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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Se reúnen aquí los tres textos que Wassily Kandinsky (1866-1944) escribió para El jinete azul, el almanaque que, junto con Franz Marc y otros artistas expresionistas, publicó en Múnich 1911. Unos textos donde aborda tres puntos cardinales de toda creación artística -la forma, la composición y el color-, pero desde un punto de vista totalmente innovador y liberador: el que lleva a la abstracción.
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Con realismo o en alegorías fantásticas, con una maestría técnica que iba en aumento con la edad, Goya lo fue registrando todo. No sólo las agonías soportadas por su pueblo a manos de los invasores, sino también las locuras y crímenes cometidos por individuos de este mismo pueblo en sus tratos unos con otros.
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El idiota lo estropea todo. Su sola presencia da cuenta de una existencia hereje. El idiota, siendo un cualquiera impersonal, se conserva ajeno a aquellas formas simbólicas que pretendían acotar el modo de ser en el mundo. El idiota, entregado a su estar-ahí, es ante todo un cuerpo, capaz por igual de acomodarse de manera muda o, por el contrario, jugueteando con el mundo para crear toda suerte de idioteces. Una vida inmanente, en contigüidad con lo real absuelto de cualquier sentido establecido, que solo ocurre junto al propio ocurrir del mundo. Una vida sin engaño en tanto es indiferente al instinto de verdad, arrojada al descubierto, en una intemperie vigorosa en la que está permitido ser perro o ser piedra.
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Una pintora de éxitoPintora de poderoso talento, Marie Laurencin (París 1883-1956) expondrá en el Salón de los Independientes de 1907, frecuentará los círculos fauvistas de Matisse y los cubistas de Picasso, y será la compañera y musa de Guillaume Apollinaire. Acabada la Primera Guerra mundial, dará con su característico estilo personal -elegante, etéreo, delicado y atemporal- que le abrirá las puertas del éxito, convirtiéndose en la retratista de la alta sociedad parisina, además de en ilustradora afamada y referente de la moda de su país.
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Da capo, anotación en una partitura que indica al músico que debe reanudar la pieza desde el principio, es el título de esta monografía, que recopila una selección de textos escritos por Francesc Torres desde los años setenta hasta nuestros días. De este artista son especialmente conocidas las instalaciones multimedia que representan la velocidad, la competición y el machismo como fuentes de violencia. La guerra como expresión sofisticada de esta violencia y la fragilidad de la memoria histórica están igualmente presentes en su trabajo.
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''Las creaciones cortesanas del gótico internacional transitan por múltiples opciones estéticas, en ocasiones opuestas. Se trata de un arte fecundo, exuberante, desmedido, un medio de expresión de la sofisticación cortesana, en el que a menudo lo real se torna fantástico, un escenario privilegiado para la exaltación heráldica y caballeresca y el naturalismo simbólico, pero también para las propuestas del nuevo realismo y las experiencias tridimensionales.''De «El arte de corte en el otoño de la Edad Media», de Joan Molina FiguerasEn torno a 1400, las cortes europeas alumbraron algunas de las más brillantes manifestaciones del arte medieval. A partir de ese momento y durante todo el siglo XV,artistas activos en toda Europa hicieron gala de un acentuado gusto por la elegancia formal y por la extravagante moda de la época. El resultado fueron creaciones fascinantes que aún hoy nos sorprenden por su sofisticación visual, fruto de una particular combinación de elementos realistas y decorativos. La sublimación plástica de los valores de la aristocracia tardomedieval, y en especial de los códigos caballerescos, fue el objetivo principal de la mayoría de las obras. En este volumen, diecinueve especialistas nos acercan un universo estético extraordinario, fundamento en gran medida del imaginario construido en torno al arte medieval.
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El presente volumen reúne a algunas de las principales especialistas actuales en arte y género para articular nuevas y necesarias aproximaciones a la Historia del arte. Resultado del simposio internacional del mismo nombre celebrado a raíz de la exposición «Maestras», organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid, las diferentes autoras –Griselda Pollock, Rocío de la Villa, Camille Morineau, Lucia Pesapane, Concha Lomba, Menene Gras, Karen Cordero, Carla Subrizi, Mary Kelly y Maite Méndez– abordan en sus textos la aportación de mujeres artistas de la modernidad en diversas coordenadas geográficas y culturales. De la Francia de entreguerras a la India, de España al norte de África, de Italia a México, se pone el foco en el cruce de culturas, la intersección entre arte, raza, sexo y colonialismo, las cuestiones de género y transnacionales que atraviesan el arte de la Edad Contemporánea. Se trata, en definitiva, de explorar la posibilidad de nuevas convergencias entre mujeres artistas de distintos mundos, culturas, tiempos y latitudes.
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Velers
«El protagonisme exercit pel vaixell al llarg de la història, des dels seus inicis fins als nostres dies, en el desenvolupament, expansió i sosteniment de les civilitzacions en l’àmbit mundial, ha estat crucial i, fins fa molt poc, irreemplaçable.»L’extraordinària història de la navegació i dels grans velersFins a l’arribada dels vapors al segle XIX, els vaixells a vela havien dominat els mars i els oceans del planeta. Des dels primers intents de navegar a vela que van tenir lloc en les civilitzacions antigues de Mesopotàmia i Egipte, els vaixells van anar evolucionant constantment, fent-se cada vegada més grans, més àgils, més ràpids i més segurs.A Velers es repassa com han evolucionat els vaixells gràcies a nous materials i a noves tècniques de construcció: drakkars, coques, caravel·les, carraques, navil·lis, galeres, bergantins, fragates, goletes... Sovint, per a un imperi, el control dels territoris exigia disposar d’una marina potent, ben provisionada i moderna. El domini del mar va comportar nombrosos avenços tècnics i científics per millorar la seguretat i l’orientació: brúixoles, sextants, cartografia, etc.Velers ens descriu l'aventura de conèixer i dominar el mar, ens fa reviure la història de la navegació a vela i ens endinsa en la vida als grans velers, i ho fa recuperant l'extraordinari patrimoni del Museu Marítim de Barcelona.
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Ver cine con los hijos es una experiencia reseñable para cualquier mortal. Pero si eres crítico y das clase de historia del cine, el reto es mayúsculo. A través de estas páginas, de capítulos que transitan del cine animado al de aventuras, del terror a la ciencia ficción, Javier Ocaña acompaña a sus hijos –,y a los lectores–, en un viaje que nos lleva desde Blancanieves a Kurosawa, desde la infancia a la madurez, emocional e intelectual. Un libro en el que alta y baja cultura se entremezclan dejando espacio solo a la curiosidad y a la intuición, y que nos transmite la emoción de volver a ver nuestras películas favoritas como si las estuviéramos viendo por primera vez.
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Argullol nos habla de cómo la universidad le cambió su visión sobre la figura de Gaudí. Como asistiendo como estudiante libre a algunos cursos de la Escuela de Arquitectura se le enseñó a detestar, con supuesto conocimiento de causa, la obra de Gaudí. Su
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Néoclassicisme, romantisme, réalisme, impressionnisme, c'est‐à‐dire les grands courants du goût du XIXe siècle, convergent, en harmonie et malgré leurs différences, dans le style de Corot, sans qu'on puisse dire qu'il s'agit d'un peintre éclectique. Bien au contraire, son œuvre possède une cohérence que seule une personnalité très indépendante peut conférer. Et c’est justement en raison de son indépendance et de sa cohérence que Corot s’inscrit, avec Daumier et Manet, parmi les grands maîtres de la peinture française du XIXe siècle.
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Adéntrate más en la naturaleza con Dave Canterbury, autor de las guías de supervivencia de referenciaTras enseñarte los fundamentos en El ABC del bushcraft, Dave Canterbury te guía ahora hacia el siguiente nivel de autosuficiencia en la naturaleza. Bushcraft avanzado es un manual imprescindible para quienes desean sumergirse por completo en el entorno salvaje y dominar técnicas tradicionales de supervivencia y vida al aire libre. Aprenderás a: Rastrear animales Orientarte sin mapa ni brújula Elaborar tus propios remedios con plantas silvestres Construir herramientas y refugios duraderos sin depender de equipamientos caros o modernos . Improvisar y ahorrar, maximizando los recursos que te ofrece el entorno natural Tanto si acabas de descubrir el bushcraft como si ya llevas años recorriendo la naturaleza salvaje, este libro te ayudará a convertirte en un verdadero experto en autosuficiencia.
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Si hay un personaje legendario entre los artistas modernos, ése es Paul Gauguin. La leyenda, el mito, el personaje novelesco que él mismo tanto contribuyó a crear, nos ha hecho, en muchos casos, muy difícil distinguir lo que de verdad y mentira, de hechos y de literatura, existe tanto en su biografía como en su figura artística. Su alejamiento de Europa, que oscurecía convenientemente su perfil tras una cortina de aventura, locura o valentía, o simplemente inadaptación, contribuyó en gran medida a la creación de un mito que tanto él como sus amigos se ocuparon de preservar cuidadosamente desde la lejanía. A través de los textos que se recogen en el presente volumen, en su mayoría escritos durante su estancia en los Mares del Sur, el lector profundizar en el pensamiento de Gauguin, así como en su relación con otros protagonistas de su época como Van Gogh.
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Leer a manotrata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. También es un «elogio de la lentitud» aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos pinturas, esculturas, edificios, novelas, cómics, películas poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estímulos y de limitaciones. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia, producir es replicar los resultados aparentes de la creación en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario, un gesto de resistencia ante la mercantilización que impregna en nuestros días cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.
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Antonio Bonet Correa siguió con gran fascinación, casi desde sus inicios, los pasos del pintor Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 1948). El artista se convierte en este libro en el espejo en el que se contempla el historiador del arte. De ahí que estas páginas que les dedica a la vida y la obra del artista estén repletas de emocionantes pinceladas autobiográficas (muchas de ellas referidas a su infancia coruñesa y lucense, y a sus relaciones, en París, Madrid y Sevilla, con los creadores de su generación), y que constituyan al tiempo una suerte de testamento estético y vital de Bonet Correa. De Pérez Villalta le atraen su pasión por la Antigüedad clásica y por la mitología, su conocimiento de la historia del arte y de los tratados, su pasión por el barroco y el rococó, su vocación frustrada de arquitecto, su interés por las construcciones demóticas de la Costa del Sol y otros espacios españoles. El libro, que el autor dejó inacabado y ha sido editado por su hijo, Juan Manuel Bonet, incluye un apéndice de este último, un prólogo del propio Pérez Villalta y un epílogo de Estrella de Diego. En él se reproducen además numerosas obras del pintor y de los ''afines''. En definitiva, es un maravilloso viaje artístico de la mano de un gran maestro.
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'María Blanchard nos pinta pobres seres meditativos, bien sean hombres, mujeres o niños, envueltos muchos de ellos en una atmósfera melancólica próxima a la ternura. Tiene para sus criaturas una fisonomía propia. Los personajes de sus cuadros pertenecen todos a una misma raza: nariz ancha, labios gruesos, tiernamente sensuales, ojos tristes, brillantes, cuello corto…'' Escrita en 1941, esta es la primera monografía dedicada en España a María Blanchard. Se la debemos a María Laffitte y Pérez del Pulgar, condesa de Campo Alange, escritora y crítica de arte, defensora de los derechos de la mujer y fundadora, en 1960, del Seminario de Estudios Sociológicos de la Mujer.
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Entre leyendas y supersticiones, la simbología del
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Están en todas partes: en los bosques y en el pan, en los recetarios de cocina de otoño y en el aire que respiramos, en la corteza de un limón que se pudre, en los cuentos folklóricos y en el queso, en las aceras, en el excremento de los herbívoros y en el fondo del mar. También en la copa de vino, la jarra de cerveza y los antibióticos. Son los hongos, organismos multiformes a los que no se concedió un reino propio hasta 1959, pese a que llevaban millones de años en el planeta. Desde entonces los fungi, denominación científica, comparten corona con el reino animal, el mineral y el vegetal. Y «Hongos» es una introducción descacharrante a ese mundo diverso, planteada de modo original, no como un libro divulgativo al uso, sino en forma de revista o boletín de noticias redactado y editado por los propios hongos. Son ellos quienes explican, en tono humorístico, su larga historia y la multiplicidad de sus formas, tamaños y características, cómo se relacionan con otros seres, qué papel desempeñan en el gran sistema ecológico y cómo han influido en la historia de la humanidad. El boletín, ilustrado y diseñado de manera espectacular, está salpicado de relatos protagonizados por hongos, así como poemas, leyendas, mitos y alguna que otra propuesta de experimento casero, además de una serie de instrucciones para buscadores de setas. Todo ello acompañado por un riguroso glosario de términos técnicos y científicos.
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Monografia que reuneix els treballs i escrits sobre restauració exposats per Cesare Brandi a l'Istituto Centrale del Restauro. Dirigit a crítics, tècnics i historiadors de l'art, el llibre analitza el significat i els mètodes de la restauració, posant especial atenció als criteris teòrics que han guiat les activitats de l'Institut.
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de arte Mario de Micheli ha trazado una crónica viva de los grandes movimientos que configuraron la transformación de las artes plásticas desde el cambio de siglo hasta 1950, buscando su línea de continuidad y su común razón de ser en aquello que propiamente constituye la esencia de la vanguardia: el ánimo de ruptura cultural. Combinando el dato histórico y la crítica, se ofrecen aquí los materiales de una variantes formales, una visión integral, apoyada, de una parte, en el examen de la actividad creadora de los artistas más representativos del período, y, de otra, en los manifiestos y programas que presentaron las posiciones de partida de cada grupo.
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La mirada incisiva de John Berger inaugura nuevos modos de ver donde la mirada hacia el arte y hacia la vida se confunden combinando un exhaustivo análisis que tiende a ser 'objetivo', entre materialista y purovisualista. El ojo de la cámara y el ojo del artista nos hablan del significado oculto en la mirada cotidiana con la que contemplamos paisajes, animales o personas queridas. En los lienzos de Millet, Courbet, Turner, Magritte y Bacon, Berger evoca experiencias que confunden el propio misterio que rodea al arte con nuestras propias vidas, paseando entre categorías literarias, del relato al ensayo, sin casi reparar en ello.
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CryptoPunks es una de las primeras y más buscadas colecciones de criptomonedas del mundo, serie pionera en el arte digital y la cultura web3.CryptoPunks: Free to Claim explora el ascenso meteórico de un coleccionable NFT preeminente: lo que comenzó como un experimento de propiedad digital se ha convertido en el catalizador de un movimiento de arte digital y una subcultura dinámica sinónimo de una nueva era de Internet.Acuñados en la cadena de bloques Ethereum en 2017, los CryptoPunks (10 000 personajes de píxeles generados de forma única) han producido más de 2300 millones de dólares en ventas acumuladas y han entrado en las colecciones permanentes de importantes instituciones, como LACMA y Centre Pompidou, al tiempo que fomentan una comunidad en línea apasionada y descentralizada.Los 10 000 CryptoPunks se presentan en un catálogo razonado especial de más de 400 páginas dentro de este libro, con una lista completa que incluye Punk, número, tipo, colores, atributos y hash de imagen. Una línea de tiempo ofrece una recopilación de publicaciones y tuits de miembros de la comunidad a medida que se produjeron, al estilo de una revista, mientras que un extenso glosario define más de 100 términos e ideas de autoría anónima con contribuciones de invitados como Beeple, Emily Segal, Venkatesh Rao y más.Con una entrevista en profundidad entre Hans Ulrich Obrist (director artístico de Serpentine Galleries) y los fundadores de CryptoPunks, Matt Hall y John Watkinson, este libro de culto y que define una categoría presenta una colección caleidoscópica de textos, entrevistas y ensayos visuales que exploran este mundo emergente de la web3 y la cultura digital en general, inspirando una primera ola de libros visuales sobre este tema innovador.El libro está dirigido a todos los niveles de conocimiento y presenta contribuciones únicas de figuras fascinantes en tecnología, diseño, moda, finanzas y arte contemporáneo, entre ellos: Anika Meier, Alexis Ohanian, Mat Dryhurst, Noam Segal (Guggenheim), Philippe Bettinelli y Marcella Lista (Centro Pompidou), Michael Connor (Rhizome), Mindy Seu, Chris Lyons (a16z), Salome Asega (NEW INC), Simon Denny, Shumon Basar, Martina Tiefenthaler, Jack Butcher, Sean Bonner, 6529, entre otros.
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Francisco Bayeu (1734-1795) fue el pintor más influyente de la corte española en el último cuarto del siglo XVIII. Pintor de Carlos III y Carlos IV, y director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, quizá es más recordado por sus vínculos familiares con Francisco de Goya que por su indiscutible calidad como artista. El óleo de la Spanish Gallery, Estudio de un perro por el natural (1783-1784) es una obra maestra, un tipo de retrato animal excepcional en la historia de la pintura española, comparable a las obras naturalistas de otros maestros europeos incluidos Jacopo Bassano, Guercino, Paulus Potter, Jean-Baptiste Oudry y George Stubbs.
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El impacto de la obra de Goya y en particular de los Caprichos (1799) en el arte francés del siglo XIX fue inmenso, duradero y polifacético. Mientras que en España se asociaba a Goya con su producción como pintor de corte, en Francia se le conocía como el autor de los Caprichos, interpretados por los románticos como una sátira de los últimos años del siglo XVIII español. Sin embargo, esta visión pasaba por alto el hecho de que la verdadera modernidad de la obra de Goya radica en su universalidad: como un espejo en el que se refleja la esencia de la humanidad, libre de patriotismo. Lo mismo cabe afirmar también de los monstruos y las brujas, que no son más que reflejos deformados del ser humano. Podría decirse que fue una influencia mutua: Goya contribuyó a modelar el arte romántico francés ''y, de paso, los comienzos del arte moderno'' y los románticos a su vez modelaron su imagen crítica. Este estudio pone en tela de juicio la interpretación establecida del artista aragonés que ha dominado hasta hace poco la bibliografía partiendo de unos estereotipos románticos que, en muchos casos, se han perpetuado hasta la actualidad.
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Este kit, formado por dos manuales de instrucciones y un juego de materiales para principiantes, constituye una completa guía sobre el arte del dibujo con pasteles. Explore una amplia variedad de técnicas, especialmente diseñadas para ayudarle a mejorar la suya y crear sus propias obras. Con el Kit completo de pastel podrá, gracias a los exhaustivos consejos prácticos sobre los materiales y la creación de composiciones, más una colorida selección de proyectos, mezclar colores y realizar estupendas obras de arte en cuestión de semanas.El kit de materiales para principiantes contiene:-12 pasteles de colores-5 lápices de pastel-1 lápiz de dibujo-1 difumino-1 borradorEl libro Técnicas proporciona los fundamentos para desarrollar habilidades básicas de dibujo. Aquí encontrará todo lo que necesita para comenzar, desde la preparación del tema de dibujo y el dominio de diferentes técnicas hasta la creación de composiciones dinámicas.El libro Proyectos consta de proyectos bien explicados y con instrucciones paso a paso. Abarca todos los temas de dibujo más comunes, como los paisajes, los bodegones, los retratos y la arquitectura. Desde los bocetos preparatorios hasta los dibujos finales, irá ganando confianza paulatinamente hasta desarrollar su propio estilo.
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La nuestra es una época de aceleración de la experiencia, de imperio de lo efímero, de ascenso de la insignificancia.
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Albert Einstein pensaba que únicamente las personas lo suficientemente locas como para pensar que podían cambiar el mundo lo cambiarían realmente. En las últimas décadas hemos avanzado en la comprensión de la locura no como irracionalidad, sino como una forma diversa de pensamiento, fuera de la norma y capaz de alumbrar nuevas interpretaciones y visiones de nuestro entorno. Lamberto Maffei nos adentra aquí en los caminos entrecruzados del arte y el cerebro y nos ofrece las historias de algunos artistas locos que mejoraron la vida con su creatividad y su verdad. El resultado es una imagen novedosa y auténtica de la naturaleza humana que pone en el centro la fragilidad, la búsqueda de la belleza y el miedo a la muerte y al infinito.
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Dedicado a algunas de las artistas del street art más importantes de la escena contemporánea, este libro pretende ser un viaje de descubrimiento a través de los universos infinitos de estas artistas que, con determinación y coraje, han buscado su lugar en el mundo, un lugar desde el que se hacen escuchar con voces altas y claras. Una maravillosa aventura a través de los universos infinitos de mujeres artistas, que representan la humanidad misma como el ciclo imparable de la naturaleza. Ejemplos de cómo florecen nuevas comunidades de mujeres en todo el mundo, de personas que están cansadas de ser invisibles, que ya no tienen miedo de hacer oír sus voces, que se apoyan unas a otras en lo que solo se puede describir como el principio de un verdadero Renacimiento de la mujer. El street art, arte urbano o arte callejero ha dejado de ser un club exclusivo para hombres. La espera ha sido larga, pero el momento ha llegado. Numerosas artistas de gran talento, en todo el mundo, se abren camino hacia la primera línea.
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La cerámica es, quizá, el tipo de objeto que más representa la evolución cultural del ser humano, que a lo largo de los milenios ha ido plasmando en ella sus necesidades, sus conocimientos técnicos y sus ideales estéticos. A lo largo de este trabajo intentaremos desentrañar las causas que impelían a una persona a decidir uno u otro destino para sus recipientes de cocina agrietados o su vajilla de lujo rota o desportillada. También desvelaremos las distintas técnicas y materiales que han llegado hasta nosotros, estableciendo una clasificación y tipología mediante la que podamos comparar e identificar nuevos hallazgos.
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Una historia alternativa del Renacimiento contada por las mujeres detrás de las pinturas.Belleza, maquillaje, arte, poder: Cómo ser una mujer en el Renacimiento presenta una historia alternativa de este fascinante período contada por las mujeres detrás de las pinturas. El Renacimiento fue una época obsesionada por las apariencias: el mundo visual se pobló de desnudos de la mano de artistas como Miguel Ángel y Tiziano y emergió una vibrante escena literaria alrededor de consejos de belleza, cosméticos y adornos. Jill Burke nos lleva desde las bulliciosas plazas del mercado italiano hasta los niveles más altos de la sociedad renacentista para acercarnos a las vidas de cortesanas, artistas, actrices y escritoras que se labraron un espacio propio, así como aquellas que ganaron poder e influencia en el despiadado mundo de la corte o las que se rebelaron contra las restricciones de su época en un momento en el que las valoraciones sobre los cuerpos y el color de la piel estaban en el punto de mira debido al contexto colonial. Esta vívida exploración de la vida íntima de las mujeres renacentistas nos invita a cuestionar las ideas de tenemos sobre nuestro propio cuerpo a la vez que desentraña los orígenes de los ideales de belleza que todavía nos acompañan en la actualidad. «Nunca verás los retratos del Renacimiento de la misma manera.» Maggie O'Farrell, autora de Hamnet y El retrato de casada
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Si le encanta dibujar personas, pero no sabe ni por dónde empezar, ¡este es su libro! Dibujar en 10 pasos: Caras le ayudará a transformar sencillas formas geométricas en retratos llenos de personalidad en solo 10 pasos. Aprenda a reproducir rasgos faciales, la forma del rostro, expresiones y posturas para crear más de 40 retratos diferentes de gente de todas las edades. ¡Aprender a dibujar nunca había sido tan fácil!
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El mediterráneo a través de sus ciudades, sus artistas y sus conflictosEste libro se presenta como un estimulante viaje a través de nueve ciudades que dan una visión amplia y plural del mar Mediterráneo, proponiendo una deriva por diferentes países que no impone ninguna lectura cerrada. Cada una de ellas aporta un aspecto específico: la importancia de la memoria (Beirut), la presencia de la violencia (Zagreb), la pujanza de la miseria y el racismo cotidiano (Marsella), la permanencia de la herencia colonial (Argel), el deseo constante de partir (Tánger), el mestizaje cultural (Estambul), la plasmación de la vida en los suburbios (Roma), la ocupación de las calles por los sectores más marginados (Barcelona) o el deseo de libertad política e individual (El Cairo), aspectos estos que se dan de un modo más palpable en unas que en otras, pero que son comunes a todas ellas. Con la suma de estas narraciones conseguimos formar en su conjunto un palimpsesto que nos acerca al carácter multifacético y plural que encontramos en todas y cada una de las ciudades aquí mencionadas.Cada artista y cada escritor (como O. Pamuk, J.C. Izzo, M. Chukri, P. P. Pasolini, J. Genet, N. Hammam, A. Menia, S. Iveković, W. Raad…) a los que se hace mención en estas páginas nos ofrecen collages representacionales que desbordan los límites de los estudios académicos, para darnos a conocer experiencias, impresiones y recuerdos propios en los que no hay lugar para las certitudes. El resultado de todo ello es la construcción de un relato incompleto, repleto de tramas poco conocidas y conformado por citas extrañas, conexiones inciertas y mundos imaginados donde todo puede suceder.
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Presentamos un recorrido de más de mil quinientos años de historia de la pintura en Japón a través del análisis de sus obras más representativas con la explicación de los principales artistas, estilos y movimientos culturales: un viaje visual desde las primeras expresiones pictóricas en los antiguos túmulos funerarios a la pintura nihonga formulada tras la Restauración Meiji a finales del siglo XIX, pasando por los estilos yamatoe, suibokuga, Kano, Rinpa, ukiyoe, etc.Sin dejar de lado la rigurosidad académica, su enfoque didáctico apoyado en una cuidada maquetación, revela las claves de la pintura japonesa. Sus páginas profusamente ilustradas, con un color veraz y ajustado, transmiten la belleza y la riqueza de una tradición pictórica excepcional.Además, encontrarás fichas explicativas, gráficos y curiosidades que enriquecerán tu comprensión y apreciación del arte japonés. Ya seas un amante del arte, un estudiante o simplemente alguien que busca ampliar sus horizontes culturales, este libro es una ventana a un mundo lleno de color, historia y creatividad.
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El dibujo de la figura humana nos compromete a nosotros mismos, por completo: atañe a la emoción que sentimos frente al modelo mientras observamos sus características físicas y percibimos, alternándolos con los nuestros, sus estados de ánimo. Quizá, de forma parecida a lo que sucede en el retrato, y con valores aún más sutiles y profundos, observar el cuerpo de uno de nuestros semejantes provoca una especie de mirada también sobre su fluir interior y provoca casi una reflexión o una proyección en él...No sorprende, por tanto, y es bien sabido, que desde los primeros balbuceos del sentir artístico y religioso la representación del cuerpo humano ha constituido uno de los temas más elevados y significativos. El desnudo identifica al hombre en su esencia, quizá con itinerarios diversos en las civilizaciones de Occidente y en las orientales: en las primeras, por ejemplo, parece surgir, como rasgo distintivo, la tensión en el análisis, en la descripción, en la anatomía y en la explicación de lo orgánico, en la composición entre generalidad e individualidad,en las segundas, al contrario, predomina la atención por el fluir vital, por los indicios difuminados pero reveladores de los caracteres más íntimos y esenciales de las energías interiores. Giovanni Guglielmo Civardi nació en Milán el 22 de julio de 1947. Licenciado en Economía, estudió posteriormente en la Facultad de Medicina y en la Scuola del Nudo de la Accademia di Brera, y se dedicó al retrato y a la escultura. Durante más de una década realizó ilustraciones para diarios, revistas y cubiertas de libros. Organizó muestras personales de escultura y amplió sus estudios anatómicos durante frecuentes estancias en Francia y en Dinamarca. Desde hace muchos años dirige cursos de anatomía y de dibujo de la figura humana, y ha condensado su experiencia didáctica en numerosos libros, reeditados con frecuencia. La mayoría de ellos han sido traducidos a varias lenguas (inglés, francés, español, ruso, alemán, japonés, etc.). De 2011 data el Cuaderno de Lourdes, el más reciente de sus apuntes de viaje. Actualmente vive y trabaja en Milán, Casteggio y Niza.
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Masterworks from the 80s & 90s
Llibre sobre joiería contemporánia. 35 joies d'una col·lecció privadaLa joieria contemporània està cada cop més ben representada a les col·leccions de museus d’art i disseny d’arreu del món. Tot i que aquestes institucions digitalitzen parcialment les seves col·leccions per fer-les accessibles a escala mundial, no sempre és tan evident que es puguin trobar joies contemporànies a les seves exposicions públiques permanents. Per aquest motiu, l’exposició d’obres mestres dels anys 80 als 90 a la Hannah Gallery ofereix una oportunitat valuosa per conèixer d’una manera inusualment propera l’època més emblemàtica de la joieria europea contemporània. L’exposició aplega 35 obres de una col·lecció privada.
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Como muchos grandes pintores del siglo xix, Ingres escribía sobre el arte. Lo hacía en cuadernos desordenados, en borradores de cartas de negocios, en cuentas de gastos, en papelotes dispersos en medio de otros papeles, pero que juntos conforman una de las obras sobre estética más significativas de la modernidad. Fue su alumno Henri Delaborde quien recogió, en 1870, los pensamientos dejados por el maestro, de los que esta edición destila su quintaesencia. Procedentes, pues, de fuentes diversas, y sin embargo singularmente coherentes, en ellos nace una reflexión sobre el arte que tiene en igual medida el sentido de la eternidad y el sentimiento de la vida, el eco del lenguaje confidencial y la vocación de lo absoluto. No estamos frente a un tratado o a una obra sistemática, sino frente a una suerte de aforismos que capturan una intuición, ante reflexiones sobre la pintura desarrolladas en medio de los alumnos, mientras se mueve entre los caballetes, da explicaciones delante del modelo y corrige los trabajos. Sin embargo, pocas páginas están recorridas como éstas por tal tensión metafísica, con un Ingres al margen de los clichés, que hace un elogio de la pureza de la línea, pero también de la emoción en pintura, una mística de lo Bello, que nos habla no del arte de su tiempo, sino del arte atemporal y sin etiquetas, del arte que es «eterno y único», como única y eterna es la belleza de la naturaleza.
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