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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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La gestión cultural, es sabido, vive desde hace años una etapa de notorio auge. Esta circunstancia obedece a la necesidad de armonizar el ingente campo de las Humanidades con las innovaciones que conllevan las nuevas tecnologías. Por dicha razón, ha crecido de manera exponencial la demanda de profesionales bien formados y capaces de gestionar un patrimonio de singular riqueza desde el respeto al pasado, al legado artístico, pero con la mirada puesta asimismo en el futuro inminente. Ahora bien, ¿qué hace exactamente un gestor cultural? ¿Dónde desarrolla su labor? ¿Qué formación requiere para ejercer con garantías de éxito su imprescindible labor? Este libro da cumplida y amena respuesta a todas esas preguntas. Una correcta gestión cultural supone el desempeño de una tarea multidisciplinar, en la que confluyen ámbitos muy diversos (la comunicación, la gestión administrativa, la tecnología...). Así pues, en función del entorno concreto donde se desarrolle, las funciones del gestor cultural habrán de contemplar elementos dispares. No son pocas las diferencias existentes entre hacerlo en un ayuntamiento o en un museo. Pero ambos tienen un elemento en común: la figura del gestor cultural. ''Este libro ofrece ideas, conceptos, estrategias y propuestas generados a partir de la propia experiencia de su autor. Expresados de forma amena, ayudarán sin duda al gestor cultural en el inicio de su carrera profesional, pudiendo aportar también una nueva visión al profesional en activo''. ANA VELASCO, presidenta de la Federación Estatal de Asociaciones de Profesionales de la Gestión Cultural ''Aborda la gestión cultural de forma clara y precisa, con aproximaciones acertadas a casos concretos. Este manual será de enorme utilidad para los profesionales del sector''. RAFAEL LÓPEZ GUZMÁN, Catedrático en Historia del Arte
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El cine que ens va obrir els ulls
Un recorregut per les grans obres cinematogràfiques del nostre tempsHi ha pel·lícules que ens fan plorar a llàgrima viva. Altres ens fan riure, xisclar de por o, simplement, ens enamoren. Algunes ens avorreixen, altres, no ens cansaríem de veure-les. Comèdies i melodrames. D'aventures i de l'Oest. Gemma Nierga i Jaume Figueras, àvids espectadors i grans conversadors, rememoren aquelles pel·lícules que al llarg de la vida ens han obert els ulls. I, en un diàleg viu i farcit d'anècdotes -de la samarreta d'en Marlon Brando al Travolta de Grease, de Love Story a Cinema Paradiso-, conviden a reviure la màgia del cinema i a celebrar-la cantant i ballant com en els grans musicals, com en els d'en Gene Kelly o La La Land. Un llibre bellament il·lustrat que rendeix homenatge al cinema i a l'amistat.
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Una advertencia sobre cómo la economía digital amenaza la vida y el trabajo de los artistas: la música, la escritura y las artes visuales que sustentan nuestras almas y sociedades. Se escuchan dos relatos sobre ganarse la vida como artista en la era digital. Uno surge de Silicon Valley: «Nunca ha habido un mejor momento para ser artista. Si tienes un ordenador portátil, tienes un estudio de grabación. Si tienes un iPhone, tienes una cámara de cine. Y si la producción es barata, la distribución es gratuita: se llama Internet. Todo el mundo es un artista, simplemente explote su creatividad y publique sus cosas». El otro relato proviene de los propios artistas: «Claro, puedes poner tus cosas ahí, pero ¿quién te va a pagar por ellas? No todo el mundo es un artista. Hacer arte lleva años de dedicación y eso requiere medios de apoyo. Si las cosas no cambian, el arte en gran medida dejará de ser sostenible». Entonces, ¿qué relato es el verdadero? ¿Cómo se las arreglan los artistas para ganarse la vida hoy en día? Deresiewicz, un destacado crítico de arte y de la cultura contemporánea, se propuso responder a estas preguntas. Sostiene que estamos en medio de una transformación de época. Si los artistas fueron artesanos en el Renacimiento, bohemios en el siglo xix y profesionales en el xx, un nuevo paradigma está surgiendo en la era digital.
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Las intuiciones de Diderot sobre los problemas expresivos y compositivos, sobre el dibujo y el color o sobre el claroscuro reflejan poderosamente el debate dela segunda mitad del siglo XVIII en torno a las artesfigurativas, tanto que su Ensayo sobre la pintura impresionó profundamente a los pensadores alemanes másdestacado de su siglo -Lessing, Schiller y especialmente Goethe, que los traducirá añadiendo sus propios comentarios-, y anticipan muchas de las cuestiones queabordará la crítica de arte posterior, influyendo notablemente sobre los escritos de arte de autores comoBaudelaire, Zola o Apollinaire.
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La representación de formas vegetales ha sido una constante dentro de la historia de la fotografía. Este catálogo bilingüe, entendido como un jardín contemporáneo, crea un relato visual a partir de una selecciónde obras de la colección ''Per Amor a l'Art'', incluyendo artistas como Karl Blossfeldt, Imogen Cunningham, Hans-Peter Feldmann, Richard Hamilton, Jochen Lempert, Alessandra Spranzi...
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Una película independiente sobre unos famosos asesinatos comienza su rodaje en la sierra de Madrid. Por ella desfilará un extenso elenco de divertidos personajes, a cuál más incompetente que el anterior, dejandoa su paso planos muy mal rodados y lecciones para toda la vida. En este libro encontrarás multitud de consejos y conceptos técnicos y artísticos de todos los departamentos que conforman un rodaje de cine desde unpunto de vista cercano, sincero y práctico. Como lector no tienes por qué saber mucho de cine para sentirla angustia de los protagonistas, pero este Manual de cine indie es más que un desternillante relato sobre los entresijos de una filmación. Es un inspirador viaje lleno de sorpresas y enseñanzas técnicas que invita a devorar sus páginas, el retrato de una forma dehacer cine en España que resultará muy familiar tanto para quienes estén empezando como para los que tengan ya el beneficio de la experiencia. Que, a veces, reírse de los demás es muy sano. Y hasta instructivo.Esta es la divertida y fascinante historia de un rodaje en el que todo lo que podría haberse hecho mal sehizo mal. AUTOR Ezequiel Romero (Jerez de la Frontera, 1987) es un director de fotografía con infinidad deproyectos audiovisuales a sus espaldas. La mayoría de ellos son tan pequeños que es difícil acordarse deellos, otorgándole un puesto privilegiado en primeralínea de la retaguardia cinematográfica. Miembro de esa primera generación audiovisual que ha tenido que lidiar con la llamada democratización del cine , Ezequiel se ha curtido en todo tipo de proyectos independientes en España y por todo el mundo, siendo parte tanto de la primera hornada de webseries en nuestro paíscomo de proyectos en el corazón de África, por todaEuropa o en el loco cine de Bollywood, en el que asegura no haber tenido que ponerse a bailar todavía. Suestilo cinematográfico nace de un espíritu aventureroy trotamundos, con la pasión puesta en la resoluciónde problemas con ingenio y con pocos medios, algo indispensable en el audiovisual actual. A día de hoy trabaja en un amplio rango de proyectos y géneros en cine y publicidad en España y Reino Unido (donde vive,quejándose siempre del tiempo). Sigue poniendo en práctica las distintas facetas de su experiencia tanto en fotografía como en efectos visuales, edición, guióne incluso interpretación. Ahora, además, ha escritoeste libro. Para más información: www.ezequielromero.com
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Adaptación al cómic de la novela Emilio Carrere La torre de los siete jorobados, clásico incontestable delfantástico español llevado al cine por Edgar Nevilleen 1944. Cobra así nueva vida, en viñetas, esta historia en la que una ciudad subterránea convive con laurbe de Madrid entre misterios, tahures y aparecidos.Todo el sabor del folletín, no exenta de ribetes entre lo excéntrico y lo sobrenatural, servido en una novela gráfica de lectura absorbente que demuestra quelas grandes historias no están perdidas para siempre,sino que están llamadas a revivir periódicamente.
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* Aprenda a dibujar el cuerpo humano sin miedo con Jake Spicer, profesor y autor. * Informativa e instructiva, esta guía completa ofrece todas las herramientasnecesarias para dibujar la figura humana, del naturalo reproducida en una pantalla. * Reúne la enseñanzade las habilidades de observación, expresión y comprensión, con una amplia sección de referencias anatómicas, y las trata desde un enfoque coherente. Comenzando con los principios clave de la observación, este libro le ayudará a construir una base sólida de habilidades para realizar dibujos bien observados y conproporciones precisas. A medida que progresa, analizará procesos y hará ejercicios que van más allá de lopuramente observado para expresar el gesto, la formay la esencia de su modelo. Incluye ejemplos fotográficos e ilustrativos a lo largo del libro que apoyaránsu aprendizaje a cada paso. La claridad de los tutoriales quedescriben paso a paso todos los procedimientos aporta una comprensión práctica de los materiales, habilidades e ideas clave en el dibujo de la figurahumana. Una amplia sección de referencias anatómicas, divididaen zonas manejables, ampliará su conocimiento de lafisiología humana.
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La música és casa meva
La música fa millors les persones i la societat? Al llarg del temps, els fi lòsofs s'han plantejat aquesta qüestió amb un gran escepticisme. Alicja Gescinska afirma que la música escampa una influència positiva sobre nosaltres i pot tenir un paper important en el nostre desenvolupament personal i ètic. Avui, però, té poca rellevància en l'educació i la vida quotidiana, i la considerem només una font de relaxació, entreteniment o consol. En aquest assaig tan lúcid i clar en les formes i en els continguts, Gescinska assegura que la música és un dels fonaments de la nostra existència: ens fa més empàtics i estimula l'experiència creativa humana. La música dona forma al nostre lloc al món i sempre ens fa sentir a casa. «La música no només amplia la nostra comprensió dels altres, sinó també de nosaltres mateixos. En la música aprenem qui som i de què som capaços. La música contribueix a l'autoconeixement i el desenvolupament personal, i això és un component rellevant de la seva importància moral. »
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Este libro traza un recorrido desde los orígenes delgénero (Apartado de correos 1001, Brigada criminal oA sangre fría) hasta la época más reciente (Grupo 7,No habrá paz para los malvados o Que Dios nos perdone). También pasa por la contribución del injustamentedenostado Antonio Isasi Isasmendi y el cine quinqui de los ochenta. El cine negro español propiamente dicho arranca en 1981 con El crack, de José Luis Garci, que surge de la misma mitomanía que puso en marcha esanostalgia de la novela y el cine negro para retratarla corrupción.
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'El cine comienza con Goya'' cuenta los orígenes y creación de un lenguaje universal que será la matriz original del cine. Goya creó ese lenguaje visual dondese funda el lenguaje universal del cine. A la matrizgoyesca del lenguaje cinematográfico serán fieles todos los patriarcas fundadores. Georges Méliès, D. W. Griffith, Friedrich Wilhelm Murnau, Sergueï Eisenstein, Carl Theodor Dreyer, Fritz Lang, Alfred Hitchcock,Orson Welles, Luis Buñuel, Akira Kurosawa, Billy Wilder, John Huston, Stanley Kubrick, Andrzej Wajda, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Néstor Almendros, Luis García Berlanga, Carlos Saura, entre otros grandes maestros, utilizan, rinden homenaje y enriquecen el lenguaje universal concebido y creado por Goya para tocar latécnica y herramientas fotográficas con la gracia deun arte nuevo compartido por todas las civilizaciones.
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CON +600 BOCETOS DIFERENTES, DIBUJAR ANIMALES CON ALAS, 100 pájaros, mariposas y otros insectos es un libro de referencia visual indispensable para artistas en formación, ilustradores, periodistas de la naturaleza, dibujantes de la naturaleza y cualquier otra persona que quiera aprender a dibujar de manera más realista. o Crear formas y simetría básicas o Dibujar líneas para formas corporales, alas y sombras.o Mejorar su control de líneas
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Del carrer a l'estudi
CATÀLEG A PARTIR DE L'EXPOSICIÓ DEL CARRER A L'ESTUDI , DEL MUSEU DE VALLS _Del carrer a l'estudi_ preténámostrar dues visions entorn el grafit i l'art urbà. Per una banda, la seva història i pràctica en el context de Valls i el Camp de Tarragona, i per l'altra, l'apertura de mires dels seus practicants cap a altres llenguatges artístics. * El llibre inclou la contextualització, la història d'aquestes tendències a Valls i el Camp de Tarragona, un recull fotogràfic i les relacions entre la pràctica urbana dels creadors i la seva obra d'estudi.
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Un recorrido didáctico para aprender a dibujar. En
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Si en tiempos premodernos las mujeres fueron consideradas físicamenteinferiores a los hombres, se insistía en su irracionalidady se las recluía a la vida doméstica, eso no significa que todas ellasestuvieran privadas de capacidad de decisión ni que sus vidas fueranirrelevantes para la cultura y la sociedad de su tiempo. Aunquefueron experiencias minoritarias, hubo mujeres que se destacaronen el ámbito público, e incluso otras heroicas, símbolos de la virtudfemenina, la justicia y la fortaleza.La historia de Tomiris es, precisamente, una de esas anomalías:reina de los masagetas (siglo VI a. C.), ante una amenaza exteriorcontra ella y su pueblo, actuó con inteligencia, valentía y singularjusticia. Este libro se ocupa tanto de su historia como de la vida póstumade su figura, de las fuentes de quienes la contaron y de las apropiacionesy usos que hicieron de ella. Recorrer esos caminos nospermite descubrir también algunas de las expresiones culturalesy sociales que se opusieron a la emancipación de las mujeres, asícomo las que propusieron, justificaron y posibilitaron un papeldistinto para ellas en el pasado.
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Una deslazada y ondulosa cabellera de mujer ha sido,secularmente, un elemento de enorme admiración y, asimismo, de capacidad turbadora en los mitos eróticos de la sociedad masculina, un agente fetichista incitador de secretas fantasías en su imaginación, que se manifiestan tanto en la literatura como en el arte. Sinembargo, aquella ''corona real de la femineidad'', como la calificó Paracelso, ha encontrado condenas y restricciones morales y religiosas en muchos periodosde la historia. A pesar de ello, el pelo, su adorno,cuidados y belleza, ha inspirado a multitud de poetas, literatos y pintores, como recogen las páginas de este libro. Desde Ovidio al caballero Brantôme, hastalos modernistas, su glosa ha sido una constante en los campos de la sensibilidad artística.
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El Jazz es la base de toda la música estadounidense.Empezando como una revolución rítmica en Nueva Orleans, el jazz se transformó en big band swing, bebop yrhythm and blues, mientras que sus ideas de groove eimprovisación se convirtieron en parte integral del soul y el rock, luego del funk y el hip-hop. Este libro se centra en el desarrollo del jazz en las comunidades afroamericanas de cinco ciudades: Nueva Orleans,Chicago, Kansas City, Nueva York y Los Ángeles —,a través de una combinación de estudios urbanos, contexto histórico y perfiles clave de figuras importantes. También es una guía auditiva: las listas de reproducción seleccionadas iluminan la interacción dinámica de sonido y solo, blues y grooves, improvisacióny swing en conjunto. Los maestros de jazz enseñaron alos músicos del planeta cómo encontrar sus propias voces individuales y luego arriesgar esto en una conversación dinámica con otros. El jazz es una historia de arte, cultura, raza, libertad, estética, política,lucha y autoexpresión.
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Son numerosos los estudios que abordan los usos y costumbres establecidos en Sevilla sobre la época barroca. Este estudio viene a complementar visualmente dichos trabajos gracias al análisis de un amplio repertorio de imágenes que reproducen bodegones sevillanos. Su examen nos permite advertir con perfección los detalles de la vida cotidiana vinculados a la subsistencia alimenticia. Estas escenas tienen lugar en cocinas y comedores donde apreciamos las distintas labores que conlleva la gastronomía de aquel tiempo. También un segundo aspecto, reflejado a través de la pintura de floreros, nos permite conocer la sensibilidad y el buen gusto que imperaba en las clases sociales medias y superiores, que decoraban sus mansiones con lienzos en los que aparecen bellos repertorios florales. La gratitud visual de estas obras emana primero de la sensibilidad del pintor que las interpretó, pero también del buen gusto y el refinamiento de aquellos que encargaban este tipo de obras. Este recorrido, que dura un siglo y medio por la historia de los floreros y bodegones sevillanos, se inicia a principios del siglo XVII, momento en el que lentamente se fue implantando un claro sentido de la realidad. En principio estas novedades se ciñeron a formas escuetas y severas pero a partir de 1650 se incorporó el vitalismo y la teatralidad que caracterizaba al espíritu del arte barroco. Analiza este trabajo, a través de los bodegones y floreros pintados en Sevilla durante el periodo barroco, el sentido del gusto (gastronomía y estética) que en esta época tuvo la sociedad hispalense, imbuido siempre de una nítida inclinación hacia el equilibrio y la mesura. Enrique Valdivieso es catedrático Emérito de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla ha ejercido la docencia en la misma durante 40 años desde 1976 a 2016. Al mismo tiempo se ha dedicado a la investigación con especial predilección por el ámbito de la pintura, realizando numerosos trabajos en los que ha estudiado los conjuntos pictóricos de la Catedral de Sevilla (1978), Palacio Arzobispal (1978), Hospital de la Santa Caridad (1980), Universidad (1980) y Museo de Bellas Artes (1993). Y aparte ha realizado también varios libros sobre la historia de la pintura sevillana (1986) y de la pintura barroca (2003). Ha publicado sucesivas monografías dedicadas a los principales pintores de la ciudad, como Pedro de Campaña (2008), Francisco Pacheco (1990), Francisco de Zurbarán (1988), Bartolomé Murillo (2010), Juan de Valdés Leal (1988), Francisco de Herrera el Mozo (2015) y Sebastián de Llanos Valdés (2021). Ha realizado también numerosas exposiciones dedicadas a Murillo (1982), Juan de Roelas (2008), Francisco de Zurbarán (1998) y Juan de Valdés Leal (1991).
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En el transcurso de la historia, la música nos ha definido como especie. Sin embargo, es una parte ignorada del relato de nuestros orígenes. En busca de ese cosmos musical, este libro nos ofrece un viaje estimulante sobre la relación del ser humano con este arte. Una obra extraordinariamente tejida que abarca desde su evolución hasta los daños del colonialismo musical, pasando por un enfoque más científico sobre cómo responde el cerebro a la experiencia de músicos y aficionados. Una lectura para reflexionar sobre la importancia de la música y su presencia en nuestras vidas.
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Después de doctorarse en 1813 con su tesis filosófica Sobre la cuádruple raíz del principio de razón suficiente, Arthur Schopenhauer se ocupó un tiempo de la ciencia, a pesar de tenerla por actividad menor frente al arte y más aún a la filosofía. Lo hizo a raíz de su encuentro con Johann Wolfgang von Goethe, el cual, tras haber leído dicha tesis doctoral, se interesó por el joven filósofo, al que introdujo durante 1814 y 1815 en su todavía reciente Teoría de los colores (1810), así como en sus observaciones y experimentos al respecto. En esos años, se encontraron en alguna ocasión y mantuvieron una viva correspondencia que fue volviéndose cada vez más escasa tras la publicación de la obra de Schopenhauer fruto de todo ello: Sobre la visión y los colores.
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¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostración, todo se vuelve luminoso y accesible. El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras: Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko... Y el arte se torna límpido. 42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDER•, Análisis de la obra «paso a paso»•, Detalles puestos de relieve 42 PÁGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AÚN MÁS•, Contexto histórico y cultural•, Cuadros complementarios
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El cuerpo es últimamente centro de interés creciente de las ciencias humanas. Sus secretos están lejos de ser completamente desvelados. Estudios recientes insisten en que el cuerpo tiene una historia y que esta historia abarca apariencia y profundidad, deseo y poder, caída y apoteosis, vida y muerte. Este es el contexto en el que el presente libro pretende adentrarse, apelando a los instrumentos del historiador de las imágenes. Hasta hoy, el comentario estético tradicional se ha situado esencialmente en el terreno de las apariencias, escamoteando la confrontación con lo que las supera, lo visible no es únicamente cuestión de superficie. El cuerpo es una representación, inseparable de la mirada que lo elabora y de los ''media'' que lo exhiben, indisociable de su propio envoltorio cutáneo (maquillajes, incisiones, armaduras, velos, adornos) y traducido por palabras, letras, películas de color, bloques de mármol, pantallas de proyección. Este libro estudia el papel que desempeñan en la construcción del imaginario del cuerpo las creencias, los efectos de conciencia, los gustos estéticos, los deseos, los caprichos, las obstrucciones y los temores.
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Cesc, cartellista
Un llibre que ens convida a (re)descobrir l'obra d'un dels artistes més importants de la nostra història. «Cesc, fill del gran dibuixant del Noucentisme D'ivori, va fer un pas endavant i va deixar de banda els tics repolits d'aquesta herència per endinsar-se en una realitat històrica i social pròpia dels seus temps, com era lluitar contra una dictadura, sempre amb contenció per no alertar la censura. Cesc va saber crear un codi propi gairebé sempre basat en la figura humana en totes les seves etapes, sovint mostrant la convivència de generacions. Aquest nou llibre sobre Cesc era necessari perquè cobreix vessants fins ara no recollides, com ara treballs fungibles, publicitat, felicitacions de Nadal, promoció de la lectura i de la recuperació de la llengua catalana, etc. I en tots els camps Cesc és imaginatiu més enllà dels tòpics. [...] Però la seva essència és el ninot, seguint l'estela dels ninotaires catalans. El dibuix a ploma, fluid, sempre amb gestualitat expressiva, convida a la reflexió empàtica. És el gran sociòleg de la Catalunya del franquisme. Parli d'anar a escola o de marxar de vacances, el seu compromís polític, és a dir amb la polis, és sempre present.» Daniel Giralt-MiracleCesc va ser un dels grans cronistes del seu temps, d'un humor no càustic, que representava totes les classes socials sense malícia.
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¡Crece como artista, aprende y experimenta nuevas técnicas y que tu arte mejore constantemente! Dibuja lo que amas pretende, sencillamente, animar a la gente a dibujar. El momento perfecto no existe, lo único que hace falta es tener el deseo de crear, la motivación para lanzarse a ello de cabeza y, claro está, no decaer y seguir mejorando y avanzando. Para adquirir destreza en el dibujo, lo que hay que hacer es, básicamente, dibujar mucho. En esta obra, la autora profundiza en los procesos y comparte conocimientos, técnicas exclusivas y secretos comerciales aprendidos durante su carrera, mediante divertidos proyectos desglosados y tutoriales guiados, aprovechando así la oportunidad de crecer a la par que las personas a las que enseña.
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La melodía del violín de Lev fascinó a Helena Attlee desde la primera vez que la oyó en un concierto. Pronto averiguó que se trataba de un viejo instrumento italiano que llevaba el nombre de su antiguo propietario ruso y contaba con una rica historia. Ávida por descubrir los detalles de su origen y el resto de secretos que albergaba su delicado cuerpo de madera, Attlee se dirigió a Cremona, la cuna del violín italiano y el punto de partida de un extraordinario viaje de fin inesperado. A través de las visitas a talleres polvorientos, bosques alpinos, iglesias venecianas, lujosas cortes florentinas y remotos mercadillos rusos, El violín de Lev nos lleva del corazón de la cultura italiana a sus más lejanos confines. Una historia asombrosa de lutieres y científicos, príncipes y vagabundos, instrumentistas, compositores y viajeros, que es a la vez una conmovedora meditación sobre el poder de los objetos, de los relatos y de la música para crear culturas enteras y transformar la vida de las personas.
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La segunda mitad de los sesenta es crucial en la historia del pop y el rock. Se cuenta, con profusión, la presencia de formaciones y personalidades nacionales que marcan el momento pero también el influjo internacional y las numerosas visitas exteriores. Clave es aportar una visión transversal, global, año a año, incidiendo en todos los géneros convivientes y mostrando toda esa cultura popular que personifica un tiempo diferente: moda, diseño gráfico, radio, televisión, revistas, diarios, nuevo cine, publicidad, reproductores e industria discográfica. Se palpan subculturas, drogas legales e ilegales y una sensación de estar conectados, permanentemente, con el exterior. Y es que, más allá de los avatares políticos, la variedad artística –,de Los Bravos a Serrat y de Aute a los jovencitos Paco de Lucía y Camarón de la Isla–, es incesante y, al margen de importar fenómenos, se exportaban diferentes nombres y corrientes al mundo.
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Demasiados artistas se encuentran en una rutina frustrante: incapaces de vender sus cuadros colgados en galerías y atascados en proyectos que no pueden terminar o abandonar, utilizan cualquier excusa para evitar trabajar en el estudio. La autora, Carol Marine, sufría ese bloqueo del pintor, hasta que descubrió la pintura diaria. La idea es simple: hacer arte (normalmente pequeño), a menudo (la frecuencia depende de cada uno) y, si se desea, publicarlo y venderlo en Internet. Hoy, Marine figura entre los mejores y más célebres pintores diarios, y es la comisaria de la popular galería online dailypaintworks.com. En este libro revela los consejos y trucos que la ayudaron -tanto a ella como a otros pintores diarios- a tomar el pincel y crear un trabajo hermoso, abundante y comercializable. Con un tono alentador y ejercicios útiles, Marine te enseña a: * Dominar la composición y el valor. * Tener confianza en cualquier medio (incluida la pintura al óleo, la acrílica, la acuarela y otras). * Elegir los temas sabiamente. * Fotografiar, publicar y vender tu arte en línea. * Conectar con el creciente movimiento de pintores diarios en todo el mundo.
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En el 60 aniversario del film ¿Qué fue de Baby Jane?, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: El duelo de divas, el rodaje, la repercusión, las secuelas... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Extrechinato y Tú surgió del empeño de Robe, líder de Extremoduro, por dar a conocer la poesía de Manolillo Chinato, poeta anónimo del que había tomado prestados algunos versos e ideas para sus canciones, siendo la más conocida, prácticamente un himno, “Ama, ama, ama y ensancha el alma”. Robe se compinchó con Fito Cabrales e Iñaki Antón, de Platero y Tú, con el propósito de crear una banda única con la que musicar los poemas de Chinato en un disco conjunto, Poesía básica. La única obra de tan insólita formación, un álbum de culto que consiguió rápidamente unas ventas tan elevadas como inesperadas.Este libro reconstruye el proceso que llevaría a la grabación de esa deslumbrante obra poético-musical, siendo, a la vez, un homenaje a Manolillo Chinato, poeta de corazón abierto y entregado. En sus páginas dan testimonio de todo lo acontecido los principales protagonistas: Manolo Chinato, Roberto Iniesta, Fito Cabrales e Iñaki Antón. También, aquellos que impulsaron el proyecto desde la discográfica, además de periodistas y músicos próximos como Rulo (Rulo y La Contrabanda entonces en La Fuga), Alén Ayerdi (Marea), Poncho K, Rosendo o Ara Malikian.Más de veinte años después de su edición, Poesía básica continúa seduciendo a quien lo escucha, definiendo una época dorada para el rock poético que ha cautivado a varias generaciones. De todo ello da buena cuenta Javier M. Alcaraz en este volumen, fundamental para entender tan extraordinario disco.
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Este libro pretende ser un manual de referencia para los maestros de música y que en un solo libro tengan material para todos los niveles de educación primaria.En un planteamiento interdisciplinar con otras áreas curriculares, la programación presentada a partir de la nueva legislación educativa no se olvida de las nuevas tecnologías, tampoco de la diversidad en el aula ni de la inclusión del alumnado utilizando la música. Todo ello con una metodología activa y vivencial.El libro explica paso a paso todo lo que se necesita para preparar un curso entero, desde la metodología, los recursos, las actividades a realizar, la evaluación, etc., tomando como marco de referencia la enseñanza por competencias.
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Esta nueva publicación de las Colecciones Fundación MAPFRE hace un recorrido por la Suite Vollard, los 100 cobres grabados que Pablo Picasso realizó entre el 13 de septiembre de 1930 y marzo de 1937, por encargo del marchante y editor Ambroise Vollard y que hoy es considerado uno de los testimonios histórico-artísticos más importantes del siglo XX.El conjunto apareció en 1939 en dos formatos distintos, uno grande (760 x 500 mm) sobre papel avitelado firmados por el artista con lápiz rojo o negro, con 50 ejemplares por plancha, y otro más pequeño (445 x 340 mm) sobre papel verjurado de Montval con la marca al agua «Vollard» o «Picasso» en tirada de 250 ejemplares. Este segundo formato se encuentra hoy disperso como láminas sueltas en diferentes colecciones privadas o públicas y solo algunos de estos conjuntos, como el de FUNDACIÓN MAPFRE, se conservan unidos.El catálogo incluye la reproducción de todas las planchas que conforman la serie y cuenta con textos de Rocío Robles y Leyre Bozal Chamorro. Además, se completa con una cronología que aborda el período en el que Picasso grabó la serie.
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La exposición El gusto francés pretende paliar una deuda pendiente: la del análisis de la presencia del arte galo en nuestro territorio a lo largo de un período prolongado, el de mayor influencia recíproca e interrelación entre los dos países: los siglos XVII, XVIII y XIX. El proyecto se plantea de manera transversal. Cruza aspectos de la historia del gusto con elementos de la historia del coleccionismo, combinados con otras disciplinas colaterales como son el estudio de las relaciones diplomáticas, los fenómenos de hibridación cultural o el análisis de la construcción de las identidades nacionales. Asimismo, desde el punto de vista estrictamente material, la muestra no se plantea límites y trata de pensar en esa evolución de un cierto gusto atravesando territorios creativos tan diversos como la pintura, la escultura, los textiles, las artes suntuarias y objetos de uso cotidiano o la moda.
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Aprende a dibujar 100 hermosos animalesDescubre y dibuja la fenomenal variedad de criaturas que nuestro Planeta Azul nos ofrece, desde un oso polar blanco como la nieve o un misterioso jaguar, hasta un orgulloso león o una adorable llama. El proceso para dibujar cada animal se divide en solo tres o cuatro sencillos pasos. Añadiendo algunas formas simples en cada paso, se puede crear un dibujo hermoso y realista de nuestra criatura favorita de una manera increíblemente rápida.Al final se ofrecen dos versiones de cada animal, una sombreada a lápiz y la otra coloreada, para mostrarte cómo podría quedar tu dibujo según la opción que elijas. Este es el libro perfecto para artistas en ciernes y amantes de los animales que deseen dibujar su especie favorita.
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Podría parecer a simple vista que «ficción» y «realidad» son dos esferas que se diferencian nítidamente la una de la otra, pero lo cierto es que muchas más veces de las que sospechamos actúan como cara y contracara de una misma moneda... llegando incluso a (con)fundirse en múltiples ocasiones. En «El arte de inventar la realidad», la historiadora del arte y crítica de cine Áurea Ortiz Villeta sondea, a través de abundantes ejemplos de películas y series, incluyendo documentales, el modo en que esta (con)fusión opera, dando lugar a equívocos que, ya sean intencionados o no, bien pudieran suponer un reto a la hora de delimitar qué es la verdad y qué no lo es. ¿Puede una imagen inventada llegar a sustituir lo real? ¿Puede una representación convertirse en algo más real que lo real? Pensemos en un ejemplo icónico: el atentado contra Carrero Blanco. ¿Qué imagen acude a nuestra mente casi al instante al pensar en ello? [...] En efecto: una escena perteneciente a la película Operación ogro, del director italiano Gillo Pontecorvo. Una ficción... que sin embargo ha quedado fijada en el imaginario colectivo como representación paradigmática de un suceso. Este breve ensayo rastrea las zonas de sombra en las que lo ficticio y lo real se entremezclan, en un itinerario orientado a arrojar luz sobre una pregunta de fondo: si cada vez nos cuesta más diferenciar las imágenes ciertas de las ficticias, ¿cuáles son los retos a los que nos enfrentamos como sociedad?
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Tenemos un centenar de páginas para resolver un casomisterioso, un crimen que se cometió hace un siglo yen el que se asestó un golpe mortal al Arte Modernoy se alumbró lo que llamamos Arte Contemporáneo. El cuerpo del delito: la obra Criadero de polvo (1920). Los principales sospechosos: Marcel Duchamp y Man Ray.El arma homicida: un gran vidrio, una cámara fotográfica, motas de polvo. El móvil: convertir al artista-médium en artista-Midas. A través de este ensayo, articulado al estilo de una clásica novela de detectives, quizá no encontremos al verdadero asesino, pero porel camino entenderemos mejor un momento clave de laHistoria del Arte, cuando cambió radicalmente la figura del Autor y la noción de Obra, su relación con conceptos como Tiempo, Azar o Belleza, y su misma constitución
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Los lugares sagrados figuran entre los sitios más visitados y venerados del mundo. De hecho, ofrecen otro nivel de experiencia a sus visitantes y peregrinos, lleno de intensidad, presencia y, para algunos, niveles de vibración y conciencia más elevados. El inconveniente es que a menudo están abarrotados de turistas cuya presencia arruina este momento privilegiado. Secret Sacred Sites propone explorar 100 lugares sagrados menos conocidos, a menudo solo por los lugareños, garantizando una experiencia auténtica.
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