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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Los acrílicos se han convertido en el material artístico más adaptable a la era moderna. Los avances en la industria de los pigmentos han dado a los acrílicos una paleta notablemente permanente, rica y abundante, convirtiéndolos en el medio favorito de muchos artistas contemporáneos. A medida que se desarrollan los colores, también se mejoran sus componentes químicos para lograr una mejor textura y manipulación.Los vendedores de materiales de arte ahora ofrecen medios acrílicos para diluir, espesar, glasear, moldear, verter, texturizar y docenas de otros usos. Incluso los pintores acrílicos experimentados pueden sentirse confundidos e incluso intimidados por esta asombrosa diversidad de productos. El pintor y experto en materiales artísticos Rhéni Tauchid simplifica este tema desalentador, explicando claramente cada tipo de medio y sugiriendo formas en que puede mejorar su práctica de pintura.Más de veinte demostraciones paso a paso le enseñarán cómo aplicar medios para crear colores vibrantes, superficies sensuales y efectos visuales sorprendentes. Cientos de hermosas fotografías ilustran el potencial casi ilimitado de los medios y le muestran cómo otros artistas, tanto abstractos como realistas, están empleando medios para impulsar su arte en nuevas direcciones creativas. El primer libro de este tipo, esta referencia esencial pertenece al estante de todo pintor acrílico.
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Aquest no és un llibre més sobre arquitectes modernistes, sinó una publicació que contextualitza com era l’ofici de l’arquitectura en els anys del Modernisme al voltant de la figura d’Enric Sagnier i Villavecchia i quatre personatges de la seva mateixa època: Lluís Domènec i Muntaner, Josep Puig i Cadafalch, Antoni Gaudí i el seu deixeble Josep M. Jujol.
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El libro de referencia sobre Alaska, una de las artistas más importantes de nuestro país, columna vertebral de la movida y la edad de oro del pop español. Alaska y otras historias de la movida se publicó por primera vez hace más de veinte años. Por aquel entonces, el fenómeno cultural y social denominado movida cumplía sus primeras dos décadas. Aún era una corriente por reivindicar y la historia de Alaska, una de sus máximas representantes, todavía no había sido contada. Tampoco lo hacía en su totalidad este libro, que inicia el relato vital de la artista a partir de su infancia en México, su llegada a España siendo una niña, sus precoces experiencias musicales con Kaka de Luxe, su irrupción definitiva en el nuevo panorama musical con Alaska y los Pegamoides, y concluye con su consolidación como estrella gracias al éxito de Deseo carnal, el segundo álbum de Dinarama, que coincide también con el fin de la movida, que pasa de ser una manifestación cultural espontánea a convertirse en una etiqueta que, con el paso del tiempo, va perdiendo parte de su significado real. Alaska y otras historias de la movida no es un libro sobre música. Es una narración que cuenta la historia de una serie de personajes, siempre con Alaska como principal protagonista, que durante unos años cruciales para España cambiaron su devenir cultural. Es un híbrido entre el ensayo y la biografía que se lee como una novela, también porque ya han pasado más de cuatro décadas desde que todo esto sucedió. Cuatro décadas en las que el mundo ha cambiado hasta unos límites inimaginables, para bien y para mal. Es por eso mismo que esta obra, descatalogada desde hace mucho y convertida en libro de culto, pedía una reedición. La esencia de lo que ocurrió entonces en Madrid y de lo que vivieron Alaska, Nacho Canut, Carlos Berlanga, Ana Curra, Eduardo Benavente, Paloma Chamorro, Pedro Almodóvar, Fabio de Miguel, Javier Furia, Luis Miguélez, Pablo Pérez Minguez, Blanca Sánchez y otras figuras imprescindibles de aquel momento queda reflejada en estas páginas. Un poderoso coro de voces que hace de este relato una experiencia adictiva. Respetando la versión original del libro, e incluyendo una introducción de la periodista Elena Cabrera, Alaska y otras historias de la movida vuelve a las librerías. El texto está acompañado por fotografías tomadas por el propio autor en sus años formativos como creador del fanzine Estricnina, una tarea que propició su primer contacto y sus primeras entrevistas con Alaska y demás protagonistas de esta historia. La misma vieja historia sigue sonando nueva porque de lo que habla en realidad es de pasiones, amistad, traiciones, celos, identidad y ambiciones. Existen otros libros sobre la movida, pero ninguno es como este.
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Have lunch with the inmates of a high security prison, stroll through a sex shop into a Mexican restaurant, sing your heart out in a clandestine Korean karaoke club, tap your toes in a gypsy swing club, get pickled in a marooned Irish pub, join the sixties club that's still swinging, drink cappuccinos made by murderous bikers, play petanque in a central London cellar, tap an oak-tree trunk for whisky ...
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Sometimes, on a street corner, a forgotten but flamboyant façade recalls past glories. It's there to remind everyone that cinema is immortal.The packed audiences of darkened cinema rooms are no more. People are gradually drifting back home to lounge in front of a multitude of online platforms, far less expensive than a trip to the picture palace. Habits have changed... the cinema is no longer a world of magic.Movie theatres have lost their splendour, often pushed into the suburbs and choked left and right by fast-food chains as if they were ashamed to exist at all.
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Los míticos coloquios del programa televisivo ¡Qué grande es el cine! correspondientes a las películas Casablanca y 2001: una odisea del espacio.
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Andy Warhol fue un incansable cronista de la vida y sus encuentros. Acompañado siempre de una cámara Polaroid, desde finales de la década de 1950 hasta su muerte en 1987 reunió una enorme colección de instantáneas de amigos, amantes, mecenas, famosos y desconocidos, pero también de paisajes, de todo aquello que estaba de moda y de sí mismo. Creado en colaboración con la Fundación Andy Warhol, este libro presenta más de 150 de esas imágenes espontáneas.Se incluyen retratos de famosos como Mick Jagger, Alfred Hitchcock, Jack Nicholson, Yves Saint Laurent, Pelé y Debbie Harry junto a imágenes del entorno de Warhol, de su lujosa vida y sus paisajes, así como bodegones de muñecas Cabbage Patch o sus emblemáticas latas de sopa. Las polaroids, a menudo sencillas e improvisadas, documentan la era de Warhol del mismo modo que hoy Instagram relata la nuestra. Un testimonio único de la vida, el mundo y la visión del maestro de arte pop y de la modernidad.© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
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La creación de la ruta del Kisokaido fue una orden del entonces sogún de Japón, Tokugawa Ieyasu, que a principios del siglo XVII decretó la construcción de estaciones de descanso en el penoso tramo que iba desde Edo (actual Tokio) hasta Kyoto. Se abrieron posadas, tiendas y restaurantes que proporcionaban alimento y alojamiento a los agotados viajeros. En 1835, el famoso xilógrafo Keisai Eisen recibió el encargo de realizar una serie de estampas que representaran la ruta del Kisokaido. Después de hacerse cargo de 24 de estas estampas, Eisen fue sustituido por Utagawa Hiroshige, que completó la serie de 70 imágenes en 1838.Tanto Eisen como Hiroshige eran reconocidos maestros del grabado. Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaido pone de manifiesto los distintos estilos de ambos y su habilidad común. Desde el ajetreado punto de partida de Nihonbashi hasta el castillo de Iwamurata, Eisen opta por una paleta más apagada, pero sobresale en la figuración, sobre todo en la representación de mujeres glamurosas, y se recrea en las imágenes de toda la actividad que se realiza a lo largo del camino, desde el herrado de un caballo hasta campesinos aventando arroz. Hiroshige demuestra su dominio del grabado paisajista con escenas grandiosas y evocadoras, desde las tranquilas orillas del río Ota hasta el imponente paso de Wada o una ascensión a la luz de la luna entre Yawata y Mochizuki.Tomadas en conjunto, las estampas de Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaido suponen no sólo un animado ejemplo del arte de la xilografía, con composiciones audaces y un uso experimental del color, sino también un encantador tapiz del Japón del siglo XIX, mucho antes de que apareciera el fantasma de la industrialización. Esta nueva edición de TASCHEN presenta la serie con la excelencia que merece. Las imágenes reproducidas provienen de la única primera edición de la serie completa que se conoce, lo que asegura la mejor calidad para esta legendaria obra.
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¿Qué hay de nuevo en la cultura urbanística contemporánea? Una paradoja del urbanismo contemporáneo es la coexistencia de diagnósticos, visiones y estrategias disruptivas con la recuperación de ciertas concepciones y tradiciones que emergen en momentos y situaciones urbanas anteriores. En paralelo, las miradas retrospectivas de la historia del urbanismo suelen presentar un proceso de construcción lenta del saber urbano en correspondencia con los cambios graduales y progresivos en la modernización de las ciudades. En lugar de revoluciones o cambios bruscos, se habrían producido avances continuos en el planeamiento el diseño urbano, con ajustes y adaptaciones a lo largo del tiempo.Abordar los desafíos actuales de las ciudades y los procesos urbanos implica reflexionar sobre el significado y el alcance del proyecto moderno en el campo del urbanismo. Surge la pregunta fundamental de si el proyecto moderno es un ‘proyecto incompleto’, susceptible de ser continuado y enriquecido con nuevas aportaciones y revisiones críticas, como sugiere Habermas, o si representa un discurso históricamente superado, propio de la era de la modernidad. En este libro se examinan algunos de los debates clave del urbanismo desde la década de 1950 hasta la actualidad. El objetivo es identificar tanto lo nuevo como lo no tan nuevo, así como las continuidades y rupturas, las influencias y las innovaciones que han moldeado el discurso urbanístico contemporáneo. Para ello, se han seleccionado y emparejado veinte urbanistas contemporáneos de dos generaciones. A través de la revisión de sus obras en torno a diez temas recurrentes en debate urbanístico se pretende fomentar el conocimiento y el diálogo entre las diversas perspectivas y visiones que han dado forma y continúan estando en la base del pensamiento y la práctica urbanística actual.
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Sumérgete en un océano donde las palabras juegan con los peces y las imágenes se transforman en adivinanzas llenas de movimiento, las «Adivi-danzas». Es una invitación aimaginar, dibujar y escribir a pescar en el lenguaje cotidiano con las redes del pen
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El artista americano Mark Tennant logra sorprendernos con algunas de las obras más intrigantes y relevantes de la cultura urbana actual. Sus pinturas evocan reminiscencias del impresionismo y se sumergen en la transmisión de emociones implícitas en colores y formas, alumbrando retratos cautivadores de la juventud urbana contemporánea. El catálogo de esta exposición nos invita a sumergirnos en el contraste entre lo clásico y lo contemporáneo, desafiando la noción de que solo las corrientes artísticas modernas pueden explorar la riqueza de la cultura urbana.
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Tras su célebre monografía Blue Violet (Monacelli, 2021), la fotógrafa Cig Harvey continúa su estudio personal de la experiencia sensorial, centrándose en la naturaleza efímera de la luz, los pigmentos y la visión.Sus últimas fotografías son cuadros exuberantes de sus temas característicos (flora, pasteles, interiores domésticos y la figura humana en el paisaje) acompañados de viñetas en prosa sobre la ciencia y el arte del color, escritas en su estilo vibrante e íntimo.Con un epílogo del galardonado novelista y poeta Ocean Vuong, Emerald Drifters es un catálogo de placeres y desamores, y ''un llamado urgente a vivir''.Cig Harvey es una artista nacida en Gran Bretaña y residente en Maine que utiliza imágenes y lenguaje para celebrar la belleza de lo cotidiano. Su trabajo ha aparecido en The New York Times, Vogue y The Wall Street Journal. Esta es su quinta monografía.
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COL.LECCIÓ: BAL DE CANÇONS Diversos autors Una col·lecció per iniciar els nens i nenes, des dels 2 anys, en l'expressió musical d'una manera lúdica. El professorat trobarà recursos per introduir el cançoner popular català, així com cançons d'arreu del món en les llengües originals. Hi ha també volums per treballar la música instrumental i per incorporar-hi l'expressió corporal i plàstica. Inclouen orientacions didàctiques i, en alguns casos, uns CD de reforç amb les cançons.
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Dans les œuvres de sa maturité, Velázquez est insaisissable. Il est avec Phidias, de tous les maîtres souverains, celui qui se dérobe le plus complètement dès qu'on veut définir son œuvre et pénétrer dans son intimité. Son langage se confond avec celui des phénomènes naturels aussi absolument qu'il est possible. Quand il s'agit de Velázquez, nous ne retrouvons plus les points de repère habituels qui nous servent à fixer notre émoi et à caractériser notre impression. Les notions purement verbales de lignes, de taches, de volumes où nous allons puiser quand nous voulons définir d'un seul mot le génie des Florentins, des Vénitiens, des Hollandais, s'effacent et deviennent confuses dès qu'on cherche à les appliquer à l'œuvre du maître espagnol.
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![Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw57853e1c/images/large/1531933.94.jpg?sh=240 "Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]")
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Eclecticismo, acumulación, superposición, relación, celebración… estas son algunas de las palabras que sirven para describir la publicación de Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus (Fachada Foto Fiesta Futuro Fideos) hace un recorrido por el universo artístico y vital del artista a través de unas sesenta obras que van desde finales de los años ochenta hasta la actualidad y que se materializan en forma de esculturas, collages, fotografías, instalaciones, vídeos y acciones en vivo.El libro incluye una selección de textos de Elvira Dyangani Ose, Martí Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares y Núria Gómez Gabriel, que ayudan a poner el foco en diferentes aspectos de su práctica, y reúne una amplia selección de imágenes de las acciones y obras del artista, así como vistas de sus diferentes instalaciones. La intención final es conseguir dinamitar el orden cronológico de la narrativa y establecer una contaminación de relatos que ayuden a entender su universo.La publicación consta de tres ediciones separadas en catalán, castellano e inglés.
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Con motivo del centenario del nacimiento de Venancio Blanco (1923-2018), la publicación recoge una selección antológica de su obra, privilegiando la escultura, disciplina por la que fue internacionalmente reconocido.
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La fusión de oriente y occidente se consuma sobre el muro que Antoni Tàpies pinta desde dentro, «a tientas». Desde la opacidad se puede vislumbrar la luz. De ahí que sea interesante seguir la presencia y la función espiritual de aquellos órganos que aluden a los dos sentidos más presentes en su obra: el ojo y la mano.El ensayo traza un recorrido por la obra de Tà̀pies desde sus inicios para rastrear esa búsqueda de conciencia interior, pero también se aproxima «ciegamente» y con más detenimiento a las pinturas del último período de Tà̀pies, una etapa que muestra la fuerza de la pérdida, y en la que la obra se hace aún más fetiche, más mágica.
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El presente volumen plantea un conjunto de doce aproximaciones a la labor de las directoras y otras creadoras y profesionales desde los inicios del cine hasta nuestros días. A través de una serie de grandes temas imbricados en tres categorías comprensivas —las realizadoras adscritas al clasicismo cinematográfico, las afines a la Modernidad, las incatalogables de ayer y hoy—, se analizan los aportes al cine de las mujeres teniendo en cuenta siempre dos aspectos complementarios: las diversas facetas creativas, técnicas y productivas del medio y las posibilidades que han tenido las artistas de intervenir sus estructuras a fin de aportar perspectivas fílmicas más enriquecedoras para todas y para todos.
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* 100 imágenes que le obligarán a detenerse para redefinir su forma de pensar sobre la fotografía. * Repleto de enlaces y sugerencias para leer, escuchar, ver y disfrutar. * Una lectura obligada para cualquiera que aprecie el poder de la imagen. Redactado con sumo cuidado para ofrecer una nueva perspectiva del medio, incluye el trabajo de leyendas de la fotografía como Ansel Adams y Martin Parr, junto con excelentes imágenes de los fotógrafos actuales más creativos. Con independencia de si se trata de impactantes obras de periodismo fotográfico o de imágenes que reescriben las reglas de la fotografía, es un resumen incisivo que importa y que es necesario ver. La vida es demasiado corta para la mala fotografía. Las propuestas de este libro valen la pena.
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* Descubra 100 conceptos clave y pautas interdisciplinarias imprescindibles para utilizar el color con éxito. * Profusamente ilustrado y de fácil consulta, vincula explicaciones claras de cada tema y ejemplos visuales aplicados a la teoría y la práctica. * Ya sea en una campaña de branding, un centro sanitario, el embalaje de un producto o la interfaz de una aplicación informática, el color que vemos es la materialización de un gran número de conceptos y prácticas que se unen desde múltiples disciplinas para aumentar el atractivo, influir en la percepción y mejorar la comodidad de uso. Incluye conceptos y ejemplos, con los que podrá aprender a tomar decisiones de color más cimentadas y eficaces. Un punto de referencia fundamental para diseñadores, artistas, arquitectos y estudiantes que deseen ampliar y mejorar su conocimiento y experiencia del color.
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A través de 71 entrevistas inéditas a Evaristo Páramos, Pako Eskorbuto, Fermin Muguruza, Loles Vulpes, Aurora Beltrán, Pablo Cabeza, Marino Goñi, Carlos Tena, Kirmen Uribe, Ramoncín, Mikel Erentxun, Anje Duhalde, Ruper Ordorika, Anari, Verde Prato o Chill Mafia, Jerry tira de los hilos que entretejen el relato de lo que fue el RRV, para recorrer orígenes, ascenso, caída, funeral y herencia del fenómeno. Las escenas más icónicas (e iconoclastas) de la historia de la música vasca en los ochenta: Los Clash enarbolando una ikurriña en Anoeta, los fanzines tomando la calle, la izquierda abertzale cambiando el kaiku por la chupa de cuero, una fábrica abandonada, las Vulpes en TVE cantando «¡Me gusta ser una zorra!», un chute de heroína o los chavales corriendo delante de la policía.
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Han transcurrido cien años desde la publicación del Manifiesto del surrealismo por André Breton, una centuria, pues, del nacimiento de un vigoroso proyecto –a caballo entre lo poético y lo vital– que cuestionó la condición humana en su totalidad política y cultural, individual y colectiva. La propuesta surrealista, más que un pensamiento o un arte revolucionarios, entrañaba una práctica vital que permitía ver que las cosas «realmente» podían ser diferentes, otras.Loreto Casado ofrece aquí una nueva traducción que actualiza la lectura del Manifiesto del surrealismo y propicia un exhaustivo y profundo comentario sobre su calado histórico y artístico. Propone, además, un recorrido desde la fundación del grupo hasta su disolución, dando voz a quienes vivieron más de cerca la disrupción surrealista, cuyo sentido heroico y revolucionario perdura aún, como aliento inspirador, un siglo después.
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'María Blanchard nos pinta pobres seres meditativos, bien sean hombres, mujeres o niños, envueltos muchos de ellos en una atmósfera melancólica próxima a la ternura. Tiene para sus criaturas una fisonomía propia. Los personajes de sus cuadros pertenecen todos a una misma raza: nariz ancha, labios gruesos, tiernamente sensuales, ojos tristes, brillantes, cuello corto…'' Escrita en 1941, esta es la primera monografía dedicada en España a María Blanchard. Se la debemos a María Laffitte y Pérez del Pulgar, condesa de Campo Alange, escritora y crítica de arte, defensora de los derechos de la mujer y fundadora, en 1960, del Seminario de Estudios Sociológicos de la Mujer.
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En el context de la Barcelona dels anys cinquanta, molts sectors professionals estaven vetats, de manera explícita o implícita, a les dones. Un d?aquest era el de la fotografia. Carme Garcia va ser una de les excepcions, que com altres dones del Grup Femení de l'Associació de Fotògraf de Catalunya, van donar una visió moderna i van buscar un camí propi. Esgarrapant temps entre les obligacions familiars, va convertir el terrat de casa seva i en el de les cases properes en mirador i estudi per excel·lència durant dècades. Escenari de joc, de lectures, de rentar i d'estendre roba, d'alegria i frenètica activitat jugant i fent fora la neu. És als terrats, i als carrers, on transcorre una part important de la vida urbana.
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Libros singulares Alianza
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En esta obra se encierran años de investigación y práctica dedicados a la formación y dirección del actor, pero ello no le daría un valor especial si no fuera el resultado de una forma de ''vivir'' el teatro. Éste ha sido siempre el objetivo y -la gran lección- de WILLIAM LAYTON: desarrollar una técnica que se toma a sí misma como punto de partida y no como dogma de fe, una enseñanza que tiene lugar en un proceso de crecimiento orgánico y que ''sólo aspira a indicar un buen camino''.Lo que el lector encontrará es un cuidadoso resumen de su proceso didáctico, una técnica que encuentra en su sencillez y claridad sus mayores virtudes, pero también su gran dificultad y desafío. Porque si este ''trampolín'', instrumento tan fácil de entender como difícil de dominar, se quiere usar con virtuosismo, es decir, ''volar'' con él (''vivir'' el teatro), requiere, como dice su autor, ''meses de trabajo... años de práctica para hacerlo propio'', y así estar preparado para ''aprender del mejor maestro: el Público''.
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Guías singulares Anaya Touring
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El tercer título de Monacelli Studio de Juliette Aristides, The Inner Life of the Aritst, es una guía inspiradora para pensar, crear y encarnar la mente de una persona creativa. El libro contiene una serie de ensayos breves y perspicaces y citas de artistas contemporáneos e históricos, cada uno acompañado de una selección conmovedora e inspiradora de casi 100 obras de arte del pasado y del presente, para ayudar a ampliar nuestra capacidad de asombro.Para aquellos interesados en el dibujo, la pintura y otras formas de arte, el libro amplía los principios del taller con ejercicios divertidos, accesibles y prácticos aplicados en todo momento, con énfasis en el cultivo de la mente artística, junto con la mano y el ojo.Presentado en un paquete compacto visualmente llamativo y envuelto en un estuche de tela azul cerúleo, este es el libro perfecto para inspirar a todos los pensadores creativos.
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El Lisitski fue uno de los artistas más relevantes y polifacéticos de las vanguardias rusas y quizá el que ha ejercido mayor influencia en la evolución posterior de varios ámbitos de los lenguajes artísticos y la comunicación audiovisual. Su participación en el renacimiento cultural judío en Ucrania y Bielorrusia, su posición en el desarrollo de la abstracción, sus aportaciones pioneras en el fotomontaje, el diseño gráfico y de exposiciones, la publicidad, la tipografía o la propaganda masiva son aspectos que han concitado un interés agudo que parece lejos de atemperarse. Esta edición pretende reunir los textos teóricos más relevantes del autor para reseguir la trayectoria de sus ideas estéticas. Incluye un apéndice con textos de artistas e intelectuales coetáneos.
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Conozco a un niño al que le aterrorizaban los monstruos. Un día se armó de valor y decidió hablar con uno de ellos. Este es el universo fantástico del director de cine Guillermo del Toro, el niño que pactó con los monstruos.Descubre la biografía de uno de los directores de cine más fantásticos de todos los tiempos: Guillermo del Toro. Una aventura llena de misterios y desafíos, de criaturas extraordinarias y películas inolvidables como Hellboy, La forma del agua, Pinocho o Pacific Rim, entre otras. Entra en un universo cinematográfico fascinante y en la vida de un creador único.
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Universo Morente quiere ser un punto de encuentro y diálogo en torno a la fascinante obra que nos ha dejado uno de los cantaores flamencos más importantes de todos los tiempos: Enrique Morente (Granada, 25 de diciembre de 1942-Madrid, 13 de diciembre de 2010), que fue, además, compositor, intérprete y creador. Todo un artista de los pies a la cabeza. Libre, heterodoxo, generoso, anárquico, trabajador, transgresor como nadie. Valiente, revolucionario y visionario. Dotado con el genio y el talento de los elegidos. Que, como todos los grandes, hunde sus raíces en la tradición más pura para renovarla y hacer del flamenco un arte de vanguardia, sin prejuicios ni fronteras. La presente publicación, co-editada por Tf Editores y el Patronato de la Alhambra y Generalife, recoge la exposición del mismo título comisariada por Amaranta Ariño y diseñada por Andrés Mengs. Consta de más de 400 imágenes, numerosas citas de Enrique Morente, y textos de: José Manuel Gamboa, Balbino Gutiérrez, Pedro G. Romero, José Luis Ortiz Nuevo, Miguel Mora y Antonio Pradel. Ensayos que reflexionan sobre la discografía, las coplas, la vida, la personalidad, la ética, la estética, los amigos y la familia del Maestro. Cuenta con 240 páginas en dos versiones: castellano e inglés.
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Freud sobre la arquitectura explica qué ofrece Sigmund Freud para comprender la creatividad y la experiencia de la arquitectura, con ejemplos que van desde el Movimiento Moderno hasta la actualidad.Las observaciones de Freud sobre la mente humana y su influencia en la cultura y el comportamiento social han generado numerosos debates desde el siglo XIX. Sin embargo, lo que las ideas fundamentales de Freud ofrecen para comprender la creatividad y la experiencia de la arquitectura ha recibido muy poca atención directa. Esto se debe, en parte, a que Freud abrió la puerta a un lugar en el que la investigación convencional sobre arquitectura tiene poca fuerza: el inconsciente. Para complicar aún más las cosas, la obra de Freud es vasta y abrumadora. Freud sobre la arquitectura examina las ideas clave de Freud y cierra la brecha entre la arquitectura y la teoría psicoanalítica.En el libro se destacan las ideas de Freud sobre los cambios fundamentales en la infancia, cambios que modelan la psique adulta. También se explica cómo y por qué las fases del desarrollo pueden influir en las preferencias e inquietudes arquitectónicas del adulto, la intuición espacial y las creencias sobre lo que es adecuado y correcto en el proyecto de arquitectura. Por ello, Freud sobre la arquitectura será de gran interés para estudiantes, profesionales e investigadores de disciplinas tales como la arquitectura, el psicoanálisis y la filosofía.
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Este libro reúne una selección de veintiuna entrevistas con el artista Santiago Sierra (Madrid, 1966) realizadas por críticos, periodistas, comisarios e investigadores entre 2002 y 2015. En estas conversaciones se discuten muchos de los proyectos más representativos de su amplísima producción, por lo que el volumen ofrece una visión panorámica de la obra de uno de los artistas más clarividentes y mordaces de las dos últimas décadas.
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La trepidante historia del ejecutivo musical que llevó la música en español a lo más alto de las listas de éxitos. La historia de Manolo Díaz (Oviedo, 1941) es la de la música en español de los últimos sesenta años. Compositor, cantautor, producto r y alto ejecutivo de diversas discográficas, llevó de la mano a Julio Iglesias, nos invitó a venir al sur con Raffaella Carrà y nos descubrió a grandes artistas y grupos, desde Los Bravos hasta Carlos Vives o Juanes. Ayer tuve un sueño, a medio camino entre las memorias y la crónica del nacimiento, el auge y los vaivenes de la millonaria industria musical, es también una detallada explicación de cómo se crean (de verdad) las estrellas. Acompañando a Manolo Díaz seremos testigos del despertar del pop en una España en blanco y negro, de la movida, de los años dorados de la televisión musical y del florecimiento y reinado de los ritmos latinos en Estados Unidos.Lo que dicen sobre Manolo Díaz...«Manolo fue imprescindible para lanzar mi carrera europea. Sin él conquistar esos mercados hubiera sido imposible».Julio Iglesias «Desde el inicio de mi carrera, Manolo trabajó con pasión para que mi música traspasara fronteras. Este libro refleja su contribución indispensable en crear estrellas latinas».Carlos Vives «Este libro refleja una carrera dedicada a promover nuestra música latina y su gran aporte a la Fundación Cultural Latin Grammy. Manolo es nuestro orgullo, nuestro amigo del alma».Gloria y Emilio Estefan
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Este libro reúne las «Siete Lecciones de Arquitectura» impartidas en 2024 por siete catedráticos y catedráticas eméritos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM-UPM). La iniciativa da continuidad a las «Siete Lecciones de Arquitectura» impartidas por Campo Baeza en el año 2023, consolidado la relación entre la ETSAM y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, su alma mater. Durante siete semanas, siete catedráticos y catedráticas invitados compartieron sus reflexiones sobre temas esenciales de la arquitectura, fruto de décadas de dedicación a la docencia, la investigación y la práctica profesional. Estas charlas atrajeron a un gran número de estudiantes, arquitectos y amantes de la arquitectura, y ahora quedan recogidas en estos siete textos junto a sus ilustraciones. El libro da cuenta del elevado nivel de las lecciones y de los profesores que generosamente las impartieron: Juan Navarro Baldeweg, José Ignacio Linazasoro, Antón Capitel, Carlos Sambricio, Gabriel Ruiz Cabrero, Margarita de Luxán e Ignacio Vicens.
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A pesar del éxito del que disfrutó en vida y que ha llegado intacto hasta nuestro días, Claude Lorrain (Claudio de Lorena) no fue un genio. Fue más bien un trabajador modesto que se empleó con dedicación a pintar el esplendor de la naturaleza, consiguiendo reflejarlo con los mejores efectos atmosféricos y luminosos en sus cuadros, en los cuales el paisaje va a ser el gran protagonista. Por imposición de los comitentes, casi todos los cuadros pintados por Laude Lorrain representan algún tema pastoril, histórico o heroico, pero aquellos clientes no estuvieron interesados por las figuras que aparecen en esas obras sino por los amaneceres y las puestas de sol que tiñen de un color dorado y homogéneo idílicas campiñas y ensenadas, ya que en el segundo tercio del siglo SVII en Roma se estaba desarrollando un gusto por la contemplación de imágenes bellas, sin que en las pinturas fuera necesaria la aparición de alambicados discursos morales. La belleza ideal que desprende su obra no responde a un canon métrico, como lo puede hacer una escultura de Policleto, sino que emana de la serenidad y la perfección de una naturaleza esplendorosa que se muestra bajo la suave luz de un sol que ilumina un mundo acogedor y placentero.
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