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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Existen no uno, sino dos Carlo Gesualdo. El primero,y sin duda el más conocido, es el Gesualdo de la leyenda negra: el músico que asesinó a su primera mujer ya su amante, el autor de unos madrigales tan atestados de disonancias que generaciones de comentaristas creyeron ver en ellos el reflejo dramático de aquel crimen. El cromatismo gesualdiano, tan enigmático e inexplicable para los oídos de la posteridad, se erigíaasí en paradigma sonoro de una personalidad visionaria y maldita, que siglos atrás había cultivado con profética antelación la emancipación de la disonancia. Sobre el tronco de esta imagen consolidada, a mediadosdel siglo xx empezó a delinearse de manera progresiva el perfil de un segundo Gesualdo, más en sintonía con la verdad histórica y el marco de su época. La investigación musicológica sentó las bases para separarla leyenda de los hechos comprobados con el objetivode comprender la motivación real de sus conductas. La monografía de Denis Morrier constituye en este sentido un ejemplar acercamiento a la figura de Gesualdo.Con una admirable mezcla de claridad expositiva, capacidad de síntesis y rigor musicológico, Morrier analiza al hombre y al artista para esclarecer la verdadera personalidad de uno de los más singulares compositores de la Historia de la música. Los casi veinte años transcurridos desde la publicación del libro no hanmodificado sustancialmente el retrato que se ofreceen estas páginas.
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En 1565 Richard Breton edita en París Les Songes drolatiques de Pantagruel, una colección de 120 estampas grabadas en madera por un autor anónimo, que las firmó utilizando el nombre de Rabelais. El artista desconocido que grabó las estampas pudo ser François Desprez. Una selección de 25 estampas de Desprez fueron la inspiración directa de la serie de 25 litografías de Salvador Dalí tituladas también Les Songes drolatiques de Pantagruel. Dalí mantuvo las composiciones originales, introduciendo pequeños detalles que subrayaban su carácter fantástico. El imaginario carnavalesco pasa por el filtro de la «paranoia-crítica» daliniana, en una expansión de la estética de lo grotesco. Ese ciclo satírico-surrealizante sirve como pretexto visual para revisar a ese artista extravagante que llegó a decir que «la belleza será comestible o no será». Dalí canibaliza el mundo pantagruélico y nos invita a degustar un menú que es más inquietante que sabroso.
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El hilo conductor del libre es Cuba y los viajes que Serrat ha hecho ala isla. El autor analiza la obra y la vida de Serrat y su aceptación enCuba, su compromiso con la Isla y, por extensión, con Sudamérica y suintensa relación con autores, músicos y escritories cubanossudamericanos.
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Barcelona confinada dentro de sus límites administrativos puede quedar ahogada por la carencia de territorio y recursos para seguir creciendo. Agotado el territorio en el que expandirse, las ciudades modernas miran hacia su espacio interior, como único ámbito posible donde orientar su necesaria modernización. Barcelona está obligada a hacerlo si no quiere quedar atrás. ¿Deberíamos declarar la ciudad de Barcelona como ciudad terminada? ¿Qué nuevas realidades urbanas comportaría? ¿Cuáles serían las consecuencias urbanísticas y qué resoluciones podrían derivarse? El autor analiza los casos de otras ciudades terminadas y su conversión a territorio metapolitano, como Singapur, París o Washington, ciudades-territorio que ya han traspasado el concepto de Metrópoli.
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Al fusionar el expresionismo europeo con la cultura popular estadounidense, André Butzer comenzó a dar forma a su obra, que transita por los extremos artísticos y políticos del siglo XX. Con influencias de lo más variado, desde Friedrich Hölderlin y Edvard Munch hasta Walt Disney y Henry Ford, desarrolló un universo ficticio centrado en la colonia espacial NASAHEIM. Allí habita la Peace-Siemens, una simpática forma de cabeza que combina ideas utópicas con el pensamiento económico del incipiente consumismo de masas, mientras figuras como el Wanderer ofrecen proyecciones románticas y el Shame-Human, reflexiones sobre el pasado político. Este universo da profundidad temática a los lienzos, donde los personajes actúan como protagonistas de la pintura y envuelven la N-House, hogar de todos los colores, en un estilo que el artista ha denominado ''expresionismo de ciencia ficción''.Transcurridos algunos años del nuevo milenio, los colores cobraron vida propia y se convirtieron en pinturas abstractas de líneas que recorrían los lienzos con libertad. A partir de 2010, Butzer exploró los límites de la pintura, las dimensiones y potencialidades fundamentales de la expresión pictórica, en las superficies aparentemente negras de sus N-Paintings. En 2018, se mudó a California, donde empezó a pintar al aire libre durante todo el año. Las obras de esta etapa rebosan frescura y colorido, y constituyen una gran familia de líneas y figuraciones modeladas por su experiencia en el límite de la abstracción.Este es el primer libro que abarca toda la obra de Butzer desde 1999 hasta 2023, que se caracteriza por un impulso casi musical compuesto de desarrollo, regreso y nuevos comienzos. Las láminas se intercalan con citas contemporáneas del artista que arrojan luz sobre su actitud idiosincrásica como trasfondo de la obra, así como fotografías procedentes de sus archivos. El ensayo introductorio de Hans Werner Holzwarth analiza las diferentes fases de la obra y ubica las ideas del artista en un discurso más amplio sobre la abstracción y la figuración tras el fin de ambos géneros. Y, lo que es más importante, las impecables ilustraciones de gran formato revelan con total fidelidad la delicadeza como colorista de un artista que se cuenta entre los pintores de su generación con un mayor reconocimiento internacional.
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Este catálogo de la exposición de Paula Rego en el Museo Picasso Málaga narra la historia de una artista de extraordinario poder imaginativo. Paula Rego ha revolucionado la forma de representar a las mujeres y ha desempeñado un papel fundamental en la redefinición del arte figurativo en Portugal y a nivel internacional. Es destacable el carácter personal de gran parte de su obra, el contexto sociopolítico en el que está arraigada y las referencias e inspiración para la creación de sus trabajos, que van desde los cómics hasta la pintura histórica. Este libro cuenta con un gran repertorio de imágenes de la obra de Paula Rego, entre las que se incluyen collages, pinturas, pasteles a gran escala, dibujos a tinta y lápiz, grabados y esculturas. Una ocasión única para conocer a fondo la trayectoria de esta enorme artista portuguesa.
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«¿Qué Elvis?» fue lo que preguntó el fotógrafo Al Wertheimer cuando a comienzos de 1956 un publicista de RCA Victor le pidió que tomase algunas instantáneas de la nueva sensación llegada desde Memphis. Wertheimer no podía sospechar que aquel sería el encargo de su vida: con apenas 21 años, Elvis Presley, como sabemos ahora, estaba a punto de convertirse en leyenda.Pegado a él como su sombra, aquel año Wertheimer tomó cerca de 3.000 fotografías y creó así el incisivo retrato de un hombre al borde del estrellato más rutilante. De una intimidad y extensión incomparables, el proyecto de Wertheimer inmortalizó a un joven que se disponía a hacer historia.Elvis and the Birth of Rock and Roll reúne las imágenes más destacables de la estrella de entre las tomadas en aquel año mágico de 1956, así como una selección de su histórica colección de fotos de 1958, cuando fue trasladado a una base militar en Alemania. Cada capítulo está ilustrado con un cartel original creado para este libro por Hatch Show Print, una de las imprentas tipográficas más antiguas de Estados Unidos donde se crearon muchos de aquellos tempranos carteles de Elvis de la década de 1950.
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La arquitectura brutalista inspira una respuesta apasionada, ya sea adulación o desprecio. Sin embargo, no hay duda de que el estilo produce algunos de los edificios más impresionantes del mundo. Este volumen histórico documenta el movimiento como nunca antes, al perfilar a los arquitectos detrás del estilo. Con más de 250 arquitectos históricos y contemporáneos (organizados alfabéticamente) junto con ejemplos especialmente seleccionados de su trabajo, este libro incluye iconos internacionales junto con aquellos que son menos conocidos o que han sido desatendidos durante demasiado tiempo, brindando un registro único de este movimiento de arquitectura. El libro incluye 350 impresionantes imágenes de más de 200 edificios brutalistas icónicos, junto con obras maestras nuevas y sorprendentes desde 1936 hasta la actualidad, creando el compañero definitivo de los maestros brutalistas.Los arquitectos incluyen: John Andrews, Joao Batista Vilanova Artigas, Lina Bo Bardi, Bogdan Bogdanovic, Marcel Breuer, cardenal douglas, André-Jacques Dunoyer de Segonzac, Bertrand Goldberg, Erno Goldfinger, Jadwiga Grabowska-Hawrylak, Agustín Hernández Navarro, John M. Johansen, Luis I. Kahn, Denys Lasdún, Le Corbusier, Joao da Gama Filgueiras Lima, Alberto Linner Díaz, Owen Luder, Paulo Mendes da Rocha, Oscar Niemeyer, Guillermo L. Pereira, Alfonso Eduardo Reidy, Pablo Rodolfo, Moshé Safdie, Alison Smithson, Clorindo Testa, Decio Tozzi, y John Carl Warnecke
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Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estético que desemboca en la práctica de la abstracción no figurativa. Lejos de ser un texto pragmático — no pretende apelar a la razón y al cerebro
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El relato visual de Liza Ambrossio (Ciudad de México, 1993) arranca en la adolescencia con la huida de su casa familiar y el infantil, perverso y a su vez instintivo deseo de supervivencia al invocar la muerte de sus progenitores antes que permitir el feminicidio o la desaparición de ella misma en un país, una educación y una cultura profundamente conservadora, religiosa, elitista, desestructurada y machista. Su violento exilio dispara una investigación sobre la supervivencia, la locura propia y ajena, la libertad, la responsabilidad y la muerte, invitándonos a un viaje -mental y real-, a través de sus obras. El camino recorrido por la artista genera historias entrelazadas que rompen la cotidianidad banal y frívola para poner el foco en cuestiones inconfesables, en acciones surrealistas, en extremos actos de deseo, de justicia simbólica o en fetichismos macabros. Toda imagen para Ambrossio se convierte así en señuelo y delirio. La presente publicación recoge cerca de 80 textos escritos como resultado de la libre asociación de ideas a partir de las imágenes de Liza Ambrossio, elaborados por los tres comisarios que más estrechamente han trabajado con ella en las diferentes etapas de su carrera: Javier Martín-Jiménez (España), Cuauhtémoc Medina (México) y Arianna Rinaldo (Italia).
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A través del estudio iconográfico y mitológico de sus obras de arte en la arquitectura, la escultura y la pintura ha sido posible conectar el arte románico con la cultura y la mentalidad de su tiempo, demostrando cómo cada obra de arte refleja el momento sociocultural, a partir de las imágenes del mito dominante, que corresponde a un entorno común, delimitado por una época, un estilo y una estética artística.
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ANUARIO ARTIZAR 2022Libro anuario de la Galería Artizar que reúne todas las exposiciones y proyectos de la galería durante 2022, incluyendo su participación en ferias internacionales. Perteneciente a la colección de anuarios de la galería iniciada en el 2017.
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Destinado al profesorado de Educación Musical, ofrece diez propuestas didácticas, proyectos o talleres que ponen en valor, dentro de las aulas de Educación Primaria, las creaciones de mujeres compositoras de la Historia de la Música Occidental. Cada una de ellas se presenta como una gran aventura de descubrimiento, construida sobre los principios de igualdad, coeducación, participación, flexibilización, globalización y creatividad. Asimismo, pueden ser fácilmente incorporadas en las programaciones del Área de Música de un modo flexible y abierto. Su desarrollo dinámico, participativo e innovador, engloba la totalidad de los bloques de contenidos del Área de Música: lenguaje musical, audiciones, práctica instrumental y vocal, movimiento... y favorece el interés por conocerlas más allá del ámbito escolar. Las compositoras propuestas para trabajar en el aula son: Hildegarda von Bingen, Beatriz de Día, Barbara Strozzi, Marianne von Martinez, Fanny Mendelssohn, Pauline Viardot-García, Ethel Smyth, Elfrida Andrée, Lili Boulanger y Rosita García Ascot.
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El filósofo Eugenio Trías nunca ocultó su pasión por el cine, que se tradujo en varios libros, bien con reflexiones generales sobre el cine de todos los tiempos, o bien con análisis monográficos de películas por las que sentía pasión, como Vértigo, de uno de sus cineastas favoritos, Alfred Hitchcock. Sea por esta o por otra razón, lo cierto es que hay en sus ideas y en su filosofía una tendencia natural a conectar con las imágenes del cine, con las mil y una formas del abismo, en los que acertaba a encontrar «los límites del mundo». El libro Visiones del abismo. Pensar el cine desde Eugenio Trías nos propone el ejercicio audiovisual e intelectual de reflejar, advertir, ensayar y recorrer las ideas más cruciales de la filosofía de Eugenio Trías en las imágenes de cineastas como Ingmar Bergman, Andrei Tarkovski, Ridley Scott, David Lynch, Federico Fellini, Chris Marker, Wong Kar-Wai, Fritz Lang, Pawel Pawlikowski o, por supuesto, en films tan queridos por el propio Eugenio Trías, como Vértigo o Psicosis. Armados con los pertrechos filosóficos del universo de Eugenio Trías, tales como la dialéctica de lo bello y lo siniestro, los tres cercos del mundo, la condición fronteriza del ser, las artes fronterizas, la fenomenología del límite, el misterio del símbolo y su sentido en fuga hacia el cerco hermético, su concepción sobre la música, ¡y mucho más!, un elenco de autores, pensadores y analistas recorren imágenes en las que sentir el latido íntimo del pensamiento de Trías, y así ponerlo en funcionamiento en uno de sus artes favoritos: el cine.
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Las tres colecciones de artículos sobre cine de Guillermo Cabrera Infante en un estuche que se disfruta como una función. Director de la cinemateca de Cuba y crítico de cine en su juventud, guionista de Hollywood en su madurez, Guillermo Cabrera Infante fue un apasionado cinéfilo toda su vida.El presente estuche reúne sus tres colecciones de ensayos sobre el tema: Un oficio del siglo xx, Arcadia todas las noches y Cine o sardina. En ellas brillan su espíritu lúdico y la fina ironía, que nos ayudan a comprender el sentido, el contexto y la factura del séptimo arte. De texto en texto y de mirada en mirada, Cabrera Infante repasa la obra de Orson Welles, Alfred Hitchcock, Howard Hawks, John Huston o Vincente Minnelli, así como una plétora de películas clásicas y modernas. Si el cine es el protagonista indiscutible, el crítico-escritor no deja de darle la réplica. Del diálogo entre la pantalla y la palabra surgen textos que no solo aportan una valiosa información, sino que se disfrutan como verdaderas funciones.Sobre el autor y la obra:«Para los que estudiábamos cine, Un oficio del siglo XX era un libro de cabecera.»Fernando Trueba «Ha convertido la crítica cinematográfica en un género literario gracias a su riqueza verbal y a su imaginación.»Mario Vargas Llosa«Cabrera Infante es casi una enciclopedia del cine hollywoodense.»Jacobo Machover, Revista de Libros
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La M.O.D.A. anuncia el lanzamiento de 'Canciones', un libro que reúne las letras y los acordes de su discografía, desde el primer álbum '¿Quién nos va a salvar?' al último, 'Nuevo Cancionero Burgalés'. La obra va acompañada de las ilustraciones del artista 'Sanpedrosanchez', que ha diseñado una pieza para cada canción.El libro recoge un total de 52 canciones. El diseño es obra de Jose Houdini, que también se ha encargado de la maquetación. La impresión se ha hecho en Valencia con 'La imprenta CG'.En palabras del septeto: ''Para nosotros las canciones son la esencia de la música, las que nos engancharon a esto cuando éramos niños y las que nos hacen seguir moviéndonos hacia delante. Este libro recoge nuestro trabajo a lo largo de 11 años. El fruto de lo que hemos vivido y sentido como individuos y como grupo. Las hemos hecho con las manos y el corazón y aquí quedan recogidas para que nunca nos olvidemos.Cada canción está acompañada por una ilustración de ‘Sanpedrosanchez’, un trabajo en el que plasma lo que le transmite cada música y cada letra''.
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Harry Styles es uno de los famosos más destacados. Su carrera musical se inició en 2010 como concursante del programa The X Factor. Tras su eliminación, se unió a la boys-band británica One Direction. Sus álbumes en solitario han alcanzado, además de buenas críticas, las primeras posiciones de las listas y le han proporcionado varios premios Grammy.
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Este libro es una reflexión sobre la crisis ecosocial que afecta a nuestro mundo y de cómo las películas y las series de ficción contemporáneas, de las que disponemos en abundancia en las plataformas o los cines, pueden ayudarnos a afrontar los miedos y los desafíos planteados por el futuro incierto que se avecina. Aún estamos a tiempo de actuar y pensar de manera positiva, y por eso en este libro se analizan películas y series que presentan soluciones colectivas en lugar de esperar que los héroes fantásticos nos salven del desastre, como suele ocurrir en el universo mainstream. La mujer en la montaña, Alcarràs, El Olivo, Sweet Tooth, Don?t Look Up, Okja, Estación Once, Una vida a lo grande y La última lección son ficciones audiovisuales que, además de entretenernos, nos impulsan a hablar y debatir sobre temas importantes. Este texto busca ofrecer palabras de aliento y utopía, porque la ficción es un espacio privilegiado para llegar al corazón y a la mente de las personas que anhelan vivir con la esperanza de un mundo que sea no mejor, sino posible.
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Santiago Calatrava es un arquitecto, ingeniero estructural, escultor y artista de fama internacional. Desde el Complejo Deportivo Olímpico de Atenas 2004 hasta el Centro de Transporte del World Trade Center en Manhattan, exhibe una extraordinaria destreza en lo estético y en lo ingenieril y una gran sensibilidad tanto para la apariencia como para la anatomía de una estructura.Sus influencias son muy variadas: El enfoque de Auguste Rodin de la escultura y la arquitectura, los principios del clasicismo y del arte cicládico griego, el diseño espacial de la NASA y una profunda admiración por la naturaleza, a la que considera madre y maestra. Así, las creaciones de Calatrava son a la vez aerodinámicas y orgánicas en sus asociaciones, con las formas naturales y el movimiento humano en el corazón de muchos de sus proyectos. Tiene un interés particular en el punto de encuentro del equilibrio y el dinamismo.Esta monografía reúne textos, fotografías y bocetos originales en acuarela que distinguen a Calatrava como un maestro creativo único. Incluye todos sus aportes a trabajos colaborativos y proyectos como la Estación Mediopadana en Reggio Emilia, Italia, el Museo del Mañana en Río de Janeiro, así como obras recientes, como el Pabellón de los Emiratos Árabes Unidos en la Expo 2020 celebrada en Dubái, la Iglesia Griega de San Nicolás en la Zona Cero de Nueva York y Constellation, una gran escultura en el River Point Park de Chicago.También disponible como Edición de Arte acompañada de un juego de dos litografías de Santiago Calatrava y un estuche hecho a medida, limitada a 300 copias y firmada por el arquitecto.
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Tienes en tus manos el recetario definitivo sobre esmaltes cerámicos:una guía que incluye más de 250 fórmulas para crear todo tipo deesmaltes (desde los porcelánicos, de barnices y rakú, hasta los de gresy baja temperatura), así como diversas recetas de pastas cerámicastradicionales y de autor.Cada fórmula incluye la composición, una breve pero ilustrativadescripción y una fotografía que muestra el aspecto final del esmaltepara percibir rápidamente su color y nivel de brillo y opacidad. La guíase abre con una útil y rigurosa introducción a los conceptos básicos dela formulación, aplicación y ajuste de los esmaltes, y se cierra con unglosario básico y varias tablas de equivalencias sobre materiales ytemperaturas.En definitiva, una guía indispensable para cualquier ceramista que deseeexperimentar o ampliar su conocimiento sobre esmaltes y pastas cerámicas
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La representación visual de la casa en las artes desde el feminismo contemporáneo.Este libro trata sobre la actividad artística relativa a la casa desde su relación con el desarrollo del movimiento feminista iniciado en los setenta hasta hoy. Se profundiza en la importancia de dicha relación y se hace un análisis basado en conceptos creativos, estudiando las causas que subyacen en estas creaciones visuales. Se muestra así una cronografía desde artistas de renombre, obras y acontecimientos sociales. Las reflexiones y propuestas la obra pretende transformar el modelo social actual y conseguir una sociedad más justa e igualitaria a través de todo ello.
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Durante su apogeo, el circo americano fue la mayor industria del espectáculo que el mundo hubiera visto nunca. Desde mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, los circos ambulantes ofrecieron actuaciones para un público de hasta 14.000 espectadores, dieron trabajo a 1.600 hombres y mujeres y atravesaron el país en ferrocarril con un recorrido total de 32.000 kilómetros en una única temporada. Espectáculos en los que aparecían hombres-bala desafiando a la muerte, superhéroes forzudos, aspirantes a estrella ligeras de ropa, valientes domadores de fieras, entre otros sorprendentes personajes estrafalarios, que atraparon la imaginación americana y eclipsaron al teatro, el vodevil, la comedia y los espectáculos burlescos de la época. Este libro proyecta nueva luz sobre el fenómeno del circo. Con joyas fotográficas de los primeros artistas circenses, así como pósteres originales, litografías, grabados y carteles de barracas de feria del siglo XVI al XIX que ilustraban los orígenes del circo en todo el mundo, los lectores se ven transportados a un mundo de emoción y habilidad, valor y glamour. Entre las más destacadas encontramos imágenes circenses emblemáticas de fotógrafos como Mathew Brady, Cornell Capa, Walker Evans, Weegee y Lisette Model, además de otras poco conocidas de Stanley Kubrick y de Charles y Ray Eames.
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Over the years, talented architects have occasionallyindulged themselves with the challenge of designingsmall but perfectly formed buildings. Today, with reduced budgets, many architects have turned in a more focused way to creating works that may be diminutive in their dimensions, but are definitely big when it comes to trendsetting ideas. Whether in Japanese cities, where large sites are hard to come by, or at the frontier between art and architecture, small buildingspresent many advantages, and push their designers todo more with less. A dollhouse for Calvin Klein in New York, a playhouse for children in Trondheim, vacation cabins, and housing for victims of natural disasters are all part of the new rush to develop the greatsmall architecture of the moment. The 2013 Pritzker Prize winner Toyo Ito is here, but so are emergent architects from Portugal, Chile, England, and New Zealand. From world-famous names to the freshest new talent, come discover architectural invention on a whole new, small scale.
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En el cine, el tiempo pierde la condición de dimensión que le atribuimos y un segundo de buenas emocionesnos rescata de lo más ruin del fango de los infinitosdías, una sensación que sirve para justificar que eso de intentar seguir viviendo merece mucho la pena. Los artículos que se recogen en este Para huir no sonanálisis cerebrales ni tienen la forma de crítica cinematográfica. Se trata, más bien, de agitar algún árbol para intentar que caiga alguna fruta, y estas frutas tienen más que ver con el mundo emocional. En realidad, las películas que se toman como referencia, bien sean clásicos o cine contemporáneo, Westerns o cintas de superhéroes, sirven de excusa para empezar a indagar en temas en buena medida universales: la sensibilidad, la soledad, la resiliencia, el miedo, el nomadismo, la rebelión. El autor ha intentado que abarcaran sentimientos que a todos nos han afectado en algúnmomento, y he intentado que las obras de referenciafueran bastante conocidas, incluso populares. No se trata tanto de afirmar ideas, conclusiones, como de sugerir que no es tan sencillo tener una idea formada sobre la condición humana y cada una de las ramas de la condición humana. Pero, eso sí, los fundamentos quenos llevan a conocerla se pueden descubrir en casi cualquier obra de cine, muchas veces a través de preguntas que ni siquiera los creadores -guionistas, productores, directores- se habían planteado.
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Joseph Beuys és l'artista que va dir que 'tot ésser humà és un artista', potser perquè ara puguem imaginar també que 'tota ampolla de vi és una obra d'art'. Aquesta plaqueta vol ser un convit a descobrir o redescobrir l'obra de Beuys més tocada per la vinya i el vi, dins el seu projecte DIFESA DELLA NATURA.
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Over 100 global artists working with collage, as chosen by a team of art experts – an indispensable who's who of the most exciting and innovative names working in the medium.Collage is an artistic language comprising found images, fragmentary forms, and unexpected juxtapositions. While it first gained status as high art in the early twentieth century, the past decade has seen a fresh explosion of artists using this dynamic and experimental approach to image making.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Metapintura. Un viaje a la idea del arte, celebrada en el Museo del Prado (15 de noviembre de 2016-19 de febrerode 2017). Ambos se centran en la Edad Moderna y tienen como punto de partida aquellas ocasiones en las quela pintura dejó de ser primordialmente una «ventana»de comunicación con el exterior, para transformarseen «espejo». Es decir, hizo de sí misma, de sus leyeso sus autores, los protagonistas del cuadro.En el libro se estudian imágenes y textos a través de los cuales la sociedad de la época expresó su relación conelarte. Su estructura es cronológica y se inicia conuncapítulo sobre la imagen religiosa, protagonistadel arte español hasta mediados del siglo XVIII y enla queel concepto de arte confluye con los de utilidad y culto. Le siguen dos capítulos que muestran cómose fuecreando una alternativa al predominio de la imaginería sagrada, y cómo se hicieron cada vez más abundantes las imágenes y los relatos de carácter civil, a través de los cuales la pintura o la escultura quedarondefinitivamente instaladas en el catálogo de las actividades «artísticas» e intelectuales. Los dosúltimoscapítulos analizan los cambios en el sistemade las artes que se produjeron en el siglo XVIII, cuando los pintores encontraron amparo institucional a través delas academias, se consolidó el concepto de «escuela española», se multiplicaron las fórmulas de autorrepresentación, y el artista acabó por convertirse, especialmente a través de Goya, en tema de su arte. Acaba el libro en 1819, con la creación del Museo del Prado,que preludia un cambio fundamental en la manera de concebirse la relación entre el artista, su materia yla sociedad.
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Beethoven ha sido así un extraordinario catalizador de historias personales que ha permitido a los escritores expresar sus conflictos, problemas, visiones, abandonos o aspiraciones. En este riguroso y extenso estudio conoceremos en primer lugar cuáles fueron las lecturas del compositor y cómo su figura cautivó a escritores y poetas ya coetáneos. Recorreremos un extensopanorama del que emergerán los grandes y pequeños nombres de la literatura universal ?Andersen, Tolstoi,Baudelaire, Proust, Whitman, Rilke, Woolf, Huxley, T.S. Eliot, Grass, Kundera, Burgess, Hartwig o Ruth Padel? y hallaremos su presencia en la lengua española,tanto en la literatura hispanoamericana ?Lugones, Darío, Macedonio Fernández, Rohka, Chirinos o Zurita? como en la peninsular, desde Galdós o Saramago hasta la poesía hecha por la inteligencia artificial, pasando por los poetas de las generaciones de Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca, Blas de Otero, José Hierro, José Ángel Valente, Joan Margarit y nues
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* ¿Taxi Driver muestra el auténtico Nueva York de la época? ¿El planeta Tatooine, de La guerra de las galaxias, es más que un decorado de estudio? ¿Nosferatu se rodó en Transilvania? * Este atlas es una vuelta al mundo en la que cada película explora un lugar mítico del cine: Madrid y el cine de Pedro Almodóvar, Monument Valley y los westerns de John Ford, París y Amélie. * Las películas, acompañadas de fotografías y mapas, se analizan y se comentan a la luz de sus decorados y sus paisajes, reales como la favela de Ciudad de Dios o ?cticios como la Ciudad Prohibida de 55 días en Pekín (recreada íntegramente en España). Más allá de las películas, los autores descifran los vínculos entre cineastas y lugares: Woody Allen y Nueva York o Akira Kurosawa y Gotenba, entre otros. Asimismo, se rinde homenaje a los lugares imprescindibles del cine, como la Estatua de la Libertad (Los Cazafantasmas II, X-Men) o, incluso, el planeta Marte. En este libro, la importancia de las películas no se mide por el lugar que ocupan en la historia del séptimo arte, por su impacto o sus repercusiones, sino por los lugares donde transcurren. Por lo que comunica el marco geográfico, arquitectónico, natural, sobre el propósito que persiguen. Es otra manera de recorrer los caminos del cine, tan variados. Una manera de cambiar de punto de vista (que en ocasiones transmite la sensación un tanto emocionante de entrar por la puerta de atrás, por el patio trasero en el que no habíamos reparado), de entender mejor las cosas de repente con solo asomarnos a otra ventana.
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La teoría del color de Johannes Itten puede considerarse una referencia universal para todas aquellas personas — artistas, diseñadores, historiadores del arte, estudiantes— interesadas en el color y sus complejidades. No hay libro o curso d
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Este libro constituye un fantástico documento gráfico de las flores cultivadas en el jardín alemán másimportante de su época, el Hortus Eystettensis, únicoen su género por la amplia gama de flores.Untotal de 367 grabados en lámina de cobre de BasiliusBesler (1561-1629), que se publicaron por primera vezen 1613, ilustran la espectacular diversidad vegetalde los espacios verdes del palacio del príncipe-obispo Johann Konrad von Gemmingen (1593/1595-1612) en Eichstätt, Baviera (Alemania). Las minuciosas ilustraciones se distribuyen en función de la estación del añoy, siguiendo el sistema de clasificación actual, muestran plantas que pertenecen a un total de 90 familias y 340 géneros. En su conjunto, la colección es considerada uno de los tesoros más refinados de la literatura botánica. El mítico Carlos Linneo, experto en lamateria y zoólogo del siglo XVIII, la describió comouna “,obra incomparable”,.El catálogo gráfico de Besler ha perdurado en el tiempo más allá de los propios jardines, destruidos en 1634 por tropas invasoras suecas durante la Guerra de los Treinta Años. El precio de salida en subasta de una primera edición del Hortus Eystettensis supera actualmente el medio millón de dólares. Con esta edición, TASCHEN abre las puertas de este tesoro vegetal a un público mucho más amplio. Un documento exquisito y admirable, referencia de todo jardín esplendoroso.Sobre la serieBibliotheca Universalis –, Compañeros culturales en formato compacto paracelebrar el universo ecléctico de TASCHEN.
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The definitive history of this groundbreaking record label, founded in 1947 in New York by Ahmet Ertegun and Herb Abramson, features Ray Charles, Aretha Franklin, Otis Redding, Led Zeppelin, the Rolling Stones, Stevie Nicks, Coldplay, Bruno Mars, Lizzo, and countless other music legends, shot by many of the greatest music photographers of all time.
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Sin retórica recoge el poso de veinte años de investigación de la pareja de arquitectos británicos Alison & Peter Smithson con el fin de ofrecer al lector una idea directa y sin artificios sin retórica, en definitiva de sus intereses y obsesiones: el nuevo brutalismo, la cultura pop británica y el estado actual de la arquitectura, el papel de la publicidad y de los medios de comunicación en la arquitectura, su fascinación por la obra de Mies van der Rohe, el uso de la repetición o las arquitecturas griega y japonesa. Este libro fundamental tanto para entender la trayectoria de los arquitectos británicos como de la arquitectura contemporánea se presenta aquí traducido por primera vez al español y en una edición casi facsímil (casi, puesto que reproduce fotografías en color) que pretende llenar un injusto vacío de publicaciones de estos arquitectos.
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Martínez Mengual ha construido un universo estético y conceptual plenamente actual que, sin embargo, no se ha subordinado a ninguna de las grandes corrientes que protagonizaron el ''retorno de la pintura'' durante la segunda mitad de la década de 1970 y la totalidad de la de 1980. La producción de Martínez Mengual se distingue por un inusual espíritu celebratorio y poético que no encuentra un fácil encaje en los diferentes contextos críticos delimitados por las nuevas formas de la pintura. La exaltación de la sensualidad mediterránea y, como fundamento de ella, del universo cultural de la Grecia antigua definen un nicho de interés muy particular y aislado dentro del debate artístico imperante desde los años 80.El presente ensayo plantea diferentes vías de aproximación a su vasto y complejo corpus pictórico, con la intención de subsanar el vacío hermenéutico que desgraciadamente lo ha privado, hasta el presente, de una mejor y más justa valoración.Independientemente del análisis de la obra de Mengual, este libro supone un fascinante estudio sobre los lenguajes de la abstracción.
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