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Els clàssics de Disney en petit format... a un preu immillorable! Els contes clàssics de Disney en format petit i amb il·lustracions en color. Col·lecciona'ls!
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Una nova col·lecció de contes clàssics amb format pop-up: una nova manera de reviure les històries de sempre amb un disseny espectacular. Tres porquets van decidir construir les seves pròpies cases: una de palla, una de fusta i una de maons... però han d'anar amb compte amb el llop! En aquesta versió interactiva del conte tradicional, cada pàgina sorprèn amb escenes tridimensionals. La història de sempre, ara més visual i emocionant que mai. Un format pop-up espectacular: cada escena cobra vida gràcies als relleus tridimensionals. Un conte atemporal: el clàssic de Els tres porquets passa de generació en generació. Diversió i interacció: perfecte per llegir en veu alta i jugar amb els més petits. Ideal per a nens a partir de 3 anys: dissenyat per captar la seva atenció i despertar la seva curiositat. Llegir aquesta història és una manera meravellosa d'entretenir els més petits sense pantalles, despertant la seva imaginació i amor pels contes clàssics.
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ISLAM, INDIA, SUDESTE ASIÁTICO Y EXTREMO ORIENTEConozca las grandes civilizaciones de Oriente: el Islam y su expansión por al-Ándalus, la península del Indostán, el Sudeste Asiático, la isla de Java y el Extremo Oriente. Un contenido imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal. Con Breve historia del arte Oriental el lector tiene la oportunidad de conocer las grandes civilizaciones asiáticas, desde Oriente Medio hasta el Asia Central. Recorrerá el enigmático subcontinente hindú y la maravillosa isla de Sri Lanka, pasando por el impresionante Sudeste Asiático y su conjunto de antiguas civilizaciones semi escondidas en la maraña de la selva (Tailandia, Myanmar, Camboya, Laos, Vietnam), hasta el Lejano Oriente, con las milenarias civilizaciones china y japonesa, además de la poética cultura coreana. Un contenido tan amplio como apasionante, imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal, que ejercen una innegable fascinación entre las gentes de Occidente por la grandiosidad de sus realizaciones arquitectónicas y su estética de permanente barroquismo y fantasía decorativa en constante horror vacui.
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Una innovadora biografía de Edgar Allan Poe que pone de relieve su fascinación y sus enemistades con la ciencia. Edgar Allan Poe no fue solo autor de relatos góticos y poesía, crítico y periodista, sino también un pensador profundamente interesado en la ciencia y la filosofía natural. Este libro del profesor John Tresch profundiza en esta apasionante faceta de un Poe que vivió el febril dinamismo de dichas disciplinas a lo largo del siglo XIX en Estados Unidos. A través de viñetas biográficas, cartas privadas, el análisis de su obra y breves ensayos sobre diversas teorías científicas, esta minuciosa investigación explora cómo el entorno intelectual de la época, caracterizada por rápidos avances en astronomía, física y otras ciencias naturales, contribuyó a moldear su imaginación.Esta es una innovadora biografía del autor de El escarabajo de oro que pone de relieve su relación de amor y odio con la ciencia, así como la curiosidad de un poeta melancólico, ensayista cosmológico y narrador detectivesco cuyos escritos exploraron lo oscuro y misterioso: esto es, la razón de ser de la ciencia.
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Un diario que es una obra de culto para escritores, pintores y escultores donde Truitt reflexiona sobre arte, éxito, creación, dinero y familia.“Los artistas no tienen más remedio que expresar sus vidas. Lo único que pueden elegir, y no siempre, es el proceso. Ese proceso no cambia el contenido esencial de su trabajo artístico, que solo puede ser su vida”. La renombrada artista plástica Anne Truitt llevó un diario durante siete años con la determinación de explorar las fuerzas que regían su cotidiano y su arte. Con una sensibilidad exquisita y una honestidad que conmueve, la autora escribe sobre el proceso creativo, sobre sus hijos que se están convirtiendo en adultos y cómo eso transforma la maternidad, sobre los consejos que recibió de otros artistas, sobre la crítica, la soledad y el problema del dinero. Truitt busca entender esa vida en la que las actividades diarias y la necesidad de estar con niños y con amigos se contrapone de manera constante con el mundo del color y la geometría abstracta en el que situó su arte.Daybook, un libro delicado y lúcido, nos permite vislumbrar una mente con una profundidad singular: las reflexiones de Anne Truitt, tan generosas, iluminan el proceso artístico.
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¿Qué es una biblioteca? ¿Qué es un texto? ¿Qué es una autoridad académica? ¿Y cómo circula el conocimiento en la sociedad y forma tradiciones? En un momento en que los mundos de la palabra escrita experimentan profundas transformaciones, en que la cuestión del saber crítico, de las herramientas técnicas y de la navegación por los océanos de la información es cada vez más aguda, la historia de las prácticas intelectuales y de la transmisión erudita, a largo plazo y a través de la comparación cultural, arroja una luz cautivadora sobre los desafíos a los que se enfrentan nuestras sociedades. De Alejandría a las humanidades digitales, de la filología a los estudios científicos, de las habilidades de los artesanos a las manos del intelecto, Christian Jacob examina una cuestión fundamental: la construcción del conocimiento, su inscripción material, sus metamorfosis, su poder para crear vínculos, en el espacio, en el tiempo, en el corazón de las sociedades humanas.
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Una celebración de más de 300 escultoras innovadoras que examina 500 años de ingenio creativo de todo el mundo.Al presentar una historia de la escultura más amplia e inclusiva, Great Women Sculptors examina el trabajo de más de 300 artistas pioneras de más de 60 países, abarcando 500 años desde el Renacimiento hasta la actualidad.Organizado alfabéticamente, cada artista está representado por una imagen y un texto recién encargado. Esta amplia encuesta defiende a las escultoras más conocidas de la historia del arte junto con las estrellas en ascenso de la actualidad.Desde nombres más reconocibles como Camille Claudel, Gego, Barbara Hepworth y Yayoi Kusama hasta algunos de las artistas contemporáneas más importantes de la actualidad, como Huma Bhaba, Mona Hatoum y Simone Leigh, este libro muestra 500 años de creatividad escultórica en un libro accesible y visualmente impresionante volumen.
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L'art est la pointe tranchante de l'esprit, l'extension perpétuelle de la pensée vers l'inconnu, l'acte par lequel la pensée se pose éternellement un nouveau problème. L'art est cette attitude qui considère le monde comme un champ d'activité infini et indéterminé, une aventure perpétuelle.
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Ensayo sobre la belleza que se apoya en el relato de Andersen, abordando desde la biología hasta la ecología, pasando por la sociología, la psicología y el sentido común.Belleza, anhelo y herida ¿Qué fue de Patito Feo? consta de tres partes. La primera es un apunte biográfico sobre el contexto en el que Andersen escribe su famoso relato. La segunda es un apunte literario acerca de lo que pudo pasar con el Patito Feo después de que se trasformara en cisne. La tercera es un apunte ensayístico sobre la belleza que se apoya en el relato de Andersen y en las memorias que los autores atribuyen al Patito Feo. Se plantean ideas de varios campos del conocimiento. Desde la biología hasta la ecología, pasando por la sociología, la etología, la psicología e incluso el sentido común.El drama de PatitoFeo fue la experiencia y la convicción de que él no sería el elegido ni por su madre, ni por su padre, ni por los demás, incluida Patita Linda.Como si no pudiera gustar, como si ocupara un lugar en el mundo que no merecía... por feo. Contempló varias alternativas: matarse, agredir, loquear o esconderse. No pensó que podía habitar bellamente la tierra.Este libro no es un tratado de estética, sino una selección de unas ideas que permitan pensar con más agudeza en la belleza y en la fealdad, seguramente las discriminaciones más extendidas que existen. ¿Qué fue de Patito Feo una vez convertido en cisne?
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En el siglo XX latinoamericano irrumpió una generación de poetas que no sólo tuvo coincidencias estéticas sino también ideológicas y políticas. Estos poetas gestaron una poesía de carácter social y revolucionario que se alzó en contra de los regímenes autocráticos que gobernaban sus países, subyugados además por las dos potencias que se disputaban el control del mundo tras la Segunda Guerra Mundial: Estados Unidos, por el lado capitalista, y la entonces URSS, por el socialista. La idea es no sólo explorar la obra de los poetas latinoamericanos más emblemáticos que lucharon contra las dictaduras de sus países a la busca de una sociedad mejor, sino también volver sobre la función social del poeta. Y advertir asimismo sobre los riesgos que entraña la labor de los intelectuales que se entregan a una causa revolucionaria sin advertir las consecuencias que ésta pudiera tener una vez conseguido su triunfo, como sucedió en la Cuba de Fidel Castro, que terminó desencantando a muchos intelectuales que la apoyaron por haber devenido en una dictadura. Rogelio Guedea desgrana esa generación de poetas comprometidos con su sociedad (Benedetti en Uruguay, Ernesto Cardenal en Nicaragua, Nicanor Parra en Chile...), advirtiendo a un tiempo sobre la importancia de los intelectuales en la consolidación democrática de sus comunidades como por el cuidado para no ser atrapados por ningún tipo de fanatismo, salvo aquel que promueva el imperio de la ley, la igualdad y la dignidad humana.
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Ian Gibson nos acerca a la historia del desgarro interior de Machado, a su huida por la frontera con su madre y a su muerte a las pocas semanas, con tan solo sesenta y cuatro años. Un relato estremecedor de los últimos momentos de vida de uno de los intelectuales españoles más admirados.La vida es sueño, la vida es teatro, la vida es... camino. Entre las grandes metáforas vitales, Antonio Machado se queda con el camino, el que se hace al andar, sin posible vuelta atrás. Poeta elegíaco, su impulso es cantar lo que se pierde. Nunca dejó de añorar el patio sevillano de sus primeros años, ni de pensar en el barco del viaje final. Este le esperaba en el exilio de Collioure, a orillas del Mediterráneo, tras su denodada lucha a favor de la República asediada por el fascismo internacional. Su último verso, encontrado en el bolsillo de su gabán, fue: «Estos días azules y este sol de la infancia».
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Traducción de Cristina Gómez-Baggethum Segundo volumen de la poesía completa de Jon Fosee, Premio Nobel de Literatura 2023 En un mundo en donde se afirma que esta realidad es lo único que existe y que no hay forma de modificarla, en un mundo bajo el poder de lo material, de lo palpable, de lo concreto, Jon Fosse nos recuerda lo que nos une de forma indisoluble con lo invisible. Porque ¿dónde quedó nuestro vínculo con el amor, que crea la alianza más poderosa con lo sagrado? ¿Dónde la lengua que algún día aprendimos para hablar con los animales? ¿Dónde los ángeles que durante siglos nos visitaron para poner en nuestros ojos visiones delicadas y de un misterioso regalo en nuestro vientre, que está a punto de nacer a cada instante? ¿Dónde nuestro andar por el mundo, sabiendo que todo es parte de un alfabeto divino que hace tiempo hemos olvidado cómo leer? Jon Fosse, con la delicadeza de la luz, con la violencia de la nieve sobre las tormentas del mar oscuro, nos responde en sus útimos poemas: todo lo que hemos perdido, todo lo que hemos olvidado, está dentro de nosotros, en estas palabras, reguardado, protegido, indestructible. Abrid este libro y recordad: lo invisibley sus dioses, y sus enseñanzas, intempestivas, intemporales, invulnerables, volverán a aparecer ante vuestros ojos. «Al entrar en la poesía de Fosse, se encuentra el regalo de unos poemas en los que el lector cae en una especie de fascinación verbal. Magistral Fosse». Túa Blesa, El Cultural «Un libro impactante , en forma y fondo , que amplía en su cuerpo central la extraordinaria , propuesta del autor noruego. Fosse es la poesía total, ultramoderna y antigua. Popular y compleja». Lucas Martín, La Opinión de Málaga
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Un heterodoxo breviario de la autora de Trabajos forzados que desvela la peripecia de algunos astros de la literatura que en algún momento de su vida dieron con sus huesos en la cárcel. Atraco a mano armada, difamación, asesinato, conspiración, sustracción de obras de arte, composición de poemas elegiacos a la muerte de Hitler. De Verlaine a Burroughs, de Norman Mailer a Hans Fallada, de Giacomo Casanova a Curzio Malaparte, muchos han sido los literatos que, a lo largo de la historia, han purgado sus ofensas y delitos en la cárcel. Y han sobrevivido para contarlo. Chester Himes o Jean Genet se pasaron buena parte de su vida en el fondo de un calabozo infecto. Otros, como el Marqués de Sade o Heinrich von Kleist, iniciaron sus carreras literarias tras los barrotes de una prisión. Incluso se han dado casos, como los de Louise Michel o Goliarda Sapienza, de escritoras que experimentaron una irónica sensación de emancipación y libertad tras entrar en presidio. De un modo u otro, la cárcel ha marcado la obra de aquellos que pasaron por ella, porque la imaginación crece cuando es prisionera, y, sobre todo, crece el deseo. Daria Galateria nos invita a un erudito y divertido peregrinaje de celda en celda: desde las oscuras y húmedas estancias donde sufrieron y amaron Voltaire y Diderot, hasta los calabozos que acogieron a William Burroughs o Ezra Pound. CRÍTICA «Galateria firma un ensayo impresionante sobre las maravillas de la imaginación entre rejas.» -La Stampa «Deberían conseguir este libro de inmediato y deslizarlo en su bolsillo para leerlo poco a poco, como se hace con los clásicos.» -Il Foglio «Una lectura amena, vivaz y nunca pedante.» -La Balena Bianca «Daria Galateria despliega un abanico de destinos diferentes para los escritores unidos por una última parada: la celda. Con finura y sabiduría, Daria Galateria traza una persecución humeante que recorre varios siglos.» -Pietrangelo Buttafuoco, La Repubblica
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A veces cae en nuestras manos un libro, por casualidad, y es justo lo que no sabíamos que necesitábamos. El día en que dejamos la tierra es ese libro: duro, repleto de los conmovedores mundos de una de las voces más cautivadoras y sensibles de la poesía puertorriqueña contemporánea. Sus páginas retratan despedidas y tragedias -las de todos, por virtud de la pulsación de nuestros vasos sanguíneos, por estar hechos de huesos y de carne, frágiles-, heridas individuales y colectivas pesando sobre nuestras espaldas diariamente. Un buen lector dijo una vez, no obstante, que ese tránsito poético en Iris Mónica Vargas no desemboca en el desgarramiento total, como sucede en Sylvia Plath o Alejandra Pizarnik, porque la muerte en ella no es un callejón final sino una vía por la cual se accede a, o de la cual se desprende, la vida. El día en que dejamos la tierra nos hechiza, sí, y si nos permitimos el viaje, nos prepara.
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«Un sofisticado ensayo que se propone restaurar las dimensiones más desatendidas de la relación entre humanos y animales».Times Literary Supplement En la Inglaterra del siglo XVIII, la relación entre el ser humano y los animales cambió para siempre con el descubrimiento de los grandes simios y la popularización de los animales de compañía entre la burguesía. Esta transformación dio lugar a un nuevo contexto cultural e intelectual que propició una mayor comprensión del resto de las criaturas del planeta, fomentando así su representación en la literatura moderna. Laura Brown analiza algunas de las más destacadas ficciones narradas o protagonizadas por perros, a la vez que ahonda en la doble percepción que se tenía de los simios. Objeto de fascinación, los primates eran calificados de violadores, a la vez que se les atribuían las sensibilidades más delicadas, como el pudor o la justicia. Este ensayo propone, pues, una perspectiva novedosa sobre la intimidad, la diversidad y la diferencia, una esclarecedora mirada sobre el modo en que las obras literarias se sirvieron de los animales para trasladar a la experiencia cotidiana las más variadas cuestiones filosóficas y metafísicas.
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El cuerpo poético de Adulta funcional es un cuerpo de frontera que habita entre lo doméstico y lo salvaje, la juventud y la vejez, la vulnerabilidad y la fuerza, ser madre y ser hija, el amor y la soledad, la esperanza y el duelo, las lavadoras y la espiritualidad, la intimidad y la exposición total, los recuerdos y los horizontes, la ternura y la ira, la amistad y la ruptura, la disidencia y la risa, la niña reivindicada y la mujer celebrada, el orgullo y la pena, los animales y las diosas, las escritoras veneradas y la libertad literaria, la mística y la terapia.Consciente de que todo puede ser verdad a la vez, Gloria Fortún, autora del poemario Todas mis palabras son azores salvajes y de la novela Roja catedral, descubre en cada verso que ser una señora, una señora bollera y gorda, es llevar un fuego dentro avivado por todas sus contradicciones, sueños y desobediencias, así como por su voluntad en combustión de que el deseo siempre venza a la norma.
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Jean-Louis Barrault (Le Vésinet, 1910 – París, 1994). Actor, mimo y director escénico francés. Después de completar sus estudios de Historia del Arte, ingresó al Théâtre de L´Atelier en 1931 siendo discípulo de Charles Dullin y completando su formación como actor con el estudio en profundidad del mimo y la pantomima bajo la supervisión de Étienne Decroux. En 1935 irrumpe en al panorama teatral francés con Alrededor de una madre, adaptación de El ruido y la furia de William Faulkner. Antonin Artaud se convierte en uno de sus más fervientes admiradores. En 1940, ya en la Comedie Francaise, conoce a Madeleine Renaud y junto con ella crean una compañía teatral de fama mundial. Incorporando un amplio repertorio que va desde Shakespeare, pasando por Feydau, Claudel e Ionesco, entre muchos otros dramaturgos. La amalgama de diversas formas de puestas en escena, le dio a la compañía un sello distintivo y un enorme éxito durante décadas en Europa y América Latina. Barrault también fue director del Odéon Théâtre en 1959 y del Théâtre des Nations en 1965. En 1967 dirige en el Metropolitan Opera de Nueva York las óperas Fausto, de Gounod y Carmen, de Bizet. Como actor también incursionó en el cine, destacando su trabajo en Los niños del paraíso, El día más largo y La noche de Varennes.
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La pelvis en llamas, libro singular y necesario que contiene una poética ensayística sobre la maternidad «en las retaguardias de la ternura». Un canto al precipicio y una crítica a la oscuridad donde damos a luz. Sara Martin revela que «El horizonte busca una pared donde apoyarse» y construye ese apoyo desde el asombro y la conciencia. Transcribe el pensamiento de un útero cuántico, como si no fuera todavía lo que es, pero es. Sara muestra con la «transparencia psíquica» de una cadena de sueños que colectivizan el miedo y la angustia, ese cerebro que arde en el interior de la pelvis. La poeta se posiciona, «solo nosotras sabemos lo que se cuece», mostrando sus fuentes, citas y descubrimientos científicos como el de que dejamos algunas células en nuestras madres que modificarán sus reacciones. Es una poesía de investigación, revolucionaria, motivada por la necesidad vital de liberarse y liberarnos de la marginalidad claustrofóbica en que se ha convertido la maternidad. Consciente de la necesidad de un discurso, que nos conecte con el animal social que somos y nos haga mas libres. Sara Martín ha parido poemas de una belleza compacta, rigurosos como golpes. Inaugura de esta manera «una nueva estética afectiva», social y política, que funciona para una «madre huérfana de madre […] como una taza de caldo en la convalecencia».
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Estos relatos y cuentos son animales de razas pequeñas. Criaturas ágiles de la literatura capaces de levantar todo un mundo de ficción en pocas páginas. Seres vulnerables y, por ello, especialmente atentos a la voracidad que los amenaza. Fantásticos, híbridos, quiméricos. Su arquitectura es sutil como el esqueleto de un gorrión, pero su canto mueve en el aire la memoria en extinción de los territorios rurales, la violencia oculta en los álbumes familiares, la fragilidad de quienes están a punto de quebrarse por la ansiedad y la depresión. En esta antología están reunidos diecisiete de los mejores autores jóvenes de narrativa breve polaca, la mayoría de ellos inéditos hasta la fecha en España. Herederos de Olga Tokarczuk, Witold Gombrowicz o Sławomir Mrozek, son la prueba incontestable de la gran salud de la que goza el género en el país. Ellos son Anna Arno, Grzegorz Bogdał, Urszula Honek, Olga Hund, Maria Karpińska, Dorota Kotas, Elzbieta Łapczyńska, Maciej Miłkowski, Weronika Murek, Andrzej Muszyński, Zośka Papuzanka, Margo Rejmer, Dominika Słowik, Paweł Sołtys, Natalka Suszczyńska, Katarzyna Szaulińska y Aleksandra Zielińska. «Por experiencia propia, recomiendo mucha prudencia a quien se acerque a estas criaturas. Hace días que concluí su lectura y todavía, a ratos, de improviso, me asaltan algunos pasajes como la herida que provoca en la piel una fina dentellada» _Patricia Esteban Erlés, en el prólogo.
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Mercedes (1920), libro de poemas incógnito en la historia del ultraísmo, ofrece -con sus caligramas y versos descoyuntados y también con su hibridismo estético- un ejemplo significativo de la primera vanguardia. La lectura de esta muestra -dos años anterior a Imagen, de Gerardo Diego o tres a Hélices, de Guillermo de Torre- viene a corroborar que los principios ultraístas no sólo se plasmaron en diferentes revistas literarias (desde 1919 a 1925), sino que también se reflejaron en diversos libros durante esos años. Las imágenes nuevas y las metagoges se hilvanan con los sentimientos exaltados del autor, a modo de trenzado emocional, donde la angustia de la existencia y la pasión del amor se convierten en ejes fundamentales. Los alardes tipográficos -difícilmente vistos antes en la poesía del momento en lengua castellana- marcaron el contenido del libro. Raida buscó la unión de modernismo (horas fragantes) y cubismo (rebeldía), impulsando un nueva poesía, donde lo visual se asocia a la emoción, donde los automóviles futuristas son conducidos por la fuerza o energía del alma, con proyección en el lector. Ese es el hombre nuevo al que va dedicado este libro. Pedro Pablo Raida Ismaya (Mogador, 1888-León, 1962) es un autor casi desconocido para todos. Su importancia dentro de la vanguardia sevillana (como administrador y colaborador de Grecia y como codirector de Arte y Colaboraciones de Oromana) y su participación en actos culturales del Ateneo Hispalense (junto a otros escritores neoidealistas locales como José María Izquierdo, Miguel Romero Martínez o Alfredo Blanco), unidas a una amplia y diversa trayectoria literaria no han sido suficientemente detalladas hoy. Editó obras de teatro, novelas y ensayos, así como un único libro de versos ultraístas, Mercedes (1920), otra muestra más de los raros poemarios del movimiento innovador. José María Barrera López (Osuna, 1955). Profesor Acreditado Titular de Universidad, es especialista en la vanguardia hispánica, materia a la que ha dedicado 90 libros y numerosos artículos y colaboraciones en libros colectivos. Recientemente, ha publicado la Obra completa de Pedro Garfias, en tres volúmenes, en edición crítica (2024), y prepara el Archivo o Legado del escritor, en unión con sus herederos.
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Salustiano Masó (Alcalá de Henares, 1923-Granada, 2024) es un poeta casi desconocido y, sin embargo, necesario para comprender la poesía española del siglo XX. Su obra comprende un total de 23 libros y está avalada por la consecución de importantes premios. Como traductor obtuvo el Premio Mundial Nathorst-Unesco por el conjunto de su obra en 1993. Tras más de cincuenta años de producción poética, clasificar a Masó es sencillamente imposible. Alejado de la farándula, Salustiano llevó siempre una vida de escritor comprometido con los conflictos humanos y el sentido de la existencia. Su poesía, conmovedoramente lúcida e irónica, alcanza las cotas de excelencia reservadas a los elegidos. «Salustiano Masó es uno de nuestros mejores y más hondos poetas». Gerardo Diego
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Destino Manhattan es una antología de poetas radicados en Nueva York, cuya obra poética ha sido impactada por una de las ciudades que más puede ofrecer al escritor: lenguas, teatro, librerías, bares, cafés, universidades, inmigración, ópera, danza, teatro..., elementos todos que no pueden sino impregnar la escritura de quienes han tomado por residencia segunda esta hermosa ciudad, podría decirse, sede universal de la cultura.
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«Y vosotros, dondequiera que estéis, ¿sabéis vosotros qué es lo que os quita el sueño?».Todo arranca en una noche de insomnio en un barco que navega desde Sicilia con destino al continente. Es un viaje en el tiempo más que en el espacio, porque el Mediterráneo, mito y realidad, encierra todas las historias, las más bellas y también las más terribles.Incapaz de dormir, el viajero es asaltado por imágenes que ha ido descubriendo en su vagar por la isla de Sicilia. Sobre todo, las de unos formidables mosaicos en cuyo centro hay sendos barcos que transportan animales: los de la catedral de Monreale, que cuentan la historia del arca de Noé, y los de la villa romana del Casale, el mayor de los cuales, que lleva por título La gran cacería, representa la captura en África y Asia de fieras que se exhibirán en los anfiteatros del Imperio.«¿Conseguiría dormir si supiese qué me quita el sueño?».«Una de las obras del mejor Mayorga, el que no se casa con nadie, el filósofo, el implicado con nuestro tiempo y nuestra historia». José-Miguel Vila, Diario Crítico.
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Este libro tiene la extrañeza de la poesía: en sus dos versos finales se devela el principio de construcción del texto ... cuando del inevitable tiempo brotan / nuevos cosmos sin querer. Así cada poema es un prodigioso ejercicio de una de las cualidades innatas de la poesía: la síntesis. Ricardo A. Vega, como buen hijo de Borges, sabe y demuestra una de las máximas del maestro argentino que libremente podríamos parafrasear así Soy la suma de mis lecturas, no de mis escritos. Por eso en cada breve universo poético, el poema, encontramos universos mayores: la literatura clásica, la literatura oriental, la filosofía occidental, la antipoesía y el topos del exilio, entre otros. Esta hermosa paradoja sucede «Sin querer», con la naturalidad propia de un escritor curtido por la vida, la belleza y el asombro. Carlos Roberto Gómez Beras
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El mejor alcalde, el rey es una de las obras más célebres de Lope de Vega, esta amena versión en prosa facilita su lectura para los jóvenes, procurando trasladar toda la fuerza de la historia original. Una bonita historia de amor, que enfrenta el peso de un tirano a la nobleza de un rey en la lucha por la justicia, verdadera protagonista de la obra. Esta edición está acompañada de las preciosas ilustraciones de Begoña Summers y es también un homenaje a su autor, genio de nuestra literatura. Ojalá los jóvenes lectores, en España y en Hispanoamérica, sigan leyendo en el futuro sus obras y vayan al teatro, pues las obras de Lope se siguen representando continuamente cuatro siglos después. Félix Lope de Vega (Madrid, 1562-1635), a quien el mismo Cervantes llamó ''Monstruo de la Naturaleza'', fue un lector muy precoz, y a los doce años ya escribía comedias. Fue uno de los más importantes escritores del Siglo de Oro español, una época en la que en España y en la América española, hubo una abundancia impresionante de escritores geniales. Tuvo una vida muy intensa y su obra literaria fue inmensa, pues se conocen más de mil obras de teatro escritas por él, además de muchos cuentos, novelas y poesía, incluidos unos tres mil sonetos, pero lo más importante fue su enorme calidad. Lector empedernido y autor de mucho éxito ya en su tiempo, fue un hombre humilde y generoso.
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Calderón de la Barca, uno de los grandes autores de la literatura universal, escribió numerosas obras que trataban de cuestiones filosóficas. En El gran teatro del mundo, el Creador se dirige al Mundo y a sus personajes, los hombres: ''Nuestra vida -quiere decirnos- es parte de una gran obra de teatro y no importa el papel que se nos haya asignado en este mundo -rico o pobre, rey o labrador-, lo que importa es cómo lo desempeñemos''. El lector asiste fascinado a esta reconstrucción tan amena y peculiar del Universo, de lo que significa nuestra vida y de los valores que la deberían guiar. Esta adaptación trata de acercar la obra a un público amplio, desde la adolescencia en adelante, en España y en Hispanoamérica, trasladando los valores del teatro del siglo de oro, su permanente juventud y actualidad. Partiendo de cierta libertad respecto al original, la adaptación es muy fiel al espíritu de la obra, y conserva en buena parte la belleza de los versos, pues Calderón fue un maravilloso poeta. Las excelentes acuarelas son de Begoña Summers, que también ha ilustrado en Gadir ediciones de Cervantes y Lope de Vega. Merece la pena volver los ojos hacia nuestro Siglo de Oro.
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Friedrich Nietzsche va ser un filòsof trencador en molts aspectes. La seva filosofia va impactar en la literatura catalana, a partir de les primeres traduccions (i comentaris) que en va fer Joan Maragall a la revista L'Avenç, un dels primers portaveus del Modernisme literari català. Nietzsche va influir la literatura catalana en un moment d'importants canvis culturals i polítics. Filòsof insígnia del corrent vitalista del Modernisme, va dotar elements que, en el cas d'una cultura en plena Renaixença com la nostra, varen servir per cohesionar-la, alhora que l'obrien a Europa i li conferien un enfocament més cosmopolita. Autors com Jaume Brossa, Pompeu Gener, Dídac Ruiz o Gabriel Alomar mostren a bona part de la seva obra una clara influència de Nietzsche. A Nietzsche en el Modernisme literari català Bernat Joan s'endinsa en l'obra dels principals autors modernistes (i alguns de més secundaris) per intentar extreure'n la petjada del filòsof alemany, una figura turmentada, contradictòria, atractiva, sempre a l'enrabiada recerca d'un Déu que li fugia com l'aigua entre les mans. Bernat Joan i Marí (Eivissa, 1960) és doctor en Filologia Catalana i investigador en Sociolingüística. Ha publicat novel·la i teatre (i algun poema espars, també), però sobretot s'ha prodigat en l'assaig, al voltant de la situació de la llengua (de les llengües), de l'avenir polític, dels canvis socials o de la psicologia social aplicada. Ha participat en diversos equips d'investigació tant a l'ICE de la Universitat de Barcelona com a l'IRIE de la Universitat de les Illes Balears. Ha publicat nombrosos treballs d'investigació en sociolingüística. Ha estat membre del Parlament europeu i secretari de Política Lingüística de la Generalitat de Catalunya.
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Nuevo libro de Julio Prieto, poeta español muy ate
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¿Quién no ha deseado hacer realidad sus sueños? Si bien —como ocurre en este libro—, podemos encontrarnos con la sorpresa de que lograrlo quizás sea algo más inquietante de lo que suponíamos... Esta historia convendrá a los insomnes, pero también a los afortunados que duermen bien. Tiene unos curiosos protagonistas que se embarcan en una gran aventura que los transportará a lugares increíbles, de esos que solo existen gracias a la imaginación, más poderosa cuanto más libre. Así, descubrirán el poder de los sueños y su asombrosa capacidad de sanación, perseguirán sus misterios e increíble hechizo…, hasta alcanzar algunas revelaciones insólitas. Este relato sueña con combinar la magia de El mago de Oz con el mensaje emotivo y delicado de El principito, pero también podría —con suerte—, haber sido escrito por un Paolo Coelho oriundo del País de las Maravillas en un día lisérgico. Y rebosa el humor característico de su autora, además de buenas dosis de esperanza y ternura, que es lo que nunca debe faltarle a un lector desvelado. Un libro de cuentos que son como sueños, y de sueños que parecen cuentos, dispuesto para disfrutar —en todos los sentidos y con todos los sentidos, de los mejores y más dulces sueños.
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En los países cristianos poca gente ha oído hablar de la primera mujer de Adán: Lilith. Se trata del mito que explica la aparición del mal en el mundo. Lilith sintetiza toda la subversión de la moral cristiana y ha sobrevivido a lo largo de los siglos en la literatura apócrifa y en las tradiciones judías antiguas como la madre de todos los demonios. Esta figura de la mitología antigua que en la postmodernidad se ha transformado en una reivindicación feminista, es profundamente estudiada en esta obra, que explora la evolución del mito en las literaturas europeas, analizando su presencia desde las mitologías sumerio-mesopotámica, grecolatina y hebrea, en figuras como Clitemnestra, Medea, las brujas, y otras mujeres aterradoras de la literatura clásica y moderna. A través de un detallado estudio teórico y crítico, Eetessam Párraga traza una línea temporal que muestra cómo el arquetipo de la mujer fatal ha sido esencial para el desarrollo antropológico del cristianismo, evolucionando en la literatura desde la Edad Media hasta el siglo XIX. El libro destaca la importancia de personajes como Eva y Lilith en la construcción de este arquetipo, explorando su representación en diferentes épocas y cómo han influenciado la percepción de la mujer en la sociedad actual.
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Los secretos de la poesía japonesa desvelados por un monje solitario, visionario y genial: Kamo no Chomei.Genio solitario y visionario, Chomei vivió durante una época de declive, caos y violencia que muchos asociaban con el final de los tiempos, y en cierto modo así fue: la refinada cultura cortesana sucumbió ante el feroz poder militar de los samuráis.Chomei se propuso salvar a la poesía del desastre que se avecinaba y concibió este ''Tratado sin nombre'' para preservar el arte poético tradicional adaptándolo a los nuevos tiempos y dotándolo de la libertad necesaria para perdurar eternamente.Comentarios sobre composición, las principales escuelas poéticas, los retos a los se enfrenta un poeta, el sutil equilibrio entre forma y fondo… observaciones y consejos que hacen de Tratado sin nombre un grimorio para poetas de todo tiempo y lugar y un disfrute para el lector contemporáneo gracias a la aguda mirada de su autor, su sentido de la ironía, su capacidad para retratar tipos humanos y su talento para captar la grandeza o la mezquindad de sus coetáneos.Traducción, prólogo y apéndices de Jesús Carlos Álvarez Crespo.
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“No es un gran nombre el que ha dejado, sino algo así como la silueta del ave herida de mala muerte, que se mueve con vaivenes de agonía en el árbol en que se quedó prendida al caer. Baudelaire es el ser superior hecho para crear un solo fruto maduro y alrededor de él languidecer, envejecer, desvariar, llevar una vida lamentable. Sus Flores del Mal son ese gran fruto, el fruto agriado, la última manzana verdadera y auténtica del árbol de la Ciencia del Bien y del Mal.”
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Se reúnen aquí los tres textos que Wassily Kandinsky (1866-1944) escribió para El jinete azul, el almanaque que, junto con Franz Marc y otros artistas expresionistas, publicó en Múnich 1911. Unos textos donde aborda tres puntos cardinales de toda creación artística -la forma, la composición y el color-, pero desde un punto de vista totalmente innovador y liberador: el que lleva a la abstracción.
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Iain Sinclair, uno de los escritores más brillantes y originales de nuestro tiempo –mentor de Alan Moore, entre otros–, por medio de una prodigiosa prosa repleta de conexiones imprevisibles y haciendo de anfitrión y oráculo, se mueve a través de un Londres espectral que una vez fue, o que tal vez nunca existió. Aquí, en este portentoso libro, vuelca todas sus obsesiones: William Blake y los recovecos de la ciudad secreta que solo él parece conocer, coleccionistas de libros raros y encuentros con J. G. Ballard o Graham Greene.Convertido en un detective «psíquico», asumiendo incluso la identidad de John Silence, una especie de oscuro Sherlock Holmes, Sinclair capta ecos y frecuencias perdidas, al tiempo que rescata la memoria de edificios, hechos y lugares. Sombras, ubicaciones misteriosas y sortilegios por medio del caminar como terapia, encantamiento o magia defensiva en estas cuatro historias que comienzan en todas partes y terminan en la locura. Cuatro guías reconocidos. Cuatro embaucadores. Cuatro inspiraciones: Algernon Blackwood, Arthur Machen, J. G. Ballard y H. P. Lovecraft. Se les conoce como «Agentes del olvido». Y a veces, también, como ángeles olvidados...
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Una obra imprescindible para comprender mejor quiénes somos a través de las huellas artísticas que dejaron nuestros antepasados hace más de 30.000 años.¿Qué movió a los primeros artistas a adentrarse en la oscuridad para plasmar bisontes, caballos y misteriosas figuras? ¿Qué significado tenían estas obras para sus creadores? Gregory Curtis nos guía en un apasionante viaje a los orígenes del arte y la creatividad humana, a través de las entrañas de las cuevas prehistóricas más importantes de Francia y España, para desentrañar los misterios que encierran sus paredes pintadas hace más de 30.000 años. Siguiendo la huella de algunos de los arqueólogos, historiadores del arte y especialistas que han dedicado sus vidas a interpretar los enigmáticos testimonios de nuestros ancestros, el autor combina magistralmente en este ensayo la aventura de la exploración subterránea, el rigor científico y la reflexión sobre el nacimiento del arte y la consciencia humana.
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A raíz del vigesimoquinto aniversario de la mítica serie de animación televisiva Futurama, Matt Groening, su creador (así como de Los Simpsons o de Desencanto), nos presenta aquí los entresijos del desarrollo y la historia de la serie.El mundo de Futurama cobra vida en este libro de arte, con comentarios del creador de la serie, Matt Groening, así como del guionista David X. Cohen y de la productora Claudia Katz.Justo a tiempo para celebrar sus 25 años (el primer episodio en España se emitió en la televisión el 29 de mayo del año 2000), y coincidiendo con su nueva temporada, este libro, el único que existe sobre Futurama, examina las primeras siete temporadas de la serie, que empezó en Fox en 1999. Los lectores podrán saber más del desarrollo y la historia visual de los 150 episodios, incluye además un montón de contenido nuevo, bocetos, dibujos nunca mostrados antes, y una guía completa de episodios.Futurama es una de las mejores series de animación de todos los tiempos. Este libro es su legado visual, imprescindible para cualquier aficionado a la animación y la ciencia-ficción.
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