que los Beatles fueron la primera formación en avanzadilla en la conquista del mundo por parte de la música británica? ¿Que Quino, el creador de Mafalda, era un beatlemaníaco absoluto y dedicó algunas de sus mejores tiras cómicas a los cuatro de Liverpool? ¿Que el inconfundible sonido y la habilidad del grupo para ganarse al público no se forjaron en los bares y clubs de su ciudad natal, sino durante los duros años que pasaron en Hamburgo? Este libro arroja luz sobre los aspectos menos conocidos del grupo más conocido de todos los tiempos: su gestación, su música, sus logros, sus fracasos, pero también su época, sus influencias, las gentes que les rodearon, los lugares relevantes, los actores secundarios que fueron cruciales para que todo sucediese como finalmente sucedió.Hay muchos libros sobre los Beatles, pero ninguno es como este.
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Con esta completa introducción a la pintura al óleo, aprenderá todo lo que necesita saber para ponerse manos a la obra. La artista profesional Estelle Day explica todas las técnicas principales con detalle, desde la mezcla de colores hasta el método del glaseado. Se incluyen dibujos para calcar de los 9 proyectos de bodegones clásicos a escala reducida, de manera que pueda empezar a pintar de inmediato. Cada uno se trabaja en un lienzo de 10 cm, perfecto para perfeccionar sus habilidades. Déjese seducir por el luminoso y vibrante mundo de la pintura al óleo.
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A estas alturas es difícil decir algo original sobre la pintura. Pero sí es posible, en un momento en el que muchos de los discursos en torno al arte se han vuelto indescifrables, decirlo, al menos, de una forma clara. En la pintura figurativa, la comprensión venía dada por el objeto representado, ya fuese un retrato, un paisaje, una escena bíblica o mitológica o una naturaleza muerta. Bastaba con identificar el tema para entenderla. Pero la pintura moderna, en particular la abstracta, ha roto con todas estas pautas. Siguiendo a Marcel Duchamp, que criticaba a los «artistas olfatorios» –aquéllos atraídos por el olor de la pintura al óleo–, ésta busca desmarcarse de la concepción tradicional del arte. Pero ¿cómo definir entonces esa pintura moderna, la pintura de la abstracción? Trabajar en lo abstracto es, aunque resulte paradójico, trabajar lo concreto. La abstracción no puede servirse del efecto espejo propio de la pintura de la representación, ni recurrir a la rápida corriente de comprensión que se crea entre el autor y el espectador ante pinturas como las de Hopper, Magritte o Warhol, en las que encontramos un reflejo del mundo y de nosotros mismos. Sin el efecto espejo, la obra es un objeto en sí mismo, y es el objeto en sí, no las imágenes que en él aparecen, lo que debe impresionarnos. La pintura abstracta ha de ganarse, no sin dificultad, nuestro interés. Pero ¿cómo? ¿Basta con que nos atraiga estéticamente o existen otros criterios que debe cumplir para ser considerada «arte»? Dice Eugenio d’Ors que hay cuadros que parecen responder inmediatamente a nuestras preguntas. No es el caso de los abstractos: Rothko, Miró, Stella no pintaban para satisfacer nuestro deseo de comprensión instantánea. Si embargo, prescindiendo del lenguaje de la crítica, los comisarios de exposiciones y los directores de museos, podemos concentrarnos en indagar en la expresión del arte mismo, en aquello que nos dice la obra del artista.
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