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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Vuelve la fresca sabiduría de Gompertz para enseñarnos a mirar como artistas y experimentar una nueva manera de estar en el mundo. Los artistas han aprendido a prestar atención. El resto de los mortales, sin embargo, pasamos la mayor parte del tiempo con el piloto automático, corriendo de aquí para allá, y nuestra excesiva familiaridadcon lo que nos rodea nos ciega ante el sinfín de maravillosos fenómenos que afirman la vida. Pero no tiene por qué ser así. A su más puro estilo, Will Gompertz nos lleva a la mente de los artistas, desde estrellas contemporáneas hasta viejos maestros, desde los más famosos hasta algunos menos conocidos, a lo largo y ancho del mundo, para mostrarnos cómo mirar y experimentar el mundo con mayor conciencia.Tras leer Mira lo que te pierdes disfrutamos contemplando el cielo en días nublados como el pintor romántico John Constable, Hockney se convierte en el nuevo guía de nuestros paseos por el bosque, entendemos qué es de verdad una amapola gracias a Georgia O'Keeffe, y Rembrandt nos contagia su valentía a la hora de mirarnos a nosotros mismos. Este libro nos ofrece la estimulante sensación de estar verdaderamente vivos.La crítica ha dicho:«Will Gompertz es un tipo singular. Rápido como la sangre. Y un defensor de la claridad en un territorio de opacidades».Antonio Lucas, El Mundo «Gompertz es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor».Nati Pulido, ABC«Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesitan demostrar nada. Aúna sencillez, hondura y falta de afectación».Hoyesarte.com «A Gompertz se le da mal ser aburrido».The Times «Gompertz es el mejor profesor que has tenido jamás».The Guardian
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Una novela biográfica sobre La Roldana, una de las grandes artistas de la historia universal, mediante una magnífica narración de ambientación histórica. El conocido divulgador de Arte, Manuel Jesús Roldán, nos sorprende con esta magnífica novela histórica que cuenta la vida de la escultora de Luisa Roldán, la popular Roldana. Con una ambientación y datos exhaustivos, Roldán ha escrito una novela histórica apasionante sobre la vida de una mujer que hizo valer su talento y triunfó en un mundo de hombres.
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* Guía de bolsillo de la historia, los materiales y el simbolismo de los colores a lo largo de los siglos y las culturas. * A través de sesenta obras maestras, que van desde los pigmentos que adornaban las cuevas prehistóricas hasta las luces de neón de Dan Flavin, los monocromos de Yves Klein y las creaciones de Veronés, Van Gogh, Delaunay, Warhol y Rothko, se exploran la historia, los materiales y el simbolismo de los colores a lo largo de los siglos y las culturas. * Accesible, conciso y profusamente ilustrado, se analiza el cuándo, el cómo y el porqué de la evolución de los colores. Compuesto por cuatro secciones diferenciadas, el libro puede leerse por separado o en conjunto. Las referencias cruzadas al final de cada página invitan a recorrer las distintas secciones. Con recuadros en los que se presentan las grandes aportaciones, las principales características o la trayectoria de cada artista. ''El color ya no es un elemento que se utiliza para describir un tema, ahora tiene vida propia. Se convierte en protagonista''. Sonia Delaunay
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Españolada, Landismo, Cine de barrio. Términos todos bastante poco precisos que sirven para designar a la comedia popular española. Esa que convoca a más público. Esa que levanta pasiones inconfesas. Y esa que supone un vehículo ideológico de primera magnitud demasiadas veces pasada por alto. Una comedia que parece haber ido cambiando durante los últimos cincuenta años, aunque un análisis en profundidad revela que distintas pieles esconden los mismos discursos reaccionarios y machistas. Por ello nos detendremos en los ejes temáticos de cada uno de los cinco periodos en que hemos dividido este estudio que también aborda las constantes formales de unas comedias que, como género, han cambiado tan poco que suponen nuestra tragedia particular.
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Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.
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Como las buenas secuelas, Más Superhéroes en Hollywood continúa justo donde lo dejamos en el primer volumen. Han sido un par de años complicados en los que el cine se ha visto muy afectado por la pandemia, pero en los que también se han probado nuevos formatos de estreno y en los que las plataformas digitales de streaming se han convertido en una pieza clave en esta industria. Y en este contexto, en Más Superhéroes en Hollywood vamos a repasar todos los estrenos de cine de superhéroes desde 2020 y los primeros meses de 2022, llegando incluso hasta The Batman. Pero también habrá espacio para incluir las series de Disney Plus del universo de Marvel Studios, y para echar un vistazo al futuro que se nos viene durante los próximos años. Todo esto y mucho más en estas páginas, así que, bienvenidos a Más Superhéroes en Hollywood.
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Quizás nunca antes el cine se haya visto tan amenazado. En la década de 2010 también cambió el modo en que vemos las películas y a nosotros mismos. Las redes sociales e internet han dado forma a una nueva comprensión del yo y del mundo. A medida que los servicios de streaming multiplicaron los productos audiovisuales a nuestro alcance y los videojuegos ofrecieron sus propias realidades alternativas, la gran pantalla tuvo que enfrentarse a una competencia cada vez más seria. Antes de que el tiempo transcurrido entre el estreno de una película y su distribución se redujera cada vez más, el cine ya se había visto degradado a un mero ?contenido? al que se accedía haciendo en clic en pantallas de colores. ¿Todo lo que le queda al cine es su culto a la celebridad, los éxitos de taquilla y la animación por ordenador?Nada más lejos de la realidad. Un simple vistazo a nuestra antología revela un cine sorprendentemente diverso, dinámico y, sobre todo, vivo de una década en que fue todo menos aburrido, monótono y condenado a la extinción. Y responda con total sinceridad: ¿disfrutaría igual viendo las películas aquí compiladas en el cine que por streaming? El cine sigue siendo un lugar para la nostalgia y este libro le hará sentir su poderosa inspiración.El editor Jürgen Müller y su equipo de expertos abordan en detalle las 100 películas más interesantes de la década, ilustradas con abundante material visual. El volumen también incluye biografías de actores y directores, datos de recaudaciones en taquilla, información general y una lista completa de los ganadores del Oscar« de 2012 a 2021. En su extensa introducción, Jürgen Müller y Philipp Bühler opinan que la obra maestra de Quentin Tarantino Érase una vez... en Hollywood (2019) ofrece la metáfora perfecta de las contradicciones y ambivalencias del cine contemporáneo. ¡Una obra de referencia para todos los cinéfilos!
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Análisis de las miradas que la fotografía proyecta sobre la arquitectura y cómo es esta percibida. La arquitectura existe por sí sola, pero es irrefutablemente un objeto de consumo perceptivo, fenomenológico y visual. El espacio construido ''entra por los ojos'' y, por lo tanto, la arquitectura se marida con la fotografía a efectos de documentación y difusión -así sucede desde los tiempos del apogeo de la modernidad-, pero también como condicionante primario de su forma, expresión e interpretación. Si el espacio construido tiene una segunda y paralela existencia en sus imágenes y estas hablan un lenguaje independiente alejado incluso de la realidad física que interpretan, debemos reflexionar críticamente sobre el alcance de las complejas relaciones entre ambas disciplinas. Esta es la tarea investigadora y divulgativa en la que lleva inmerso Iñaki Bergera más de una década y que este libro muestra reunida por primera vez. Con prólogo de Luis Fernández-Galiano.
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En los textos que componen este libro, Pierre Bourdieu analiza minuciosamente las reglas que configuran, en cada campo de producción cultural, qué se considera valioso y qué no, y cuáles son los procesos y los agentes que conducen a la consagración de un artista o una obra, o a su olvido. Así, se ocupa de describir el sistema de jerarquías y de luchas por la distinción que opera en el ámbito de las editoriales, el teatro, las galerías de arte y los museos. A través de nociones como ''campo'', ''capital simbólico'', ''habitus'', ''illusio'', Bourdieu demuestra que las disposiciones y los actos considerados más individuales y más libres -por ejemplo, los gustos literarios y musicales- están atravesados por la lógica social que determina la legitimidad de ciertas formas artísticas y el carácter herético de otras.
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Seis años, diez meses y dieciséis días después, Bruce Springsteen & The E Street Band se reencontraba con Barcelona. Fue en la primavera de 2023. Un año más tarde, con el recuerdo aún fresco y muy vivo, repetía visita a la ciudad. Aprovechando la coyuntura, también hacía parada en Madrid, actuando durante tres noches. Así pues, este libro cuenta, a través de once testimonios periodísticos y gráficos con mirada propia, los pormenores de esa gira 2023-24. ¿En qué momento llegaban? ¿Cómo había sido el viaje hasta llegar ahí? ¿Les iba a dar la energía y la condición física para estar más de tres horas sobre el escenario tocando rock n’ roll? Y, a todo esto, ¿por qué Bruce Springsteen es un referente vital y musical para tanta gente? ¿Qué valores transmite y qué legado deja el músico de Nueva Jersey? Con todas estas preguntas y un disco como Letter To You como excusa narrativa para salir de nuevo a la carretera, hay el convencimiento de que -una vez más- la experiencia con Bruce y los suyos fue mágica e inolvidable. Y, sobre todo, constatar de nuevo que la conexión con su público vence a cualquier marea y circunstancia. Ese es su gran qué, el gran secreto del Boss. Y en estas páginas, lo vamos a desentrañar y a descubrir. Con sonrisa pícara, un sentido analítico y emocional, y la electricidad propia e innegociable del escuadrón de la calle E. Porque, cuando la música toca, las almas se encuentran. Por eso siempre volvemos a él: Bruce Springsteen ha sido, es y será uno de los nuestros.
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Durante su carrera como uno de los ilustradores más solicitados de Estados Unidos, Andrew Loomis (1889-1959) impartió clases en la Academia Americana de Arte de Chicago, y en 1939 codificó sus lecciones en su primer manual, Diversión con un lápiz, que en solo cuatro años llegó a seis ediciones. Durante las dos décadas siguientes Loomis profundizó su obra con una serie de libros de instrucciones aún más exitosos que siguen siendo el patrón oro para los artistas hasta nuestros días. Ilustración creativa se considera la obra magna de Loomis. Dirigida principalmente al ilustrador de nivel profesional, se divide en siete secciones: Línea, Tono, Color, Contar la historia, Crear ideas, Campos de la ilustración y Experimentación y estudios. Un libro repleto de instrucciones, consejos, experiencias privilegiadas e increíbles ilustraciones.
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El libro desvela el proceso íntimo de componer una canción y nos aproxima al profundo sentimiento de asombro que pervive en el corazón de este proceso tan curioso como gratificante. Asimismo, nos habla de la importancia de conseguir que la creatividad forme parte de nuestra vida cotidiana y de experimentar la esperanza, inspiración y gozo que están allí esperando a cualquiera que se decida a empezar a componer.
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Las obras de Tolkien han inspirado a varias generaciones de artistas, y han dado lugar a una miríada de interpretaciones de los mundos fecundos y mágicos que creó. EL MUNDO ILUSTRADO DE TOLKIEN recoge obras y ensayos de ilustradores, pintores y artistas del grabado, así como textos fascinantes y eruditos de David Day, renombrado experto en Tolkien. Un homenaje al universo Tolkien donde artistas de renombre han plasmado su visión e interpretación del universo de la Tierra Media. Se trata de un exquisito libro de referencia para cualquier admirador de la obra de Tolkien, del mundo de Tolkien y de la brillantez imaginativa inspirada por su visión. Una celebración visual de las vastas tierras, épicas batallas, formidables bestias, héroes, pueblos y ejércitos del mundo de Tolkien
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Un viaje espeluznante por las moradas del miedo donde aguarda la guadaña. Que levante la mano quien no haya visitado alguna vez una casa, un bosque o un paraje donde se podría haber rodado la película de terror perfecta. En ocasiones nos cuesta pensar que la ficción se nutre de la realidad, y que la mayoría de los terribles sucesos a los que asistimos hoy en día ya no transcurren en mansiones abandonadas, cementerios u oscuras mazmorras. La Parca es muy caprichosa, y ha cambiado sus hábitos con el paso del tiempo. actualiza los sitios preferidos por asesinos, monstruos, zombis o fantasmas desde el punto de vista del cine, los libros, las series, los videojuegos y los cómics. Viaja con Ellie a través de la América apocalíptica de , sumérgete con en la historia de Jack el Destripador, visita el angustioso hogar de , o intenta escapar de un plató de televisión repleto de demonios salidos de la serie . ¿Cuál sería tu muerte favorita? - Arrástrame al infierno: Humor negro y macabro. - El Exorcista: una de las obras capitales del cine de terror. - From Hell: un cómic que muestra el lado oscuro de la era victoriana. - Candyman: una película elegante y terrorífica. - Lobos humanos: una reivindicación racial y un mensaje ecologista. - Poltergeist: Ya están aquííí... - Motorista fantasma: El espíritu de la venganza. De susto en susto descubriremos sitios terroríficos de la mano de la literatura, el cine, los videojuegos y los cómics.
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Ibai Llanos: «Un libro fascinante. Es como vivir los orígenes del freestyle en primera persona. Bruno, eres el mejor». Mientras el fenómeno del freestyle (o rap improvisado) se expandía a una velocidad trepidante por todos los parques del país, Bruno Pol Feliu García (más conocido como Kapo 013) era un chico raro, regordete y cargado de inseguridades que pronto encontró en el universo raperil de las batallas callejeras un primer espacio de confort en el que sentirse parte de un movimiento. Hoy ese movimiento es una potente industria, la pasión de millones de hispanohablantes en todo el mundo que, más allá de las guerras dialécticas que se libran sobre el escenario, ha logrado erigirse como un arte cargado de amor. Un amor que a ojos de Bruno —,que, a sus 30 años, puede considerarse uno de los testigos y narradores más excepcionales de la escena—, poco tiene que ver con el afecto o el contacto físico, sino con compartir tiempo y lugar en explosiones de apasionada energía junto con otras personas. Y es que, aunque pueda parecer lo contrario, el freestyle va de eso, de servir como vehículo del amor, por mucho que también fabrique miedo, este lleve al odio y, por ende, al dolor. Porque, si algo queda claro después de leer este emotivo testimonio sobre la revolución del rap de estilo libre, es que amor y dolor riman siempre. «Lo contrario del miedo no es la valentía, es el amor. Y de eso voy sobrado, en parte, gracias al freestyle y a todo lo que me ha dado», Kapo 013.
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Basic Human Anatomy teaches artists the simple yet powerful formula artists have used for centuries to draw the human figure from the inside out. A comprehensive, yet flexible and holistic approach, Roberto Osti’s method of teaching anatomy is exhaustive, but never loses sight of the fact that this understanding should lead to the creation of art. Osti, using the basic system of line, shape, and form used by da Vinci, Raphael, and Michelangelo, takes readers step-by-step through all the lessons needed in order to master this essential foundation skill. Organized progressively, the book shows readers how to replicate the underlying structure of the body using easy-to-understand scales and ratios, conceptualize the front and side views of the skeleton with basic shapes, add detail with simplified depictions of complex bones and joints, draw a muscle map of the body with volumetric form and realistic dimension, master the feet, hands, and skull to create realistic renderings of the human form, and apply a deeper knowledge of anatomy to finished drawings for more impact.
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Todos sabemos a qué se refiere alguien cuando habla de «música de gasolinera». Se podría decir que es algo así como música superventas consumida por la clase popular que triunfa sin la aceptación de la críticani el apoyo de los medios. Es música denostada porel gremio musical asociada a lo marginal, al mal gusto, a lo chabacano, a lo kitsch, a lo barriobajero yala falta de criterio y clase. El ejemplo más destacable es Camela que, siendo el segundo grupo quemásdiscos ha vendido en España, apenas ha contado con el apoyo de la industria. La gasolinera comopunto de venta musical cobra sentido a principios delossetenta, con la llegada del casete a España. Lasestaciones de servicio lucían expositores llenos decanciónmelódica, copla, flamenco y rumba, estilos alos que,con el paso del tiempo, se les fueron sumando otrosnuevos. Este libro es un recorridomusical por esa «música de gasolinera» que nos ha acompañado desde el siglo pasado hasta la actualidad, hace un repaso sobre los diferentes artistas y estilos,y su evolución tanto en estética, sonido y formatosde escucha. Todo esto narrado de una forma visuala través dela mirada y peculiar estilo de los collages digitales de Oro Jondo. Además, los diseños llevan incorporados códigos QR vinculados a listasde reproducción de temas destacados, actuaciones, entrevistas o momentos icónicos de los artistas.
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El videoartista más influyente del arte actualBill Viola es uno de los artistas contemporáneos más populares. En las últimas décadas, sus video instalaciones, caracterizadas por combinar innovación tecnológica y temas clásicos, han sido expuestas en algunos de los museos más relevantes del mundo. Sin embargo, hasta la fecha, no existía un texto en castellano centrado en su figura. Este libro no se limita a cubrir este espacio, sino que propone una innovadora discusión sobre el poder que sus obras ejercen sobre el público.
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¿Cómo se hacen las fotos de calle? Las buenas fotografías captadas en entornos urbanos son sorprendentes,divertidas, paradójicas y parecen cosa de magia. Pero, como la magia de los ilusionistas, en realidad sonfruto del trabajo y de la habilidad del artista. En esta obra, ilustrada con muchas de sus mejores fotografías, Matt Stuart nos enseña los principios, las estrategias y los trucos que ha aprendido durante veinteaños recorriendo la ciudad a la caza de fotos insólitas y fascinantes. Con un estilo ameno y divertido, Stuart relata sus experiencias y recomienda las mejoresprácticas a los aspirantes a fotógrafos o fotógrafasde calle. Entre ellas, mantener una actitud mental positiva, saber fundirse con el entorno, no temer a las inclemencias del tiempo, tener los ojos y las orejas abiertos, atrapar al espectador, salir de tu zona de confort, ampliar horizontes, trabajar tu propia visión? Y, por supuesto, ¡salir mucho a la calle y llevar siempre la cámara!
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El primer libro de los populares divulgadores de Arte compacto, un pódcast sobre arte con una perspectiva distinta, abordará algunos de los salseos amorosos más interesantes y curiosos del arte.¿Qué pensó este o aquel artista cuando creaba su obra de arte? Es lo que nos preguntamos muy a menudo cuando paseamos por un museo o una exposición. Pues bien, a veces, estos artistas pensaban en... otros artistas. Y de eso va este libro, de líos, amoríos y otros affaires que han surgido entre grandes artistas y que los han hecho musos y musas los unos de los otros: Picasso y Dora Maar, Francis Bacon y sus muchos amantes, Edward Hopper y Josephine Nivinson, Robert Mapplethorpe y Patti Smith y otros muchos salseos que han dado lugar a las grandes obras que todos conocemos.
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Esta guía constituye un viaje hacia los orígenes del arte prerrománico: el arte visigodo (siglos VI y VII), el arte asturiano (siglos VIIIy IX) y el arte mozárabe (siglos IX y X). Tres artes o estilos característicos, sin equivalente en Europa y que determinan el Arte Prerrománico español. En cada monografía se incluye su valoración calificada, cómo acceder a los edificios, su historia, una descripción detallada, su significado simbólico y comentario general del monumento.Sus numerosas fotografías, consiguen dar la más completa visión de conjunto del prerrománico de nuestro país.Además se incluyen didácticas Introducciones generales y específicas. Bibliografía, cuadro cronológico, léxico de términos técnicos, índices temático (simbólico), onomástico y toponímico.
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Considerado tradicionalmente como el director más importante del cine español, Luis Garcia Berlanga poseecomo pocos cineastas un universo tan propio y original que hace de su obra un conjunto perfectamente identificable, Un grupo de expertos analizan en El universo de Luis García Berlanga todos sus films, sus actores, colaboradores
. Todas las constantes de su vida yobra.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en KBr. Fundación MAPFRE, Barcelona, del 20 de febrero al 18 de mayo de 2025, y en Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, MadridEl presente volumen acompaña a la exposición homónima con la que Fundación MAPFRE recorre los veinte años de trayectoria del fotógrafo José Guerrero (desde el 2002 hasta la actualidad), cuyo corpus de trabajo gira en torno a la representación y percepción del paisaje y la arquitectura a través de la imagen fotográfica.Incluye reproducciones de todas las obras presentes en la muestra. Destaca la incorporación de Fez (2024), conjunto de fotografías fruto del encargo directo de Fundación MAPFRE.La publicación ofrece ensayos críticos a cargo de la reputada especialista en Fotografía y comisaria del proyecto, Marta Gili, de Marta Llorente, arquitecta y catedrática de Teoría e Historia en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, y de Lorenzo Bruni, crítico de arte y comisario independiente.
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El 29 de mayo de 1994 Q Magazine ponía en portada de su revista a PJ Harvey, Björk y Tori Amos. Con un titular impactante y una mirada desafiante, la cabecera inglesa de música juntó al trío para la entrevista que les hizo Adrian Deevoy y que, con mano maestra, inmortalizó la cámara del fotógrafo John Stoddart. En ese momento, entre las tres sumaban cinco discos, la inglesa contaba con los incandescentes Dry y Ride Of Me, la islandesa sorprendía con Debut, mientras la americana tenía en el mercado sendas perlas, Little Earthquakes y Under The Pink. En realidad, lo único que tenían en común era su singularidad alejada de la música pop convencional. Con el paso de los años y el auge en sus carreras, esa portada se convirtió en un icono, un momento histórico digno de estudio. Este libro contextualiza esta portada en lo artístico y en lo social. Buscando paralelismos, conexiones, anécdotas, testimonios, rivalidades y, obviamente, cuál era el papel entonces y ahora de sus tres protagonistas.
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La tradició popular de fer catifes de flors per engalanar els carrers per Corpus ve de lluny. Aquest llibre fa un repàs de la història d'aquesta tradició, de l'evolució de la tècnica de fer catifes i de les associacions que apleguen els catifaires, i posa èmfasi en els valors d'aquest treball artístic, artesanal i col·lectiu. Alhora, presenta la Federació Catalana d'Entitats Catifaires i la candidatura a la UNESCO d'aquest art efímer amb arrels profundes a Catalunya, que ha aconseguit créixer en valors, en creativitat, en qualitat i en espectacularitat. Quan va començar aquesta festa? Per què està relacionada amb el Corpus? Se celebra a tot Catalunya? I en altres països? Per què vol ser Patrimoni Cultural Immaterial de la UNESCO? Il·lustrat amb fotografies curioses, boniques i evocadores, el llibre dona resposta a aquestes preguntes i mostra la bellesa de les creacions florals, així com la dedicació, la creativitat i l'entusiasme dels catifaires catalans.
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¿Podría concebir un devoto seguidor de los Rolling Stones que su ciudad natal, Dartford, sea considerada la capital de los ladrones en Inglaterra? ¿Imaginaban que una banda tildada de satánica grabara un blues que rescató de la indigencia a un ministro de la iglesia? En estas páginas no solo conoceremos historias y datos inimaginables sobre los Rolling Stones, sino que también se desentrañan numerosos hechos de la banda británica que, envueltos en una densa neblina de mitos, emergen ahora, matizados o aclarados. Desde el enigmático bulo de las hormonas de «mono» de Mick Jagger, hasta el verdadero origen de una canción como Angie, pasando por las asombrosas y nunca contadas historias que se esconden detrás de himnos como Jumpin Jack Flash, Street Fighting Man o Its Only Rock & Roll. Mariano Muniesa, ferviente seguidor, coleccionista y cronista de la historia de la banda desde la primera vez que los escuchó en el mítico Popgrama de TVE en 1978, ha rastreado todos sus archivos, ha indagado y rebuscado entre cientos de relatos, reportajes, libros y testimonios para dar forma a este libro. Lo hace junto a la memoria viva de su amigo y mentor, Mariskal Romero, el periodista de rock que los presentó en España desde su Musicolandia en 1968. Él, una vez más, aporta su experiencia personal, única e irrepetible, sobre el mundo Stone, compartiendo ambos una pasión que solo aquellos que la sienten pueden comprender: «I was born in a crossfire hurricane…!» «Solo los periodistas... perdón, los historiadores eternos, pueden escribir hoy en día de los eternos Rolling Stones. Otra cosa sería un anatema. Bienvenidos, pues, Mariano Muniesa y Mariskal. Y sí, lo que se cuenta en este libro no está en ninguna otra parte». Jordi Sierra i Fabra, escritor y musicólogo.
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* El enigma de la Mona Lisa desnuda, El artista que pintó el fondo marino, Los ángeles mosqueteros del Nuevo Mundo, Los misteriosos retratos de hombres en llamas o La legión de hombres lobo del Ejército romano: una estrafalaria exploración de la vertiente más curiosa del arte, con pinturas, esculturas, dibujos y otras rarezas artísticas extrañas. * Una exposición única que reúne más de cien obras magníficas, elegidas por su sorprendente belleza, su rareza y la cautivadora historia que hay detrás de su creación. * Tesoros oscuros y olvidados conviven con obras maestras muy conocidas, y todos tienen historias secretas que contar. Las páginas de este libro acogen frescos medievales sobre el Juicio Final, esculturas que gritan, manuscritos mágicos, arquitectura imposible, santos con cabeza de perro y el primer retrato de un caníbal. Arte robado, arte marginal, arte fantasma, arte de venganza y arte pintado en el fondo del mar junto a muestras de arte escandaloso, falsificaciones y engaños, arte de sueños y pesadillas, y pinturas crípticas todavía por descifrar. Del arte rupestre prehistórico a los retratos pintados mediante inteligencia artificial, esta obra se basa en una profunda investigación y una abundante variedad de imágenes que conforman un libro sorprendente a cada página que, en última instancia, trata de ser un homenaje al infinito poder y la creatividad de la imaginación humana.
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En este lúcido ensayo, el erudito ensayista francés analiza la obra de Élisabeth Louise Vigée Le Brun, una de las pintoras más brillantes e ignoradas de las últimas décadas prerrevolucionarias en Francia. Retratista magistral «capaz de conjugar el parecido fiel con la idealización impalpable», Vigée Le Brun fue la aliada a la que escogió María Antonieta para ofrecer una imagen humana y digna de ese mundus muliebris que ella representaba y que, supuestamente, corrompía el prestigio y la autoridad de los monarcas a fuerza de afeminarlos. Un relato fascinante que recrea con magnífica precisión el virulento despertar de una misoginia política, moral y social que hizo de la reina María Antonieta y su retratista oficial sus chivos expiatorios.
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Subjectar la pell ceràmica és com sostenir el cor d'un home. Una rastellera encinglada de mots que venen del llibre i s'esbandeixen pels murs de la capella i s'hi aferren, s'hi agafen fort, com si fos posar arrels que s'amaguen dins els teixits de la casa i ja són la casa de tothom. I són la paraula donada, i són una argila nova. És la veu que ha alenat dins el fang...
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¿Sabía usted que Chopin nunca existió y que era una invención de George Sand? ¿Que Sibelius escribió siempre la misma obra y nadie se dio cuenta? ¿Que Stravinski formó un grupo pop para competir con The Beatles? ¿Que Albéniz fue el jefe de una banda de forajidos en México a los diez años y que Satie ocultaba un Aleph dentro de uno de sus pianos? ¿Y que Haydn realizaba viajes astrales?Por las páginas de El horizonte quimérico desfilan un Mozart de cincuenta años, un Beethoven con el oído recobrado, autómatas inteligentes, compositores más poderosos que el Rey Sol y vampiros sedientos de música. Una reformulación del concepto de ucronía con guiños a Borges, Marcel Schwob y el realismo mágico que, sin duda, hará las delicias de los melómanos y de los amantes de las lecturas con una sonrisa en los labios.
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Este libro es un viaje sonoro que discurre entre las décadas de los sesenta y setenta, desde aquellos pioneros de finales de los cincuenta, que ya enchufaban las guitarras eléctricas para consagrarse al rock and roll, hasta los albores de la Nueva Ola.Un trayecto por carreteras nacionales y secundarias en las que se circula a ritmo de beat, rhythm and blues, garaje, psicodelia, soul, pop rock, folk rock, progresivo, sinfónico, soft rock (o la tercera vía), flamenco rock, rock con raíces, rock andaluz, rock duro, rollo, rock urbano… En definitiva, veinte años de permanente evolución musical.Los 100 mejores discos del rock español de los 60 y 70 es un volumen imprescindible que recupera, por medio de cien obras capitales, parte de nuestro patrimonio musical. Desempolvando un legado discográfico que no debería caer en el olvido y que, hasta ahora, permanecía oculto a la espera de quien quiera conocerlo y disfrutarlo. Un corpus sonoro tan rico como variado, gestado en gran parte en los duros días de la dictadura, tan poco propicios para el pop o el rock, por el empuje de unos jóvenes creadores que no estaban dispuestos a permanecer ajenos al ritmo de su tiempo y que ayudaron decisivamente a la modernización del país. Y no solo eso: en ocasiones, sus canciones lograron las primeras posiciones de las listas de ventas en el resto de Europa, Latinoamérica o Estados Unidos.De la mano de César Campoy y Juan Puchades, dos de los mayores expertos en historia de la música popular española, Los 100 mejores discos del rock español de los 60 y 70 supone una invitación a reencontrarse con álbumes rock de toda condición: unos son historia mayor, otros fueron banda sonora de varias generaciones y los hay que permanecen prácticamente escondidos. Todos ayudan, en un trabajo único en nuestra bibliografía musical, a comprender quiénes somos y de dónde venimos.
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Meister Mathis, Mathis Grün de Eisenach, Mathis Godhart (o Gothardt) Nithart (o Nithardt), Matthias Grünewald, el pintor (y también, quizá, el ingeniero, el fabricante de jabones, el conocedor de alquimias) son algunas de las señales que han velado y velan todavía al hombre que pintó el imponente Retablo de Isenheim a principios del siglo, en una Europa diezmada por la pobreza, la guerra y la peste, en la que tronaban las revueltas de campesinos, el comercio de bulas era moneda corriente y la Reforma echaba a andar. El políptico, con sus escenas sucesivas, estaba destinado a causar el estremecimiento de los enfermos que acudían en río al hospital que los antonianos habían abierto en Isenheim: detenerse ante el cuerpo retorcido y masacrado de la Crucifixión, la música angélica de la Natividad, un san Antonio tentado y vejado, o el triunfo de la Resurrección debía propiciar la curación a sus males –las fiebres y la lepra, el fuego de san Antonio, la sífilis, la epilepsia–. Aquella primera conmoción, tras siglos de oscuridad en los que se multiplicaron los supuestos nombres del pintor y se difuminó su rastro en los archivos, rebrotó en los pinceles de los expresionistas, en una Alemania que tejía nuevos sudarios. Ramón Andrés recorre el retablo y nos acompaña por sus detalles, nos anima a escuchar su música y traza el meridiano que lo une a nuestro tiempo, en un ejercicio de la mirada que es también amor a la lentitud del paseo y de la lectura.
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Si hay un género musical que levanta pasiones, ese es sin duda la ópera. Poca gente que haya asistido a una representación en vivo puede sustraerse a la intensa emoción que se experimenta. Y, sin embargo, en gran parte sigue siendo una gran desconocida. El presente libro pretende hacer accesible a todo tipo de lectores aspectos que faciliten una comprensión más profunda y que permitan una aproximación a algunas de sus claves.Conforme a un hilo cronológico, se aborda la evolución de una dramaturgia específicamente musical que la ópera fue capaz de concebir, elaborar y replantear desde sus comienzos y en el curso de cuatro siglos. No se centra únicamente en el argumento o el libreto, ni tampoco en una serie de arias brillantes, sino en el punto de encuentro en el cual confluyen el teatro y la música con el fin de generar un teatro cantado por los personajes y comentado desde la orquesta, un drama (o una comedia) musical. Cada capítulo ofrece, junto a una selección de óperas comentadas con más detalle, una presentación de los rasgos generales del género o escuela en su contexto histórico y cultural, así como un comentario sobre los compositores y tendencias más relevantes.Como apunta José Luis Téllez en el prólogo escrito para la presente edición, hay que celebrar que un libro como éste, que se ha convertido en un pequeño clásico desde su publicación, sea resultado de un proyecto gestado y llevado a cabo desde España, motivo más que justificado para que ocupe un lugar especial en esta colección conmemorativa.
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Las imágenes que conforman el trabajo Bravo nos sumergen en el complejo paisaje del norte de México, un lugar donde la geografía y la política se entrelazan, con el río Bravo como barrera tanto física como simbólica entre México y Estados Unidos. A través de este ensayo fotográfico se captura el tiempo suspendido, los objetos, las arquitecturas y los cuerpos de quienes habitan en ese espacio liminal. Con sus fotografías, Felipe Romero documenta este estado de espera y contemplación en torno al río, que funciona como frontera natural y lugar en transición.
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En la Antigüedad, la Edad Media y los tiempos modernos Este breve tratado sobre el simbolismo tradicional de los colores, escrito de un modo puntilloso y exhaustivo, es uno de los pocos disponibles en una lengua del mundo occidental. Su fundamento teórico consiste en el concepto de que todo lo manifestado procede esencialmente de un principio metafísico y expresa la realidad según su orden de existencia. También los colores obedecen a esta ley y, respecto a su grado específico, encajan en la unidad principal. El simbolismo del color es un modo de expresión universal que ha atravesado culturas y religiones, desde la India hasta China y Persia. Este importante elemento de la iconografía se encuentra en los templos de Egipto, los mo-numentos de Grecia y Roma, y luego en la Edad Media y las vidrieras de las catedrales góticas. Los libros sagrados, desde los textos védicos hasta la Biblia y el Corán, recurren constantemente al simbolismo del color. Frédéric du Portal recorre con detalle el viaje de los colores simbólicos a través de los siglos, y su extensa inves-tigación le ha llevado a la convicción de que «los colores tenían el mismo significado entre todos los pueblos de la alta antigüedad». Basándose en una exhaustiva documentación, Portal explica los principios y leyes que rigen el lenguaje de los colores. Un libro fascinante, que invita a la reflexión y que sigue siendo una referencia para artistas y estudiantes de Historia del arte.
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