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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Ampliamente considerado como uno de los directores más imaginativos del cine actual, Guillermo del Toro ha construido una obra que ha cautivado a los fans del cine con su belleza oscura y unas películas que te mantienen en vilo. En este libro, el aclamado autor Ian Nathan traza la progresión de una carrera que ha producido algunas de las escenas y personajes más venerados del cine contemporáneo. Desde las ganadoras del Oscar El laberinto del fauno y La forma del agua hasta grandes éxitos de taquilla como Hellboy, El espinazo del diablo o Pacific Rim, y llegando hasta su último filme, Pinocho, este detallado examen analiza cómo los hilos de la carrera de Guillermo del Toro se han unido para crear una de las obras más innovadoras del cine moderno. Con una mirada esclarecedora a través de la mente de un autor bendecido con una visión creativa singular, esta obra analiza los procesos, temas y narrativas que han llegado a ser reconocidos como distintivamente del Toro. Ian Nathan es un prestigioso crítico de cine, guionista, productor y presentador. Ha sido editor ejecutivo de Empire, la revista de cine más importante del mundo. Entre sus biografías más vendidas destacan las de directores de culto como Tim Burton, Los hermanos Coen, Wes Anderson y Quentin Tarantino. Vive actualmente en Londres.
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En el 60 aniversario del film Lawrence de Arabia, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: El personaje real, el rodaje, el director, los actores, la banda sonora... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Cine ciego es un proyecto multidisciplinar que investiga la relación entre los cambios de régimen escópicos, estéticos y políticos con la interrupción del flujo de imágenes, en concreto la imagen sin imagen. Desde el cuadrado negro de Malevich hasta el BlackOut Tuesday de Instagram, se analiza de qué modo es necesaria la monocromia, el vacío o la pausa para cambiar el registro de las imágenes del acontecimiento en la sobreexposición vírica actual y cómo la ausencia de imagen devuelve al espectador emancipado una consciencia hacia la acción. Se trata además de mostrar cómo una cierta dosis de ceguera participa en cada una de las fases de la experiencia estética: la poiesis (creación), aiesthesis (recepción) y katharsis (reacción).El recorrido del texto por la galería de monocromos atraviesa cuatro colores y cuatro cineastas: Jean Luc Godard, el artista ciego: la pantalla blanca del instante de la creación Marguerite Duras, la obra monocroma: la ceguera negra por ausencia/deseo Harun Farocki, el espectador ciego: la pantalla roja que comienza la revolución y Derek Jarman: la ceguera total, el virus azul como interrupción.Cine ciego es un libro pero a la vez contiene una o varias películas que, como todas las demás, se proyectará sobre todo detrás de nuestros ojos cerrados.mo el que reconforta, anima y transforma. Los dos nos encaminan hacia algo más grande y más bello. Y qué placer viajar con dÆOrs por esta poes¡a de engañosa ligereza, llena de calidez y de humor, que no pasará de moda ni perderá significado. Ana Eire
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Quería salir de Málaga, pisar suelo negro de otros teatros a los que no llego caminando a casa y entonces escribí sobre mí. Una para ser honesta tiene que hablar de una. Y eso hice hablo del barrio donde nací que ya no existe, de las marcas, los motes, la conciencia social, los acentos, los toldos de los bloques, el sector servicio, los idiomas. Escribo todo lo que tenía en mi cabeza en 2019, tanto que me quedo hueca, paralizá, nave de polígono vacía por dentro. Este texto es risa y pensamiento. Es una merdellona contemporánea diciendo verdades como camperos especiales. Si te apetece teatro escrito ahora, una andaluza con poca vergüenza, monólogos fresquitos pero que pinchan y un viaje en autobús, este libro es lo que estás buscando. PREMIO EL OJO CRÍTICO 2022 A LA MEJOR OBRA DE TEATRO PREMIO MAX 2022 A LA MEJOR OBRA REVELACIÓN PREMIO ATENEO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN
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En el 50 aniversario del film Operación Dragón, el mítico film de Bruce Lee, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: El rodaje, el director, los actores, la leyenda... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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25 años después de su estreno, Buffy, cazavampiros sigue siendo una de las series más exitosas de la historia. Uno de los puntales de la cultura pop contemporánea, con una base de fans que nada tiene que envidiar a los Trekkies. La única serie que puede alardear de haber generado un cambio tan profundo en el modelo narrativo que incluso cimentó la forma de hacer televisión en el siglo XXI. Sin ella, a día de hoy, no tendríamos Juego de tronos, Breaking Bad ni The Walking Dead. No es un libro común. No es uno de esos manuales en los que se enumeran personajes y se rememoran escenas emblemáticas, sin aportar nada nuevo a quien ya haya visto la serie. Se centra en explicar, de forma amena y llena de curiosidades, qué hizo a Buffy tan especial, por qué llegó a convertirse en una obra de culto, cómo afectó no sólo al modelo de producción audiovisual sino incluso a la sociedad. Qué puntos fuertes la llevaron a destacar entre sus competidoras del momento, qué locos atrevimientos realizaron sus guionistas y directores que casi vuelven locos a los productores -pero más aún al público- y, sobre todo, cómo una en apariencia simple ''comedia de superhéroes'' logró impactar de formas insospechadas al mundo que la rodeaba. Buffy, cazavampiros no es solo la serie que cambió para siempre la vida de muchos. Es la serie que cambió el mundo.
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PEDRO COSTA es uno de los directores de cine actuales mejor considerados por los cinéfilos y por la crítica académica. Este libro ensaya una lectura orgánica de su obra desplegando las repercusiones de la escena inicial de su primer largometraje, La sangre (1990), de filme en filme hasta llegar al último, Vitalina Varela (2019). También se reflexiona, como consecuencia de lo anterior, sobre las implicaciones de la voz y el canto en su trabajo reciente, poniendo énfasis en la exposición Canción de Pedro Costa, programada en Barcelona por La Virreina Centre de la Imatge.JAVIER CODESAL es artista visual, cineasta y poeta. Sus últimos largometrajes han sido Evangelio mayor (2021), Testimonio de Frederman (2019), Evangelio en Granada [Meta] (2019) y Calavera resumida (2020). Sus libros más recientes son Retrato y otro (2021), Textos de obra (2020) y El ogro (2019). Ha sido comisario de la exposición Canción de Pedro Costa.
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En el Londres de 1735, Haytham Kenway se ha convertido en un excelente espadachín que conoce como nadieel peso de la espada. Tras un terrible suceso dondesu padre es asesinado y su hermana, secuestrada, Haytham deberá defender a los suyos de la única manera que sabe: matando. Para ello, contará con la ayuda de un tutor que lo formará para convertirse en un asesinomortal. Deseoso de emprender su venganza, Haytham emprenderá un viaje que lo llevará hasta aquellos quienes acabaron con sus seres queridos. Desconfiando de todo y de lo que aprendió siendo niño, se veráinmerso en tramas de conspiración y traición al tiempo que se sumerge en la ancestral batalla entre Asesinos y Templarios.
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Vuelven Los Chikos del Maíz con su cuarto álbum de estudio, un disco/libro de más de 90 páginas donde, en torno a la idea y concepto de FUTURO y cuidando el apartado gráfico, se dan cita los pensadores más críticos y las escritoras más relevantes de su generación: César Rendueles, Miquel Ramos, Layla Martínez o Arantxa Tirado, conforman un elenco de auténtico lujo que nos recuerda el mundo que está por venir. La educación, la cultura, el cambio climático, los derechos LGTBI o la amenaza fascista, son diseccionados a lo largo de las páginas con precisión y rigor. El futuro es nuestro. En el apartado musical, Yes Future' es el disco más arriesgado de los valencianos: surfean los tracks a ritmo de electrónica, beats ochenteros o funk destinado a reventar las pistas de baile de tu centro social preferido. Además de los ritmos acelerados, se han rodeado de un equipo de instrumentistas de primera calidad y se suceden las guitarras, los teclados Hammond y las trompetas y trombones, dando forma al que quizá sea su álbum más 'pop' y hedonista. Pese a ello, siempre hay hueco para algún himno político que remueva las conciencias y coloque la igualdad y los derechos en el centro de su discurso, porque como nos recordaron recientemente: ¿quién querría ser Coldplay pudiendo ser Fugazi? El álbum está formado por 11 tracks en donde se mira al futuro con cierto optimismo, se apuesta por soluciones colectivas frente al individualismo rampante y las voces femeninas tienen un protagonismo mucho mayor que en trabajos anteriores. En definitiva, el álbum que abre una etapa nueva que se inició tras llenar el Wizink center en enero de 2022.
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Una aproximación histórica a la música experimental valenciana en el contexto internacional y otros escritos sobre música y política.Tiempo de reverberación es un libro ecléctico y multidisciplinar, escaso en la bibliografía existente y fuertemente estructurado y teórico. El autor transita y escribe la historia de la música experimental y contemporánea en València, enmarcada en el contexto internacional y en un período que abarca desde la década de 1970 hasta nuestros días.Los 17 textos recopilados por josep lluís galiana, y que aparecen cronológicamente en la obra, animan al lector a «leerlos como si de un breve relato —todavía en construcción— se tratase sobre hechos, circunstancias y vicisitudes artísticas y musicales ocurridas en el territorio valenciano en una época muy reciente, así como una enumeración de experiencias de quien escribe estas páginas, explica el autor, que ha tenido la fortuna de vivir en primera persona».
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A pesar de los miles de libros que hay sobre los Beatles, no existía ninguno centrado exclusivamente en las versiones de los Fab Four. Pero estás de suerte: este volumen supone una guía para poder orientarte en este universo sonoro en constante expansión, lleno de tesoros que a menudo han permanecido ocultos. Y es que la riqueza del legado musical de los de Liverpool ha servido de inspiración para miles de grupos y artistas de muy diversos estilos: folk, jazz, blues, punk, country, rock progresivo, hip-hop, música latina, rock duro, reggae o discos para niños. Aquí tienes las 100 mejores versiones que se han hecho de los Beatles: desde los Rolling Stones a Billie Eilish, pasando por gente como Ella Fitgerald, Joe Cocker, Yes, Elton John, Stevie Wonder, David Bowie, Nina Simone, Phil Collins, Jaco Pastorius, Sting, Pixies, Metallica, Amy Winehouse o Jacob Collier. Además, un apéndice con otras 50 versiones finalistas (Jimi Hendrix, Elvis Presley, Frank Sinatra, James Brown, Phish, Sidonie, Sufjan Stevens o Ghost). Así podrás seguir disfrutando de la música de los Fab Four de muchas maneras diferentes.
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Doctor Who: Cinco Doctores es la guía definitiva para los apasionados de la icónica serie de televisión británica. Este completo compendio abarca todos los episodios de Doctor Who, desde su regreso en 2005 hasta la actualidad. Repleto de datos interesantes, esta guía te presenta una breve sinopsis de cada episodio, pero su verdadero valor radica en desvelar innumerables curiosidades y detalles detrás de cada uno de ellos. Ya sea para revivir tus episodios favoritos o para mantenerte al día con los últimos acontecimientos en el universo de Doctor Who, esta guía es un recurso esencial que te mantendrá intrigado y entretenido, sin que te pierdas ni un solo detalle de esta compleja serie.
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Diez relevantes directoras españolas del siglo XXI, diez cineastas que forman parte de lo más destacado de la producción audiovisual de este país en los últimos años, hablan aquí con voz propia y nos cuentan cómo se enfrentan al cine y a los retos que tienen por delante: Meritxell Colell, Belén Funes, Elena López Riera, María Pérez Sanz, Nely Reguera, Ainhoa Rodríguez, Clara Roquet, Alauda Ruiz de Azúa, Carla Simón y Diana Toucedo Surgen así diez textos firmados por ellas, pero compuestos a partir de las amplias y generosas entrevistas que concedieron a Carlos Losilla, uno de los críticos y escritores cinematográficos españoles de mayor prestigio y con más acusada personalidad literaria.Interrogadas por él, las directoras hablan de su concepción del cine, de los retos creativos que se plantean, de sus referencias cinematográficas y culturales, de la industria en la que trabajan y de la presencia y el rol de las mujeres en el cine español contemporáneo. Sus textos componen una crónica sobre el estado de la cuestión, tanto del cine español de las dos últimas décadas como del papel que han desempeñado en ese escenario unas cuantas mujeres sin las cuales todo sería distinto.Diez creadoras que expresan un fuerte y personalísimo deseo de cine. Diez directoras de hoy para el cine de mañana.
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En cuanto al cine, los años setenta es una década compleja para el discurso de la historia. De hecho, normalmente se acopla o bien a la etapa de los Nuevos Cines o a la denostada etapa del cine de los ochenta. El recorrido que se propone en estas páginas tiene un doble objetivo. Por un lado, pretende contribuir a perfeccionar la reconstrucción de la historia del cine (global) en los años setenta ligándola a un caso muy concreto, el del Estado español, a menudo considerado marginal, y por el otro, aspira a reencuadrar la forma en la que se tiende a conceptualizar la relación entre las películas y la historia en este país. La ambición es que el lector encuentre en estas páginas no solo una reconsideración de lo que ocurre con la producción cinematográfica en España en la década de los setenta y su relevancia para comprender qué ocurre en el marco global, sino también una manera diferente de pensar el tardofranquismo y la Transición.
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VERGÜENZA, guion de Alvaro Fernández Armero y Juan Cavestany.
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UNA HISTORIA DE PELÍCULA DE LA MANO DEL COFUNDADOR DE FILMIN Esta es la historia de un niño con sobrepeso y acné que se despertaba de madrugada para ver películas. Esta también es la historia del padre de ese niño, propietario de videoclubs, coleccionista de VHS y el hombre que pensaba que la mejor educación para su hijo era el cine. Esta es la historia de cómo el cine puede cambiar nuestras vidas y hacerlas mejores.Jaume Ripoll, cofundador de Filmin -una de las plataformas de cine más prestigiosas de los últimos tiempos- nos relata en este libro su historia de amor incondicional con el séptimo arte. De su mano, volveremos a los videoclubs de barrio en un recorrido nostálgico y fascinante lleno de anécdotas y recomendaciones que nos harán (re)descubrir y recuperar las obras imprescindibles que marcaron varias generaciones. «He hecho un viaje de espectador a distribuidor, del placer al trabajo, y ahora escribo este libro con la esperanza de que restaure parte de la ilusión perdida y permita al lector descubrir y recuperar obras que posiblemente han significado tanto en su vida como lo han hecho en la mía. Al fin y al cabo, el cine es una experiencia solitaria que se disfruta en compañía».La crítica ha dicho:«Jaume Ripoll nos ofrece una panorámica certera de los últimos 30 años de cine en este país, del siglo XX al XXI, entre rebobinados, recs y pausas. Un libro que es autobiografía, novela de aprendizaje y manual de supervivencia. Lleno de gracia e inteligencia, respira amor por el cine en cada página».Jonás Trueba «Un libro rebosante de nostalgia, anécdotas, confesiones, reflexiones sobre el devenir de una industria cinematográfica... un canto de amor al cine.»David Gallardo, Infolibre
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Guion escrito por Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen
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La Barcelona de Pilar Aymerich
L'obra de Pilar Aymerich (Barcelona, 1943) ha impregnat com poques la memòria col·lectiva del país. Les seves fotografies ens han ajudat a explicar i recordar, per si soles, les lluites socials entre finals dels anys seixanta i els vuitanta, amb l'epicentre a Barcelona. Aquest llibre no només aporta la mostra més important mai editada de les seves fotografies (algunes d'icòniques, altres d'inèdites) sinó que ens obre la porta, gràcies als textos de la mateixa autora, a les emocions i motivacions que acostumen a quedar amagades darrere la càmera. En definitiva: pura memòria de la ciutat.
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De la mano de Emily Raluy, quinta generación de una de las sagas familiares más longevas del circo, descubrirás los secretos del mayor espectáculo del mundo. ¿Cómo viven los artistas? ¿Cómo montan la carpa? ¿Cómo se organizan para viajar por todos los continentes? ¿Cómo estudian los hijos de los artistas o los artistas más pequeños? ¿Cómo ha conseguido el Circo Raluy Legacy perdurar tanto tiempo? La vida es un circo ofrece estas respuestas y muchas más, pero sobre todo es un libro para prolongar la magia del espectáculo en la carpa, para adentrarse en un mundo de magia e ilusión y no dejar de soñar que «el más difícil todavía» aún sigue siendo posible. ¡Vive la magia del circo página a página!
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Este es un libro sobre música pop. Todo aquel que no sea fan de ésta entra aquí por su cuenta y riesgo Este libro va de: discos, miedo, 1995, Mose Allison, vida-entre-tíos, música-para-tíos, skinheads, Rachmaninov, Kiko Amat, la familia y los amigos de Kiko Amat, Robert Forster, hurra por el blues de todos, 1993, mod revival, The Chords, masculinidad, debilidad, pena, The Dictators, subcultura, Top Secret, Una Gran Noción, Alison Statton, Weekend, Radio80 Serie Oro, Catalunya Música, 1930's dance band music, Dennis Potter, De La Soul + Teenage Fanclub, gangsta rap, el cringe, la música triste de Jimmy Webb, el deep soul y la curación por la canción, Bill Withers como modelo a seguir, el Rarities de los Who, la música de mil chaquetas de tweed, Billy Childish, sombreros, defender el atasco y el anacronismo y la tradición y la experiencia, ''I don't like cynicism'', una de las Mejores 20 Fiestas de mi Vida, Kwik Safe, Cricklewood, robar en Virgin Records, David Papiol, britpop, Blur, ''Wonderwall'', Mega City Four, Hurrah!, ser fan en contra de Morrissey, la nostàlgia que hay que explicar, a la mierda el canon, The Fleshtones y 10 canciones odioses.
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Tras el éxito de su libro La música invisible, Stefano Russomanno comparte con el lector algunos de sus más significativos recuerdos musicales y reflexiona sobre aquellos músicos y músicas que han marcado su vida como melómano. Por estas páginas desfilan figuras como el violinista David Oistrakh, los directores Herbert von Karajan, Carlos Kleiber, Claudio Abbado y Riccardo Muti, o los pianistas Maurizio Pollini e Ivo Pogorelich. Por otro lado, las óperas de Giuseppe Verdi se entremezclan con los valses de Johann Strauss hijo, los Responsorios de Carlo Gesualdo y las envolventes composiciones japonesas para la flauta shakuhachi.
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A principios del siglo XVII surgieron en Europa las cartillas de dibujo, unos materiales pedagógicos que revolucionaron la metodología tradicional de la enseñanza de esta disciplina, permitiendo a artistas, aficionados y particulares progresar sin la presencia de un maestro, sobre todo en la representación del cuerpohumano. Su principal novedad radicaba en el empleo del grabado: a partir de esquematizaciones, proporciones o líneas de contornos y sombreados, y mediante lacopia directa y repetitiva, el alumno asimilaba un método, una manera y un estilo determinados, memorizando sus gestos y mejorando su destreza. La exposición ala que acompaña este catálogo destaca los ejemplos españoles de los siglos XVII-XIX y los sitúa en el contexto europeo. Aunque su número fue reducido, su interés resulta excepcional, pues desde el principio destacaron por su carácter autóctono y, en ocasiones, novedoso. Junto a artistas como Villafranca, García Hidalgo y López Enguídanos descuella Ribera, que ya en 1622 había comenzado a estampar lo que parecía iba a ser su propia cartilla y que no se publicó hasta décadas después.
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El presente libro constituye una aproximación exhaustiva y novedosa al tema de la comicidad musical, examinando sus diversos registros, desde la broma, la parodia y el golpe de ingenio hasta el estadio superior de la ironía. Ilustrado con numerosos ejemplos musicales y sus correspondientes análisis, abarca desde el barroco hasta el siglo xx. Partiendo del estudio minucioso de la broma musical de Mozart y la ópera Falstaff de Verdi, el interés de las consideraciones desarrolladas a lo largo del texto se ve acrecentado por su enfoque multidisciplinar, lo que se refleja en sendos paralelismos con el lenguaje cinematográfico y la pintura.
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Els cinemes de la meva vida
«Havent-hi especialistes, jo em limito a ser, com Carles Mir, el cor del cinèfil. I ja se sap que aquest cor té unes raons pròpies que cap altra raó comprendrà mai». Terenci Moix definia així Carles Mir fa més de vint anys, i també així podria definir aquest llibre: un passeig per la Barcelona dels anys cinquanta, seixanta i setanta i pels seus cinemes, la majoria ja desapareguts. Amb un amplíssim arxiu gràfic de les sales, els pòsters i les entrades de l'època, aquest llibre és un homenatge a tots aquells cinemes que, abans de les multisales, van crear comunitats i van portar a la ciutat, gràcies a la seva varietat, totes les pel·lícules que podien somiar-se.
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«Habiendo especialistas, yo me limito a ser, como Carlos Mir, el corazón del cinéfilo. Y ya se sabe que este corazón tiene sus razones que ninguna otra razón comprende jamás». Terenci Moix definía así a Carlos Mir hace más de veinte años, y también así podría definir este libro: un paseo por la Barcelona de los años cincuenta, sesenta y setenta y por sus cines, la mayoría ya desaparecidos. Con un amplísimo archivo gráfico de las salas, los pósteres y las entradas de la época, este libro es un homenaje a todos aquellos cines que, antes de las multisalas, crearon comunidades y trajeron a la ciudad, gracias a su variedad, todas las películas que podían soñarse.
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El objetivo de este libro es recopilar y arreglar buenas piezas musicales, creando nuevas partituras para piano que sean claras de leer y mantengan su sonoridad original. Estas partituras son adaptaciones de las originales, con un nivel medio de dificultad pianística, muy asequibles para un estudiante o pianista de cualquier edad. La última intención de este trabajo es la de animarse a sentarse al piano y que disfrute de la música cualquier persona aficionada a este instrumento. Cada partitura incluye acordes cifrados y códigos QR que enlazan con la interpretación de la partitura en vídeo por parte del autor.
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Este libro propone una de las historias posibles de la fotografía desde su invención hasta hoy a través de una cuidada selección de copias de época reunidas durante cuatro décadas por quienes fueron sus primeros curadores: sus coleccionistas. Las trescientas fotografías incluidas proceden de dos colecciones pioneras y complementarias: las formadas por Dietmar Siegert en Alemania y Enrique Ordóñez e Isabel Falcón en España. Acompañada por ensayos de Ulrich Pohlmann, Clément Chéroux, Paul Ingendaay y Antonio Muñoz Molina, esa historia viene a ser como un álbum de familia de la fotografía que recoge su nacimiento, su infancia y su juventud, su madurez, y quizá también parte de su futuro.
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Deep Listening®. Una práctica para la composición sonora es un excitante compendio de maneras de escuchar y «sonar». Este libro proporciona enfoques y perspectivas únicos a artistas, estudiantes, profesores, meditadores y a cualquier interesado en cómo nuestra consciencia puede verse afectada por la profunda atención al ambiente sonoro que nos rodea.Deep Listening es una práctica creada por la compositora Pauline Oliveros con el objetivo de mejorar sus propias capacidades de escucha y compartirlas con otros compositores, intérpretes y público en general. Difundida por su creadora en talleres por todo el mundo y especialmente en el Instituto Politécnico de Rensselaer (Nueva York) y en el Mills College (Oakland, California), estas actividades son accesibles a cualquier persona interesada en la escucha.Finalmente, su obra se traduce por primera vez para el público de habla hispana por Francisco Campillo García.Por iniciativa de Sergio Sánchez y Juan Jesús Yelo y con el apoyo y colaboración de la Asociación Intonarumori y el Laboratorio para la Investigación de Procesos Creativos Contemporáneos AD LAB, la edición de este libro ha contado con la implicación del «editor, poeta y mejor mejor músico Josep Lluís Galiana, el conocido y prestigioso traductor Paco Campillo, el pintor autor de la obra gráfica inspirada en Pauline Oliveros y su legado que preside la portada del libro Paco Ñíguez y el diseñador gráfico Paco Vico.»
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Ens morirem sense haver-los escabetxat a tots
Coneixem la música de Carles Santos, el pianista transgressor, l'artista integral. I ara, amb Ens morirem sense haver-los escabetxat a tots, podem llegir els textos que va escriure en ple procés de creació dels seus espectacles musicals. Així, recuperem amb les seves pròpies paraules la memòria d'Asdrúbila, La pantera imperial, Ricardo i Elena, L'adéu de Lucrècia Borja o La meua filla sóc jo. Són pàgines que s'inscriuen en la tradició de les escriptures fragmentàries, que esborren les fronteres genèriques, amb les quals Santos ens convida a sentir i a mirar amb una força poètica i subversiva. Com a «53 maneres de matar un capellà». Ens introduïm en la cuina de Carles Santos per valorar la meticulositat amb què preparava els seus muntatges escènics, i accedim a les invencions i els pensaments d'un artista indispensable. «És evident que quan una professió, en aquest cas la musical, és viscuda amb tota la intensitat possible, condiciona absolutament l'existència del ateix individu-músic». -Carles Santos
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Jim Sullivan escribió un disco sobre extraterrestres y desapareció en el desierto de Nuevo México sin dejar rastro, Ernie K-Doe se coronó Emperador del Universo y los parroquianos de su bar lo veneraban y las hermanas Wiggin vivieron encerradas durante una década obligadas por su padre a grabar el peor disco de la historia. Sus vidas fueron perras y en sus historias hay dolor, pero de algún modo extraño también hay redención.Vidas Perras, el primer libro del periodista Alfonso Cardenal, director de Sofá Sonoro, es una colección de cuentos musicales alrededor de artistas marginales y olvidados: vagabundos, trotamundos y mentirosos. Personajes terribles que, sin embargo, transmiten una absurda ternura. En estas páginas hay pioneros de los derechos LGTBI, abuelas que grabaron discos a los noventa años mientras hacían ganchillo y asesinos patosos.Todos tienen dos cosas en común: fueron habitantes de un submundo musical cada vez más lejano y fueron personajes reales. Aunque parezca imposible y surrealista las historias que se cuentan en este libro son reales porque la realidad siempre es la mejor ficción.
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Sumérgete en las profundidades de Avatar: El sentido del agua con esta guía visual definitiva.Creado en estrecha colaboración con Lightstorm Entertainment, de James Cameron, y escrito por expertos que han trabajado en la película, este libro oficial está repleto de sorprendentes detalles exclusivos. Esta guía visual imprescindible muestra los personajes, criaturas, vehículos, armas y ubicaciones de la última aventura en Pandora.Conoce a la próxima generación de la familia de Jake Sully y Neytiri, incluidos la misteriosa Kiri y el heroico Neteyam, y sus nuevos y valientes aliados del clan Metkayina. Descubre los majestuosos tulkuns, los rápidos corceles marinos y la fauna y flora de los océanos de Pandora. Examina los últimos y temibles vehículos de la RDA y las tropas de élite recom, bajo el mando del coronel Quaritch. Descubre el funcionamiento interno de Cabeza de puente y la sagrada Ensenada de los Ancestros.Con un prólogo de Sigourney Weaver, Avatar: El sentido del agua. Diccionario visual es el regalo perfecto para los seguidores de Avatar de todas las edades.
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La museografía es una disciplina relativamente moderna en la que, hasta hace poco, se solucionaban los problemas y se presentaban las colecciones en base al buen gusto y conocimientos del responsable del museo. El presente libro aborda la museografía de carácter permanente, instalada en edificios de tipo histórico remodelados, y las museografías temporales de colecciones de todo tipo, en salas de muy diferentes características. Juan Pablo Rodríguez Frade, que cuenta con una extensa y acreditada trayectoria en la materia (entre otros hitos, su última obra relevante ha sido la remodelación integral del Museo Arqueológico Nacional), pretende entusiasmar e ilusionar mostrando una forma especial de acercarse a los museos, valorando el trabajo de un inmenso entramado de profesionales que consideran estos lugares como espacios en donde sentirse próximo a los valores más profundos y auténticos denuestra esencia, espacios que nos hacen emocionarnoscontemplando aquello que han realizado nuestros antepasados no hace tanto tiempo. Una visión analítica delos museos y de sus instalaciones, tanto de los contenedores como de sus colecciones y de la manera en que éstas se exponen. Un texto que facilita al lector la comprensión de situaciones, procesos y recursos museográficos. Conozca los recursos, los oficios y los trepidantes ritmos de trabajo de esta disciplina. Francisco Javier Sáenz de Oíza ''Se trata de recuperar laespiritualidad, de soñar con situaciones trascendentes y de sentirse motivado y por ende emocionado, absorbiendo el ejemplo de aquellos que nos han precedido,retomando el conocimiento de los grandes maestros que nos han enseñado a entender qué es el ARTE y de cuya mano hemos aprendido a saber reconocerlo.'' Juan Pablo Rodríguez Frade AUTOR Juan Pablo Rodríguez Fradees Premio Nacional 1995 de Restauración y Conservación de Bienes Culturales por la Rehabilitación del Palacio de Carlos V como Museo de la Alhambra. Entre susproyectos más destacados cabe citar el Museo Arqueológico Nacional, el Premio Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, el Museo de Málaga (Finalista como Museo Europeo del Año) y el Museo de Historia de Madrid.Ha sido ganador del concurso de realización de los nuevos accesos del Museo Nacional Centro de Arte ReinaSofía, y ha impartido conferencias y realizado cercade trescientas exposiciones en los cinco continentes.
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En un alarde de modestia, el autor de este libro lo define como un «texto sobre fotografía». No lo es. O, al menos, no exclusivamente. Autobiografía hecha de fragmentos, Imagen fantasma es un intento por fijar la intimidad y la emoción que desaparecen tras el disparo de la cámara, también, especialmente, por capturar en palabras lo que nunca estuvo allí. Hervé Guibert hurga en la caja de fotos familiares y encuentra rostros esquivos, la joven belleza de su madre, autorretratos en los que ya no se reconoce. Recuerda deseos inconfesables, la violencia velada del padre, la mirada de aquel amante enfermo. El mecanismo fotográfico despojado de todo afán documental o comunicativo: el capricho de la memoria.
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Las películas slow comparten una serie de características formales, como el adelgazamiento y la supresión de la narración, el vaciado psicológico de los personajes, que parecen no experimentar ningún afecto ni realizar acciones coherentes, los planos se extienden más del tiempo estándar del cine de Hollywood y su contenido se reduce al mínimo y, en fin, tienden a desaparecer algunas exigencias clásicas, como la música o los diálogos. En cuanto al contenido, aborda cuestiones como la relación entre seres humanos y la naturaleza, las formas de vida perdidas o el interés por individuos y sociedades olvidados por la historia. Los directores y directoras que se incluyen en esta categoría son variables, pero en general se suele pensar en Lisandro Alonso, Wang Bing, Pedro Costa, Zhang Mengqi, Bruno Dumont, Otar Iosseliani, Darejan Omirbaev, Apichatpong Weerasethakul, Carlos Reygadas, Albert Serra, Béla Tarr, Tariq Teguia, Kelly Reichardt, Salomé Lamas, Tsai Ming-liang, Nikolaus Geyrhalter, Ben Rivers, Michelangelo Frammartino o Nuri Bilge Ceylan, entre muchos otros nombres. ¿Qué une a tales cineastas, cómo son sus películas? ¿Cuáles son sus preocupaciones principales, tanto éticas como estéticas? ¿Qué novedad representa el slow cinema con respecto a otras formas de cine? ¿Tiene sentido hablar de lentitud, es un concepto operativo o se ha vuelto una muletilla cómoda? En este volumen reunimos quince artículos para tratar de acercarnos a todas estas cuestiones.
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Doce episodios memorables de la música del siglo XX en los que sus protagonistas encontraron auténticos momentos de plenitudLos momentos fulgurantes pueden anidar en cualquier parte, a cualquier hora y bajo cualquier circunstancia. Cuando se manifiestan, la alegría y el placer emergen de manera imprevista, y la realidad, por muy oscura que sea, resplandece durante un instante.La música, en sus polifacéticas formas, también es capaz de desencadenar episodios memorables y actuar como catalizador de sentimientos profundos. Puede elevar nuestro estado de ánimo, proporcionarnos una vía para expresar y procesar las emociones, hacer que fortalezcamos nuestras relaciones de pertenencia con el mundo que nos rodea y, entre otras muchas cosas, ofrecer experiencias que nos permitan establecer una conexión genuina con nuestro propio ser.Wanda Landowska vive uno de esos momentos fulgurantes interpretando a Scarlatti al clave, en medio de un estruendo de cañonazos antiaéreos. Erik Satie protagoniza otro trabajando en la composición de su nueva obra en un café cerca del cementerio de Montparnasse, mientras alterna cantidades industriales de cerveza con tragos de aguardiente. Albert Einstein, en su casa, cada una de las veces que come lentejas con salchichas o interpreta al violín música de su adorado Mozart. Marian Anderson, poniendo el cuerpo y la voz en cada una de sus actuaciones para transformar lo que Martin Luther King Jr. llama el último bastión del elitismo: la música clásica. Winnareta de Polignac, charlando sobre los Cuartetos de cuerda de Beethoven con Virginia Woolf en el salón que la escritora tiene en Londres, en el distrito de Bloomsbury. Imogen Holst, al darse cuenta de que, a través de la música, los habitantes de un pequeño pueblo del suroeste de Inglaterra dan rienda suelta a la necesidad innata de conectarse y expresarse emocionalmente con los demás. Glenn Gould, haciendo todo lo contrario, aislándose del mundo con su piano y su silla enclenque en una sala repleta de micrófonos. Y es que el pianista aseguraba: «mi idea de felicidad es pasar doscientos cincuenta días al año en un estudio de grabación».
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ELVIRA, REINA DE LAS TINIEBLAS E INDISCUTIBLE REINA DE HALLOWEEN, CUENTA SU HISTORIA DE INDEPENDENCIA, SENSUALIDAD, DOLOR Y HUMOR El Viernes Santo de 1953 en Manhattan (Kansas), con solo 18 meses de edad y a 40 km del hospital más cercano, Cassandra Peterson cogió una olla de agua hirviendo de la cocina y acabó echándosela encima por accidente. Sus quemaduras de tercer grado no auguraban nada bueno pero, contra todo pronóstico, Cassandra sobrevivió. Quemada y con cicatrices, en aquellos primeros años de vida desarrolló una auténtica fascinación por el terror, hasta el punto de que mientras sus hermanas jugaban con muñecas Barbie, ella construía figuras de Frankenstein y Drácula e idolatraba a Vincent Price. Así empieza la historia de una niña del Medio Oeste que llegó a convertirse en el icono de Halloween más sexy y descarado del mundo, y que ahora deslumbra con esta autobiografía tan divertida como desgarradora, cargada de giros, dificultades, juergas, escándalos y experiencias impactantes.
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