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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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El impacto de la obra de Goya y en particular de los Caprichos (1799) en el arte francés del siglo XIX fue inmenso, duradero y polifacético. Mientras que en España se asociaba a Goya con su producción como pintor de corte, en Francia se le conocía como el autor de los Caprichos, interpretados por los románticos como una sátira de los últimos años del siglo XVIII español. Sin embargo, esta visión pasaba por alto el hecho de que la verdadera modernidad de la obra de Goya radica en su universalidad: como un espejo en el que se refleja la esencia de la humanidad, libre de patriotismo. Lo mismo cabe afirmar también de los monstruos y las brujas, que no son más que reflejos deformados del ser humano. Podría decirse que fue una influencia mutua: Goya contribuyó a modelar el arte romántico francés ''y, de paso, los comienzos del arte moderno'' y los románticos a su vez modelaron su imagen crítica. Este estudio pone en tela de juicio la interpretación establecida del artista aragonés que ha dominado hasta hace poco la bibliografía partiendo de unos estereotipos románticos que, en muchos casos, se han perpetuado hasta la actualidad.
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Taller de acrílico II, una obra profusamente ilustrada y llena de información práctica, está concebida para aquellos artistas que estén preparados para mejorar sus técnicas y se sientan dispuestos a afrontar proyectos más avanzados. Mediante una serie de métodos sencillos, este libro enseña a crear pinturas realmente logradas con una gran variedad de temas.
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Este kit, formado por dos manuales de instrucciones y un juego de materiales para principiantes, constituye una completa guía sobre el arte del dibujo con pasteles. Explore una amplia variedad de técnicas, especialmente diseñadas para ayudarle a mejorar la suya y crear sus propias obras. Con el Kit completo de pastel podrá, gracias a los exhaustivos consejos prácticos sobre los materiales y la creación de composiciones, más una colorida selección de proyectos, mezclar colores y realizar estupendas obras de arte en cuestión de semanas.El kit de materiales para principiantes contiene:-12 pasteles de colores-5 lápices de pastel-1 lápiz de dibujo-1 difumino-1 borradorEl libro Técnicas proporciona los fundamentos para desarrollar habilidades básicas de dibujo. Aquí encontrará todo lo que necesita para comenzar, desde la preparación del tema de dibujo y el dominio de diferentes técnicas hasta la creación de composiciones dinámicas.El libro Proyectos consta de proyectos bien explicados y con instrucciones paso a paso. Abarca todos los temas de dibujo más comunes, como los paisajes, los bodegones, los retratos y la arquitectura. Desde los bocetos preparatorios hasta los dibujos finales, irá ganando confianza paulatinamente hasta desarrollar su propio estilo.
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La nuestra es una época de aceleración de la experiencia, de imperio de lo efímero, de ascenso de la insignificancia.
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Emilia tenía todos los atributos para ser una gran cronista: una vasta cultura, gran riqueza de lenguaje,un enorme interés y curiosidad por todo lo que la rodeaba y una falta total de prejuicios. Sus crónicas deMadrid se convierten en la mejor guía para conocer no solo la ciudad y su sociedad, sino también a la mujer con la personalidad más arrolladora de la literatura española. Contiene mapa de Madrid y cuaderno de notas.
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Albert Einstein pensaba que únicamente las personas lo suficientemente locas como para pensar que podían cambiar el mundo lo cambiarían realmente. En las últimas décadas hemos avanzado en la comprensión de la locura no como irracionalidad, sino como una forma diversa de pensamiento, fuera de la norma y capaz de alumbrar nuevas interpretaciones y visiones de nuestro entorno. Lamberto Maffei nos adentra aquí en los caminos entrecruzados del arte y el cerebro y nos ofrece las historias de algunos artistas locos que mejoraron la vida con su creatividad y su verdad. El resultado es una imagen novedosa y auténtica de la naturaleza humana que pone en el centro la fragilidad, la búsqueda de la belleza y el miedo a la muerte y al infinito.
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Dedicado a algunas de las artistas del street art más importantes de la escena contemporánea, este libro pretende ser un viaje de descubrimiento a través de los universos infinitos de estas artistas que, con determinación y coraje, han buscado su lugar en el mundo, un lugar desde el que se hacen escuchar con voces altas y claras. Una maravillosa aventura a través de los universos infinitos de mujeres artistas, que representan la humanidad misma como el ciclo imparable de la naturaleza. Ejemplos de cómo florecen nuevas comunidades de mujeres en todo el mundo, de personas que están cansadas de ser invisibles, que ya no tienen miedo de hacer oír sus voces, que se apoyan unas a otras en lo que solo se puede describir como el principio de un verdadero Renacimiento de la mujer. El street art, arte urbano o arte callejero ha dejado de ser un club exclusivo para hombres. La espera ha sido larga, pero el momento ha llegado. Numerosas artistas de gran talento, en todo el mundo, se abren camino hacia la primera línea.
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La cerámica es, quizá, el tipo de objeto que más representa la evolución cultural del ser humano, que a lo largo de los milenios ha ido plasmando en ella sus necesidades, sus conocimientos técnicos y sus ideales estéticos. A lo largo de este trabajo intentaremos desentrañar las causas que impelían a una persona a decidir uno u otro destino para sus recipientes de cocina agrietados o su vajilla de lujo rota o desportillada. También desvelaremos las distintas técnicas y materiales que han llegado hasta nosotros, estableciendo una clasificación y tipología mediante la que podamos comparar e identificar nuevos hallazgos.
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Les esglésies romàniques de la Vall de Boí
Aquest llibre és la primera guia d’alta divulgació que s’ha escrit sobre les esglésies romàniques de la Vall de Boí, un dels conjunts monumentals medievals més rellevants d’Europa que, l’any 2000, va ser inclòs a la Llista del Patrimoni Mundial de la Unesco. El propòsit de la guia és fer que la visita a les esglésies de la vall sigui una vivència plaent i, alhora, culturalment enriquidora. S’hi actualitza el coneixement d’acord amb les recerques més recents. El lector hi trobarà, també, tot el que fa referència a la pintura i a la imatgeria procedents d’aquests temples que es conserva al Museu Nacional d’Art de Catalunya, amb l’objectiu de donar una visió completa d’aquest extraordinari llegat artístic.
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Exquisita edición encuadernada en tela del clásico texto de historia del arte: el regalo ideal para todo conocedor y estudiante de arte.Durante más de 70 años, La historia del arte de Sir Ernst Gombrich ha sido un éxito de ventas mundial (con más de 8 millones de copias vendidas), la introducción perfecta a la historia del arte, desde las primeras pinturas rupestres hasta el arte del siglo XX, una obra maestra de claridad y visión personal. Este libro clásico se encuentra actualmente en su decimosexta edición y ha sido traducido a más de 30 idiomas y publicado en numerosos formatos y ediciones.Esta edición de lujo, con su cubierta de tela hecha a medida y un prefacio de Leonie, la nieta del profesor Gombrich, es el mejor regalo para todos los amantes del arte: un recuerdo para atesorar e inspirar a las generaciones futuras.Un éxito de ventas mundial durante más de cinco décadas, esta edición de lujo es perfecta para coleccionistas, conocedores y los millones de personas que han crecido leyendo y amando este clásico compañero que sigue siendo la mejor introducción al arte occidental porque continúa enseñándonos a acercarnos y mirar a las obras de arte.
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Si le encanta dibujar personas, pero no sabe ni por dónde empezar, ¡este es su libro! Dibujar en 10 pasos: Caras le ayudará a transformar sencillas formas geométricas en retratos llenos de personalidad en solo 10 pasos. Aprenda a reproducir rasgos faciales, la forma del rostro, expresiones y posturas para crear más de 40 retratos diferentes de gente de todas las edades. ¡Aprender a dibujar nunca había sido tan fácil!
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El mediterráneo a través de sus ciudades, sus artistas y sus conflictosEste libro se presenta como un estimulante viaje a través de nueve ciudades que dan una visión amplia y plural del mar Mediterráneo, proponiendo una deriva por diferentes países que no impone ninguna lectura cerrada. Cada una de ellas aporta un aspecto específico: la importancia de la memoria (Beirut), la presencia de la violencia (Zagreb), la pujanza de la miseria y el racismo cotidiano (Marsella), la permanencia de la herencia colonial (Argel), el deseo constante de partir (Tánger), el mestizaje cultural (Estambul), la plasmación de la vida en los suburbios (Roma), la ocupación de las calles por los sectores más marginados (Barcelona) o el deseo de libertad política e individual (El Cairo), aspectos estos que se dan de un modo más palpable en unas que en otras, pero que son comunes a todas ellas. Con la suma de estas narraciones conseguimos formar en su conjunto un palimpsesto que nos acerca al carácter multifacético y plural que encontramos en todas y cada una de las ciudades aquí mencionadas.Cada artista y cada escritor (como O. Pamuk, J.C. Izzo, M. Chukri, P. P. Pasolini, J. Genet, N. Hammam, A. Menia, S. Iveković, W. Raad…) a los que se hace mención en estas páginas nos ofrecen collages representacionales que desbordan los límites de los estudios académicos, para darnos a conocer experiencias, impresiones y recuerdos propios en los que no hay lugar para las certitudes. El resultado de todo ello es la construcción de un relato incompleto, repleto de tramas poco conocidas y conformado por citas extrañas, conexiones inciertas y mundos imaginados donde todo puede suceder.
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La naciente disciplina del psicoanálisis muy pronto demostró interés por las problemáticas estéticas, no ya sólo en las representaciones de los sueños y delirios. Empezando el siglo XX, el círculo de Sigmund Freud se dispuso a analizar las relaciones entre la psicología del individuo -con sus pulsiones, traumas y anhelos- y la creatividad artística, interpretando la obra de arte como la manifestación o resolución, siempre cambiante, de los conflictos del artista consigo mismo y con su entorno, o también como la concreción, más o menos armoniosa, de los tránsitos entre lo consciente y lo inconsciente.El presente texto de Otto Rank, publicado en 1907, fue, en este sentido, pionero, y abrió el camino a otros escritos sobre arte y psicología a cargo, señaladamente, de su maestro Freud o de su, por entonces, condiscípulo, Carl Gustav Jung.
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El dibujo de la figura humana nos compromete a nosotros mismos, por completo: atañe a la emoción que sentimos frente al modelo mientras observamos sus características físicas y percibimos, alternándolos con los nuestros, sus estados de ánimo. Quizá, de forma parecida a lo que sucede en el retrato, y con valores aún más sutiles y profundos, observar el cuerpo de uno de nuestros semejantes provoca una especie de mirada también sobre su fluir interior y provoca casi una reflexión o una proyección en él...No sorprende, por tanto, y es bien sabido, que desde los primeros balbuceos del sentir artístico y religioso la representación del cuerpo humano ha constituido uno de los temas más elevados y significativos. El desnudo identifica al hombre en su esencia, quizá con itinerarios diversos en las civilizaciones de Occidente y en las orientales: en las primeras, por ejemplo, parece surgir, como rasgo distintivo, la tensión en el análisis, en la descripción, en la anatomía y en la explicación de lo orgánico, en la composición entre generalidad e individualidad,en las segundas, al contrario, predomina la atención por el fluir vital, por los indicios difuminados pero reveladores de los caracteres más íntimos y esenciales de las energías interiores. Giovanni Guglielmo Civardi nació en Milán el 22 de julio de 1947. Licenciado en Economía, estudió posteriormente en la Facultad de Medicina y en la Scuola del Nudo de la Accademia di Brera, y se dedicó al retrato y a la escultura. Durante más de una década realizó ilustraciones para diarios, revistas y cubiertas de libros. Organizó muestras personales de escultura y amplió sus estudios anatómicos durante frecuentes estancias en Francia y en Dinamarca. Desde hace muchos años dirige cursos de anatomía y de dibujo de la figura humana, y ha condensado su experiencia didáctica en numerosos libros, reeditados con frecuencia. La mayoría de ellos han sido traducidos a varias lenguas (inglés, francés, español, ruso, alemán, japonés, etc.). De 2011 data el Cuaderno de Lourdes, el más reciente de sus apuntes de viaje. Actualmente vive y trabaja en Milán, Casteggio y Niza.
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El retrato es, en su acepción habitual, la representación de los rasgos de un ser humano, es decir, de su rostro o de la figuraentera.Siempre ha sido, y es aún, un tema importante en las artes figurativas y caro a los artistas, que han encontrado en él,además de un género profesional bien retribuido y socialmente apreciado por su valor simbólico o conmemorativo, tambiénuna oportunidad muy interesante para indagar sobre la condición humana observada desde el punto de vista físico y, sobretodo, psicológico. Es este último punto de vista el que tiende a predominar en los tiempos modernos,ya que la fotografía,como es sabido,ha reducido mucho la función del retrato dibujado y pintado entendido como único medio para reproduciry transmitir los rasgos fisonómicos de un individuo.Pero éste era,evidentemente,tan sólo uno de los aspectos (el ''documental'') del retrato artístico. Reflexionando sobre mi experiencia de retratista,ilustrador y profesor,he tratado de simplificar y de compendiar en una visiónde conjunto los principales problemas con los que normalmente se topa uno al empezar a afrontar el dibujo de la cabeza''genérica''y, posteriormente,del verdadero retrato parecido.Algunos temas de especial importancia (por ejemplo:el dibujo de las manos,el retrato de los niños y de los ancianos,el retra-to de la figura entera,las ''cabezas características'',etc.) deberán ser necesariamente profundizados y a ellos se dedican otrosvolúmenes de esta serie.
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En terra de meravelles
UN RECULL DE TEXTOS RELACIONATS AMB LES ARTS I ELS SEUS CREADORS. Eulàlia Bosch ens ofereix un recull de textos relacionats amb les arts i els seus creadors. L'art pot ser objecte d'admiració i d'estudi, però encara més, segons la seva experiència personal, quan l'art forma part de la vida quotidiana, pot mostrar la bellesa, ensenyar a veure les coses de manera diferent i copsar allò indefinible que batega en el dia a dia. Aquests textos són una invitació estimulant i entusiasta per no desconnectar l'art de la vida. «Les històries que he reunit en aquest llibre han estat escrites al dictat de l'experiència viscuda i juntes volen ser un homenatge a aquesta presència del món de les arts que em permet ampliar els horitzons de la meva vida quotidiana. És quan recordo el Giacometti desesperat per no trobar la manera d'aconseguir l'expressió del rostre que busca des de fa anys, o quan noto com m'interroga Rembrandt des de la paret del museu on viu la seva eternitat, o quan sento què pot passar en esdevenir per un moment un personatge teatral, és quan recordo la mirada de llop de Jorge Oteiza, els versos de Jorge Luis Borges o les pel·lícules de Carlos Saura..., és aleshores quan m'adono que cada dia tot torna a començar de bell nou.»
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“Sus locos y sus bufones tienen menos de deformes que de profundamente humanos, a tal grado el sufrimiento y la desgracia no parecen ser, en verdad, para Velázquez, más que motivo supletorio para esquivar lo contingente y profundizar en uno mismo, traspasándose hasta la misma esencia.”René Schwob (1895-1946), escritor y crítico de arte francés de origen judío convertido al catolicismo reúne aquí sus impresiones sobre Madrid, especialmente sobre los cuadros que ahí pudo ver de los grandes maestros de la pintura española: Velázquez, El Greco y Goya.
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En una sociedad como la actual, para la que los valores han cambiado tan rápido, una obra que nos conecta de nuevo con nuestra naturaleza humana resulta esencial e iluminadora. Amor y arte es un ensayo fascinante de Ellen Dissanayake que nos devuelve la mirada hacia nuestro origen, y nos lleva a descubrir cómo el arte, lejos de ser una mera creación cultural, es una necesidad biológica profundamente arraigada en los seres humanos. A través de una propuesta revolucionaria, la autora muestra cómo el arte y el amor comparten un origen evolutivo común, ambos nacidos de la necesidad de establecer conexiones emocionales para garantizar nuestra supervivencia. Dissanayake explora cómo los primeros intercambios entre madre e hijo, basados en ritmos y movimientos sensoriales, dieron lugar a expresiones artísticas como la música, la danza y los rituales. Y, partiendo de esta premisa, realiza la que sea quizá la afirmación más controvertida e interesante de su pensamiento: que llevar a cabo actividades artísticas habría llevado a nuestros antepasados homínidos -tanto como socializar, obtener alimento u otras destrezas ancestrales- a ser seleccionados y a prosperar en sus vidas. Un ensayo que desafía nuestras concepciones sobre el arte y nos invita a reconocerlo como un elemento vital que sigue siendo esencial hoy para mantenernos conectados con lo que realmente importa.
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Publicada por primera vez en Florencia en 1550, Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos, de Giorgio Vasari, se considera la obra inaugural de la Historia del arte y la fuente escrita indispensable para quien quiera acercarse al arte del Renacimiento italiano y a sus protagonistas. Vasari, él mismo pintor y arquitecto, no sólo nos ofrece en ellas el relato de las biografías de los más célebres artistas del Renacimiento italiano, sino que también analiza con detenimiento las técnicas artísticas y el vocabulario técnico y teórico específico.Se han incluido en esta antología la introducción, los proemios a cada una de las partes de las obra y las vidas de los artistas más conocidos entre el público (Miguel Ángel, Rafael, Leonardo, Piero della Francesca, Sandro Boticelli, Giotto, etc.). Se trata, además, de una edición crítica guiada por la voluntad de facilitar al lector la comprensión de las obras, los términos artísticos y los datos históricos que aparecen en el texto vasariano.
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Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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«…,los logros del arte moderno tienen que entenderse como logros filosóficos de una cierta clase, aun cuando las obras de arte visual no sean ni tesis discursivas ni tengan relevancia filosófica por “,contener”, o “,implicar”, afirmaciones filosóficas. Mis principales ejemplos en este libro, Manet y Cézanne, son figuras consideradas a menudo respectivamente el abuelo y el padre de la modernidad en pintura. Hay en juego algo de importancia filosófica en los logros pictóricos incluso si no son –,precisamente porque no son–, filosofía en sí mismos. Es decir, la idea no es que estas obras de arte sean obras de filosofía, o filosofía incompleta, sino que encarnan una forma distinta de inteligibilidad estética, o una manera estética de hacer inteligible y atrayente una variedad de asuntos de la más profunda importancia para la filosofía.» Según Pippin, la pintura sería, como el cine, «filosofía por otros medios», una forma de conocimiento y autoconocimiento sensible afectivo. Desde este punto de vista se analiza, contra la idea de que el arte es algo del pasado, la pintura a partir de Manet y Cézanne como un modo adecuado y específico de representación de los problemas de la sociedad moderna desde el propio medio pictórico.
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«La situación parecía convertirse en algo profundamente irreal por momentos. El retrato ya no significaba nada como tal. Como cuadro tampoco decía mucho. Lo que sí tenía sentido y existía con vida propia era la lucha infatigable e interminable que Alberto había emprendido para expresar en términos visuales, y a través del acto de pintar, una percepción de la realidad que, por casualidad, había coincidido con mi cabeza. Evidentemente, era imposible conseguir esto, pues lo que es abstracto por naturaleza nunca podrá concretarse sin alterar su esencia. Pero él se había comprometido y, de hecho, estaba condenado a lograr algo que, en ciertos momentos, parecía el castigo de Sísifo. Yo me encontraba temporalmente involucrado en ese intento. Pero a veces olvidaba la naturaleza temporal de mi compromiso. Entonces, el cuadro se convertía en algo irreal, aunque en cierto sentido era más que real, pues el origen de esta situación estaba en la naturaleza misma de la realidad. De hecho, nuestra presencia y relación parecían proceder y participar del absurdo, siendo ridículas y sublimes a un mismo tiempo.» «Este es el libro que me hubiese gustado escribir a mí» Valeriano Bozal
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Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) est un précurseur. C'est un peintre de génie. Les véritables sujets d'un peintre ce sont les formes, les groupements, les harmonies, les choses que l'il voit dans la nature et que le raisonnement et la mémoire nomment ensuite. Fragonard a été en possession des connaissances de lart d'une façon qui le rapproche singulièrement de nos peintres modernes. Il fut un préparateur de l'art impressionniste par sa vision, par son sentiment de l'atmosphère, par son observation très précise des harmonies complémentaires, par sa faculté de comprendre le dessin des mouvements, et enfin par son pittoresque, son sens du caractère intime.
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Nueva edición del catálogo de exposición que acompañó Pinta la Revolución. Arte moderno mexicano, 1910-1950, una muestra organizada en conjunto por el Philadelphia Museum of Art y el Museo del Palacio de Bellas Artes, y presentada en ambas sedes entre octubre de 2016 y mayo de 2017. Esta nueva edición está dividida en tres volúmenes donde se abordan los temas más representativos del arte moderno mexicano. Se conservan las ilustraciones del catálogo original, agrupadas en secciones cuyos títulos reflejan los núcleos temáticos de la exposición. El tomo II se concentra en las alternativas de la vanguardia en el México posrevolucionario, la fotografía como medio y el impacto del arte moderno mexicano en los Estados Unidos.
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«En el río revuelto de sus muchos papeles, un buen día me topé en nuestra casa de El Boalo con este cuaderno de collages, que me hizo ver Nueva York de un modo totalmente suyo, personal e intransferible. Me encantó el hallazgo, pero no me sorprendió. Desde niña, ilustraba sus cuadernos escolares y siempre en sus manuscritos se han mezclado las letras, los dibujos y el rompecabezas de sus collages. El mundo de la fantasía que tanto formó parte de su vida cotidiana y literaria se unía en original amalgama en todo lo que creaba. Este es un ejemplo claro de ese cóctel creativo».De la nota preliminar de ANA MARÍA MARTÍN GAITE Visión de Nueva York, publicado por Siruela por primera vez en 2005, fue elaborado, pues, como una colección de collages durante la estancia de Carmen Martín Gaite en la Gran Manzana entre septiembre de 1980 y comienzos de 1981. Es un recorrido de la autora (por medio de imágenes y pequeños comentarios) por su día a día neoyorquino, y a través de sus contactos con la sociedad estadounidense de la época. Una obra original, y una original narración, con una visión íntima y sensible de una escritora cuya faceta de contar a través de collages es poco conocida.
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Da capo
Da capo, anotación en una partitura que indica al músico que debe reanudar la pieza desde el principio, es el título de esta monografía, que recopila una selección de textos escritos por Francesc Torres desde los años setenta hasta nuestros días. De este artista son especialmente conocidas las instalaciones multimedia que representan la velocidad, la competición y el machismo como fuentes de violencia. La guerra como expresión sofisticada de esta violencia y la fragilidad de la memoria histórica están igualmente presentes en su trabajo.
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Planting Fields es una casa de campo inglesa transportada a la costa norte de Long Island, a unos 48 kilómetros/30 millas al este de Manhattan. Esta lujosa mansión de estilo Tudor, que alguna vez fue el hogar de William R. Coe, presidente de Johnson & Higgins, y su esposa, Mai, heredera de la fortuna de Standard Oil, se encuentra en un paisaje de 400 acres de césped ondulado, jardines formales y bosques.Ahora abierto al público como Parque Histórico del Estado de Nueva York, Planting Fields figura en el Registro Nacional de Lugares Históricos, y sus céspedes y jardines atraen a más de 250.000 visitantes al año y albergan reuniones informales y celebraciones.Este nuevo libro cuenta la historia de Planting Fields a través de impresionantes fotografías nuevas de David Almeida, imágenes históricas y bocetos y planos de los hermanos Olmsted que capturan el espíritu de este raro superviviente de la era Country Place. Una convincente introducción del destacado historiador Witold Rybczynski explora a los diseñadores que le dieron forma y a las familias que vivieron allí, y ensayos adicionales examinan la historia del sitio y el desplazamiento de los pueblos indígenas, además de esbozar el plan futuro para la sostenibilidad y la resiliencia en la restauración del paisaje
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Obra maestra de Sandro Botticelli (Florencia, 1445-1510), el Nacimiento de Venus es uno de los iconos más importantes de la cultura occidental, recreado en tantas imágenes como expresión de la belleza femenina sublime. Pintado en 1485, el Nacimiento de Venus es también una síntesis de elementos muy diversos: visuales (retoma esquemas compositivos propios del Quattrocento), mitológicos (recrea fábulas de la Antigüedad sobre el origen del mundo) o filosóficos (se inspira directamente en conceptos platónicos).
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“A la pregunta ¿qué es el arte? puede responderse bromeando, con una broma que no es completamente necia: que el arte es aquello que todos saben lo que es. Y verdaderamente, si no se supiera de algún modo lo que es el arte, no podríamos tampoco formularnos esta pregunta, porque toda pregunta implica siempre una noticia de la cosa preguntada, designada en la pregunta y, por ende, calificada y conocida''
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Dans les œuvres de sa maturité, Velázquez est insaisissable. Il est avec Phidias, de tous les maîtres souverains, celui qui se dérobe le plus complètement dès qu'on veut définir son œuvre et pénétrer dans son intimité. Son langage se confond avec celui des phénomènes naturels aussi absolument qu'il est possible. Quand il s'agit de Velázquez, nous ne retrouvons plus les points de repère habituels qui nous servent à fixer notre émoi et à caractériser notre impression. Les notions purement verbales de lignes, de taches, de volumes où nous allons puiser quand nous voulons définir d'un seul mot le génie des Florentins, des Vénitiens, des Hollandais, s'effacent et deviennent confuses dès qu'on cherche à les appliquer à l'œuvre du maître espagnol.
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Tras el éxito de Jazz Covers, este épico volumen lleno de ritmo reúne más de 500 cubiertas legendarias de la época dorada de la música afroamericana. La psicodelia le da la mano al Black Power, la liberación sexual se une a la consciencia social y el retrato callejero se combina con los dibujos fantásticos en esta deslumbrante antología visual del funk y el soul.Esta recopilación, que incluye portadas tanto clásicas como excepcionales, conmemora la capacidad de estas obras de arte de captar, además del interés del comprador, todo un espíritu musical. Descubra entre sus páginas los diseños brillantes, atrevidos, disparatados y realmente hermosos que los admiradores se morían por tener en sus manos cuando artistas como Marvin Gaye, James Brown, Curtis Mayfield, Michael Jackson o Prince cambiaron el mundo con sus sonidos únicos e inolvidables.Funk & Soul Covers, que incluye entrevistas con figuras clave de la época, también ofrece el contexto cultural y el análisis del diseño de muchas de las cubiertas discográficas seleccionadas.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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La investigación artística de Jorge Satorre —surgida de su inicial interés por desarrollar una carrera como ilustrador editorial— ha mantenido una sostenida preocupación por experimentar con los límites de diversas disciplinas ligadas al dibujo. Con el tiempo, esta práctica ha estado cada vez más vinculada a una vertiente escultórica desde la que establece diálogos con los diversos contextos donde concibe y expone su trabajo. Sus proyectos recientes suelen implicar actos de transformación y subversión derivados de acciones esenciales, como moldear, estampar, forjar, fundir o romper. Estos procesos entrelazan lo íntimo con lo industrial, lo funcional con el uso indebido, las anécdotas con los arquetipos, los recuerdos con lo imaginario.Con motivo de su exposición en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo [Ría, CA2M, del 1 de febrero al 31 de agosto de 2025], se publica su primera monografía, que incluye nuevos ensayos de Daniel Garza Usabiaga, director del museo del Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México, y del artista irlandés Sean Lynch, así como una conversación entre Satorre y Latitudes, comisarios de la muestra, que reúne obras de nueva creación, junto a esculturas, dibujos e instalaciones producidas entre 2013 y 2025. Esta publicación está estructurada en orden cronológico inverso en torno a las exposiciones y trabajos realizados en los últimos quince años.
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Edición de las dos colecciones de piezas para teclado que Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) publicó como suplemento a su monumental Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado, y que viene a completar la edición crítica española del mismo aparecida en 2017 en esta editorial.Se trata de los 18 Probe-Stücke, Wq. 63/1-6 (H. 70-75) de 1753 y de los 6 neue Clavierstücke o Sonatine, Wq. 63/7-12 (H. 292-297) de 1786, de los cuales se ofrece aquí una fiel transcripción en notación actual de la edición original impresa. La partitura se acompaña con unas tablas en el Apéndice, que son el resultado del detallado análisis efectuado en paralelo con la edición crítica del Ensayo y que permiten cruzar la localización de las temáticas del libro con cada una de las 24 piezas. Con su ayuda es posible acompañar el estudio de las piezas con las palabras del propio Bach.
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Libera todo tu potencial artístico con 'Del pincel al píxel', la guía práctica definitiva para los artistas que hacen la transición de la pintura tradicional a la digital. Descubre el poder de las herramientas y técnicas de pintura digital, aprende a aplicar las habilidades tradicionales al medio digital y desa-rrolla tu propio estilo. Con explicaciones claras, ejercicios prácticos y consejos de artistas experi-mentados, este libro te enseñará a crear impresio-nantes obras de arte digitales, incluso si eres princi-piante en el mundo de la pintura digital. lníciate en el mundo de la pintura y da rienda suelta a tu creatividad con 'Del pincel al píxel: una guía práctica para iniciarte y dominar la pintura digital'.
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Toiles de cauchemar, dont jamais on n’avait vu les équivalentes dans la peinture. Si réels, et si sauvages, avec une sorte d’accent à demi caricatural qui double l’horreur de la scène, les Désastres de la guerre sont des impressions, des visions brèves et globales de l’effroi, où le détail ne joue que pour en multiplier l’effet, une apparition fulgurante qui semble jaillir de la nuit pour y rentrer aussitôt. Si le mot de “ visionnaire ” n’avait existé, il eût fallu le créer pour désigner l’art de Goya. Et si le “ réalisme ” était autre chose qu’un mot, c’est peut‐être Goya qui nous eût contraints de l’insérer dans notre vocabulaire. Il est le plus grand visionnaire du réel qui ait sans doute existé.
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La crítica del arte parece inseparable de los dictados del capitalismo y de la industria cultural. Todos los pretendidos o genuinos críticos de arte, que deberían buscar el debate y el fomento de la reflexión, se ven atados de pies y manos –a veces de manera más que voluntaria– a las exigencias del mercado si quieren mantener, e incluso promocionar, su estatus social y laboral. A la larga, no solo se desprestigia el arte y la propia crítica, sino que resulta imposible el fomento de la producción cultural y la formación o el disfrute del público. En esta coyuntura se presenta el dilema: ¿debería el crítico plegarse a las dinámicas económicas o convertirse en un kamikaze cultural condenado poco a poco al ostracismo?El presente libro hace accesible un ámbito endogámico y cerrado, acabando con mitos y auras mágicas con el objetivo de exponer el funcionamiento de la creación artística actual, así como las dinámicas del mercado. También muestra cómo se generan y destruyen tendencias o famas, y cuál debería ser la labor del crítico.
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