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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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¡YA ESTÁN AQUÍ! TÚ ERES EL SIGUIENTE! Los ladrones de cuerpos, novela de Jack Finney, es un hito dentro de la ciencia ficción del siglo XX, con una influencia trascendental que sigue resonando en la cultura popular. Ya están aquí! Tú eres el siguiente!, de Julio Vallejo Herán, ofrece un análisis profundo sobre el impacto de este fenómeno en el cine y la televisión, explorando no solo las adaptaciones directas de la obra, sino también otras producciones donde su huella es menos evidente. Estas historias, en las que entidades extraterrestres toman posesión de cuerpos humanos para despojarlos de emociones y sentimientos, han dejado una marca indeleble en la narrativa de ciencia ficción, evidenciando temores y reflexiones sobre la humanidad.
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Eduardo Izquierdo, erudito y estudioso de Elvis, relata todos los entresijos que rodearon la gestación y grabación del legendario From Elvis in Memphis. El cénit discográfico de Elvis en su madurez y una obra capital de la historia del rock.Por mucho que pase el tiempo, Elvis sigue siendo El Rey. Que nadie lo dude. Del rock, de la música popular o de lo que se tercie. Sin embargo, durante su trayectoria no todo fueron buenos momentos. En este libro, Eduardo Izquierdo, erudito y estudioso de su figura y obra, se detiene en los entresijos que rodearon la gestación y grabación del legendario From Elvis in Memphis.El disco con el que, en 1969 y tras unos años de descenso de popularidad, regresó a la primera línea rubricando una obra maestra considerada como el cénit de su madurez.Fue este un Elvis seguro de sí mismo, tomando decisiones, derrochando talento y con ganas de volver a reinar que mostró su amor incondicional por la música y las canciones en un álbum para el que no pasa el tiempo. Todo ello lo analiza Eduardo Izquierdo, trazando con sutileza un perfil de quienes rodearon a Elvis durante la grabación, desde el imprescindible productor Chips Moman (decisivo para ayudarle a sentirse libre y creativo) a Priscilla (sumujer), sin olvidar a algunos de los amigos que le ayudaron a afrontar las decisiones difíciles. Y, cómo no, el taimado Coronel Parker y su alargada sombra.En From Elvis in Memphis. La última gran evasión de Elvis, Eduardo Izquierdo, con un delicioso lenguaje coloquial y un gran dominio de los datos, demuestra que ese disco no fue solo la rupturadel Rey con su pasado inmediato y el que incluye la inmortal “In the ghetto”. Deteniéndose canción a canción y en todos los detalles, nos sumerge en las nocturnas sesiones de grabación y en las mil anécdotas que acompañaron su gestación y las inmediatas «residencias» en Las Vegas. Y, lo más importante, confirma que es la obra que lo devolvió al lugar más alto, aquel que siempre le correspondió y que nunca debió abandonar.
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La música ha sido una herramienta habitual en la política exterior de los Estados para mejorar su imagen internacional desplazando melodías, artistas, agrupaciones e instrumentos que representaban simbólicamente la nación y que permitían alcanzar a la ciudadanía de otro país. Esta acción exterior ha sido denominada diplomacia musical. Estados Unidos y el jazz, la Unión Soviética y el Ballet Bolshói o Corea del Sur y el K-pop son prototipos conocidos de esta acción exterior, pero existen otros ejemplos en los que los géneros musicales, los avances culturales, las relaciones internacionales y las transformaciones políticas convergieron en un mismo momento, como fueron los casos de Reino Unido y España. Las características de la diplomacia musical británica y española en la segunda mitad del siglo xx sufrieron una importante modificación en consonancia con los cambios políticos internos y los reajustes de las prioridades exteriores. El análisis de las acciones musicales desarrolladas de forma bilateral entre ambos países permite esclarecer los géneros musicales proyectados internacionalmente, la influencia del estado de las relaciones bilaterales en la calidad y la cantidad de las iniciativas y la confluencia de factores internos y externos para la formulación de la diplomacia musical de cada país.
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Desde una soga sencilla y elegante hasta una compleja colmena o varias trenzas entrelazadas, los puntos retorcidos y desplazados son una manera ideal de añadir textura y dar forma a una prenda de ropa. Este directorio de 100 inspiradores puntos abarca todo tipo de trenzas, desde las clásicas atemporales hasta interesantes diseños contemporáneos, por lo que constituye un valioso recurso para cualquier tejedor. Cada punto va acompañado de un diagrama con su correspondiente patrón escrito, además de fotos en alta definición, la indicación del nivel de dificultad, ideas de combinaciones y un práctico cálculo de equivalencia a punto liso para que pueda incorporar fácilmente las trenzas a sus proyectos.
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Este catálogo se publica con motivo de la exposición ''José María Yturralde, Una línea de papel'' en el Museo Fundación Juan March de Palma del 18 de febrero al 24 de mayo de 2025 y en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca del 12 de junio al 12 de octubre de 2025.Dedicada al dibujo y los demás trabajos con y sobre papel de José María Yturralde (Cuenca, 1942), la exposición recoge la línea ininterrumpida trazada por el artista sobre el papel desde los comienzos de su carrera artística. Incluye dibujos, maquetas, proyectos y ensayos, cometas, dibujos preparatorios para las diversas series en las que el artista ha ido articulando su trabajo, pruebas de delineación y color, maquetas para carteles, fotografías y sus experimentos con distintas técnicas de impresión, desde los realizados en computadores en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense hasta las recientes impresiones digitales de su serie Enso.
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Este ensayo, resultado de las conferencias impartidas por el autor durante el desempeño de la Cátedra Museo del Prado en 2022, se ocupa de una cuestión tan amplia y sugerente como es la presencia de la arquitectura en la pintura, tema fronterizo de gran complejidad y riqueza, que lleva a plantear la idea central que recorre el libro: si la historia de la pintura no puede prescindir del estudio de la representación del espacio arquitectónico, la historia de la arquitectura tampoco puede obviar esas arquitecturas pintadas que al cabo expresan de modo elocuente los ideales espaciales de una determinada época.La presencia de la arquitectura en la pintura se aborda aquí desde varios aspectos desarrollados por capítulos: la representación de ciudades, la imagen del arquitecto y los procesos de construcción, los recintos de la creatividad, los espacios liminares y las ruinas.
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Desde adorables mascotas hasta animales exóticos, Lorna Scobie te ayudará a capturar toda la maravilla del reino animal en cada página. Descubrirás los consejos y trucos de Lorna para crear animales llenos de energía y personalidad, sea cual sea tu nivel de habilidad artística. Ya sea que quieras crear una jirafa usando un collage, dibujar a tu gato dormido o pintar algunos pingüinos, Lorna te inspirará a encontrar al artista que llevas dentro y, lo más importante, ¡a divertirte un montón mientras lo haces! De la creadora de 365 Días de Arte.
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* Descubra el audaz mundo de Banksy, la superestrella del street art, cuyos atrevidos murales, improvisadas esculturas urbanas y pinturas vandalizadas constituyen un emocionante viaje por la historia del arte. * Se presentan y analizan algunos de los trabajos más reconocibles de Bansky: obras maestras provocadoramente reinterpretadas que desafían las convenciones e iluminan la historia del arte de forma profunda e inesperada. * Un contenido que une cuidadosamente el museo y la calle, al tiempo que sitúa sus pinturas, esculturas, serigrafías y murales dentro del contexto de la historia del arte en el que tan a menudo se inspira. A lo largo de una serie de breves capítulos, el libro reúne reproducciones de obras de Monet, Rembrandt, Vermeer y Da Vinci, hasta llegar a artistas más recientes como Andy Warhol, Keith Haring y Damien Hirst. Estas reproducciones se presentan junto a las reinterpretaciones que Banksy hizo de ellas, y ofrece una comparativa del antes y el después como una lectura más profunda de esas piezas originales, lo que ayuda al público a comprender el significado y el simbolismo que habrían atraído a Banksy hacia ellas en un primer momento.
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Ramón Acín lleva más de dos semanas escondido tras un gran armario y protegido por el silencio de su mujer, Conchita, desde la madrugada del 19 de julio de 1936. En su soledad, evoca episodios vividos con sus amigos, Luis Buñuel, Romá Bonet i Sintes “Bon”, Federico García Lorca, Felipe Alaiz, o Francisco Ponzán Vidal entre otros y recuerda los aspectos más relevantes de su vida, como la Sublevación de Jaca, y su relación con el Capitán Fermín Galán.Eso prueba, y tiene mucho más mérito teniendo en cuenta que este es el primer guión de cómic que escribe Pérez, que las viñetas son hoy en día un vehículo extraordinario para comunicar lo que de otra forma sería mucho más difícil de hacer llegar a las nuevas generaciones. Juan Rodríguez (Cómic para todos)
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Aquest llibre culmina la sèrie Tràfic d’idees, que, amb l’aplec ingent d’assaigs crítics i escrits diversos, esdevé una reivindicació de la tradició de l’avantguarda, però també d’altres figures heterodoxes i, alhora, el retrat d’un temps, de les segones avantguardes a la postmodernitat, a partir de la construcció d’un relat històric i cultural personal d’una generació d’artistes i companys de viatge.
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¿Quieres ganar dinero con tus fotos, pero no sabes por dónde empezar? En este libro te enseño todo lo que necesitas saber sobre la fotografía de stock, desde cómo producir imágenes que venden, hasta cómo optimizar tus resultados en las principales plataformas. Te comparto lo que he aprendido durante años trabajando en este sector: estrategias claras, ejemplos prácticos y consejos que funcionan. Tanto si eres un fotógrafo profesional como si acabas de empezar, este libro te guiará paso a paso para convertir tu pasión por la fotografía en una fuente de ingresos reales. Descubre cómo hacer que tus fotos trabajen para ti y da el primer paso hacia la libertad que buscas con tu cámara.
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Este disco abanderó la corriente más gamberra del pop y el punk de los primeros años 80, con un descacharrante sentido del humor, delirante ironía, incorrección intelectual y una completa libertad artística.Alentados por el espíritu del punk, los insurgentes Siniestro Total sorprendieron en 1982 con ¿Cuándo se come aquí?, su revolucionario primer elepé. Por entonces, pocos podían imaginar que la banda de Vigo lograría alcanzar las cuatro décadas de existencia reinventándose en diversas formaciones y manteniendo su vocación transgresora primigenia. Aquel disco abanderó la corriente más gamberra del pop español de los primeros años ochenta, con un descacharrante sentido del humor y una delirante ironía fruto de su incorrección intelectual y una completa libertad artística. Así alumbraron un álbum absolutamente rompedor y delirante que sorprendió a todos los que lo escucharon y se convirtió en uno de los primeros superventas de DRO, pequeño sello referente de la independencia, ayudando a consolidar la nueva escena pop y rock española en tiempos de «movidas».En ¿Cuándo se come aquí? El gran golpe de Siniestro Total, Sara Morales, a modo de historia oral, recrea con detalle el nacimiento de la banda y la gestación, grabación y desarrollo comercial de tan libérrimo disco. Para ello cuenta con los supervivientes de aquella primera formación, Julián Hernández, Alberto Torrado y Miguel Costas, y recupera declaraciones del malogrado Germán Coppini, además de las voces de su entorno de entonces: Servando Carballar, Óscar Mariné, Paco Trinidad, Jesús Ordovás, Diego A. Manrique, Javier Soto, Antón Reixa, Teo Cardalda, Pablo Novoa… Con todos esos testimonios como hilo conductor, la autora construye un magnífico y adictivo relato sobre una de las obras esenciales del rock español de todos los tiempos.
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Abocat als vasos, o a punt de ser servit de les gerres o ampolles que el contenen momentàniament, el vi fa de testimoni dels costums domèstics dels ciutadans amb alguna sensibilitat artística. Entre els objectes que caracteritzen els bodegons o les natures mortes, els artistes sovint hi han fet aparèixer el vi, ja sigui envoltat d'altres aliments o de diaris, guitarres, violins i jocs de cartes o d'escacs, ...
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Más de veinte años después de su separación, Platero y Tú sigue siendo uno de los grupos de rock and roll más añorados y queridos de la escena española. Una leyenda que empezó a forjarse en 1989, cuando Fito Cabrales, Iñaki Antón, JuantxuOlano y Jesús García unieron fuerzas para saltar de los pequeños bares hasta reventar recintos de gran aforo. Fueron una docena años de carrera que se saldaron con un puñado de discos que reflejan su talento y el magnetismo que tenían con el público, creando escuela para las futuras generaciones. Platero y Tú. Yo quiero rock and roll es un viaje apasionante por la trayectoria de una banda que gozó los primeros años al ritmo de una salvaje e incontrolable juventud y terminó con un poso de madurez que derivó en su irremediable final, con Iñaki integrándose en Extremoduro y Fito dando forma a Fito & Fitipaldis. En sus páginas, Javier M. Alcaraz analiza con detalle y fervor cada uno de sus álbumes, poniéndolos en contexto y trazando conexiones que conducen hasta el presente, contando, además, con los testimonios de los cuatro integrantes de Platero y Tú.Este libro, entre el ensayo y la biografía, es una inmersión completa en la historia, ensoñadora y casi novelesca, de cuatro locos que cabalgaron juntos en discos y conciertos, haciendo gala de uno de sus estribillos clásicos: «Es mi vida, es mi sangre, es mi perdición. Es un vicio que huele a rock and roll». El manual perfecto para descubrir por qué la banda continúa sonando como si estuviese viva.
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Mientras intentaba terminar el guion de su segunda película, El futuro, Miranda July se obsesionó con una sección de periódico, el PennySaver, donde cualquier persona puede vender lo inimaginable. Acompañada por la fotógrafa Brigitte Sire, July recorrió Los Ángeles para descubrir quién estaba detrás de esas ofertas y, así, saber «cómo se las ingenia alguien en la vida: dónde coloca su cuerpo, hora tras hora, y cómo se apaña dentro de él». En Te elige nos adentramos en la intimidad de diez casas y las distintas personas que las habitan, a partir de la singularidad de los objetos que poseen, nos asomamos a la vibrante realidad de su existencia, al conjunto de temores y esperanzas que caracterizan sus vidas. Así, conocemos a seres humanos entrañables, como Michael, que a sus sesenta y tantos está empezando un proceso de reasignación de género, Andrew, que cría renacuajos en los estanques de su jardín trasero, Matilda, una migrante cubana que vende ositos de peluche mientras añora su infancia en Cuba, o Joe, un hombre mayor enamorado de su esposa que acabará actuando en la película de la propia July. Comisura rescata ahora este libro descatalogado con un diseño y un acabado completamente nuevos y con una traducción revisada.
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En aquestes memòries, l'autor mira d'explicar una consciència artística a partir de mancances i pors, en un fresc que es va desplegant com un mural farcit de contradiccions. La seva aposta de viure al món des de fora del món. El seu descobriment de l'art,
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La miscelánea de textos que reúne este libro rastrea, revisita y pone el foco sobre el trabajo de un «payaso conceptual, modelo poeta, cowboy de porcelana, narrador desatado y curador del placer», como se define él mismo: Juan Domínguez, una de las figuras más sobresalientes de lo que desde comienzos de los noventa se conoce como danza conceptual.La libertad que propone el entusiasmo de Juan Domínguez no se vislumbra teóricamente, sino que se hace, se practica, se recorre (Victoria Pérez Royo). Y en ese hacer destaca su perseverancia por desvelar los mecanismos de la representación con el humor y el delirio propios de un poeta que, jugando con el lenguaje, crea una nueva realidad, a veces claramente ficticia y, otras, extremadamente real (Isabel de Naverán). Un trabajo basado en una infatigable, obstinada, alegre y persistente producción de microclimas de intimidad (Giulia Palladini).
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«En el verano de 2023, un tsunami de enormes proporciones sacudió la industria cinematográfica mundial. El estreno de ''Barbie'', de la cineasta estadounidense Greta Gerwig, que llegó precedido de una gigantesca campaña de marketing, batió récords de todo tipo: fue, con diferencia, la película más rentable del año, y también el primer taquillazo de tales dimensiones dirigido por una mujer. Más allá de las cifras, se convirtió en un fenómeno de masas que provocó, y esta vez la frase hecha es más pertinente que nunca, auténticos ríos de tinta. Nadie quiso quedarse al margen. Es evidente que algo pasó con ''Barbie''. Nos guste o no, ''Barbie'' ya forma parte de todo un sentido definitorio de nuestro tiempo, tanto en lo que se refiere al debate intelectual, como a su repercusión a nivel social, y a cuestiones como la resignificación cultural de la célebre muñeca o del propio concepto de blockbuster, el papel del feminismo en las narrativas pop y la industria del cine, o la facilidad con que el capitalismo es capaz de reinventarse a través de su inagotable capacidad para sacar beneficio de cualquier concepto. No haber visto Barbie -y, no menos importante, carecer de una opinión sobre ella- significaba estar fuera de juego. En una sociedad que articula su funcionamiento mediante la polarización, era lógico que ''Barbie'' también provocara posicionamientos encontrados, hasta el punto de tener repercusión incluso en la geopolítica cultural, mientras la juguetera Mattel y Warner Bros., principales productoras de la película, se frotaban las manos y ponían las calculadoras en marcha: el film costó 145 millones de dólares y en apenas cuatro meses ya había recaudado más de 1 300». Este volumen, compuesto de seis artículos críticos en torno a la película y a sus diversas lecturas culturales, busca ser una herramienta que nos ayude a aterrizar un fenómeno que trasciende con mucho a la propia muñeca en la que se inspira.
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A propósito de la Sexta extinción que amenaza la biodiversidad del planeta, el biólogo Edward O. Wilson aconsejaba en su ensayo  Half-Earth: Our PlanetÆs Fight for Life  (2016) proteger la mitad de la superficie de la Tierra como reserva natural l
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En una sociedad como la actual, para la que los valores han cambiado tan rápido, una obra que nos conecta de nuevo con nuestra naturaleza humana resulta esencial e iluminadora. Amor y arte es un ensayo fascinante de Ellen Dissanayake que nos devuelve la mirada hacia nuestro origen, y nos lleva a descubrir cómo el arte, lejos de ser una mera creación cultural, es una necesidad biológica profundamente arraigada en los seres humanos. A través de una propuesta revolucionaria, la autora muestra cómo el arte y el amor comparten un origen evolutivo común, ambos nacidos de la necesidad de establecer conexiones emocionales para garantizar nuestra supervivencia. Dissanayake explora cómo los primeros intercambios entre madre e hijo, basados en ritmos y movimientos sensoriales, dieron lugar a expresiones artísticas como la música, la danza y los rituales. Y, partiendo de esta premisa, realiza la que sea quizá la afirmación más controvertida e interesante de su pensamiento: que llevar a cabo actividades artísticas habría llevado a nuestros antepasados homínidos -tanto como socializar, obtener alimento u otras destrezas ancestrales- a ser seleccionados y a prosperar en sus vidas. Un ensayo que desafía nuestras concepciones sobre el arte y nos invita a reconocerlo como un elemento vital que sigue siendo esencial hoy para mantenernos conectados con lo que realmente importa.
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Els més de 218 km de litoral i la més que notable quantitat de dies assolellats a l'any són la carta de presentació d'una marca, Costa Blanca, que abraça totes les comarques alacantines. Una costa ben diversa de platges i cales, un interior amb espectaculars cims que fan de la zona una de les més muntanyoses del país, i un grapat d'hortes perfumades conformen un paisatge que és essència pura del mediterrani.
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En motiu del Mil·lenari s'ha fet una reedició d'aquest llibre, escrit pel que va ser director del Museu de Montserrat, ara ja jubilat. És un resum de l'art i de la història de Montserrat, que explica els fets més importants que han configurat la vida i la fesomia de Montserrat, monestir i santuari, al llarg de la seva història ja mil·lenària. Il·lustrat amb moltes fotografies.
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Paul Cadmus entró en la escena del arte en la década de 1930 con pinturas de semi-mundos urbanos de ensueño: cuadros turbulentos de beatniks, marineros y prostitutas. La base de su trabajo siempre ha sido la maestría en dibujo del artista, que se ve en cientos de dibujos de modelos masculinos desnudos, entre ellos su amante y musa de toda la vida, Jon Anderson. Paul Cadmus: 49 Drawings recopila estos dibujos nunca antes vistos por primera vez, presentando un cuerpo de trabajo singular que ejemplifica el dominio clásico de Cadmus, canalizado hacia un énfasis obsesivo en las zonas eróticas de su modelo.Presentada en un sobre estampado, esta es una colección histórica de arte queer de un maestro del siglo XX, cuyas imágenes se complementan con una introducción de Graham Steele que detalla la importancia de Paul Cadmus en su carrera en el mundo del arte, además de un ensayo de Richard Meyer, destacado estudioso del arte queer, así como un debate trascendental con los pintores Nash Glynn, Doron Langdon y Oscar yi Hou, moderado por el curador y crítico Jarrett Earnest.Una rara exposición de un importante conjunto de obras desconocidas de un importante artista del siglo XX y una contribución sustancial a el estudio y legado del arte queer.
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Rafael Canogar es, sin duda alguna, uno de los pintores contemporáneos más importantes del arte español. En 1957 Canogar funda junto con varios pintores -Luis Feito, Antonio Saura, Manolo Millares, Martín Chirino, Juana Francés, Manuel Rivera, Manuel Viola y Pablo Serrano- el grupo El Paso , y participa activamente en la realización de exposiciones, manifiestos, publicaciones y textos que describen la propuesta artística del grupo.En el caso de la obra y trayectoria de Rafael Canogar (Toledo, 1935), todo se vuelve magia y sorpresa. Su vocación pictórica temprana fue atípica en el panorama español, su evolución a lo largo de siete décadas, sorprendente. Su importancia no solo es capital para España, sino también para Europa y América. Canogar es un artista dotado, dueño de un mundo de formas e imágenes monumentales, contemporáneas y del pasado, que otorgan sentido crítico a su pintura. Toda su obra es una metáfora interminable.
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La Madonna Sixtina (1514) de Rafael Sanzio es uno de los lienzos más sugerentes del Renacimiento. Las misteriosas miradas de la Virgen y el Niño han venido interpelando a los espectadores, suscitando las más diversas lecturas. ¿Cómo interpretar tamaña belleza e inocencia? ¿Son esas miradas el fruto de la desolación o la asunción del destino trágico humano?El cuadro está expuesto en la Galería de Dresde, y allí acudió, de manera preferente, buena parte de la inteligentsia rusa de los siglos XIX y XX, para la cual esas miradas ayudan a entender el sentido de la trascendencia o la ausencia de la misma, a la vez que permiten aproximarse a la comprensión de los aspectos más cruciales de la realidad, entre la desolación y la belleza. Gentes ateas como Herzen y Bakunin, y teólogos como Serguei Bulgakov y Pavel Florensky han dejado su testimonio. El cuadro de Rafael subyugó obsesivamente a Dostoievski e irritó a Tolstoi… Algunos intelectuales alemanes dejaron también su interpretación al respecto, como es el caso de Schlegel, Richard Wagner o Nietzsche.Al fin de la Segunda Guerra Mundial el cuadro fue “raptado”, ocultado por los soviéticos y devuelto al cabo de los años a Alemania. Antes fue expuesto en Moscú, donde mereció un amplio abanico de comentarios, llegando incluso a compararse las miradas de la Madonna y el Niño con las de algunos de los supervivientes de los campos de concentración nazis.
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En el sexto libro de la colección Esto es un cuerpo, hemos vuelto a palpar la cicatriz a través de diálogos entre fotógrafas y escritoras sobre lo que implica tener ombligo (o no tenerlo): hablaremos sobre las reliquias corporales, maternidad, relaciones entre madres e hijas, un ombligo premonitorio, la identidad, sobre creernos el epicentro del mundo... ¡Incluso hablará una pelusa que habita en el ombligo de una adolescente!
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Prepárate para disfrutar de un banquete épico, en un viaje cinematográfico compuesto de doce películas que cambiarán tu relación con la comida para siempre. Un libro para cinéfilos y para personas que desean cuidarse y vivir en plenitud, un texto personal y autobiográfico donde el autor nos comparte sus pasiones en la gran pantalla y todo su conocimiento nutricional. De forma original e innovadora, el autor relaciona cada filme con un tema vinculado a la alimentación consciente y saludable. Además, nos brinda pautas y consejos prácticos para aplicar en nuestra vida diaria y, como toque especial, incluye un menú «de película» inspirado en cada obra, ideal para disfrutar en buena compañía.
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En cada detalle eco-consciente reside la elegancia sostenible del hogar Sumérjase en «Casas sostenibles con Estilo», donde se despliegan maravillas arquitectónicas Este cautivador viaje explora diseños de casas unifamiliares que integran a la perfección la arquitectura y las formas de diversos terrenos, desde suaves laderas hasta costas escarpadas. Descubra casas creadas por estudios de arquitectura visionarios y comprometidos con la protección del medio ambiente, mostrando prácticas sostenibles y soluciones de diseño innovadoras. Únase a nosotros en un lujo redefinido, que abraza la sostenibilidad
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Ramón dibujante. El lápiz atrevido es un amplio recorrido por una de las facetas menos conocida y estudiada del escritor vanguardista Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1888-Buenos Aires, 1963), la de su labor como dibujante de sus propios artículos y libros y, sobre todo, de su creación más singular en el campo de la literatura, las greguerías. Eduardo Alaminos López ha estudiado en estas páginas los hitos más relevantes de aquella forma compulsiva y singular de dibujar que tenía Ramón así como su manera de entender y reflexionar sobre la naturaleza de sus dibujos: sus comienzos en la revista escolar El Postal (1901-1903), sus ilustraciones en el periódico La Tribuna (entre 1920 y 1922), en los libros que definen su personal y diferenciador ismo, el ramonismo, desarrollado en libros «ilustrados por él» como Variaciones Iª Serie (1922), Ramonismo (1923), Caprichos (1925), Gollerías (1926) y Trampantojos (1947), pero sobre todo en Las Greguerías ilustradas (1930-1935), cima de su obra dibujística, así como la presencia del dibujo en la tertulia de Pombo y en los dos libros dedicados a ella (1918 y 1924). Este ensayo trata de responder a varias preguntas, entre otras, a: ¿por qué acompañó Ramón buena parte de sus escritos con dibujos propios? ¿Por qué sus dibujos obedecen al deseo de amplificar y aclarar lo escrito y funcionan como una llamada de atención al lector? ¿Por qué obedecen a una necesidad interna para ir más allá de lo estrictamente literario? ¿Por qué el dibujo afloró en su obra como una parte integrante más de su humorismo? La contestación a estas y otras preguntas desembocan en lo que el autor ha llamado, tras estudiar y glosar muchos de aquellos dibujos, su «poética gráfica», caracterizada, en palabras de Ramón por «lápices, tallos de iniciativas, para diseñar el mal dibujo». Un libro que descubrirá al lector muchas de las claves de los dibujos realizados por Ramón Gómez de la Serna para «ilustrar» sus artículos y libros, faceta del escritor poco conocida.
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La intención de este libro es rendir homenaje a la música, siendo la Μελωδία uno de los elementos fundamentales de la misma. Su grafía en lengua griega, que aparece en varios lugares de la obra, alude a la gran importancia que tuvo este recurso sonoro en la cultura que nos ha servido de base para tantas disciplinas artísticas en el mundo occidental.La fusión de la pintura, la lírica y la narración responde a la intención del editor de mostrar la alianza entre estas tres funciones del desarrollo intelectual y sensorial de la especie humana. Son pequeñas aportaciones que despertarán en el lector la emoción por la belleza que se desprende de cualquiera de sus manifestaciones.Los tres autores que participan en la obra gozan de una amplia trayectoria en el desarrollo de los elementos que la integran y han conseguido fundir en una expresión conjunta sus respectivas vivencias.
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Por primera vez, se publica en bilingüe un libro que ahonda en la obra de Frans van de Staak, un «cineasta de cineastas», un eslabón perdido en la historia del cine.En el cruce entre el cine narrativo, la poesía experimental, el teatro de vanguardia, las artes plásticas, la música de improvisación y la losofía del lenguaje, Frans van de Staak (Ámsterdam, 19432001) ocupa un lugar único en la historia del cine.Desde los textos de Baruch Spinoza, Hubert Poot y Wallace Stevens a las frases hechas del lenguaje ordinario, las películas de van de Staak aíslan y reinterpretan la sensualidad de los signos de la vida moderna, de la in exión de una voz a la manera de anudarse los cordones de un zapato. A partir de sus propios escritos, entrevistas y materiales preparatorios de sus proyectos, este libro invita a recorrer el fulgurante conjunto de su filmografía, que testimonia una originalidad radical en su concepción de las posibilidades del cine.
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Esta cuidadosa publicación revalora el Palacio Episcopal de Girona, hoy sede del Museu d'Art de la ciudad. Explora la historia de este complejo arquitectónico escondido, que hasta ahora no se había estudiado a fondo, y ofrece imágenes y recreaciones para interpretarla y difundirla, lo sitúa en la Girona antigua y medieval y lo sigue por todas sus fases, pasando por los conflictos de la época moderna y contemporánea, hasta llegar a su arquitectura actual.
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Las imágenes que conforman el trabajo Bravo nos sumergen en el complejo paisaje del norte de México, un lugar donde la geografía y la política se entrelazan, con el río Bravo como barrera tanto física como simbólica entre México y Estados Unidos. A través de este ensayo fotográfico se captura el tiempo suspendido, los objetos, las arquitecturas y los cuerpos de quienes habitan en ese espacio liminal. Con sus fotografías, Felipe Romero documenta este estado de espera y contemplación en torno al río, que funciona como frontera natural y lugar en transición.
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Mirando y dejando reúne los principales textos sobre arte fechados por Edmundo Desnoes entre 1960 y 2010, y que fueron viendo la luz en publicaciones como Lunes de Revolución, Casa de las Américas, Cuba, Bohemia o La Gaceta de Cuba. Además de sendas panorámicas de la historia del arte en la isla, figuran en este volumen estudios sobre Wifredo Lam, René Portocarrero, Mariano Rodríguez, Antonia Eririz o Tania Bruguera, así como tres piezas dedicadas a artistas no cubanos: Picasso y los chilenos Roberto Matta y Enrique Zañartu. Desnoes no fue, naturalmente, el único crítico de arte de la Cuba de los 60 y 70. Pero pocos abarcaron un espectro tan amplio de géneros, estilos y tendencias, en consonancia con la concepción revolucionaria de un arte no elitista, sino hecho «entre y para todos». Ello explica que nuestro autor no solo se ocupara de los grandes nombres de la pintura de su tiempo, sino que también analizara de un modo muy exigente manifestaciones consideradas menores, como el afiche, la viñeta humorística y la caricatura, la pintura mural y hasta la creación infantil. Y en todo está el sello personal del autor de ese clásico contemporáneo que es Memorias del subdesarrollo.La lección magistral sobre cómo mirar la pintura a cargo de un nombre fundamental de las letras cubanas del siglo XX.
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Néoclassicisme, romantisme, réalisme, impressionnisme, c'est‐à‐dire les grands courants du goût du XIXe siècle, convergent, en harmonie et malgré leurs différences, dans le style de Corot, sans qu'on puisse dire qu'il s'agit d'un peintre éclectique. Bien au contraire, son œuvre possède une cohérence que seule une personnalité très indépendante peut conférer. Et c’est justement en raison de son indépendance et de sa cohérence que Corot s’inscrit, avec Daumier et Manet, parmi les grands maîtres de la peinture française du XIXe siècle.
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