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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Este libro ofrece una fotografía de España a través de sus ciudades más importantes: Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla, Oviedo, A Coruña, Santiago, Santander, Granada, Toledo y Palma. La belleza de sus monumentos, plazas, jardines y museos se complementa con textos sobre la historia, el arte y la gastronomía.
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De la popular sèrie 'POP!' de Funko arriba aquesta fantàstica figura de vinil. Fa uns 9 cm d'alçada i ve en una caixa amb finestra.
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Richard Lloyd vivió en carne propia una de las épocasmás fértiles y convulsas de la historia del rock. Apartir de una serie de recuerdos, traumas, experiencias al límite y pensamientos entre visionarios y delirantes, el mítico guitarrista y fundador del grupo ''Television'' da buena cuenta de la gestación de uno delos mejores discos de rock de todos los tiempos: elseminal ''Marquee Moon'' (1977).
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La ciudad global y polifacética, las cien ciudades que conforman Madrid, villa y corte, se despliegan en este libro, visión circular y totalizadora que indaga en todos los detalles y descubre insólitos panoramas, paisajes inéditos incluso al ojo avizor de los vecinos y paseantes más habituados al gran decorado urbano. Las imágenes de Madrid 360º son el gran telón de fondo de la ciudad, un detallado mapa visual que se lee a primera vista y nos revela los secretos de la urbe.
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Banksy es el artista vivo más famoso del mundo, pero nadie conoce su identidad. Durante más de veinte años, sus pinturas irónicamente políticas y de humor negro han aparecido misteriosamente en las paredes urbanas de todo el mundo generando titulares y controversia. Los críticos de arte lo desprecian, pero el público (y el mercado del arte) lo aman.Con este libro, generosamente ilustrado, la artista y crítica Carol Diehl es la primera autora en sondear las profundidades del misterio de Banksy. A través de la exploración de sus pinturas, instalaciones, escritos y la película ''Exit Through the Gift Shop (Pase por la tienda de recuerdos antes de salir)'', nominada a los Oscar a la mejor película documental, Diehl demuestra inequívocamente que Banksy es más que pintura en la pared.
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Beethoven. Un músic sobre un mar de núvols
This is… Beethoven!Àlbum il·lustrat en el 250 aniversari del naixement de Beethoven, l'artista que va revolucionar la música per sempre, de Ramon Gener, el millor divulgador musical. Ludwig van Beethoven és un dels compositors és grans de la història de la música. Però, què hi ha darrere l'artista? Aquest llibre, escrit per Ramon Gener, és una biografia -i un homenatge- per redescobrir Beethoven en totes les seves facetes. A través d'aquestes meravelloses pàgines il·lustrades per Fernando Vicente, descobrirem el geni i la persona que van habitar en Ludwig van Beethoven. ''Davant la tomba de Beethoven, em desborda l'èxtasi i entenc per què estic allà quan sento la certesa que el poder aclaparador de la seva obra és avui més actual i més necessari que mai''. Ramon Gener.
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El «boom» turístico español es un fenómeno tan conocido como poco debatido. En la memoria colectiva ha quedado vinculado a una serie de espacios -Benidorm, Torremolinos- e iconos simbólicos -el biquini, «las suecas»- que dan forma a una narración estereotipada. Con la finalidad de matizar y enriquecer dicho relato, el presente libro propone una revisión de la cultura visual del «boom». La autora analiza un nutrido corpus documental extraído de archivos nacionales y extranjeros, sirviéndose de herramientas analíticas de los estudios visuales y de la antropología del turismo. El repertorio iconográfico resultante revela que el imaginario de lo español durante la dictadura franquista fue mucho más complejo de lo que «a priori» podría pensarse, con una constante negociación entre las imágenes que respondían a la búsqueda de experiencias de los turistas y aquellas en las que un país en pleno proceso de modernización deseaba verse reconocido.
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La gestión cultural, es sabido, vive desde hace años una etapa de notorio auge. Esta circunstancia obedece a la necesidad de armonizar el ingente campo de las Humanidades con las innovaciones que conllevan las nuevas tecnologías. Por dicha razón, ha crecido de manera exponencial la demanda de profesionales bien formados y capaces de gestionar un patrimonio de singular riqueza desde el respeto al pasado, al legado artístico, pero con la mirada puesta asimismo en el futuro inminente. Ahora bien, ¿qué hace exactamente un gestor cultural? ¿Dónde desarrolla su labor? ¿Qué formación requiere para ejercer con garantías de éxito su imprescindible labor? Este libro da cumplida y amena respuesta a todas esas preguntas. Una correcta gestión cultural supone el desempeño de una tarea multidisciplinar, en la que confluyen ámbitos muy diversos (la comunicación, la gestión administrativa, la tecnología...). Así pues, en función del entorno concreto donde se desarrolle, las funciones del gestor cultural habrán de contemplar elementos dispares. No son pocas las diferencias existentes entre hacerlo en un ayuntamiento o en un museo. Pero ambos tienen un elemento en común: la figura del gestor cultural. ''Este libro ofrece ideas, conceptos, estrategias y propuestas generados a partir de la propia experiencia de su autor. Expresados de forma amena, ayudarán sin duda al gestor cultural en el inicio de su carrera profesional, pudiendo aportar también una nueva visión al profesional en activo''. ANA VELASCO, presidenta de la Federación Estatal de Asociaciones de Profesionales de la Gestión Cultural ''Aborda la gestión cultural de forma clara y precisa, con aproximaciones acertadas a casos concretos. Este manual será de enorme utilidad para los profesionales del sector''. RAFAEL LÓPEZ GUZMÁN, Catedrático en Historia del Arte
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Mundo de color es un homenaje al talento del ilustrador Kerby Rosanes y al de sus seguidores. El libro contiene una sección a todo color con trabajos exquisitamente coloreados por los fans, con comentarios estilísticos y trucos para colorear del propio Kerby. También incluye una sección en blanco y negro con esas mismas ilustraciones y otras escogidas por el autor de entre las mejores imágenes de su exitosa serie de libros World. De esta forma, el lector tendrá la oportunidad de recrear todos los impresionantes efectos que se detallan. El libro contiene materiales que han sido publicados anteriormente en las obras Fragile World, Worlds Within Worlds y Mythic World.
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En este libro concebido para el público general aficionado al arte y al estudiante que da sus primeros pasos en la materia, Dana Arnold proporciona un conocimiento básico sobre los aspectos fundamentales de la cultura visual y permite al lector equiparse con las herramientas básicas necesarias para tanto para el estudio como para el disfrute del arte.
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Siguiendo la lógica del edit musical, si este libro fuese un disco, sería un álbum de remezclas de temas propios: cuatro versiones de una misma vivencia del baile expandida en el tiempo. La autora propone un ejercicio atrevido alentado por el acontecimiento físico (individual y colectivo) de la pista. Bailar es una experiencia que se resiste a las palabras -Sonia Fernández Pan es muy consciente-, porque apela directamente a una memoria material del cuerpo que solo se activa al bailar de nuevo. Edit le permite establecer una analogía entre baile y escritura utilizando estrategias comunes: la autoedición constante y el préstamo de situaciones y referentes. El resultado es una secuencia que se acerca -a la vez que se aleja- de teorías musicales previas, persiguiendo en la escritura lo ''asequible, epidérmico y sensorial'' de la música. Cada uno de estos textos, surgidos de un proceso de reescritura, participa -entre el anonimato de la pista, la autoría de la voz y la mirada del dj- de un gesto común que reensambla historias a través de los cuerpos que bailan.
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Colormorphia es un homenaje al talento del ilustrador Kerby Rosanes y al de sus seguidores. Esta obra reúne las mejores imágenes de la exitosa serie de libros Morphia. Contiene una sección de trabajos exquisitamente coloreados por los fans con comentarios y opiniones del propio Kerby. Además, las obras coloreadas también se incluyen en una sección en blanco y negro, para que puedas poner toda la inspiración recibida al servicio de tus propias creaciones.
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Una corriente oculta de pensamiento ha avivado las llamas de la creatividad y del arte durante siglos, impulsando la creación de obras que conectan y dialogan con distintas ramas del conocimiento esotérico y de la filosofía oriental. Accesus ad veritatem nos ofrece una puerta privilegiada de entrada a estas fuentes de inspiración y reflexión, mediante un abanico de estudios que arrancan en la primera mitad del XIX (con la figura visionaria de William Blake) hasta llegar a los últimos compases del siglo XX (con la inspiradora combinación de tecnología y Budismo Zen en la obra de Nam June Paik).Entre medias, Iñigo Sarriugarte alumbra la estrecha conexión de las Vanguardias Históricas con la teosofía y la antroposofía, el potente vinculo de ciertos artistas con el ámbito de la mediumnidad y el espiritismo, o la atrevida exploración de la cuarta dimensión en el Cubismo o en el legado de Mondrian o Malevich. Además, este volumen ilustra la continua experimentación de otros muchos creadores, marcados por la interrelación del arte, la ciencia y la espiritualidad. Y ofrece también una aproximación a la pintura sanadora de Emma Kunz, el chamanismo performativo de Joseph Beuys o el influjo determinante del pensamiento oriental en el movimiento Fluxus, entre otros.
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El cuerpo es últimamente centro de interés creciente de las ciencias humanas. Sus secretos están lejos de ser completamente desvelados. Estudios recientes insisten en que el cuerpo tiene una historia y que esta historia abarca apariencia y profundidad, deseo y poder, caída y apoteosis, vida y muerte. Este es el contexto en el que el presente libro pretende adentrarse, apelando a los instrumentos del historiador de las imágenes. Hasta hoy, el comentario estético tradicional se ha situado esencialmente en el terreno de las apariencias, escamoteando la confrontación con lo que las supera, lo visible no es únicamente cuestión de superficie. El cuerpo es una representación, inseparable de la mirada que lo elabora y de los ''media'' que lo exhiben, indisociable de su propio envoltorio cutáneo (maquillajes, incisiones, armaduras, velos, adornos) y traducido por palabras, letras, películas de color, bloques de mármol, pantallas de proyección. Este libro estudia el papel que desempeñan en la construcción del imaginario del cuerpo las creencias, los efectos de conciencia, los gustos estéticos, los deseos, los caprichos, las obstrucciones y los temores.
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Esta nueva publicación de las Colecciones Fundación MAPFRE hace un recorrido por la Suite Vollard, los 100 cobres grabados que Pablo Picasso realizó entre el 13 de septiembre de 1930 y marzo de 1937, por encargo del marchante y editor Ambroise Vollard y que hoy es considerado uno de los testimonios histórico-artísticos más importantes del siglo XX.El conjunto apareció en 1939 en dos formatos distintos, uno grande (760 x 500 mm) sobre papel avitelado firmados por el artista con lápiz rojo o negro, con 50 ejemplares por plancha, y otro más pequeño (445 x 340 mm) sobre papel verjurado de Montval con la marca al agua «Vollard» o «Picasso» en tirada de 250 ejemplares. Este segundo formato se encuentra hoy disperso como láminas sueltas en diferentes colecciones privadas o públicas y solo algunos de estos conjuntos, como el de FUNDACIÓN MAPFRE, se conservan unidos.El catálogo incluye la reproducción de todas las planchas que conforman la serie y cuenta con textos de Rocío Robles y Leyre Bozal Chamorro. Además, se completa con una cronología que aborda el período en el que Picasso grabó la serie.
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La cabeza y las manos son los elementos más difíciles del dibujo de la figura humana, pero la cartilla clásica del prestigioso ilustrador Andrew Loomis ofrece la solución. Este libro descubre, paso a paso, sencillas técnicas para dibujar cabezas y manos. Los estudiantes, profesionales y aficionados podrán usarlo como guía útil y segura para pintar retratos realistas y cómics. El resto de los lectores encontrarán en él un placentero viaje por la anatomía de rostros y manos vistos a través de la óptica de un maestro del dibujo. Dibujo de cabeza y manos es el segundo título que Anaya Multimedia rescata en ediciones facsímiles del maestro estadounidense Andrew Loomis con la calidad de la obra original para los lectores hispanoparlantes.
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Desde la imponente Sagrada Família hasta la brillante fachada rica en texturas de la Casa Batlló, pasando por el maravilloso paisaje del Park Güell, es fácil entender por qué Antoni Gaudí (1852-1926) se ganó el epíteto de ''el arquitecto de Dios''. Con formas fluidas y una precisión matemática, su obra ensalza el milagro de la creación natural: las columnas se elevan como troncos de árboles, los marcos de las ventanas se curvan como las ramas en flor y las baldosas de cerámica brillan como la piel escamosa de los reptiles. Con esta extraordinaria atención a los detalles naturales, su inspiración en la estética neogótica y orientalista, y el compromiso de toda una vida con la identidad catalana, Gaudí creó una vertiente única del movimiento modernista que definió el paisaje urbano de Barcelona. Este libro da a conocer la visión extraordinaria y el legado único de Gaudí, ya que analiza las influencias y los detalles que hacen posible que sus construcciones impresionen, inspiren y sorprendan un siglo después de su construcción. No en vano siete de sus proyectos están declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.
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Paisatge Barroc. L'art a Catalunya durant els segles XVII i XVIII
“Barroc català” ha estat, durant molts anys i de manera injusta, sinònim de decadència i, en el millor dels casos, d’un món desconegut. En canvi, què hi diríeu si, realment, “barroc català” fos sinònim de masies, grans esglésies, retaules, esgrafiats, fonts monumentals, palaus, arquitectura rural, festes tradicionals i que tot això ho tenim aquí, a Catalunya?Aquest llibre es un petit viatge de descoberta per un país més “barroc” del que imaginàvem, i que és el nostre. Una visió panoràmica on s’hi dibuixen campanars esvelts conformant un perfil urbà, unes construccions i infraestructures que en molts casos ens han arribat fins avui, i un llenguatge plàstic i persuasiu com a mitjà de comunicació d’un sistema d’idees i creences, que no està tan allunyat del nostre món d’avui i la importància que hi té la imatge. Des del fulgor del pa d’or dels retaules a una barraca de vinya: la construcció d’un paisatge barroc.
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En la impresión que provoca la vieja Florencia predomina una felicidad persistente, una sensación de cordura, de algo humano y sensato, la sensación de un lugar propicio a la vida.ö
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Cuando David Hockney descubrió el iPhone como medio artístico, se abrieron posibilidades totalmente nuevas para su arte. Hizo sus primeros dibujos digitales la primavera de 2009, describiendo el paisaje matutino con líneas anchas y deslumbrantes colores directamente en una pantalla que ofrecía matices sutiles como expresiones de pura luz sin mezclas. Después, en 2010, Hockney empezó a trabajar con un iPad. Gracias a la pantalla más grande, amplió su repertorio artístico y permitió una interacción aún más compleja de luz, línea y color.Cada imagen de este libro capta un momento fugaz visto a través de una ventana de la casa de Hockney en Yorkshire: desde el vibrante amanecer y el cielo lila de la mañana hasta las apacibles impresiones nocturnas o la repentina llegada de la primavera. Detalles fascinantes revelan gotas en los cristales de las ventanas, luces distantes en la noche, reflejos en jarrones, o una abundante y variada vegetación en el alféizar. En 120 dibujos realizados entre 2009 y 2012, seleccionados y secuenciados por el propio artista, experimentamos el paso del tiempo a través de los ojos de David Hockney.Este libro de artista, que apareció por primera vez en una exclusiva edición firmada, vuelve ahora en tirada ilimitada y con un generoso formato XL que muestra las impresiones de Hockney en brillante resolución. Así que ahora es la ocasión perfecta para hacer caso al consejo del crítico del Times sobre este libro: ''Si quiere que David Hockney le regale un ramo de flores, esta es su oportunidad.''
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Jamás la pintura usó de armonías más suaves, de tonos más emocionantes y líricos, de coloraciones más transparentes. Murillo poseeun hechizo que no encontraremos en ningún otro pintor.ö
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En el mundo contemporáneo, la parodia ha acompañado con frecuencia a la recepción del arte, históricamente asociado con la seriedad.Este libro analiza el fenómeno como recurso humorístico, durante un periodo en el que estuvo omnipresente en la vida cultural y política española a través de la prensa. El objetivo es reconocer cómo, por qué, para qué, cuándo y con qué consecuencias el imaginario artístico llamó la atención de los humoristas gráficos y suscitó tanta atención entre los lectores de periódicos. El humor aparece siempre ligado a la dualidad y al relativismo de nuestra posición ante un mundo inestable. Si todo aquello sobre lo que se bromea encierra un tabú, la utilización del mundo del arte como objeto de risa pone de manifiesto los temores de su incomprensión y, al propio tiempo, la fascinación que suscita. Esa dualidad es uno más de los desdoblamientos y de los constantes cambios de posición del ser humano, ligados a una inseguridad por la pérdida de un canon: el que ríe es objeto de risa, el observador es observado, el poder se convierte en contrapoder, lo serio se transforma en cómico.En definitiva, la risa es ambigua. Quién sabe si lo que nos hace reír hoy nos hará llorar mañana.
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Las corporalidades, identidades y orientaciones no-heterosexuales, trans e intersexuales han estado tradicionalmente alejadas del ámbito de la educación formal, como si la vida y la escuela fuesen dos realidades disociadas entre sí. Con la llegada de la educación afectivo-sexual, se abrió una oportunidad para que estas formasen parte de la cotidianeidad escolar, pero los contenidos ligados a los riesgos en torno a las infecciones de transmisión sexual y los embarazos no deseados, junto con su prevención, han acaparado el tratamiento que se hace de la sexualidad en nuestros centros. Son contenidos que, además de desplazar al colectivo LGTBIQ hasta su borrado en este campo educativo, esconden mensajes discriminatorios que reproducen y legitiman las distintas violencias que sufren las personas que no se ajustan a los parámetros normativos de sexualidad (binarismo, ciscentrismo, heterocentrismo, monosexualidad, LGTBIQfobia, etc.). Así, mientras que las formas no hegemónicas de transitar la sexualidad están siendo cada vez más visibles entre las generaciones más jóvenes, en el ámbito de la educación escolar existen múltiples dificultades para atender a esta diversidad de manera profunda e integral. En este sentido, el presente libro explora esta relación entre educación afectivo-sexual y colectivo LGTBIQ -más caracterizada por sus desencuentros que por sus encuentros-, trazando un recorrido por distintas dimensiones de la realidad sociocultural, desde el foco en lo que el autor denomina sistema normativo de sexualidad hasta el marco escolar y la educación afectivo-sexual. Seguidamente, se plantean los resultados de un estudio y se finaliza con algunas propuestas que permiten orientar la práctica docente hacia el logro de una educación afectivo-sexual diversa e igualitaria.
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El presente volumen, dividido en jornadas, como si fuera un viaje o una obra de nuestro teatro clásico, ofrece un recorrido preciso y actualizado por las artes escénicas españolas del siglo XVI, con sus peculiarísimos contextos de creación y producción, sus ricas encrucijadas entre tradiciones, sus búsquedas de nuevos públicos y sus apasionantes herencias, legados y proyecciones en la actualidad. Desde Bartolomé de Torres Naharro hasta Cervantes, pasando por el gran Lope de Rueda y, sobre todo, por el ingente y anónimo elenco que desde sus inicios sostiene las artes vivas, el lector accederá a una historia que pretende abordar el fenómeno escénico de este periodo en su magnífica complejidad, además de un estudio de su recepción reciente que permite comprender el modo en el que hoy lo interpretamos.
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En este libro se muestra la capacidad compositiva de la improvisación libre y se describen otras cualidades que desarrollan los músicos y artistas que la practican. Es un intento de equilibrar la balanza entre la improvisación libre y la composición escrita, recuperar el valor que se le ha negado a la improvisación. A través de los escritos de diferentes autores, de las entrevistas personales a un número importante de compositores e improvisadores del panorama internacional, así como del análisis de su experiencia práctica (las relaciones entre la improvisación libre/composición y el free jazz, la poesía escénica, la sensibilización artística de personas con discapacidad intelectual y las orquestas de improvisadores), Chefa Alonso investiga las similitudes y diferencias entre la improvisación libre y la composición escrita. La historia musical occidental se ha centrado en las composiciones escritas y ha sobrevalorado la importancia de la partitura, que ha terminado por convertirse en el objeto central de la actividad musical oficialmente reconocida. Por otro lado, es comprometido estudiar y analizar algo que no está escrito, es difícil entender comportamientos donde las reglas no son transparentes, como es el caso de la improvisación libre. El mundo académico infravalora la formación de los improvisadores y desconfía de los resultados musicales de una negociación artística y social espontánea que implica tolerancia y habilidad para tomar decisiones dentro de un contexto colectivo. Las razones que justifican el rechazo de la improvisación no están basadas en cuestiones de “forma” o de “poética” musical, sino que obedecen más a prejuicios ideológicos derivados de condiciones históricas y sociales.
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El poeta José Ángel Valente y el cineasta Gonzalo Suárez, reunidos por Susana Chillida para reflexionar en torno al arte, el artista, la obra y el proceso creador. Un verso de un poema de Valente, «el gato es pájaro», les da pie para armar este diálogo en torno a «esa cuestión intangible que podemos llamar arte», que a veces, recuerdan ambos, es «una bofetada», una llamada a mirar y «ver cosas que se quedan en la sombra». En esta conversación estos dos creadores tienen de fondo a Eduardo Chillida, a quien ambos conocieron en distintos momentos de su vida y al que admiraban profundamente. Las palabras de ambos mantienen plena vigencia y nos recuerdan que, en el arte, como en todo en la vida, hay que «seguir el vuelo de los grandes».
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* Una lectura obligada para todo aquel que se sienta hechizado con el arte excepcional. * Un esclarecedor homenaje a 100 piezas artísticas que revelan qué es lo que las hace obras maestras. * Chloë Ashby explica por qué cada pieza que presenta resulta tan vital. Incluye obras seleccionadas para ofrecer una yuxtaposición única de estilos, medios y escuelas artísticas, para que incluso los más expertos historiadores del arte se crucen con obras infravaloradas, fuera del canon tradicional, y para conocer a visionarios rebeldes que aún ejercen su influencia en artistas de vanguardia. Con datos sobre los géneros más importantes, este libro es un resumen de las obras de arte que importan y una descripción de por qué no se las puede perder. Repleto de enlaces y sugerencias para leer, escuchar, ver y disfrutar. La vida es demasiado corta para el arte malo. Las propuestas de este libro valen la pena.
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Norman McLaren dijo que «la animación no es el arte de los dibujos que se mueven, sino el arte de los movimientos que se dibujan. Lo que pasa entre cada fotograma es mucho más importante que lo que hay en cada fotograma». ¿Qué veríamos, pues, si pudiéramos parar el tiempo entre fotograma y fotograma? ¿Cómo se manipulan estos intersticios invisibles, esta otra dimensión paralela a las imágenes? Elena Duque, cineasta y profesora especializada en animación experimental nos propone un recorrido que empieza en la primera década del siglo XX, con los primeros estudios de animación, y nos lleva hacia el trabajo de la animación experimental analógica a través del análisis de una serie de películas creadas por artistas de reconocimiento internacional.
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Qué tenían en común Picasso, Monet y Georgia O'Keefe? Exacto: los tres fueron grandes artistas... y grandes amantes de los gatos. Aprenderás a distinguir los movimientos pictóricos más importantes de la historia e ilustrados de manera única y divertida, conocerás el sorprendente gato cubista, el gato surrealista y daliniano y muchos más.
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La obra de este arquitecto, ingeniero y artista plástico valenciano ha traspasado fronteras desde los inicios de su carrera. En España le lanzó a la fama la Ciudad de las Artes y de las Ciencias de Valencia y desde entonces ha estado a la cabeza de grandes obras, como complejos urbanísticos, puentes, torres o arte cinético, por todo el mundo.
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El bullicio alegre de las zambombas es una tradición única que ilumina las noches de adviento en Jerez con sus cantos y ritmos cargados de historia popular. Este libro invita a conocer la magia de una fiesta donde la música del pueblo se mezcla con el aroma del anís y los dulces típicos, en un ambiente que cada compás de la zambomba y cada rasgueo de la guitarra transportan a un mundo de alegría compartida. Descubra cómo estas celebraciones, tan arraigadas en los patios y plazas de Jerez, han evolucionado desde sus raíces en las comunidades moriscas hasta convertirse en un fenómeno cultural que atrae a miles de personas cada año. Con un análisis histórico y una rica descripción de los peculiares y picantes letras de los cancioneros que dan vida a estas festividades, este libro es una invitación a vivir y entender la verdadera esencia de la Navidad andaluza.
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El libro más personal de Ana Guerra. Hace solo un año, mi sueño dededicarme a la música se hizo realidad. Eso es lo más maravilloso que meha pasado jamás. Pero también me da mucho vértigo. Por eso intento noolvidar nunca todo lo que he aprendido en el largo camino que me hatraído hasta aquí. Y así es como nació este libro, para recordar cuálesson las cosas importantes de esta vida y para dar las gracias, con unasonrisa, a todas las personas que me han acompañado en este viaje
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Descubre, o regresa al artista de fantasía heroica más grande del mundo gracias a este Art Book, El arte fantástico de Frank Frazetta. Tal como escribió El New York Times: ''Frazetta ayudó a definir héroes de fantasía como Conan, Tarzán y John Carter de Marte con imágenes de héroes sorprendentemente feroces, de cuerpo duro y mujeres voluptuosas. Frazetta tomó el sexo y la violencia de los relatos pulp de su juventud y añadió aún más acción y fantasía, pero interpretada con un estilo que rara vez se ve fuera del arte clásico. la calidad del trabajo de Frazetta no solo ha sido comparado con los ilustradores más brillantes, Maxfield Parrish, Frederic Remington, Norman Rockwell, NC Wyeth, sino incluso con los artistas más brillantes como Rembrandt y Miguel Ángel.El trabajo de este pionero no solo ha inspirado a generaciones de artistas, sino también a películas y directores, incluidas las películas de Conan, John Carter de Marte, la trilogía de El Señor de los Anillos, los trabajos de Robert Rodríguez, la épica y premiada serie Juego de Tronos, Sleepy Hollow de Tim Burton, las películas animadas de Tarzán de Disney Studios, Apocalypse Now de Francis Ford Coppola y la serie Star Wars de George Lucas.del arte revolucionario que ayudó a inspirar las películas de Schwarzenegger, Jason Momoa, El Señor de los Anillos y Juego de Tronos.
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Conciliar la vida laboral y familiar es uno de los grandes retos a los que se enfrentan las familias españolas. Cada vez es más habitual que los menores crezcan en hogares donde ambos progenitores trabajan a tiempo completo, con largas jornadas laborales que se extienden más allá de los horarios escolares. Sin embargo, las políticas familiares para facilitar la conciliación son escasas en comparación con otros países de nuestro entorno.¿Qué estrategias de conciliación desarrollan las parejas en que ambos cónyuges trabajan a tiempo completo? ¿Cómo se reparten las tareas domésticas y los cuidados? ¿Se trata de un reparto igualitario y corresponsable? ¿Qué factores intervienen en él? ¿Qué papel juegan las redes de apoyo familiares y no familiares? ¿Cómo influyó el confinamiento domiciliario durante la pandemia de COVID-19? La presente investigación, financiada por el Centro de Estudios Andaluces, pretende dar respuesta a estas preguntas, combinando los enfoques cuantitativo y cualitativo. Se analizan estadísticas oficiales y encuestas de opinión para describir las estrategias de conciliación y el grado de corresponsabilidad de las parejas trabajadoras españolas. Estos datos cuantitativos se complementan, enriquecen y matizan gracias a la información cualitativa recogida a través de entrevistas a quince parejas andaluzas.
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El museo occidental es un campo de batalla ideológico, político y económico. Mientras que hoy día casi todo el mundo quiere ''repensar el museo'', pocos tienen la audacia de cuestionar los presupuestos mismos del museo universal, producto de la Ilustración y del colonialismo, de una Europa que se presenta como guardiana del patrimonio de toda la humanidad.Recorriendo la historia del Louvre, discutiendo los callejones sin salida de la representación de la esclavitud y examinando los intentos fallidos de subvertir la institución museística, Françoise Vergès esboza un horizonte radical: descolonizar el museo significa poner en marcha un programa de desorden absoluto, inventar otras formas de aprehender el mundo humano y no humano que alimenten la creatividad colectiva y devuelvan la justicia y la dignidad a las poblaciones desposeídas de ellas.
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Esta exposición, realizada en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Valencia y comisariada por su director, Pablo González Tornel, analiza la santidad barroca a través de una selección de 35 pinturas y esculturas españolas y algunos ejemplos italianos que muestran la comunidad de intenciones en el Mediterráneo del siglo XVII. Al mismo tiempo, se propone una mirada actual a las artes como vehículo de las emociones, mostrando su vigencia en la cultura visual contemporánea. Estas obras poseen un realismo casi fotográfico, cristalizado a través del naturalismo de rostros, cuerpos, tejidos y objetos, una iluminación dirigida y contrastada y unos formatos monumentales. En consecuencia, las imágenes de santidad del Barroco son, al mismo tiempo, instrumentos de propaganda de la fe y plasmación universal y atemporal del dolor y las debilidades de unos seres fieramente humanos.
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