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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Una encuesta global de los artistas más innovadores de la actualidad que trabajan con textoLa inclusión de texto en obras de arte fue un avance creativo revolucionario del siglo XX, en el que los artistas subvirtieron las concepciones tradicionales de ''arte'' y ''escritura''. Las generaciones más jóvenes de artistas han seguido utilizando la legibilidad inherente de las palabras para comunicar ideas a los espectadores, a través de una amplia gama de medios, incluyendo pintura, escultura, instalación y video.Nominado por 66 destacados expertos mundiales (incluidos curadores, críticos, directores de museos y profesores), Vitamin Txt muestra a 103 artistas vivos, de 34 países, que sitúan el uso del texto en un lugar central de sus prácticas artísticas. Con más de 500 obras de arte ilustradas y una introducción sobre la historia de los artistas que utilizan textos desde la antigua caligrafía china hasta el arte digital contemporáneo, el enfoque del libro permite mostrar una variedad de medios diferentes, brindando una visión interdisciplinaria del mundo del arte hoy.Los asesores incluyen: Negar Azimi, Naomi Beckwith, Meriem Berrada, Isolde Brielmaier, Yeon Shim Chung, Tandazani Dhlakama, Yilmaz Dziewior, Touria El Glaoui, Ruth Erickson, Alison Gingeras, Krist Gruijthuijsen, Jennifer Higgie, Mami Kataoka, Sunjung Kim, Venus Lau, Helen Molesworth, Kimberly Moulton, Fumio Nanjo, Chika Okeke-Agulu, Adriano Pedrosa, Nada Raza, Dieter Roelstraete, Andrew Russeth, Nancy Spector, Sarah Thornton, Marianna Vecellio, Gilbert Vicario, Victor WangLos artistas destacados incluyen: Ghada Amer, Hellen Ascoli, Kamyar Bineshtarigh, Sophie Calle, Alejandro Cesarco, Heman Chong, Tony Cokes, Tracey Emin, Jeffrey Gibson, Shilpa Gupta, Jenny Holzer, Roni Horn, Ichihara Hiroko, Christine Sun Kim, Barbara Kruger, Glenn Ligon, Harland Miller, Shirin Neshat, Adam Pendleton, Shubigi Rao, Kameelah Janan Rasheed, Kay Rosen, Ed Ruscha, David Shrigley, Studio for Propositional Cinema, Hank Willis Thomas, Rirkrit Tiravanija, Nora Turato, Kaylene Whiskey, John Wood y Paul Harrison, Xu Bing, Young-Hae Chang Industrias Pesadas.
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Entre 2010 y 2011, mientras pintaba en Estados Unidos de América una serie de 75 cuadros sobre unas granjas próximas a Iowa City, Félix de la Concha decidió dedicar los días en los que el frío o el viento le impedían salir al exterior a desarrollar un experimento con ''Las meninas''. Se trataba de reproducir a tamaño natural en su estudio, y por tanto con luz artificial, el original de Velázquez dividido en 140 fragmentos y a 7.000 kilómetros del Museo del Prado. Mientras se enfrentaba a esa auténtica aventura hubo de vencer varios problemas de toda índole que fue relatando en un diario que le ayudó a reflexionar sobre la copia y el proceso técnico seguido para llevarla a cabo. Pero también pudo descubrir aspectos del original que le ayudaron a entender mejor la técnica y ambiciones de uno de los grandes genios de la pintura del Barroco.
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El videoartista más influyente del arte actualBill Viola es uno de los artistas contemporáneos más populares. En las últimas décadas, sus video instalaciones, caracterizadas por combinar innovación tecnológica y temas clásicos, han sido expuestas en algunos de los museos más relevantes del mundo. Sin embargo, hasta la fecha, no existía un texto en castellano centrado en su figura. Este libro no se limita a cubrir este espacio, sino que propone una innovadora discusión sobre el poder que sus obras ejercen sobre el público.
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¿Cómo se hacen las fotos de calle? Las buenas fotografías captadas en entornos urbanos son sorprendentes,divertidas, paradójicas y parecen cosa de magia. Pero, como la magia de los ilusionistas, en realidad sonfruto del trabajo y de la habilidad del artista. En esta obra, ilustrada con muchas de sus mejores fotografías, Matt Stuart nos enseña los principios, las estrategias y los trucos que ha aprendido durante veinteaños recorriendo la ciudad a la caza de fotos insólitas y fascinantes. Con un estilo ameno y divertido, Stuart relata sus experiencias y recomienda las mejoresprácticas a los aspirantes a fotógrafos o fotógrafasde calle. Entre ellas, mantener una actitud mental positiva, saber fundirse con el entorno, no temer a las inclemencias del tiempo, tener los ojos y las orejas abiertos, atrapar al espectador, salir de tu zona de confort, ampliar horizontes, trabajar tu propia visión? Y, por supuesto, ¡salir mucho a la calle y llevar siempre la cámara!
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Los divertidos y prácticos libros de la serie «Dibujar en 10 pasos» están diseñados especialmente para aspirantes a ilustradores, dibujantes y aficionados al arte. Los ayudarán a familiarizarse con las nociones básicas del dibujo para animarlos a crear sus propias obras artísticas. Con Dibujar en 10 pasos: Animales adorables, los artistas en ciernes aprenderán a dibujar más de 50 animales diferentes, desde una rana a un coatí, en una variedad de posturas encantadoras siguiendo sencillas instrucciones paso a paso. Una introducción sobre los materiales necesarios y los métodos para colorear completan este fantástico manual que le enseñará a dibujar una gran variedad de animales adorables.
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Todos dibujamos cuando somos niños, el misterio surge cuando dejamos de hacerlo. Ese es el momento en que tomamos conciencia de que no seremos grandes maestros de la pintura. Cualquiera, sin embargo, puede aprender a dibujar, cualquiera puede convertir su mirada en un acto creativo: lo importante no radica en la habilidad manual, sino en la visión que logremos tener de nuestro entorno.Dibujar personajes es una forma de demostrar originalidad e inspiración, así sean ilustraciones para un libro de niños, viñetas para cómics o personajes para películas de animación, programas de televisión o videojuegos. La astucia siempre es la misma: crear una historia, otorgarles emoción a los personajes y dotarles de personalidad mediante la interacción.Traducido a varios idiomas, este libro ha enseñado a dibujar personajes a millones de personas en todo el mundo. Es una guía exquisita para los profesionales del arte. El veterano dibujante de Disney, Tom Bancroft, recorre las diferentes etapas de la creación de personajes: las expresiones faciales, las poses, la interacción con el entorno. Aprenda a dibujar de manera sencilla, divertida y brillante. Conceda vida a sus personajes para que puedan asumir un rol. Recorra el camino de los grandes maestros.
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Ramón Gómez de la Serna glosa aquí la figura de ocho pintores, entre ellos, Santiago Rusiñol, Darío de Regoyos, Toulouse-Lautrec, Marc Chagall, Juan Gris o Dalí.“Un pintor es un punto de vista biográfico muy interesante para un escritor. Si lo ha conocido, si lo ha visto –a él además de su pintura–, tiene delante un personaje humano en pleno afán por detener la muerte, por salvar con más o menos delirio lo que se mira cuando aún se tienen ojos y se goza de esa pequeña inmortalidad que es la contemplación.”
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El primer libro de Claramore: una historia del arte contada como la Súper Pop.El arte, esa disciplina venerada por muchos, repudiada por otros tantos. El arte puede ser sinónimo de erudición, de universo intelectual, pero también puede ser emoción, historia, cultura. Lo que muchos no saben es que el arte es para todo el mundo, solo hay que encontrar la forma de entrar en él.Un Van Gogh en el salón es el primer libro de la historiadora del arte Clara González Freyre de Andrade, conocida en redes como Claramore. Contado como si fueran las páginas de la mismísima Súper Pop, la autora no deja cuadro sin artista para explicarnos múltiples anécdotas y secretos de las obras más icónicas y descubrirnos otras que nadie nos había mostrado hasta hoy. Un recorrido en el que el arte y la cultura pop conviven.Este es un libro para aprender y divertirse: conoceremos los salseos artísticos imprescindibles, las rivalidades más escandalosas entre artistas famosos, las mentes femeninas más brillantes o las obras que causaron más polémica, entre muchas otras cosas. Narrado con naturalidad y sencillez, Un Van Gogh en el salón nos permite disfrutar del arte desde la comodidad de nuestra casa.¿A quién va dirigido el libro Un Van Gogh en el salón?Este libro está dirigido a un público amplio, interesado en el arte pero que quizás no se sienta cómodo con los enfoques académicos tradicionales. Se presenta como una opción accesible y amena para aquellos que desean aprender sobre historia del arte de una forma divertida y atractiva, sin necesidad de conocimientos previos extensos. Su estilo informal y cercano lo hace ideal para lectores jóvenes, estudiantes o cualquier persona que busque una aproximación diferente y menos formal al mundo del arte. La inclusión de referencias a la cultura pop facilita la comprensión y conexión con el material para un público más amplio.Temas que trata el libro Un Van Gogh en el salónEl libro Un Van Gogh en el salón explora la historia del arte a través de anécdotas, secretos y curiosidades de obras icónicas y otras menos conocidas. Se centra en:Aspectos poco conocidos de obras famosas: El libro desvela datos curiosos y detalles ocultos tras las obras de arte más famosas, ofreciendo una perspectiva más íntima y humana de los artistas y sus creaciones.Rivalidades y escándalos artísticos: Se abordan las disputas y controversias entre artistas, mostrando el lado más humano y a veces conflictivo del mundo del arte.Artistas femeninas y LGTBIQ+: El libro destaca la contribución de artistas mujeres y pertenecientes al colectivo LGTBIQ+, contribuyendo a una visión más inclusiva e igualitaria de la historia del arte.Contexto social y cultural: Las obras de arte se contextualizan en la sociedad y cultura de su época, mostrando la influencia del entorno en la creación artística.Arte y cultura pop: El libro establece conexiones entre el arte clásico y la cultura popular, facilitando la comprensión y el interés para un público más amplio.Desmitificación de artistas: Se presentan algunos artistas de forma más humana, alejándose de la imagen idealizada que a veces se proyecta sobre ellos.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Un Van Gogh en el salónLas opiniones sobre Un Van Gogh en el salón son variadas. Algunos lectores destacan su enfoque ameno, divertido y accesible, que facilita el aprendizaje sobre historia del arte. Se elogia la capacidad de la autora para desmitificar a algunos artistas y revelar aspectos poco conocidos de sus obras. El estilo informal y cercano, con referencias a la cultura pop, es apreciado por muchos. Sin embargo, otros lectores consideran que algunas de las opiniones feministas o las referencias a la cultura pop resultan excesivas o fuera de lugar. Algunos señalan que parte de la información ya había sido compartida por la autora en redes sociales. A pesar de estas opiniones divergentes, la mayoría de los lectores coinciden en que el libro es una lectura entretenida e interesante, que ofrece una nueva perspectiva sobre la historia del arte.
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Jaio eta mende bat geroago, Eduardo Chillidak oso presente jarraitzen du gure artean. Haren obrek ez dute gaurkotasun eta interesik galdu, eta haren idazkiek arteaz, filosofiaz, infinituaz, denboraz edo espazioaz aritzen diren gogoeten bidez inarrosten gaituzte oraindik. Chillidak bere buruaz zioen «galderetan aditua» zela, baina erantzunak ez zituen bere obran bakarrik ematen. Bere pentsamenduak gordetzen dituzten eta liburu honetan bildu diren hainbat testutan ere egin zuen.Chillidaren mendeurrena ospatu nahi duen haren idazkien edizio berezi honek Bernardo Atxagaren alegia eder bat ere biltzen du, eskultoreari eskainia, hala nola kronologia oso bat, haren bizitzako eta obretako irudi ugariz hornitua. XX. mendeko artista handienetako bat izan zena omentzeko eta haren pentsamenduaren eta obraren erabateko modernitatea gogoratzeko liburu bat.
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Un martes de mayo de 1891, en el número 89 de la pari- sina rue de Rome, tuvo lugar uno de los encuentros que a la postre constituirían el que probablemente fuera el cená- culo más singular y fructífero de la modernidad. Tres personajes, el pintor Odilon Redon, el compositor Claude Debussy y el poeta Stéphane Mallarmé, anfitrión de la velada, tres figuras cardinales del panorama artístico finisecular, enfrentaron sus reflexiones en torno a los lí- mites de la representación de la realidad -ahondando en conceptos cruciales como «sugerencia » y «evocación»- y dieron paso a la formulación de campos de exploración y contagio entre disciplinas tradicionalmente separadas. ¿Es posible una pintura musical? ¿Una música hecha con palabras? ¿Superar, en última instancia, la especificidad de cada disciplina? Fue en las sucesivas reuniones del ce- náculo donde muchas de estas cuestiones, que hoy en día son claves para comprender el desarrollo de las prácticas artísticas contemporáneas, se formularon por primera vez. Entreverando historia cultural e historia del pensa- miento, Sonsoles Hernández Barbosa nos adentra en una época fascinante y plantea un análisis de las teorías esté- ticas discutidas durante dichas reuniones, auténtico la- boratorio que finalizaría en la Europa de las vanguardias.
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Nací el 5 de febrero de 1985 en un pequeño pueblo de Sajonia-Anhalt, Alemania. Fui a la escuela primaria desde 1991 hasta 1995 y a la secundaria desde 1995 hasta 2001. Tras una formación, aprobé el examen de certificación del Estado de asistente de diseño con especialización en diseño gráfico en 2003 y en 2004 hice una grado de extensión para la calificación de ingreso a la universidad con un enfoque en diseño. Más tarde fui a la Escuela técnica de tecnología y diseño en Sonneberg y me gradué como diseñador, también certificado por el estado, con especialización en juguetes en 2009. De 2009 a 2013, trabajé como diseñador de juguetes en «Kösener Spielzeug Manufaktur GmbH» en Bad Kösen. Y desde 2016 trabajo como ilustrador freelance.
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Alenar dins el fang
Subjectar la pell ceràmica és com sostenir el cor d'un home. Una rastellera encinglada de mots que venen del llibre i s'esbandeixen pels murs de la capella i s'hi aferren, s'hi agafen fort, com si fos posar arrels que s'amaguen dins els teixits de la casa i ja són la casa de tothom. I són la paraula donada, i són una argila nova. És la veu que ha alenat dins el fang...
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'El sí de las niñas'' es la obra teatral más importante de Leandro Fernández de Moratín, así como una de las piezas más destacadas del teatro neoclásico español. Estrenada con gran éxito de público en 1805, presenta de manera sensible y moderna las profundas injusticias subyacentes a la imposición a las hijos del matrimonio por parte de sus padres, costumbre muy extendida en su época y que tendía a beneficiar, frente a los matrimonios por amor, los enlaces por interés.
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Vinculado, como otros grandes historiadores del arte europeo, al fecun do Instituto de Londres Rudolf Wittkower (1901-1971) se distinguió por sus ejemplares estudios sobre la arquitectura y la escultura del Rena cimiento y el Barroco: Architectural Principles in the Age of Humanism (1949), Gian Lorenzo Bernini (1955), Art and Architecture in Italy 16 00 to 1750 (1958). La escultura, edición póstuma de una serie de confe rencias pronunciadas en la Universidad de Cambridge en 1970-1971, no e s una historia de la escultura occidental ni un manual de técnicas, si no una indagación en un campo menos explorado: la interacción de proce dimientos de trabajo y principios formales, interacción que en el caso de la plástica determina, de manera más esencial y tangible que en ot ras artes, el carácter final de la obra y la formación de los estilos individuales y colectivos. Mediante el análisis atento de obras y test imonios directos, Wittkower ofrece una comprensión más profunda de la escultura de cualqui
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Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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«La situación parecía convertirse en algo profundamente irreal por momentos. El retrato ya no significaba nada como tal. Como cuadro tampoco decía mucho. Lo que sí tenía sentido y existía con vida propia era la lucha infatigable e interminable que Alberto había emprendido para expresar en términos visuales, y a través del acto de pintar, una percepción de la realidad que, por casualidad, había coincidido con mi cabeza. Evidentemente, era imposible conseguir esto, pues lo que es abstracto por naturaleza nunca podrá concretarse sin alterar su esencia. Pero él se había comprometido y, de hecho, estaba condenado a lograr algo que, en ciertos momentos, parecía el castigo de Sísifo. Yo me encontraba temporalmente involucrado en ese intento. Pero a veces olvidaba la naturaleza temporal de mi compromiso. Entonces, el cuadro se convertía en algo irreal, aunque en cierto sentido era más que real, pues el origen de esta situación estaba en la naturaleza misma de la realidad. De hecho, nuestra presencia y relación parecían proceder y participar del absurdo, siendo ridículas y sublimes a un mismo tiempo.» «Este es el libro que me hubiese gustado escribir a mí» Valeriano Bozal
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Nueva edición del catálogo de exposición que acompañó Pinta la Revolución. Arte moderno mexicano, 1910-1950, una muestra organizada en conjunto por el Philadelphia Museum of Art y el Museo del Palacio de Bellas Artes, y presentada en ambas sedes entre octubre de 2016 y mayo de 2017. Esta nueva edición está dividida en tres volúmenes donde se abordan los temas más representativos del arte moderno mexicano. Se conservan las ilustraciones del catálogo original, agrupadas en secciones cuyos títulos reflejan los núcleos temáticos de la exposición. El tomo II se concentra en las alternativas de la vanguardia en el México posrevolucionario, la fotografía como medio y el impacto del arte moderno mexicano en los Estados Unidos.
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«En el río revuelto de sus muchos papeles, un buen día me topé en nuestra casa de El Boalo con este cuaderno de collages, que me hizo ver Nueva York de un modo totalmente suyo, personal e intransferible. Me encantó el hallazgo, pero no me sorprendió. Desde niña, ilustraba sus cuadernos escolares y siempre en sus manuscritos se han mezclado las letras, los dibujos y el rompecabezas de sus collages. El mundo de la fantasía que tanto formó parte de su vida cotidiana y literaria se unía en original amalgama en todo lo que creaba. Este es un ejemplo claro de ese cóctel creativo».De la nota preliminar de ANA MARÍA MARTÍN GAITE Visión de Nueva York, publicado por Siruela por primera vez en 2005, fue elaborado, pues, como una colección de collages durante la estancia de Carmen Martín Gaite en la Gran Manzana entre septiembre de 1980 y comienzos de 1981. Es un recorrido de la autora (por medio de imágenes y pequeños comentarios) por su día a día neoyorquino, y a través de sus contactos con la sociedad estadounidense de la época. Una obra original, y una original narración, con una visión íntima y sensible de una escritora cuya faceta de contar a través de collages es poco conocida.
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Da capo
Da capo, anotación en una partitura que indica al músico que debe reanudar la pieza desde el principio, es el título de esta monografía, que recopila una selección de textos escritos por Francesc Torres desde los años setenta hasta nuestros días. De este artista son especialmente conocidas las instalaciones multimedia que representan la velocidad, la competición y el machismo como fuentes de violencia. La guerra como expresión sofisticada de esta violencia y la fragilidad de la memoria histórica están igualmente presentes en su trabajo.
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¿Quiere descubrir el significado de la pintura prehistórica? ¿Descifrar los jeroglíficos egipcios y admirar los frescos conservados por las cenizas del Vesubio en la Villa de los Misterios de la antigua Pompeya? ¿Iniciar un viaje por las obras más intrigantes del Renacimiento, el Barroco y los siglos XIX y XX? ¿Desvelar los secretos de La Gioconda, La Virgen de las Rocas, El caballero de la mano en el pecho, la Capilla Sixtina y las pinturas de Rafael o Tiziano, entre otras célebres obras? Estas páginas lo llevarán también a la fascinante pintura del Siglo de Oro, desde clásicos como La Venus del espejo o Las meninas hasta el mundo macabro de Valdés Leal. Descubriremos los misterios del Renacimiento en el pincel de los grandes maestros del norte de Europa: Los esposos Arnolfini de Jan van Eyck, La dama de la perla de Vermeer, Los embajadores de Holbein el Joven, Los proverbios flamencos de Brueghel y sus refranes ocultos. Nos sorprenderán la fantasía presurrealista de la última etapa de Goya, las creaciones de los llamados artistas malditos, como el rebelde Caravaggio, o las obras magistrales de Van Gogh, Francis Bacon, Frida Kahlo, Modigliani y Jackson Pollock. Enigmas aún sin resolver se ocultan en cuadros oníricos como La pesadilla del suizo Füssli, Et in Arcadia ego del clasicista francés Poussin o El almuerzo sobre la hierba del impresionista Manet. También exploraremos posibles viajes en el tiempo y a los llamados pintores sensoriales. A lo largo de la historia, el arte ha transmitido, a menudo de manera velada, mensajes secretos. Los artistas, ante todo intelectuales –incluso los autodidactas–, utilizaron el pincel no solo para plasmar la perfección de un cuadro o una escultura, sino también para comunicar sentimientos, emociones, reflexiones filosóficas, proporciones matemáticas y reivindicaciones ideológicas. Estas se ponían al servicio del poder político, religioso o de la clientela, pero siempre con el sello personal de su época. Una obra necesaria como método y guía para desentrañar los enigmas que ocultan los grandes maestros del arte. Una obra necesaria como método y guía para desentrañar los enigmas que ocultan los grandes maestros del arte.
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A lo largo de la historia del arte, los períodos de transición se hancaracterizado siempre por un notable incremento en la producción teóricade los artistas, cuyos argumentos se convertían así en una de lasfuentes más seguras para explicar el porqué de esas crisis, sus orígenesy su proceso de desarrollo. La ruptura con los sistemas derepresentación tradicionales que en torno a 1900 emprende la vanguardiaartística constituye, por la brusquedad y radicalidad con que se llevó acabo, un magnífico ejemplo: manifiestos, cartas, declaraciones,panfletos, tratados y testimonios de todo tipo pretender dar cuenta delas razones que animaban a sus ejecutores, y esgrimen los argumentos conque las distintas facciones de la vanguardía histórica se opusieronentre sí o establecieron alianzas frente a enemigos comunes. Explicar ycombatir son los dos objetivos principales que la vanguardia persigue ensus escritos. escritos que día a día nos van descubriendo aspectos malconocidos o prácticamente ignorados de la historia del arte moderno,pues esos mismos escritos son también día a día rescatados del olvido enque estaban. No hace apenas diez o quince años, el número de manifiestosy textos programáticos de la primera vanguardia, recogido y difundidopor las antologías al uso, era todavía muy restringido. hoy, por elcontrario, las reediciones de libros y revistas que habían llegado a serauténticas rarezas bibliográficas, así como la historiografía artísticamás reciente, han puesto ya a nuestro alcance un volumen casidesmesurado de documentos, donde resulta fácil perderse.
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Libera todo tu potencial artístico con 'Del pincel al píxel', la guía práctica definitiva para los artistas que hacen la transición de la pintura tradicional a la digital. Descubre el poder de las herramientas y técnicas de pintura digital, aprende a aplicar las habilidades tradicionales al medio digital y desa-rrolla tu propio estilo. Con explicaciones claras, ejercicios prácticos y consejos de artistas experi-mentados, este libro te enseñará a crear impresio-nantes obras de arte digitales, incluso si eres princi-piante en el mundo de la pintura digital. lníciate en el mundo de la pintura y da rienda suelta a tu creatividad con 'Del pincel al píxel: una guía práctica para iniciarte y dominar la pintura digital'.
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Toiles de cauchemar, dont jamais on n’avait vu les équivalentes dans la peinture. Si réels, et si sauvages, avec une sorte d’accent à demi caricatural qui double l’horreur de la scène, les Désastres de la guerre sont des impressions, des visions brèves et globales de l’effroi, où le détail ne joue que pour en multiplier l’effet, une apparition fulgurante qui semble jaillir de la nuit pour y rentrer aussitôt. Si le mot de “ visionnaire ” n’avait existé, il eût fallu le créer pour désigner l’art de Goya. Et si le “ réalisme ” était autre chose qu’un mot, c’est peut‐être Goya qui nous eût contraints de l’insérer dans notre vocabulaire. Il est le plus grand visionnaire du réel qui ait sans doute existé.
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La crítica del arte parece inseparable de los dictados del capitalismo y de la industria cultural. Todos los pretendidos o genuinos críticos de arte, que deberían buscar el debate y el fomento de la reflexión, se ven atados de pies y manos –a veces de manera más que voluntaria– a las exigencias del mercado si quieren mantener, e incluso promocionar, su estatus social y laboral. A la larga, no solo se desprestigia el arte y la propia crítica, sino que resulta imposible el fomento de la producción cultural y la formación o el disfrute del público. En esta coyuntura se presenta el dilema: ¿debería el crítico plegarse a las dinámicas económicas o convertirse en un kamikaze cultural condenado poco a poco al ostracismo?El presente libro hace accesible un ámbito endogámico y cerrado, acabando con mitos y auras mágicas con el objetivo de exponer el funcionamiento de la creación artística actual, así como las dinámicas del mercado. También muestra cómo se generan y destruyen tendencias o famas, y cuál debería ser la labor del crítico.
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El descrèdit de la realitat
El descrèdit de la realitat està format per mirades breus als diferents moments de la història de l'art amb el desig d'entendre les relacions entre les tendències de la pintura occidental i la realitat. Tanmateix, Fuster en va més enllà, ja que, entre les reflexions més purament artístiques, desgrana pensaments filosòfics, observacions sobre els hàbits socials i les doctrines religioses.
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«Lincoln Perry ha escrito unas memorias de artista irresistiblemente cercanas y amenas, donde abundan frases para el recuerdo. Nada puede reemplazar al arte visto in situ, como Perry nos dice, pero pasear de la mano de este observador ideal ''un artista en ejercicio dotado de una mirada aguda y empática'' es una experiencia verdaderamente emocionante». JOYCE CAROL OATES Una visita al museo puede resultar abrumadora, extenuante y poco gratificante. Sin embargo, mirar las obras de arte de la mano de un artista se convierte en una experiencia enriquecedora y memorable. Desde la amplitud de su experiencia visual, que abarca la antigua Grecia, el Renacimiento, el arte africano y el asiático, o el modernismo, Lincoln Perry nos acerca a nuevas maneras de ver y de apreciar el arte. A lo largo de quince ensayos, consigue que las obras más diversas nos resulten cercanas y accesibles, y enriquece el relato con historias personales de su formación como pintor y escultor, o de aquellos días en los que todavía se podía pasar la noche en el aparcamiento del Museo del Louvre dentro de una furgoneta destartalada. A partir de varios ejemplos de arte europeo, el autor le da la vuelta a algunos conceptos establecidos y nos anima a evitar los prejuicios en nuestros gustos artísticos. Aborda también la manera en que leen las obras de arte creadores tan diferentes como Rodin, Picasso, Brueghel, Bernini, Courbet, Rubens, Pollock o Rothko. Y habla sobre la percepción del espectador: cómo influyen en ella la escala y el formato, y cómo se pueden entender esculturas y murales de una forma más personal. La mirada del artista es, en definitiva, un libro esclarecedor y lleno de revelaciones tanto para expertos como para aficionados. «Pasear de la mano de este observador ideal ''un artista en ejercicio dotado de una mirada aguda y empática'' es una experiencia verdaderamente emocionante».JOYCE CAROL OATES «El viaje que propone Lincoln Perry es un muestrario de lo que él ve y cómo lo ve, y es maravilloso. Cada página supone una revelación».JAMES GLEICK, autor de Caos: La creación de una ciencia«La mirada del artista revela hasta el mínimo detalle las interacciones de la luz, el color y los planos espaciales que se ocultan bajo la suntuosidad de las pinturas más importantes. Las lecciones de Perry son enormemente esclarecedoras».Kirkus Reviews
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Peer Gynt
Un jove aventurer temerari i irresponsable, amb anhels de fer alguna cosa important a la vida, manté, al llarg dels anys, una relació de permanent conflicte amb el seu entorn. Lluitarà per trobar-se a si mateix entre dos mons: l'humà i el sobrenatural. El poema dramàtic Peer Gynt s'inspira en la tradició escandinava i combina elements del realisme modern amb la presència d'éssers meravellosos i fantàstics. Més d'un segle i mig després de la seva concepció, ha esdevingut un mite al voltant de la identitat i el sentit de la vida.
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El monstruo del monóculo es un homenaje al cine negro y sus protagonistas (Fritz Lang, Ida Lupino, Gene Tierney, Lana Turner, Humphrey Bogart, Otto Preminger, Dashiell Hammett, Vera Caspary...), y también a las mujeres que, en esos años, experimentaron un enorme cambio social que resultaría ser, en realidad, un gran engaño. El monstruo del monóculo, inspirado en una serie de objetos que el destino puso en manos de su autora, viaja entre el ensayo, la ficción y el guion cinematográfico.
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Este libro se escribió con el propósito de dar al artista una información completa y actualizada de los materiales y métodos de su oficio.Desde la fabricación y técnicas de aplicación de todo tipo de pigmentos, pasando por los secretos de los antiguos maestros, hasta los apéndices de fórmulas, pesos y medidas, esta obra abarca el inmenso conocimiento acumulado desde la Antigüedad hasta nuestros días sobre las técnicas artísticas y sus materiales.
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En 1870, el enfado de Cézanne (1839-1906) ante los sucesivos rechazos del Salon parisino a su trabajo acabó en advertencia: «Reirá mejor quien ría el último». Tomó dos guías seguros, Hércules y Moisés. Y buscó sin desaliento dotar a su arte de una base ética y conseguir «la lógica de las sensaciones organizadas». Arte, ciencia, literatura y filosofía recorren cada momento de su paciente trabajo. Para descifrar su objetivo: «la verdad en pintura». Y para ello diseñó un triple programa: escrúpulos ante las ideas, sinceridad ante uno mismo, sumisión ante el objeto. De modo que en la mente de Cézanne se registró una biblioteca imaginaria en tres volúmenes. El primero contenía la creencia de que tenía un proyecto, un camino, y que bastaba con seguirlo sin desfallecer. El segundo era un ensayo sobre el mundo moderno en el que se declaraba que éste era un lugar desgarrador pero que, sin trascenderlo, todo trabajo era inútil. El tercero revelaba que la realidad de su nacimiento y su formación lo colocaba en ventaja sobre los artistas y escritores parisinos de su tiempo, para imponerles un ritmo que superaba todo entendimiento. Charles Bigot escribió: «Cézanne puede desafiar a sus compañeros, ninguno lo igualará. Él golpeó primero los límites de la intransigencia». Liliane Brion-Guerry se sorprendió ante los descubrimientos del pintor de Aix: «Un logro tan raro y que parece evidente no se adquiere más que al precio de mucha ciencia, renuncia y humildad». Y concluye: «Cézanne ha desmontado literalmente el espacio. Lo sustituyó por un campo de tensiones, estallidos, rupturas, reencuentros, modulaciones». El aforismo del pintor nos pone en guardia: «El arte es una religión. Su finalidad es la elevación del pensamiento». Humildad, admitió Cézanne al decir: «El cerebro del artista es como una placa sensible con una receptividad. Un largo trabajo, la meditación, el estudio, la han preparado. Una meditación constante sobre los procedimientos de los maestros más el medio en el que nos movemos ... el sol ... el azar de los rayos ... ¿quién pintará jamás eso? ... Somos simplemente un poco de calor solar almacenado ... un poco de fósforo que arde en las meninges del mundo». Un modo de actuar y sentir que tiene elocuentes resultados. Y consecuencias. Las conocemos.
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La pintura, del mismo modo que la literatura y el cine, fue otra de las artes que no escapó del implacable genio -creativo y crítico- de Pier Paolo Pasolini. Su inquietud pictórica, acaso una de sus facetas más desconocidas, afloró de forma intermitente a lo largo de su vida, pero siempre permaneció latente e influyó de forma determinante en su multifacética trayectoria. En los textos recogidos en el presente volumen, con su habitual mirada incisiva, lúcida y apasionada, el intelectual italiano se manifiesta sobre la pintura y los artistas de su tiempo -desde Andy Warhol hasta Renato Guttuso-, también sobre clásicos como Caravaggio... e incluso sobre sí mismo.
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Colección de ensayos en torno a conocidas obras del arte occidental, quetienen en común la seducción de su misterio. Ante la ventana abierta delos lienzos, Siri Hustvedt propone al lector no sólo un paseo por lahistoria de la pintura, sino también por la vida. Unos textosesclarecedores y plenos de sensibilidad.
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Taller de dibujo abarca desde los materiales y las técnicas básicas hasta inspiradores proyectos paso a paso que le ayudarán a entrenar su visión artística y a desarrollar sus habilidades plásticas.
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Adéntrese en el encantador mundo de “Madera. Interiores Acogedores para Espacios Atemporales'', una cautivadora colección de 30 estudios de arquitectura e interiorismo que abrazan el encanto atemporal de la madera. Al hojear estas páginas, se embarcará en un viaje en el que cada proyecto desprende un ambiente cálido, acogedor y absolutamente agradable. Desde el encanto rústico de las cabañas de madera enclavadas entre imponentes pinos hasta la elegancia moderna de los refugios de madera con mobiliario de felpa, ''Madera'' le transportará a espacios donde el suave abrazo de este precioso material evoca una sensación de confort y tranquilidad. Descubra cómo arquitectos y diseñadores han aprovechado la calidez innata de la madera para crear entornos que invitan a desconectar, relajarse y saborear el relajante abrazo de la belleza natural.
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Una guía amena para entender cómo funciona el mercado del arteEn 2019, una tabla que una anciana tenía olvidada en su cocina de París se vendió en subasta por 24 millones de euros. La mujer pasó años sin saber que aquel trozo de madera a priori irrelevante, hoy expuesto en el Museo del Louvre, era en realidad el Cristo burlado, del pintor italiano Cimabue. Por supuesto, no es normal encontrarse con semejante tesoro en una cocina, pero es un ejemplo fascinante de la importancia de conocer, valorar y dedicar tiempo al arte. Rodeado de un halo de lujo y exclusividad, el mundo del coleccionismo se antoja inalcanzable para la mayoría de los aficionados. Sin embargo, es más accesible de lo que parece y una actividad gratificante siempre que concurran dos características fundamentales: la pasión artística y el conocimiento del mercado. María Sancho-Arroyo lleva treinta años trabajando con artistas, coleccionistas e inversores y durante dos décadas trabajó en la famosa casa de subastas Sotheby's. Desde la trastienda de ese universo de sofisticación abre la puerta a los lectores con esta guía que da acceso al rico ecosistema de ferias, galerías y colecciones. ¿Inversión o pasión? desgrana de manera entretenida los canales de venta, los secretos de la tasación, las interacciones entre los museos y el mercado, y las posibilidades del arte como bien de inversión para todos los bolsillos. Un libro, en definitiva, que busca proporcionar «las herramientas esenciales para maniobrar hábilmente en el mercado del arte y asegurar que cada adquisición sea no sólo gratificante, sino que también añada valor y satisfacción a tu experiencia como coleccionista».
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Una nueva colección de artículos sobre artistas modernos y contemporáneos, por uno de los grandes críticos del ámbito nacional En esta selección de ensayos publicados mayormente en La Vanguardia, Francisco Yvars reflexiona sobre los mayores artistas y críticos de mayor relevancia para el arte moderno y contemporáneo. Los textos, redactados durante la pandemia, están escritos en lo que él mismo describe como un tiempo suspendido, aunque se remontan a exposiciones y movimientos artísticos precisos. En todos ellos, la aventura de la escritura se suma a la memoria del crítico para proponernos un viaje por la historia del arte. Implícitamente, Yvars dialoga con Giorgio Agamben, Thomas Mann, Elias Canetti o Jean Cocteau, mientras repasa obras como las de Lucio Fontana, Lucian Freud, Alberto Giacometti, Artemisa Gentileschi y muchos otros, creando una fascinante visión panorámica de sus obras de referencia.
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