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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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El best seller del crítico de arte más importante del mundo: un manual que todos los artistas, expertos y aficionados deberían leer.Ingenioso, apasionado y ganador del Premio Pulitzer, Jerry Saltz -crítico de arte de New York Magazine-, es contactado a menudo por artistas, comisarios, galeristas, profesionales y todo tipo de aficionados al arte para pedirle consejos. Basándose en su experiencia durante décadas de inmersión en el mundo del arte, Jerry Saltz ha logrado reunir todas las respuestas y las ha ordenado en un manual imprescindible para defenderse en el mundo del arte. Cómo ser un artista está repleto de consejos, reglas y ejercicios diseñados para dejar atrás los bloqueos creativos, incentivar la motivación y saber cómo defender una voz y lenguaje propios. Este libro ayudará a cualquier persona creativa a trabajar sus rutinas, mejorar los procesos, entender cómo funciona el mundo del arte y lograr sus sueños.¿A quién va dirigido el libro Cómo ser un artista?Este libro se dirige a cualquier persona con inquietudes creativas, tanto artistas profesionales como aficionados. Se presenta como una guía útil para quienes buscan mejorar sus procesos creativos, superar bloqueos artísticos y comprender mejor el funcionamiento del mundo del arte. Independientemente del nivel de experiencia, el libro ofrece herramientas y consejos para desarrollar una voz artística propia y alcanzar las metas profesionales. Está especialmente indicado para aquellos que buscan orientación y apoyo en su camino artístico.Temas que trata el libro Cómo ser un artistaEl libro aborda una amplia gama de temas relevantes para el desarrollo artístico. Se centra en proporcionar consejos prácticos y ejercicios para:Superar bloqueos creativos: El autor ofrece estrategias y técnicas para desbloquear la creatividad y mantener la motivación. Se enfatiza la importancia de la perseverancia y la práctica regular.Desarrollar una voz artística propia: El libro guía al lector en el proceso de definir su estilo personal y desarrollar un lenguaje visual único. Se anima a la experimentación y a la búsqueda de la propia identidad artística.Mejorar los procesos creativos: Se ofrecen herramientas para optimizar las rutinas de trabajo, mejorar la eficiencia y desarrollar una metodología efectiva para la creación artística.Comprender el mundo del arte: El libro proporciona información sobre el funcionamiento del mercado del arte, las relaciones entre artistas, galeristas y coleccionistas, y las estrategias para promocionar el propio trabajo.Lograr los objetivos artísticos: Se proporciona orientación sobre cómo establecer metas realistas, desarrollar un plan de trabajo y perseverar en el camino hacia el éxito artístico.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Cómo ser un artistaAún no hay opiniones o críticas disponibles públicamente sobre Cómo ser un artista.
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Quiero animarte a experimentar y a que no pierdas nunca la curiosidad. Pintar e ilustrar debe servir, sobre todo, para hacerte sentir bien.'' Con esta declaración de principios, la artista Madeleine Zülke nos invita a adentrarnos en el mundo de la acuarela a través de nostálgicos motivos de estilo boho. FUNDAMENTOS Una introducción a los básicos de la acuarela: tipos de papel, los pinceles y las técnicas básicas e imprescindibles. MEZCLAR, COMBINAR Y CREAR COLORES Aprende a observar cómo se comportan los colores, a diseñar tablas cromáticas y a confeccionar cartas de color. Además, descubre la elaboración propia de pinturas. 18 PROYECTOS PASO A PASO Desde una bicicleta, un teléfono y una caravana hasta un carrito de tartas y un faro, lo ''vintage'' y lo ''retro'' te acompañarán a lo largo de todos estos proyectos.¿A quién va dirigido el libro Acuarela boho?Acuarela boho está dirigido a todas aquellas personas interesadas en aprender y practicar la pintura con acuarela, especialmente si se sienten atraídas por el estilo boho y los motivos nostálgicos. El libro se presenta como una guía accesible para principiantes, ofreciendo una introducción clara y concisa a las técnicas básicas, pero también incluye proyectos más complejos para aquellos con algo más de experiencia. Su enfoque didáctico y la variedad de proyectos lo hacen adecuado tanto para aficionados como para aquellos que buscan mejorar sus habilidades en acuarela. La autora busca inspirar a los lectores a experimentar y disfrutar del proceso creativo.Temas que trata el libro Acuarela bohoEl libro Acuarela boho abarca los siguientes temas:Fundamentos de la acuarela: Se introduce al lector en los materiales básicos necesarios para la acuarela, como los diferentes tipos de papel y pinceles. Explica las técnicas esenciales para manejar la acuarela y obtener los resultados deseados.Mezcla y combinación de colores: Se enseña a los lectores a comprender el comportamiento de los colores, a crear tablas cromáticas y a elaborar cartas de color personalizadas. Se incluye información sobre la creación de pinturas propias.18 proyectos paso a paso: El libro presenta una serie de 18 proyectos de pintura con acuarela, todos ellos con un estilo boho y motivos vintage o retro. Estos proyectos abarcan una variedad de temas, desde objetos cotidianos como bicicletas y teléfonos hasta elementos más decorativos como carritos de tartas y faros. Cada proyecto se explica de forma detallada, guiando al lector a través del proceso creativo paso a paso.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Acuarela bohoAún no hay opiniones o críticas sobre Acuarela boho.
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Pensado para que el guionista lo tenga siempre a mano, El estándar de Hollywood proporciona mucho más que el mejor software de guiones: instrucciones claras y cientos de ejemplos para resolver todo interrogante sobre el formato: - cuándo es apropiado un nuevo encabezamiento de plano y cuándo no, - cómo dar formato a los encabezamientos de plano, diálogos, indicaciones de dirección y transiciones, - cómo controlar el ritmo con el formato, - cómo hacer que una página de guion resulte visualmente atractiva para el lector, - qué poner en mayúsculas y por qué, - cómo entrar y salir de una toma PDV, - cómo manejar los mensajes de texto y las reuniones Zoom, - cómo los guionistas más innovadores de Hollywood están ampliando los límites del formato, - cómo el formato para animación difiere de los formatos de acción real... En pocas palabras, Riley sabe más que nadie en Hollywood sobre el formato de guiones y lo comparte todo en esta guía indispensable.
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La historia del siglo XX muestra que hasta prácticamente los años sesenta, cuando emerge la contestación gay, lésbica y trans en las calles, la representación de la diversidad sexual se mueve en líneas generales en el ámbito privado, en la ocultación, en la vergüenza. No obstante, diversas manifestaciones artísticas lograron abrirse paso, en determinados círculos y sin llegar al gran público, para que los artistas pudiesen expresar su identidad sexual con la discreción obligada por la moralidad imperante.Es el caso de Duncan Grant, Romaine Brooks o Claude Cahun en la primera mitad del siglo pasado. El pudor se rompió a lo largo de los años setenta con el surgimiento de colectivos homosexuales que irrumpen en la vía pública tanto en Nueva York como en París, Santiago de Chile o Barcelona. Paralelamente, algunos artistas como Robert Mapplethorpe, censurado por los sectores más conservadores y ultrarreligiosos, mostraba en sus imágenes una sexualidad inconcebible para la sociedad mojigata. Los años ochenta y noventa afianzaron el retorno de las políticas sexófobas al convertir el sida en una condena moral.En esos tiempos tan duros emerge la denominada teoría queer y una pléyade de artistas inconformistas ponen de manifiesto sus deseos heterodoxos, sus formas de vida alternativas a la familia nuclear. El binomio de género (hombre/mujer, masculino/femenino) es puesto en tela de juicio, como puede verse en el espacio abierto del arte, donde las transgresiones adquieren fuerza y visibilidad. Un mundo perseguido ofrece un completo panorama de la diversidad sexual en las manifestaciones artísticas del siglo xx, en el que el título alude tanto al deseo de conseguir una vida en la que prime la libertad y el respeto a la diferencia como la realidad de que la diversidad sexual ha sido –y sigue siendo– amordazada, patologizada y condenada por las leyes y las normas sociales.
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Mientras tenía lugar la producción y estreno de ''Bienvenido Mr. Marshall'' (Luis García Berlanga, 1953), otros insignes representantes norteamericanos visitaban la pequeña localidad segoviana de Fuentidueña con un objetivo: adquirir su iglesia románica de San Martín. El ábside del templo era una excelente construcción idónea para completar una de las salas del museo The Cloisters (la sección de arte medieval del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, erigida gracias a John D. Rockefeller Jr.). El director del citado museo, James J. Rorimer (integrante durante la II Guerra Mundial del conocido grupo Monuments Men del ejército estadounidense), retomó en 1952 una idea de 1935: adquirir y trasladar a Manhattan aquel ábside románico español. Halló entonces condiciones óptimas para llevar a cabo una iniciativa que en los años treinta resultó inviable. El nuevo horizonte venía dado por la dictadura franquista, en un momento en el cual esta trataba de salir del aislamiento internacional, contando para ello con el apoyo de Estados Unidos. ¿Cómo fue posible la exportación de un monumento nacional? Esa es la pregunta a la que tratan de dar respuesta las páginas de este libro. El acceso a documentación inédita, tanto en España como en Estados Unidos, ha permitido reconstruir los episodios que se sucedieron hasta la firma del acuerdo en 1957 y la final presentación del monumento en Nueva York en 1961, como una cesión absolutamente excepcional en el ámbito internacional. Los agentes que promovieron y facilitaron la operación, los pagos de diversa naturaleza que mediaron en el acuerdo, las fórmulas para sortear la legislación, los hilos movidos por representantes públicos y por respetados miembros de la élite cultural, así como las voces críticas, constituyen piezas clave de una historia que hasta ahora desconocíamos y era preciso desvelar.
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Desde el siglo XVII hasta la llegada de la era digital, las teorías del color se han ilustrado con deliciosas ruedas, gráficos policromados y meticulosos diagramas. Esta reveladora edición, que reúne más de 65 obras de todo el mundo, rastrea los infinitos tonos y matices de un tema que inspiró a Newton, Goethe, Sanzo Wada, la Bauhaus y muchos más.¿A quién va dirigido el libro The Book of Colour Concepts?Este libro está dirigido a un público amplio interesado en la historia del color, su significado y su evolución a través de los siglos. Resulta especialmente atractivo para coleccionistas, entusiastas del diseño, historiadores del arte, investigadores, estudiantes de arte y diseño, y cualquier persona fascinada por la influencia del color en la cultura, la ciencia y la filosofía. Su formato y contenido lo hacen accesible tanto a expertos como a aficionados que deseen profundizar en el tema.Temas que trata el libro The Book of Colour ConceptsEl libro explora la rica historia del color a través de cuatro siglos, recopilando más de 65 textos y manuscritos históricos, ilustrados con más de 1000 imágenes. Se analizan diversos aspectos, incluyendo:Teorías del color: Se presentan obras seminales de la teoría del color, como las contribuciones de Isaac Newton y Johann Wolfgang von Goethe, ofreciendo una visión de la evolución del pensamiento sobre el color a lo largo del tiempo. Se incluyen también sistemas de color menos conocidos, como los sistemas teosóficos.Taxonomías del color: El libro proporciona taxonomías exhaustivas del color, ofreciendo una clasificación detallada y organizada de los diferentes matices y tonalidades.Relación entre color y otras disciplinas: Se explora la relación entre el color y otras áreas del conocimiento, como la música y las emociones humanas. Se analiza cómo el color ha influido en la percepción y la experiencia sensorial.Contribuciones de mujeres: Se destaca la importante, aunque a menudo olvidada, contribución de mujeres al campo de la teoría del color, presentando obras de artistas como Mary Gartside y Hilma af Klint.Evolución histórica del color: Desde las primeras manifestaciones artísticas en cuevas hasta la era digital, el libro traza un recorrido por la evolución del uso y la comprensión del color en la historia de la humanidad. Se incluyen ejemplos de diferentes culturas y épocas.Sistemas de color: Se presentan diversos sistemas de color a lo largo de la historia, mostrando su desarrollo y evolución. Se incluyen ejemplos de diferentes métodos de representación y organización del color.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro The Book of Colour ConceptsAún no hay opiniones o críticas sobre The Book of Colour Concepts.
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Este libro se escribió con el propósito de dar al artista una información completa y actualizada de los materiales y métodos de su oficio.Desde la fabricación y técnicas de aplicación de todo tipo de pigmentos, pasando por los secretos de los antiguos maestros, hasta los apéndices de fórmulas, pesos y medidas, esta obra abarca el inmenso conocimiento acumulado desde la Antigüedad hasta nuestros días sobre las técnicas artísticas y sus materiales.
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El acto de mirar es siempre interpretativo: supone el establecimiento de una relación íntima que afecta tanto al observador como al objeto de su mirada. Pese al supuesto distanciamiento que suele exigirse al teórico del arte, Miguel Ángel Hernández lleva años aproximándose así a las imágenes para establecer con ellas un diálogo profundo en el continuum de arte y vida. El resultado son los textos aquí reunidos, a medio camino entre el ensayo, la autobiografía y la narrativa, en los que siguiendo la estela de Benjamin, Sontag y Barthes se exploran cuestiones como el valor de la memoria y su vínculo con el conocimiento, el duelo, la ética de la mirada, las relaciones entre tecnología y deseo, o la percepción subjetiva del tiempo. A través de una prosa atravesada de vivencias, iluminaciones y experimentación literaria, el ejercicio de contemplar imágenes se nos revela como una experiencia vital y transformadora.
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Un fabuloso acercamiento a una constelación de mujeres que dedicaron su vida a la practica creativa entendida como camino de conocimiento.Este es un libro que tiene como protagonistas a algunas mujeres visionarias que, desde finales del siglo XIX, vincularon sus impulsos místicos e investigaciones espirituales a prácticas artísticas y creativas. Casi todas lo hicieron desde Europa, aunque muchas tuvieron en cuenta saberes y tradiciones de otros tiempos, lugares y culturas, algunas lejanas.Tras años de opacidad, asistimos hoy a una explosión de curiosidad y fervor por sus figuras: Hélène Smith, Madeleine Lebouc, Anna Mary Howitt, Barbara Leigh Smith, Elizabeth Siddal, Margaret Watts–Hughes, Lili Kolisko, Hilma af Klint, Emma Kunz, Nina Karasek, Elizabeth Wilkinson, Georgiana Houghton, Alice Essington Nelson, Florence Seth, Ethel Le Rosignol, Cicely Martin, Madge Gill, Mary Willis, Josefa Tolrà, Julia Aguilar, Ana de España, Leonora Carrington y Remedios Varo.Se interesaron por las nuevas espiritualidades y los saberes holísticos: el espiritismo, la teosofía, la antroposofía y el interés por antiguas tradiciones herméticas. También por las investigaciones científicas empeñadas en visibilizar lo oculto. Practicaron las nuevas ideas y políticas del socialismo utópico, el anarquismo y el feminismo, basadas en la justicia social y la fraternidad. Y generaron una explosión de apuestas creativas para dar formas a la voluntad de trascendencia y comunicación con mundos más allá del nuestro, de sanación del espíritu y de trazado de caminos de conocimiento que acompañaron su necesidad de transformación de la vida y del mundo.
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Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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Un altre fi. La resta
L'exposició «Un altre fi. LA RESTA. Art i antifranquisme», celebrada a El Born CCM entre el novembre de 2022 i l'abril de 2023, posà l'èmfasi en la resistència cultural d'aquella societat tot reunint obres de dinou creadors contemporanis de diverses generacions que converteixen en matèria artística la memòria dels silenciats pel règim. L'art com a expressió del que no podem oblidar. L'art com a mecanisme per imaginar altres possibilitats. La publicació que teniu entre les mans és el resultat de la reflexió d'un conjunt d'autores i autors a l'entorn d'aquelles realitats que han quedat al marge de la història i sense les quals el relat històric no és complet. Són una al·lusió a les dissidències i a històries personals lligades a la fal·làcia de la transició, la pervivència de la repressió i la injustícia. La memòria històrica ens hauria de servir per suturar els nostres relats personals i col·lectius i per poder-los concretar políticament, més enllà de l'espectacle, i començar, així, a consolidar nous desenllaços.
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«Yo no sé si soy de la periferia o no, pero sí quiero ser un embajador de ella. Quiero defenderla, cuidarla, honrarla y hacer que sea respetada. Y por ello me veo obligado a revelar todos esos mágicos secretos en este libro. He puesto el foco en algunas periferias y descubro su realidad, su magia. Entrad conmigo a las periferias y descubrid cómo funciona de verdad el mundo.» Ricardo Cavolo «La centralidad, tal y como la conocíais, morirá en vuestros brazos como un agónico enfermo después de vuestra ávida lectura de este compendio universal del extrarradio terrestre. A través de la misma comprensión de la periferia, vuestra centralidad renacerá de sus propias cenizas, y será mucho más fuerte que en tiempos pretéritos, porque, sin que os hayáis dado cuenta, a cada página degustada habréis incorporado nuevas ciencias, nuevos puntos de vista, incluso antiquísimas magias que hasta ahora solamente habían sido relevadas a unos pocos elegidos y preservadas para el ciudadano estrecho de miras. ¡Asomaos a las orillas escondidas del mundo!» Santi Balmes
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En Simplemente divas, un ensayo erudito y documentado que no renuncia a la ironía y al sentido del humor, Fernando Fraga nos ofrece una peculiar historia de las divas, proponiendo un recorrido histórico desde las pioneras y precursoras del siglo XVI, con Isabel de Médici, hasta Maria Callas, quizá la última, aunque la diva por antonomasia.
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La mayoría de los hechos que se cuentan en este libro se concentran entre 1984 y 1988. Y sus protagonistas repiten a menudo, ya sea para recordar a Kortatu o para situar al grupo en su contexto político y social, que en aquellos años todo iba muy rápido. El punk en el sentido amplio -tal y como se utiliza el término en este texto- es el vehículo perfecto para capturar este tipo de períodos turbulentos. El estado de las cosas es un disco electrizante por donde pasean los fantasmas de la Reconversión industrial, el terrorismo de Estado y los triunfos de la contracultura. A ritmo de punk, ska, hardcore, reggae y dub, la juventud empezó a disfrutar de un enfoque político (y un estilo de vida) muy distinto al de sus padres. Las letras de Kortatu, un relato alternativo de la Transición, fueron la banda sonora de esa red cultural formada por radios libres, centros sociales okupados y boletines de contrainformación. Nada menos que el magma político que mantuvo viva a la izquierda alernativa hasta el estallido del 15M.
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Basado en una exposición monográfica en el Museo Picasso, Málaga, sobre las distintas etapas de la carrera de la pintora española María Blanchard (1881-1932).Descubra cómo las experiencias personales de Blanchard influyeron en su obra, y como los temas del aislamiento, la melancolía y la resiliencia impregnan sus cuadros.Sea testigo de la evolución artística de Blanchard desde sus primeras obras cubistas hasta sus últimas pinturas de gran carga emocional, caracterizadas por colores llamativos.El catálogo ofrece un recorrido cronológico y temático por las diferentes etapas en la vida artística de la pintora española María Blanchard (Santander, 1881-1932). Asimismo, tiene como objetivo poner de relieve la riqueza simbólica y el carácter innovador propios de su trabajo en su corta trayectoria artística. Su consistente obra no fue suficientemente valorada en un contexto cultural que creía en la inferioridad femenina artística. Pintora comprometida con su modo particular de vivir y de crear hasta el final, traspasó los límites de los estereotipos de género.El amplio repertorio de obras que dejó tras de sí, que incluye escenas de maternidades, escenas domésticas, niños o trabajadoras, refleja una sentida preocupación femenina por la vulnerabilidad de la condición humana y el poder evocador de las emociones. Estos aspectos se ven reforzados por un meticuloso dominio técnico y un vivo interés por la historia y la tradición de la pintura europea.
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Uwe Fleckner nos presenta la visión política y comprometida, desde el análisis profundo de la iconografía y la composición, de la producción artística de Pablo Picasso.En 2023 se conmemora en todo el mundo el 50 aniversario de la muerte de Pablo Picasso, el pintor más importante del siglo XX. Mientras las exposiciones y las publicaciones, principalmente en España y Francia, destacan los polifacéticos aspectos de su arte, este libro se centra en un aspecto particularmente significativo de su repercusión: el compromiso político de su obra y la acogida universal de la misma.El presente volumen reúne una serie de artículos en los que se aborda al Picasso «político»: desde la incautación de su temprana obra maestra La bebedora adormecida (1902) en Alemania, hasta la «iconización» del Guernica (1937), del que se descubre en este texto una interpretación iconográfica completamente nueva pasando por el análisis de la única obra de teatro de Picasso, El deseo atrapado por la cola (1941), que se interpreta como la reacción ante la Ocupación Alemana en París.Desde una perspectiva metológica, el libro, escrito por uno de los mejores conocedores del arte moderno, se caracteriza por el minucioso estudio de documentos desconocidos, así como por un análisis profundo de la iconografía y la composición de importantes obras maestras de Pablo Picasso.
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La exposición Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas integra las múltiples visiones del personaje en los ámbitos de la literatura, el cine, las artes escénicas y las artes plásticas, y lo sitúa en un siglo XXI que ha borrado las fronteras entre la realidad y el mundo imaginario. Alicia aparece como una figura precursora: una niña con una gran curiosidad por todas las cosas, que desafía la lógica de las ideas inmutables y encuentra su camino en un mundo absurdo.
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¿Hacia dónde camina el museo del siglo XXI? Este ensayo hace un breve repaso de los orígenes y evolución del museo clásico desde el siglo XVIII al XXI. En ese recorrido se centra en la trasformación de la institución museística de templo de la cultura en centro que compite con el resto de la oferta de ocio de su ciudad, desdibujando los ideales que lo sustentaron en origen, mermando el potencial de comunión sublime que puede ofrecer el gran arte, y rindiéndose, además, al poder, las exigencias y manipulaciones de los nuevos cánones imperantes.
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Els més de 218 km de litoral i la més que notable quantitat de dies assolellats a l'any són la carta de presentació d'una marca, Costa Blanca, que abraça totes les comarques alacantines. Una costa ben diversa de platges i cales, un interior amb espectaculars cims que fan de la zona una de les més muntanyoses del país, i un grapat d'hortes perfumades conformen un paisatge que és essència pura del mediterrani.
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Rogan Gregory’s work pushes boundaries across media and scale – from miniature bronze animal forms to towering sculptures and furniture in innovative aggregated materials. Gregory’s iterative process and life-long interests in abstract forms, geology, and evolutionary biology allow him to develop an organic aesthetic unlike that of any designer working today.
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Este libro analiza la comunicación y la interacción simbólica de las ciudades modernas siguiendo el ejemplo de Barcelona. Presenta un recorrido por la evolución del modelo urbanístico de la ciudad y por la imagen de Barcelona a través de los grandes
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Tarragona, la antigua Tarraco, fue la primera ciudad romana fuera de Italia. El rastro de la civilización clásica es perceptible en sus murallas, torres, foros, circo y anfiteatro, declarados Patrimonio Mundial por la UNESCO. Pero hoy, por encima de todo, Tarragona es su patrimonio humano, la cultura, la fiesta, tan digno de reconocimiento como el de las piedras.
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Barcelona Gòtica (cast-inglés-cat)
Durant els segles XIV i XV Barcelona fou un espai privilegiat en el Mediterrani per promoure una intensa creativitat que quedà plasmada en l'arquitectura, l'escultura i la pintura expressades en un estil gòtic d'una originalitat innegable. Tot això queda reflectit en aquest llibre gràcies a una nova i original mirada dels seus autors, Raimon Arola i Victoria Cirlot, i del fotògraf Pere Vivas.
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Aquesta és una guia fotogràfica pensada, especialment, per acompanyar els visitants que desitgin conèixer la ciutat de València, passejant amb el Bus Turístic. El centre històric, els eixamples, el jardí de la Turia, les noves avingudes, la Ciutat de les Arts i les Ciències, la presència urbana del modernisme, el port, les platges urbanes, el parc natural de l'Albufera...són escenaris privilegiats d'aquesta guia visual, on es descobreix que la recreació en imatges dels dos mil·lennis d'història de València constitueixen un autèntic goig per als cinc sentits.
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Salvador Dal? turned the Empord? landscape into a symbol of surrealism. The Catalan painterÕs work is inseparable from his birthplace. The best evidence of this we have in the Dal? Theatre-Museum in Figueres, the house in Portlligat and the castle in P?bo
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Casa- museo Salvador Dalí: Portlligat- c
Entre les cales del Cap de Creus s'alça el refugi secret de Salvador Dalí i la seva musa Gal·la. Una residència única, plena de sorpreses i decoracions atípiques construïdes per la imaginació desbordant del geni. Un viatge al cor de l'artista en un entorn natural privilegiat, que va inspirar la majoria de les seves obres mestres.
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La Galería de las Colecciones Reales exhibe una selección del prodigioso compendio de colecciones artísticas reunidas por los sucesivos reyes de España a lo largo de los últimos cinco siglos y que, desde la Segunda República, pertenecen al Estado español.
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Rodin-Giacometti subraya las correspondencias entre dos artistas que interrogaron a lo largo de sus carreras los principios de la escultura y subvirtieron la mirada tradicional hacia el cuerpo humano desde una estética renovadora. La muestra parte de ciertos intereses comunes, de los modos en que dos artistas a los que separan dos generaciones, el francés Auguste Rodin(1840-1917) y el suizo Alberto Giacometti (1901-1966), dialogan a través del tiempo en torno a aspectos tanto tradicionales (el modelado, la materia, la relación con el pasado) como revolucionarios (el trabajo en serie o el cuestionamiento constante del pedestal,que se torna en dimensión conformadora de la obra).
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Cortadas en pequeños trozos y dibujadas, las emociones son mucho más fáciles de digerir.
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A lo largo de la historia las joyas no sólo han servido como elemento decorativo fruto del despilfarro o la frivolidad con las que alimentar la vanidad humana,sino que han sido y son objetos íntimamente ligadosa la vida de las personas por otras muchas razones. Se consideran como una fuente para la explicación de la sociedad, donde aspectos fundamentales en la consecución de los acontecimientos, como las relaciones sociales, comerciales o políticas, el comportamiento delos seres humanos, las modas y las tendencias, las costumbres o la propia religiosidad, quedan perfectamente reflejados en las mismas, pudiéndose comprender sus particularidades a través de ellas. Las alhajas hanactuado como testimonio primordial de devoción paralos fieles con respecto al caso particular de las imágenes marianas, así como de la religiosidad popular vista desde un punto de vista global. Para ello el exvoto ha jugado un papel imprescindible como herramienta de correspondencia y agradecimiento al favor recibido, tras las oraciones de súplica del fiel a la imagen venerada. Estos objetos ofrecidos a María, van a ejercer de complemento a la iconografía de la Madre deDios como Reina del Cielo, que junto con sus ricas vestimentas y el resto de aditamentos y atributos propios de su poder terrenal, ayudarán a presentarnos a laVirgen en Majestad, exultante, como Mujer perfecta yModelo de creyentes. AUTOR LUIS PRIETO SÁNCHEZ, es Arquitecto Técnico y Grado en Edificación por la Universidad de Sevilla. Es Gemólogo por el Instituto Gemológico Español y Artífice joyero por vocación. En la actualidad desarrolla su actividad profesional como Arquitecto Técnico, aunque comparte con Isabel un proyecto empresarial, la firma de joyas elOribe, de la queella es su ALMA MÁTER. La marca desarrolla sus colecciones siguiendo una línea de joyería contemporánea yactual, basada en piezas de plata y piedras de color. Sin embargo, se ha especializado en la restauraciónde alhajas antiguas. Actualmente combinan este trabajo con la realización del inventariado y catalogaciónde colecciones particulares de joyas, teniendo cierto conocimiento y un gran interés por la Joyería Histórica Española en general. Además, se prestan a participar en todo tipo de actos o colaboraciones que tengan que ver con el estudio, la conservación y la divulgación del mundo de la joyería histórica, siendo autores de varios artículos de investigación al respecto.ISABEL NÚÑEZ DÍAZ es Técnico Especialista en AnatomíaPatológica y en Prótesis Dental, con Máster en Cerámica Dental. Sin embargo, desde 2005 lleva a cabo su GRAN PASIÓN como creadora y diseñadora de joyas. Paraello se ha formado como sacador de fuego y modelista,con especialidad en engaste y grabado a buril. Además, tiene varios cursos de especialización en piedrasde color y diamantes
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Mientras sus circunstancias personales viven un constante vaivén, el artista chino Ai Weiwei sigue irradiando su magnetismo cultural. Conocido tanto por sus ideas políticas y su activismo en las redes sociales como por sus intervenciones sociales, su aproximación contemporánea al arte encontrado (ready-made) y su conocimiento de la artesanía tradicional china, la fama de Ai Weiwei se extiende más allá del mundo artístico.A partir de la Edición de Coleccionista limitada de TASCHEN, esta monografía de Ai Weiwei explora todas las etapas de su carrera con igual detalle y profundidad. Incluye numerosas imágenes y fotografías que permiten seguir la evolución del artista, desde sus comienzos en Nueva York hasta su liberación tras el arresto y detención que sufrió durante cuatro años en China. Y a lo largo del camino, momentos clave, como el éxito internacional alcanzado a principios del siglo XXI, sus famosas pipas de girasol de porcelana que cubrieron el suelo de la sala de turbinas de la londinense Tate Modern, su respuesta al terremoto de Sichuan en 2008 y su detención en 2011. A través de imágenes, que incluyen fotografías y planos de producción, y declaraciones de Weiwei extraídas de entrevistas, se ofrece una mirada privilegiada al proceso creativo, las influencias y la relevancia de Ai.La obra incluye textos de Uli Sigg, un viejo amigo de Ai y antiguo embajador suizo en China, y de Roger M. Buergel, comisario de Documenta 2007, que acogió la pieza Fairytale.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Las mujeres reclaman su lugar en la historia de la pintura Para ver hay que mirar. Hasta ahora, en la historia de la pintura que nos han contado, las mujeres desempeñaban un papel menor: son solo musas, meros objetos a los que plasmar en el lienzo. Así, las grandes mujeres que ejercieron como artistas por derecho propio apenas se mencionan en una nota al pie, y sus figuras quedaron arrinconadas por las de sus colegas varones. Hemos oído hablar de Caravaggio y Monet, pero, aún hoy, nombres como Berthe Morisot o Remedios Varo no son conocidos por el gran público. En El taller de Artemisia, Sandra Ferrer, autora especializada en la historia de las mujeres, nos invita a descubrir la vida y obra de algunas de las mejores pintoras de los últimos cinco siglos. Viajaremos con Sofonisba Anguissola, dama de la reina Isabel de Valois y autora del retrato más famoso del Rey Prudente. Conoceremos la traumática experiencia de Artemisia Gentileschi, quien, violada y humillada por una sociedad que no creyó su testimonio, pintó audaces cuadros barrocos desde una óptica casi feminista. Recorreremos los grandes estilos del siglo XIX francés de la mano de Élisabeth Vigée-Lebrun, Rosa Bonheur y Berthe Morisot, y nos sumergiremos en el torbellino de las vanguardias y la modernidad junto a Paula Modersohn-Becker, Maruja Mallo, Tamara Lempicka, Remedios Varo y Frida Kahlo, entre otras grandes artistas. Hasta ahora, un velo ha cubierto los nombres de las mujeres pintoras: ha llegado el momento de alzarlo y contar su historia. Igual que Virginia Woolf reclamaba una habitación propia para las escritoras, Sandra Ferrer reclama su propio espacio para las pintoras en la historia del arte.
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Los principios de la producción industrial aplicados a la arquitectura comenzaron a tomar relevancia en una época similar a esta. Las crisis tras las grandes guerras, acompañadas por una pandemia, dirigió la mirada de los arquitectos del movimiento moderno hacia la industria como solución a los problemas de una época. El espíritu de la máquina, la estandarización, el empleo de componentes prefabricados y el apoyo de la producción industrial constituirían la base sobre la que se construiría la nueva arquitectura.Finalmente la industria siguió su camino y la arquitectura el suyo. Una vez superados los contextos de crisis, la eficacia en los procesos ya no eran tan necesarios. La arquitectura quedaba libre de toda restricción para entregarse a sus juegos formales y debates postmodernistas y quedar así relegada al nivel inferior de las industrias productivas.De nuevo una situación de crisis económica y otra pandemia ha vuelto a poner el foco en la construcción industrializada. Volvemos a pensar que la arquitectura debe dar respuesta a los intereses y problemas de nuestro tiempo, ya no solo sociales, sino además medioambientales, a través de las tecnologías disponibles, y para ello, la construcción industrializada trae consigo seis propuestas de futuro.
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La colección IMPRENTA DINÁMICA, puesta en circulación por ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) y DAMA (Derechos de Autor y Medios Audiovisuales), ofrece con este nuevo volúmen una de las obras más originales entre cuantas existen en el campo de los estudios sobre el cine. Su autor, Alain Bergala, se propone abordar los enigmas más fascinantes, y a veces también más perturbadores, implícitos en el acto mismo de la creación cinematográfica.La decisión del cineasta, en el momento crucial, es muchas veces fruto de intuiciones y de oscuras pulsiones, tanto como de razonamientos lógicos, y estos planteamientos perfi lan algunos de los componentes más específicos del acto creativo. Surgen así aspectos como la relación creador-criatura, o las imágenes ausentes que pueblan la obra visible. Bajo esta perspectiva, algunas de las películas más relevantes de creadores como Alfred Hitchcock, Roberto Rossellini, Ingmar Bergman, Jean Renoir, Abbas Kiarostami, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Martin Scorsese, Kenji Mizoguchi, François Truffaut, Jean Eustache, Jean Vigo, Hou Hsiao-hsien, John Cassavetes o Leos Carax, entre otros, adquieren nuevas perspectivas y nos desvelan algunos de sus más ocultos y sugerentes secretos. Una invitación a pensar el cine desde otro ángulo.“Intento identificar en este libro el corazón mismo de la creación cinematográfica. Muchos libros analizan las películas como objetos acabados, pero pocos, hasta la fecha, tienen en cuenta frontalmente el acto de creación fílmica en sí mismo, en sus elecciones y en sus dinámicas. Este libro está destinado a todos aquellos que se interesan por ese gesto. Camino en busca de lo que hay de impuro, de embriagador, en el acto de creación en el cine, y que por el momento queda fuera del campo de análisis académico” . Alain Bergala.
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En esta obra Gustavo Martín Garzo reúne textos brevesen los que nos habla de las obras y los creadores que le han fascinado y en los que reivindica la necesidad del arte en nuestra vida. Se habla en estos textosde la lectura como acto de creación, tal vez el másíntimo e imprevisible que existe. No se lee esperandoobtener una respuesta a la pregunta de quiénes somos, sino para ver en qué nos transformamos.
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Artista pop, pintor de la vida moderna, paisajista, maestro del color, explorador de la imagen y de la percepción durante seis décadas, David Hockney es conocido por ser un artista que siempre encuentra nuevas formas para explorar el mundo y sus posibilidades de representación. No ha dejado de crear imágenes inolvidables: obras con líneas gráficas y texto integrado durante los Swinging Sixties en Londres, la famosa serie de piscinas, crónica del estilo de vida californiano en la década de 1970, así como penetrantes retratos y paisajes de gran formato y colores brillantes tras su regreso a su Yorkshire natal. Además de los dibujos en los que traslada lo que ve directamente al papel, hay collages multiperspectiva hechos con polaroids que abren el espacio a un sinfín de vistas de gran detalle, y dibujos realizados con iPad en los que captura la luz con un medio más moderno, testimonio todo ello del placer que Hockney siempre ha encontrado en la experimentación.Esta edición especial combina los dos volúmenes de la monografía David Hockney: A Bigger Book para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN. La vida y el trabajo de Hockney se presentan de forma cronológica como un diálogo entre sus obras y distintas voces de cada época, junto con reseñas y las reflexiones del artista en un texto que se complementa con retratos fotográficos e imágenes de exposiciones. Juntos abren nuevas perspectivas, página tras página, que revelan cómo Hockney aborda su investigación artística, cómo se desarrolla su pintura y dónde encuentra inspiración para su trabajo multifacético.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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