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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Un viaje para los sentidos a través de los jardines del mundo¡Bienvenido a un viaje que te llevará por los jardines más espectaculares del mundo! Este libro es una invitación a sumergirte en la belleza de la naturaleza y disfrutar de las placenteras sensaciones que solo un jardín puede ofrecer. A lo largo de estas páginas, descubrirás jardines impresionantes de todo el mundo, como el majestuoso Jardin Majorelle en Marrakech, con colores vibrantes y plantas exóticas o el Mar de Bambú de Anji, un oasis de tranquilidad en medio de la naturaleza, donde los árboles de bambú se elevan hacia el cielo como gigantes verdes. También podrás conocer el Kenroku-en, uno de los jardines más hermosos de Japón, donde perfección y armonía se unen en cada rincón o, en Nueva Zelanda, un jardín que se funde con la selva virgen dando forma a un espectáculo único de vida y color. Pero no hace falta ir tan lejos, también podrás enamorarte de los los Jardines del Real Alcázar, en Sevilla, un enclave de ensueño en el que la historia y la naturaleza se fusionan dando lugar a una experiencia inolvidable.Este libro es una oda a la naturaleza y al poder que tienen los jardines para hacernos sentir en paz y armonía con el mundo que nos rodea. Déjate llevar por la belleza de estas imágenes y descubre los secretos de los jardines más impresionantes del mundo, un regalo para los sentidos que no te puedes perder.
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El patrimonio cultural constituye uno de los ámbitos científicos más complejos de abordar, ya que, además de la diversidad de bienes que lo conforman, confluyen en torno a él numerosos intereses y efectos de tipo social, político, ideológico, económico, urbanístico, etc. Esta multidimensionalidad del patrimonio cultural ha propiciado que toda clase de agentes, disciplinas y colectivos se acerquen a él para extraer del mismo aquellos objetivos o beneficios que consideran legítimos a sus particulares intereses. Este hecho está dando lugar en la actualidad al desarrollo de una serie de tendencias que pueden ser muy peligrosas para el patrimonio cultural, para el mantenimiento y la sostenibilidad de un adecuado sistema de reconocimiento y tutela del mismo. Tendencias como las relacionadas con la utilización de la memoria y la identidad como referentes para la patrimonialización de un bien, la expansión incontrolada del patrimonio cultural inmaterial, la suplantación de la tutela por la gestión, la simplista apelación a la participación ciudadana, la desconsideración de los procesos formales de declaración de bienes, y las implicaciones jurídicas que ellos implican, especialmente en los de carácter paisajístico. Para poder transitar correctamente por este desconcierto patrimonial el autor nos induce a acudir a la seguridad de los límites de la ciencia (y la de sus profesionales), que otorga, en este caso, los principios y fundamentos de la disciplina de la tutela del patrimonio cultural, haciendo valer así el armazón científico construido a lo largo de siglos con el objetivo de disponer de un instrumento poderoso, universal, democrático, legítimo, justo, solidario, inclusivo... para defender uno de los más preciados (y apreciados) tesoros de la humanidad, su propia historia, su propia existencia. Evitar dilapidar este excepcional y universal logro es el objetivo de esta publicación.
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Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado artístico para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.
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La monografía definitiva sobre la obra del escultor, artista de instalaciones y pionero del Arte Povera Luciano FabroLuciano Fabro fue miembro fundador y luego crítico principal de Arte Povera, el movimiento artístico basado en materiales y experiencias que comenzó en Italia a fines de la década de 1960. Continuó siendo exhibido internacionalmente, convirtiéndose en el primer artista del grupo en recibir una importante retrospectiva en los EE. UU., en el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 1992. Fabro fue un artista controvertido, pero aún así un favorito de la crítica: en 2018 el arte líder la publicación The Brooklyn Rail dedicó un número entero a Fabro, y la crítica del New York Times, Roberta Smith, escribió que Fabro trató ''la creación artística menos como una profesión y más como un experimento continuo destinado a mantenerse entretenido y al espectador un poco fuera de balance''. Esta monografía completa y muy ilustrada es la primera descripción completa de la vida y carrera de Fabro, escrita por la estimada crítica y curadora Margit Rowell, quien interactuó repetidamente con Fabro en sus últimos años, y se publica con el apoyo y la participación total del patrimonio del artista y galerías internacionales, Paula Cooper (Nueva York), Christian Stein (Milán) y Simon Lee (Londres y Hong Kong).
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New Surrealism: The Uncanny in Contemporary Painting de Robert Zeller ofrece una amplia exposición tanto del Surrealismo histórico como de su legado en el mundo del arte.Demuestra las muchas maneras en que el movimiento artístico más significativo del siglo pasado sigue siendo relevante hoy en día, presentando una selección internacional de artistas contemporáneos cuyas composiciones y práctica de estudio revelan su influencia.Son muchas las modalidades del Surrealismo histórico que aún mantienen su vigencia contemporánea: la presentación de lo familiar como desconocido e inquietante, la yuxtaposición de imágenes aparentemente inconexas, el uso del absurdo para criticar cuestiones políticas o sociales, y la utilización de imágenes eróticas en un contexto irracional y no lineal. No todos los artistas reunidos en este libro se identifican a sí mismos como surrealistas, pero cada uno utiliza alguna variante del surrealismo de manera personal.El libro comienza con un estudio de los orígenes, el liderazgo, los artistas participantes y los principales hitos del surrealismo histórico. Zeller hace una crónica del movimiento a partir del final de la Primera Guerra Mundial y el nacimiento de Dadá. Los protagonistas y acontecimientos más importantes aparecen a lo largo de la cronología de los hechos -incluida la Segunda Guerra Mundial, y artistas tan notables como Max Ernst, Marcel Duchamp, Leonora Carrington y muchos otros- hasta la muerte de su líder André Breton en 1966.A continuación, Zeller analiza cómo se ponen en práctica los elementos del Nuevo Surrealismo en el mundo del arte contemporáneo. La segunda sección ofrece un estudio de 29 artistas contemporáneos que participan en las variaciones aparentemente ilimitadas de los temas originales del Nuevo Surrealismo, como Rosa Loy, Glenn Brown y Arghavan Khosravi. La tercera sección presenta a 14 artistas, entre ellos importantes artistas contemporáneos como Inka Essenhigh, Ginny Casey y Anna Weyant, que hablan de la influencia del Surrealismo en su práctica de estudio, detallando con sus propias palabras cómo crean una composición de principio a fin.
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Explore la vibrante historia y la profunda resonancia cultural del arte feminista de Corea y la diáspora.El libro de la reconocida curadora y académica Dra. Kim Hong-hee es el primero en profundizar en el impacto de las artistas feministas coreanas en el panorama cultural del este de Asia.Este estudio visual sin precedentes celebra el trabajo de 42 artistas contemporáneas, desde estrellas en ascenso hasta nombres mundialmente reconocidos, incluidos Theresa Hak Kyung Cha, Kyungah Ham, Kimsooja, Lee Bul, Mire Lee, Minouk Lim, Haegue Yang y Yun Suknam.Organizado por temas que incluyen política queer, ecofeminismo, diáspora y abstracción, Korean Feminist Artists presenta obras de arte que abarcan pintura, escultura, fotografía, cine, video, instalaciones, artesanías y performance. A través de ricas imágenes y textos, el libro explora la búsqueda de estas artistas pioneras por la igualdad social, cultural y sexual, desde sus confrontaciones con el establishment artístico dominante hasta la importancia de sus intervenciones estéticas y políticas.Ricamente ilustrado con casi 260 imágenes bellamente reproducidas y finalizando con un ensayo personal y estimulante de la influyente poeta surcoreana Kim Hyesoon, este estudio vital y oportuno revela el impacto de las mujeres artistas en la cultura coreana en general.
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Es abundante la literatura donde se proponen las hipótesis y teorías sobre la patología ocular que padeció Edgar Degas y como influyó en la transformación de su estilo pictórico. En La enfermedad de Edgard Degas, su autor, oftalmólogo de profesión y estudioso de la pintura del artista, nos ofrece una concienzuda revisión de la literatura publicada hasta nuestros días. Una perspectiva interesante y contratada sobre Degas, como hombre y artista, sus relaciones y los distintos médicos que lo visitaron, logrando aclarar su enfermedad.
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Partiendo del cuadro Dama con dos caballeros de Vermeer, este ensayo trata de la relación entre pintura y cine. No de películas que relatan pasajes de la vida de pintores o de las intersecciones que hay entre pintura y cine en determinadas tendencias o líneas pictóricas. Trata, sí, sobre el sentido que la construcción del espacio-tiempo alcanza en ambas artes, partiendo del concepto de mise-en-scène o específico cinematográfico: de cómo se construye el espacio-tiempo en la pintura, con imágenes que fijan una acción o varias acciones en el instante en que tienen lugar, de cómo lo hace el cine, con imágenes de acciones en movimiento, es decir, de cómo existen obras de pintura que pueden entenderse desde presupuestos cinematográficos. Pues, aunque se trate de dos artes distintas que utilizan procedimientos técnicos diferentes, muchas pinturas presentan nítidas analogías con aspectos implícitos en la puesta en escena manejada por los mejores realizadores cinematográficos: el espacio dentro de campo y el espacio fuera de campo, el découpage, el raccord, la mirada fuera de cuadro, la profundidad de campo, la simultaneidad de acciones dentro del cuadro, la composición del plano…
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Relojes mecánicos, cronógrafos, de buceo y de cuarzo: un recorrido por la historia de la relojería a través de 90 modelos emblemáticos. Desde los primeros relojes de pulsera hasta los relojes de cuarzo, todos tienen un interés histórico, mecánico o meramente estético. Un viaje a través de las épocas y las diferentes complicaciones de la relojería. Siglos, incluso milenios, de innovación técnica han llevado a la creación de los relojes tal y como los conocemos hoy. Complejos y estéticos, son obra de artesanos muy cualificados y con un saber hacer excepcional. Pero ¿qué sentido tienen los relojes mecánicos en la era de los smartwatches? ¿Por qué nos fascinan? Tal vez sea porque, junto con la ropa, son los objetos más íntimos de nuestras vidas. Quizá también sea porque algunos han protagonizado extraordinarias aventuras humanas. Acaso porque otros nunca habrían visto la luz sin la perseverancia y la imaginación de grandes personalidades. ¿Somos realmente los dueños de un reloj o nos limitamos a transmitírselo a las generaciones venideras? Pese a las cicatrices que el tiempo les haya dejado, la mayoría de los modelos que figuran en este libro nos sobrevivirán. De hecho, la mayoría de ellos son relojes antiguos, con pátina, oxidados, imperfectos, simplemente vividos.
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¿Quién no conoce el hormigón? Es esa sustancia anodina con la que se construyen aparcamientos o bloques de pisos comunistas, ¿no? Pues... sí y no. El hormigón es en realidad el nombre genérico que se aplica a una amplia gama de materiales de construcción y, adecuadamente usado, es uno de los elementos nobles de la arquitectura contemporánea, una especie de «piedra líquida», maleable y robusta que permite la construcción de verdaderas maravillas de ingeniería.Esta edición resalta lo mejor de cuanto se ha construido en hormigón durante los últimos años. En este libro aparecen «estrellas» como Zaha Hadid, Herzog & de Meuron y Steven Holl, pero también nuevos y sorprendentes arquitectos como los rusos SPEECH, e incluso artistas como James Turrell, que ha convertido la famosa espiral de hormigón del neoyorquino centro Guggenheim (obra de Frank Lloyd Wright) en el escenario de una de sus piezas más destacadas.Sobre la serieBibliotheca Universalis –, Compañeros culturales en formato compacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN.
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Passats deu anys de la seva mort (i cinquanta de la seva participació a Eurovisión), la projecció de Peret com a Rei de la Rumba no perd ni un bri de la seva singular grandesa, i així es pot veure en aquesta biografia, escrita amb el cor per Rogeli Herrero, un dels membres de Los Manolos. La seva música, la seva vida (el seu esperit vital!) i el seu temps (durant el qual va protagonitzar moments inoblidables, com la clausura dels Jocs Olímpics del 1992) es recorden a «El gran Peret», amb una aproximació genuïna i molt personal. L'obra compta amb informació de primera mà i inèdita, amb vivències compartides entre el propi autor i Peret, converses amb la Rosita, filla de Peret, i amb altres persones del seu entorn, i també amb protagonistes de l'època (periodistes, músics i professionals de la indústria musical o responsables de l'organització dels Jocs). També inclou valuoses aportacions i teories pròpies de l'autor, com a músic que és, sobre les innovacions aportades en aquest camp per Peret i l'estil que va forjar: des de la influència del rock i els estils llatins que varen irrompre als anys 50 i 60 fins al repàs per les principals fites de la rumba, passant per l'associació dels temes de Peret com a «música de festa». En una acurada edició i acompanyat amb una variada selecció d'imatges (també d'inèdites), «El gran Peret» proporciona nombroses claus i connexions per conèixer de prop i a fons una de les figures indiscutibles que ha donat aquest país de músiques.
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Este libro traza la primera biografía de Pedro Mañach, industrial catalán que ha pasado a la posteridad como el primer marchante de Picasso. Mañach compartió un corto pero transcendental momento del nacimiento artístico del joven pintor.La biografía de Mañach, hasta ahora saldada de manera fugaz en la historiografía picassiana, es abordada en este libro en su amplitud y en el contexto de la Barcelona de su tiempo, agitada por conflictos sociales y el estallido de la trágica Guerra Civil como telón de fondo en el final de de los días de nuestro protagonista.
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El libro celebra el 60 aniversario del film, una de las películas más míticas de la Historia del Cine. Aborda los diferentes aspectos del film con gran despliegue gráficoEn el 60 aniversario del film El hombre que mató a Liberty Valance, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, los actores, la repercusión... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Más allá del dibujo académico, existe un manera de dibujar más espontánea e intuitiva. Este manual es una invitación a perder el miedo a manchar el papel, explorar y crear libremente. A partir de tres movimientos, tres manchas de acuarela superpuestas, aprenderemos a dar vida a 15 animales y nos adentraremos en las infinitas posibilidades de la mancha y el trazo. ''Cada uno de los animales de este libro es un reto, una oportunidad para aprender a explicarlo reduciéndolo a mancha y trazo, un proceso de desaprendizaje y de deconstrucción.''
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Un viaje analítico y de estudio hacia el patrimonio histórico por el Parador de Sigüenza, obra del arquitecto José Luis Picardo.El Parador de Sigüenza, obra del arquitecto José Luis Picardo, se encuentra asentado en una vieja fortaleza episcopal: el Castillo de los Obispos. Este emblemático inmueble de Paradores constituyó la última obra de adaptación hostelera del arquitecto para la cadena hotelera pública y, por tanto, la mejor expresión de su larga experiencia en el sector turístico.Este catálogo y la exposición a la que hace referencia es el resultado de la iniciativa del Colegio de Arquitectos de Castilla-La Mancha, en su demarcación de Guadalajara que, a partir de los estudios existentes, sobre el Castillo y el Parador, ahonda en el análisis crítico de la obra arquitectónica. La exhaustiva investigación documental previa ha propiciado la obtención de un abundante material inédito, que ha permitido perfilar la polifacética personalidad del arquitecto y su obra.Por una parte, en lo que se refiere al Parador, se estudian las actuaciones turísticas previas de ámbito regional El Mar de Castilla y el parador colaborador Calas Verdes, para entrar, a continuación, en la evolución histórica del castillo-palacio y su reutilización hostelera, desde diversos puntos de vista. Por otra, se analiza el dibujo de Picardo, en los años que estuvo en la Escuela de Arquitectura, su colaboración con la Administración turística y se incluyen unas notas biográficas relativas a aspectos personales y profesionales, en las que tiene una gran presencia el mundo del caballo, el deporte náutico, la producción artística y las diferentes aficiones del arquitecto.
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El libro definitivo sobre uno de los directores de cine más aclamados. Una enciclopedia sobre su vida y obra, con un impresionante despliegue fotográfico.Probablemente el director de cine europeo más influyente y aclamado, la figura de Ingmar Bergman sigue siendo considerada como uno de los pilares más firmes sobre los que se sustenta el denominado cine de autor. Indagador imperturbable de la psicología de hombres y mujeres, así como de sus relaciones afectivas, el cine de Bergman destila una riqueza visual y narrativa como la de pocos cineastas. Una veintena de prestigiosos críticos analizan en “El universo de Ingmar Bergman” todos sus films, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias...
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Un original ensayo sobre la justicia y el acto de hacer justicia, sobre la verdad y el fraude, el mal y la restitución del daño y sobre la proporcionalidad del castigo.Un juicio tiene algo de puesta en escena. Incluso cabría decir que la disposición de la sala recuerda a un teatro, con un estrado a modo de escenario y un espacio con filas de asientos reservado para el público, que asistirá a un combate dialéctico entre dos relatos antagónicos.Tanto es así que la teatralidad de los juicios ha sido recuperada en numerosas ocasiones en el ámbito de la representación teatral y cinematográfica. Al tiempo que fiscales y abogados se entrenan reproduciendo casos pasados o ficticios.En este singular ensayo, con la sensibilidad intelectual que le caracteriza, José A. Sánchez indaga, desde diferentes ángulos, en la función política de la representación a partir de juicios históricos y de obras de diferentes cineastas y creadores escénicos, desde la antigua Atenas hasta la actualidad.Y nos propone una reflexión acerca de la vigencia de conceptos como «mal» y «verdad», así como la manera en que se va transformando la relación entre creadores y públicos en el contexto de la cultura del espectáculo efímero.
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En el casi medio siglo transcurrido desde la edición completa en alemán de su Libro de los Pasajes, Walter Benjamin se ha convertido en una referencia clave en muchos ámbitos de la crítica. Benjamin elaboró una síntesis única y provocativa de la estética, política y filosofía. Este volumen de la colección ''Pensadores sobre la arquitectura'' evalúa la importancia de sus escritos para la teoría y el ejercicio profesional de la arquitectura.A partir del entrelazamiento de vida y obra en los escritos de Benjamin sobre varias ciudades europeas, este libro examina sus contribución a la crítica cultural en relación con obras de Max Ernst, Adolf Loos, Le Corbusier y Sigfried Giedion, y sitúa la obra de Benjamin dentro de algunas manifestaciones más recientes de la arquitectura y el urbanismo.Este libro constituye una descripción concisa y coherente de la relevancia de los escritos de Walter Benjamin para los arquitectos, al considerar en detalle algunas figuras del arte y la arquitectura moderna, y ubicar el trabajo crítico de Benjamin dentro del contexto de la arquitectura y el urbanismo contemporáneos.
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El museo occidental es un campo de batalla ideológico, político y económico. Mientras que hoy día casi todo el mundo quiere ''repensar el museo'', pocos tienen la audacia de cuestionar los presupuestos mismos del museo universal, producto de la Ilustración y del colonialismo, de una Europa que se presenta como guardiana del patrimonio de toda la humanidad.Recorriendo la historia del Louvre, discutiendo los callejones sin salida de la representación de la esclavitud y examinando los intentos fallidos de subvertir la institución museística, Françoise Vergès esboza un horizonte radical: descolonizar el museo significa poner en marcha un programa de desorden absoluto, inventar otras formas de aprehender el mundo humano y no humano que alimenten la creatividad colectiva y devuelvan la justicia y la dignidad a las poblaciones desposeídas de ellas.
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En este libro, que incluye un CD, se presentan actividades secuenciales para realizar movimientos rítmicosen espacios reducidos. Las actividades están pensadas para ser interpretadas y coordinadas con música.
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En el presente ensayo de investigación, Joana Masó y Eric Fassin reivindican el legado de la artista y poeta alemana Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927) cuya figura los historiadores de las vanguardias olvidaron y no se la reconoció dentro del movimiento esencialmente masculino que fue dadá. Podría decirse que la baronesa von Freytag-Loringhoven dio cuerpo a la vanguardia neoyorquina de principios del siglo XX: creó piezas con objetos encontrados· fue modelo lejos de la figura de una musa y performer en acciones de denuncia contra los postulados artísticos de sus contemporáneos. Llevó a cuestas un momento de la vanguardia que no llegó a hacer historia y del que también participó Marcel Duchamp de manera fugaz: ambos desafiaron la fascinación por la autoría y el mercado del arte.
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* Una guía nítida, clara y, sobre todo, orientada alarte griego y romano, desde la evolución de la escultura hasta las técnicas detalladas de la pintura de vasos y murales. * La fuerza de los logros creativos delos griegos y su legado adaptado por los romanos a través de explicaciones, obras, artistas, disciplinasy tendencias. * Las emociones de los artistas que crearon el arte por primera vez en Grecia y Roma, que desafiaron la sabiduría tradicional para explorar nuevas ideas. Durante más de dos mil años, el arte de Grecia y Roma ha sido el de referencia para la civilización occidental. Este libro ofrece información sobre los orígenes de las atrevidas innovaciones de aquellosque exploraron nuevas ideas, con información sobre los grandes esfuerzos de escultores y pintores para retratar, por primera vez, tanto las complejidades de la forma humana como la riqueza de sus emociones. Losestragos del tiempo han destruido tanto, que parece que el arte griego y romano hubiera consistido únicamente en impresionantes ruinas y fragmentos rotos. Perola realidad es muy diferente. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras característicasy una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria paradisfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de unávido galerista, un aficionado a leer cómodamente enel sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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¿Sabrías cómo manejarte ante una catástrofe humanitaria? ¿Sabrías cómo actuar como fotógrafo en un campo de refugiados? ¿Conoces lo que es un fixer y cómo contratarlo? ¿Sabrías cómo planificar un proyecto documental en una cultura totalmente ajena a la tuya o cómo incrustarte en un destacamento de soldados?¿Sabes que un fotógrafo documental puede llegar a desarrollar un vínculo imborrable de amistad con gentede culturas totalmente ajenas o padecer estrés postraumático por haberse involucrado en causas particularmente difíciles? ¿Y qué hay de hacerte pasar inadvertido, de integrarte en círculos sociales de complicadoacceso, de improvisar en situaciones desconocidas o de saber ganarte a esas personas cuyas vidas estás documentando? Esta obra recoge la naturaleza real dela fotografía documental y el acceso y la planificación del proyecto fotográfico con un contenido duro, impactante, pero también fascinante y alentador. El lector descubrirá cómo desplegar estrategias, lograr elacceso, la psicología de gentes, el arte de pasar inadvertido y en gran medida, el arte de improvisar ensituaciones desconocidas. Pobreza extrema, violencia, pero también ritos y costumbres fotografiados con mirada tranquila y respetuosa, sin prejuicios. Paraello el autor se ha servido de su experiencia personal y de un profundo análisis antropológico de las personas a las que documenta, lo que le ha valido el reconocimiento fotográfico de la comunidad internacionala través de numerosos premios, menciones de honor, como los IPA (International Photography Awards) durante varios años sucesivos, y exposiciones, siendo uno de sus trabajos más recientes el expuesto en el Dale Carnegie Hall de Nueva York.
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Profusamente documentado, Azerrad narra los avataresde trece grupos cuyo sonido inauguró no solo una nueva tendencia musical, sino también la eclosión de un nuevo estilo de vida. Los trece grupos son: Black Flag, The Minutemen, Mission Of Burma, Minor Threat, Hüsker Dü, The Replacements, Sonic Youth, Butthole Surfers, Big Black, Dinosaur Jr, Fugazi, Mudhoney y Beat Happening.
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¿Qué tienen en común espléndidas películas como El graduado de Mike Nichols, Jackie Brown de Quentin Tarantino o Mi vida sin mí de Isabel Coixet? Todas ellas están basadas en textos literarios e incluyen un buen puñado de canciones. Sus letras, lejos de constituir un mero adorno, forman parte sustancial del mensaje y contribuyen a conformar el relato fílmico junto a la propia literatura. En este ensayo se explican esos casos, además de Aunque tú no lo sepas, La flaqueza del bolchevique e Incendies, para que el lector reflexione sobre las letras de las canciones que suenan en las películas y se establezca así un fértil diálogo intermedial. Al final de este apasionante recorrido, se incluye un anexo con esas letras, tanto del rock como de otros variados estilos de la música popular, dando la palabra a Omara Portuondo, Joan Manuel Serrat y Extremoduro, y traduciendo a Simon & Garfunkel, Bobby Womack y Radiohead, entre otros muchos grupos y solistas. Este libro es una invitación a mirar de una nueva forma los lazos entre la literatura, el pop-rock y el cine. Un recorrido por las canciones en las adaptaciones de la literatura al cine, desde Coixet hasta Tarantino. Carlos Pranger es profesor de didáctica de las lenguas y las artes en la Universidad de Málaga. Sus principales líneas de investigación giran en torno a las relaciones entre la literatura, el cine y la música popular, ámbito en el que ha aportado trabajos acerca de David Fincher, Quentin Tarantino o Joan Manuel Serrat, sobre la obra de Gerald Brenan, a cuyo legado ha contribuido con la edición de Los diarios sobre Dora Carrington (2012), Los diarios de la Gran Guerra (2014), Cosas de España (2019) y La faz de España (Renacimiento, 2020), y de Gamel Woolsey, con la edición de su poesía completa en Más allá de la Tierra Media (Renacimiento, 2021). Rafael Malpartida es profesor de literatura y cine en la Universidad de Málaga. Sus principales líneas de investigación son la prosa del Siglo de Oro y las relaciones entre la literatura y el cine, ámbito este último en el que ha publicado estudios sobre Michael Haneke, Pilar Távora, Juan José Campanella, Manuel Martín Cuenca o Denis Villeneuve. Sus últimos libros son Una nueva mirada entre la literatura y el cine: el legado de Juan Luis Alborg (2022) y Diálogos entre la literatura española áurea, el cine y la ficción televisiva. Nuevas perspectivas de estudio en la era digital (2023).
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Un tesoro de imagenes magnificas , con tareas muy practicas y creativas para dominar el color Arte Promopress
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El crecimiento de las derechas populistas, la necesidad o dependencia de las redes sociales, la vigilancia permanente «por su seguridad» o el estado de bienestar como aspiración -para generar riqueza, no para repartirla- son algunos de los temas de los que parte Politizaciones del malestar para vislumbrar cómo se politiza el desasosiego o la angustia. Politizaciones del malestar surge de la voluntad de profundizar en el malestar desde los procesos creativos, a través de varias experiencias artísticas que perfilan el malestar en su dimensión política, colectiva, devolviendo a la sociedad lo que ésta invisibiliza. De esta manera, se combaten las promesas inalcanzables de libertad, prosperidad y felicidad en contraste con el tratamiento de los estados de ánimo que no se aceptan socialmente: tristeza, rabia, hastío, cólera, histeria, con la medicación como única alternativa. La presente muestra propone una aproximación a diferentes proyectos y acciones de los artistas Rufino Mesa, Enmedio, Virginia G. del Pino, Ulla Blanca Lima y Nora Ancarola. Se completa con las aportaciones en forma de artículos y entrevistas de Amador Fernández-Savater, Espai en Blanc, BAR Project, Martí Peran, Alfonso Levy, Laura Mercader, Manuel Delgado, Pere Salabert, Joan M. Minguet, Elsa Plaza y Tania Alba -que analiza once proyectos artísticos más-a fin de exponer y compartir la gestión del desasosiego, de la vulnerabilidad, siendo esencial en todos ellos el proceso, el compromiso y una dimensión colaborativa.
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En l'any del centenari del naixement de Joan Perucho també era necessari descobrir la seva faceta com a editor i conèixer una de les aventures editorials barcelonines dels últims anys del franquisme, l'editorial Tàber (1967-1971). Frederic Clara la va fundar i va donar a conèixer el gust per la imaginació, la literatura fantàstica, l’hedonisme i l’erotisme. Perucho s'hi va afegir més tard i la seva personalitat es va projectar en la recuperació dels clàssics de la literatura fantàstica, en la tria dels llibres rars i curiosos, en la sensibilitat cap al nou llenguatge del còmic i en la reivindicació de la cultura gastronòmica.
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Durante siglos, la pintura ha sido nuestra principal herramienta de comunicación visual y, por tanto, de creación de todos aquellos imaginarios culturales que atraviesan nuestra mirada. Sin embargo, hace años que parece haber perdido parte de su fuerza frente a la fotografía y otros medios visuales. Este influente ensayo de Julián Bellparte de la supuesta muerte de la pintura y nos ofrece un estudio agudo y apasionante que nos conducirá de la reflexión en torno a la naturaleza del medio pictórico hacia las profundidades del arte y la representación visual. Nacido bajo la inevitable influencia de Modos de ver de JohnBerger, este libro se ha convertido por derecho propio en un clásico dela teoría de arte y el lenguaje visual.
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CATÀLEG DE L'EXPOSICIÓ retrospectiva dedicada a l'artista Gelo, al Museu de Valls, durant els mesos de juliol a setembre de 2020. GELO és el nom artístic de JOAN JESÚS ENRÍQUEZ (1956), un artista que va destacar en els ambients artístics tarragonins a les dècades dels vuitanta i noranta. Desaparegut del mapa artístic des de finals dels anys noranta, el Museu de Valls fa una retrospectiva de la seva obra, en la qual incorpora les obres dels últims anys. L'obra de Gelo, una de les més singulars i potents de l'escena artística tarragonina, treballa la pintura en gran format (amb pintura acrílica, fosforescent i fluorescent), el gravat i les instal·lacions. Ha exposat a Catalunya, Espanya, França i Itàlia. El text del catàleg és obra de la crítica d'art i periodista ASSUMPTA ROSÉS (Reus, 1949).
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El padre del surrealismo belgaAnticipándose a las vanguardias artísticas del siglo XX e inaugurando la gran tradición surrealista que recorre el arte belga, James Ensor (1860-1949) pronto empezó a crear un reino de máscaras, del que será rey, descubriendo un país, provincia a provincia, con sus sitios pintorescos y sus lugares terribles, con sus parajes tristes y sus rincones locos, habitados por seres quiméricos, extraordinarios, grotescos, macabros.
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Si en tiempos premodernos las mujeres fueron consideradas físicamenteinferiores a los hombres, se insistía en su irracionalidady se las recluía a la vida doméstica, eso no significa que todas ellasestuvieran privadas de capacidad de decisión ni que sus vidas fueranirrelevantes para la cultura y la sociedad de su tiempo. Aunquefueron experiencias minoritarias, hubo mujeres que se destacaronen el ámbito público, e incluso otras heroicas, símbolos de la virtudfemenina, la justicia y la fortaleza.La historia de Tomiris es, precisamente, una de esas anomalías:reina de los masagetas (siglo VI a. C.), ante una amenaza exteriorcontra ella y su pueblo, actuó con inteligencia, valentía y singularjusticia. Este libro se ocupa tanto de su historia como de la vida póstumade su figura, de las fuentes de quienes la contaron y de las apropiacionesy usos que hicieron de ella. Recorrer esos caminos nospermite descubrir también algunas de las expresiones culturalesy sociales que se opusieron a la emancipación de las mujeres, asícomo las que propusieron, justificaron y posibilitaron un papeldistinto para ellas en el pasado.
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* Un manual contemporáneo para navegar por el fascinante mundo del color, que es una de nuestras señales visuales más poderosas, pero es mucho más que simplemente lo que vemos. * Artistas y diseñadores saben que una utilización adecuada del color puede realzar la sensación o el mensaje que intentan transmitir. * Con reseñas de cien colores -los icónicos, los inusuales y los innovadores- le cambiará para siempre la forma en que ve, piensa y utiliza el color. Descompone los conceptos fundamentales de la teoría, la psicología y la tecnología del color en pequeños apartados, con historias resumidas que revelan la importancia histórica y contemporánea de cada color. Introduce ejemplos inspiradores del arte y el diseño de distintas épocas e incluye consejos para elegir colores de forma inteligente y sostenible para cualquier aplicación.
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Presentamos un libro sobre el aprendizaje teatral, escrito por uno de los pedagogos más importantes del siglo. Se trata de Michael Chejov, sobrino de Anton Chejov, cuyas enseñanzas han ejercido una gran influencia en los actores de muchos países. Su sistema de interpretación rechaza el abuso de psicologismo y se apoya sobre todo, en la creación en la mente del actor de imágenes interiores, frecuentemente abstractas, y en la actividad física para generar emociones. Michael Chejov ingresó en el teatro del Arte de Moscú en 1912 y rápidamente se convirtió en una de las figuras más importantes del Primer Estudio, como se llamaba a su sección experimental. En 1928 abandonó la Unión Soviética y recorrió Letonia, Lituania, Alemania , Italia, Francia e Inglaterra antes de establecerse definitivamente en Estados Unidos. También allí impartió clases de interpretación, contando entre sus alumnos con Gregory Peck, Marilyn Monroe y Yul Brynner.
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Un libro que reúne dos grandes pasiones: el cine y lahistoria, desde el punto de vista de quien conoce, ama y respeta ambos campos, sin olvidar en ningún momento que el cine, no es la realidad, y de que se tratade un arte. En un emocionante y ameno recorrido pordiversos acontecimientos históricos el lector que sesumerja en estas páginas podrá ver cómo se desvelan muchas ideas falsas, que se tienen por verdaderas gracias al cine. El autor le enseñará la manera en que combatía una falange macedónica o una legión del imperio romano, las posibilidades de realizar una efi ciente carga de caballería, la forma en que se enfrentabana muerte los campeones de la Edad del Bronce, lo hábiles que eran los legionarios romanos con un gladiushispaniensis en sus manos, o lo chapuceros que eran los ejércitos masivos que formaban los persas, a faltade un liderazgo competente y tropas de calidad. Siempre apoyado en conocidas películas que le hicieron emocionarse en su butaca.
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Con este libro aprenderás a seleccionar música, a elegir las técnicas adecuadas para mezclarla, a configurar equipos y a enfrentarte al público como parte de tu aprendizaje. Puedes trabajar los capítulos por separado, pero te recomendamos que previamente hagas una lectura rápida para entender la dimensión del oficio. Tal vez, una de las cosas que te sorprenda de este manual es la utilización de un lenguaje llano y ameno para explicar conceptos teóricos y técnicos. La idea es que cualquier persona, sin conocimientos previos y sin supervisión, pueda introducirse en el mundo de la animación musical sin tropezarse con la barrera de un lenguaje excesivamente formal. Este libro está desarrollado atendiendo al currículo del módulo de Animación Musical en Vivo del Ciclo de Formación Profesional de Video Disc-Jockey y Sonido. Por tanto, y, en primer lugar, está destinado tanto a profesores como alumnos de este ciclo, pero también ha sido escrito pensando en todos los DJs, desde principiantes hasta profesionales del sector. Pablo Blanco es Licenciado en Psicología, máster en profesorado en educación secundaria y formación profesional, es músico, DJ y productor musical. Ha fundado su propia escuela de producción musical y DJ en Galicia, REC label, desde la que imparte cursos presenciales y online de composición por ordenador, mezcla de sonido y masterización digital, y cursos de DJ analógico y digital. Es especialista en software profesional de producción musical y DJ, como Logic Pro, Pro Tools, Ableton Live, Serato y Traktor Pro. Tiene formación como guitarrista de música moderna y realiza, además de composición propia, producciones musicales para eventos y publicidad. Compagina esta faceta con su labor como profesor especialista de los módulos de Animación Musical en Vivo y Control, Mezcla y Edición de Sonido del Ciclo de Vídeo Disc-Jockey y Sonido en la Escuela de Imagen y Sonido de Vigo.
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