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Géneros Literarios
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Rafael Manrique aborda la relación existente entre los desequilibrios mentales y el genio literario, desmontando tópicos románticos, con ejemplos de grandes escritores.'Locura y literatura: una amistad peligrosa', del psiquiatra y escritor Rafael Manrique aborda la relación existente entre los desequilibrios mentales y la genialidad a nivel literario y sin clichés románticos. La charla, a la que seguirá una conversación con el público asistente, pretende desmontar algunos de los tópicos que se utilizan de forma recurrente a la hora de abordar el vínculo entre el talento creativo y la locura en el ámbito de la literatura.¿Es un mito? ¿Hay algo de realidad? ¿Qué es la locura? ¿Tienen los creadores rasgos de personalidad diferenciados? ¿Son los que piensan, sienten, ven o viven de una manera poco común unos locos? ¿La creatividad y la locura van de la mano? Manrique reflexiona sobre todas estas cosas en un libro en el que se hablar de escritores a los que se ha llegado a considerar unos locos y, también, sobre el cariz romántico que se atribuye a la enfermedad mental cuando se vincula al ámbito de la creación.Kafka, Silvia Plath, Alejandra Pizarnik, David Foster Wallace, Cesar Pavese, Virginia Woolf, Alfonsina Storni, Gabriel Ferrater, Leopoldo María Panero, Edgar Allan Poe, Fernando Pessoa… es larga la lista de escritores atormentados, que tuvieron dificultades vinculadas a la salud mental, que sufrieron depresión o adicciones, que se quitaron la vida o pasaron una parte de ella en psiquiátricos. De algunos de estos autores y de otros se habla en esta obra en la que Manrique trata de responder a una pregunta básica: ¿las personas que realmente pierden la cabeza pueden escribir cosas significativas?Psiquiatra y ensayista español, Rafael Manrique ejerce la práctica privada y es especialista en terapia familiar y de pareja, siendo colaborador habitual de numerosos medios de comunicación y profesor invitado en varias universidades, tanto en España como en Latinoamérica. A lo largo de su carrera ha publicado varios libros sobre temas como la propia psicoterapia, las relaciones de pareja, el erotismo o la naturaleza del amor. Además, Manrique ha publicado tanto libros de viajes como ensayo literario.
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UN CLÁSICO MODERNO GANADOR DEL NATIONAL BOOK CRITICS CIRCLE AWARD MÁS DE UN MILLÓN DE EJEMPLARES VENDIDOS UNA ESTIMULANTE MEZCLA DE AUTOBIOGRAFÍA Y MITOLOGÍA «Vertiginoso, elemental, un poema convertido en espada». THE NEW YORK TIMES «Un clásico, y con razón». CELESTE NG Cuando era niña, Kingston habitó dos mundos muy distintos: la California a la que emigraron sus padres y la China de las historias de su madre. Las feroces y astutas guerreras que poblaban los cuentos de su madre chocaban frontalmente con la dura realidad que le había tocado vivir a las mujeres de su familia. El sentido de identidad de Kingston emergió en las grietas de estas historias, vacíos que aprendió a llenar con sus propias fabulaciones. Guerrera de las palabras, la autora forja en estas páginas mitos y recuerdos, fundiéndolo todo para hallar una comprensión nueva de su linaje y de su propio presente. Un libro que combina la autobiografía con el folclore chino para crear un rico tapiz de historias que exploran temas universales como la identidad, el feminismo o la herencia cultural. «Intensa, feroz e inquietante. Una historia salvajemente aterradora y literalmente maravillosa». THE WASHINGTON POST «Un triunfo. Sorprendentemente lograda». TIME
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¿Cuáles son los motivos ocultos en los comportamientos aparentemente más libres? En este libro admirable de crítica literaria, René Girard aporta una noción fecunda, la de deseo mimético. Es decir: el hombre es incapaz de desear por sí solo, necesita que el objeto de su deseo le sea designado por un tercero. Este tercero puede ser externo a la acción novelesca, como los manuales de caballería para don Quijote o las novelas de amor para Emma Bovary. Con mayor frecuencia es interior a la acción novelesca: el ser que sugiere sus deseos a los héroes de Stendhal, de Proust o de Dostoievski es a su vez un personaje del libro. Entre el héroe y su mediador se tejen entonces unas sutiles relaciones de admiración, de competencia y de odio: Girard establece un paralelismo luminoso entre la vanidad en Stendhal, el esnobismo en Proust y la idolatría vengativa en Dostoievski. Pero el autor no se limita a renovar la comprensión de las mayores obras maestras de la novelística, nos hace avanzar en el conocimiento del corazón humano.Un gran libro, conducido con una minuciosa sutileza, que contribuye a elucidar, a través de un análisis extremadamente original de las más famosas novelas de todos los tiempos, uno de los problemas más controvertidos: ¿cuáles son los motivos ocultos en los comportamientos aparentemente más libres?
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Esta colección de testimonios de primera mano y ensayos críticos sobre la deslumbrante obra del poeta peruano Eduardo Chirinos (1960-2016) es un puente entre lectores contemporáneos del poeta y lectores por venir. Es también un primer juicio crítico sobre un poeta de múltiples registros y tonos, pues sus libros, conservando una marca inconfundible, iban transformando su forma de uno a otro con envidiable ductilidad. Las contribuciones, firmadas por académicos, poetas y escritores de diversos lugares del mundo, son testimonio de la importancia de la poesía de Chirinos en el ámbito iberoamericano. Entre ellas encontramos recuerdos de amigos de infancia en que se avizoran los rumbos que tomaría con el tiempo la obra de Chirinos, reflexiones sobre la vinculación de su poesía con otras fuentes como la música, y temas importantes para el poeta como el exilio, la extranjería, la enfermedad y el mundo animal, real e imaginario. El primer libro de estudios y testimonios dedicados a Eduardo Chirinos, uno de los poetas más importantes del cambio de siglo en lengua española.
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Letras universales Cátedra
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El tiempo y su espuma. Correspondencia personal entre Juan Gil-Albert y Jaime Siles reúne veintisiete cartas inéditas entre los dos poetas valencianos, así como varios apartados que documentan valiosos testimonios de su amistad. Si bien la amistad entre Juan Gil-Albert y Jaime Siles se extiende entre el famoso encuentro de enero de 1970 hasta el fallecimiento del primero de ellos (1994), esta relación epistolar puede acotarse gracias al arco temporal que va desde 1970 hasta 1984. En cualquier caso, entendemos que la publicación de esta correspondencia puede representar un hito en sus respectivos historiales literarios, al mismo tiempo que arrojar luz sobre el panorama literario valenciano de la baja posguerra española. Aquí entra en juego la importancia del «decanato» de Juan Gil-Albert sobre el «grupo valenciano» y la funcionalidad historiográfica de su casa de Taquígrafo Martí, por donde pasarán Francisco Brines, Guillermo Carnero, Pedro J. de la Peña, Alfonso López Gradolí, Jenaro Talens, Jaime Siles o el propio César Simón. Así recorre este libro la correspondencia personal entre Juan Gil-Albert y Jaime Siles, como los sellos gastados de una intimidad franqueada por la nostalgia, un pasaje fundamental para entender las cenizas finiseculares de nuestra literatura reciente. A pesar del «tiempo y su espuma», cuando «las pocas páginas escritas de mi vida» -citando una misiva de Siles- «no han sido ensuciadas por los años». A este lado, simplemente, el Mediterráneo, la tradición clásica, André frente a Gide, los caballos galopando sobre la arena: la nada.
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La literatura profana antiga i el Cançoner satírich valencià
Tomàs Martínez pretén superar la pretensió reduccionista que implica el concepte de “Cançoner satírich valencià” formulat per Miquel i Planas, amb l'estudi de les obres concretes i amb la comparació d'aquestes amb altres manifestacions literàries de les pròpies tradicions catalana i europea.
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Este libro El oficio de perder, penúltimo punto del laberinto que se ha ido construyendo García Vega, es una autobiografía que no se parece a una autobiografía. «Pero ¿es posible aún leer un libro así? -pregunta el poeta Carlos A. Aguilera-. Un libro neurótico, ahistórico, sin salida, que dice nada y tampoco quiere decir nada, que no sirve para descansar bajo el sol mientras los niños lanzan piedrecitas a los patos, ¿que no narra? ¿Un libro hueco escrito desde ese otro hueco que es la historia y su perverso subebaja? ¿Un libro fuera de tiempo y lugar, inútil? Parece que sí y parece que con este libro autobiográfico, continuación a distancia de Los años de Orígenes, García Vega se coloca dentro de cierta tradición negativa que tiene entre sus mejores exponentes a Macedonio Fernández, Arlt, Felisberto o Piñera. No sólo porque reescribe desde el delirio todo el tejemaneje cubano: la revolución, el exilio, la república, Lezama, sino porque descompone su núcleo-caricaturesco-de-poder, y traza la mejor radiografía que se ha hecho, en serio ''de un país como Cuba. Un país sin memoria y donde hasta ahora casi no han existido memorias. Un país fronterizo''». «El mundo de García Vega -dice el profesor Christophe Singler en su tesis Contra las ficciones, la imagen. El oficio de perder de Lorenzo García Vega- es esencialmente antibarroco, porque la opulencia barroca encubre la escasez, categoría fundamental de su estética. Si juega con lo kitsch, lo hace porque es parte de su circunstancia. García Vega menciona alguna vez su afición a los papagayos de plástico y las estatuillas pseudo-clásicas colocadas en los patios. Para liberarse de la enajenación que representa lo kitsch por simular el sentimiento humano, es necesario pasar por la mímesis de este mundo falso, fabricado por la industria cultural, según diría Adorno. Resulta tanto más fácil cuanto que García Vega es consciente y admite abiertamente que este ambiente de simulacro, presente también en el bolero y en la exuberancia del mambo, es parte inalienable de su cultura personal. El encaprichamiento con el papagayo de plástico indica que García Vega observa su contexto con mirada fotográfica, actitud nominalista en busca de lo inexpresivo».
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Artaud, cruz entre dos rostros, presentado aquí en edición bilingüe, ahonda en la visión ético-política del poeta francés. Lucidez y locura, valentía y desobediencia, sexua-lidad y anarquía se presentan como rostros posibles de una misma cruz, una cruz encarnada o un quiasmo luciente que la historia persigue con crueldad. El volumen se completa con una pieza de Joana Masó sobre la violencia necesaria para sobrevivir (o para no estar muerto), escrita a partir de los trabajos de Arnau Pons sobre Artaud, además de otro texto del mismo Pons sobre Heliogábalo o el anarquista coronado.
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Jacinto Benavente gozaba de una popularidad social extraordinaria cuando, en junio de 1912, la Real Academia Española concedió a Los intereses creados el Premio Espinosa y Cortina y, en octubre, lo eligió académico de número. Ambos reconocimientos desencadenaron una vorágine conmemorativa nacional sin parangón. Ni siquiera al obtener el Premio Nobel de Literatura (1922) volvió a ser celebrado, aclamado y vindicado como entonces. Según afirmó La Época, se vivió «la apoteosis de Benavente». A través de una historia crítica y rigurosamente documentada este libro reconstruye lo ocurrido durante esos meses: la cristalización de Benavente en gloria y celebridad nacional para la opinión pública, la vivencia social de las artes y la cultura nacional española, que el escritor encarnó como su mejor y más convincente expresión, apreciada a la altura de los maestros antiguos. El estudio de la figura de Jacinto Benavente como plenitud española nos acerca a la realidad y la circunstancia de la España de la Restauración al franquismo.
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Situada en las postrimerías del Ultraísmo, Vértices. Revista Literaria (1923-1924) supuso, junto a sus continuadoras Tobogán (1924-1925) y Plural (1925), la culminación y el cierre –en la joven literatura española, hacia mediados de la década de los veinte– de una estética innovadora hispánica y el paso a la evolución clasicista y purista, otra forma más de arte nuevo. La revista viene a concluir los experimentos vanguardistas iniciados a principios de 1919 y a sumar dos generaciones (una anclada en el modernismo tardío y otra más renovadora), en un intento crepuscular, cuando ya la vuelta al orden era premisa obligada, tras la deserción de Ultra.La revista Vértices ayuda al lector a entender la evolución de la vanguardia histórica en España. Esta edición facsimilar cuenta con un detallado estudio introductorio. Incluye textos de Norah Lange, Oscar Wilde, Gerardo Diego, Gabriela Mistral, Edgar Neville, Lucía Sánchez Saornil, Cansinos Assens, Rubén Darío, Gómez de la Serna, González-Ruano, etc.José Luis Bernal Salgado (Cáceres, 1959), catedrático de Literatura Española de la Universidad de Extremadura, es autor y editor de más de 30 libros, entre los que cabe mencionar ediciones críticas, epistolarios, recopilaciones de estudios o monografías, centrados en la literatura española contemporánea y, en especial, en temas y autores relacionados con la Vanguardia histórica española y el Veintisiete (Diego, Cernuda, Altolaguirre, Aleixandre, Alberti, Lorca, Salinas, Guillén, etc.). Recientemente ha coordinado, junto a Antonio Sáez, con motivo del centenario del Ultraísmo, el volumen El Ultraísmo español y la vanguardia internacional (2020).José María Barrera López (Osuna, 1955), profesor acreditado titular de Universidad y catedrático de Lengua y Literatura Españolas de Enseñanza Secundaria, es autor de 85 libros sobre la Vanguardia hispánica, entre ediciones, facsímiles y monografías. Su investigación se ha centrado en autores reconocidos (Salinas, Cernuda, Aleixandre, Diego) y olvidados (Porlán, Buendía, González Olmedilla, Raida, entre otros). Actualmente prepara la edición crítica de toda la obra de Pedro Garfias, en tres volúmenes.
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Sólo el gran arte de la novela es capaz de desgarrar por un instante el telón de prejuicios y preinterpretaciones con que desciframos no sólo nuestra vida sino la historia entera de la humanidad. Más aún: tal vez la novela sea el último observatorio que nos permite abrazar la existencia humana en su conjunto y lanzar «una mirada al alma de las cosas». El novelista y ensayista milan kundera nos invita en el telón a participar en el secreto diálogo que mantienen los grandes nombres de la tradición occidental. Unas obras iluminan a otras, los escritores descubren aspectos inusitados en sus antecesores, que a su vez inspirarán a sus sucesores de muy diversa manera: Rabelais, Cervantes, Diderot, Fielding, Flaubert, Joyce, Kafka, García Márquez... El resultado es una pequeña y particular «pléyade» literaria que kundera comparte con los lectores y una iluminadora historia personal de la literatura.
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El estanque de Hampstead Heath es un pequeño oasis, un fragmento de naturaleza salvaje enclavado en las afueras de Londres. Durante gran parte de su vida, el poeta y escritor Al Alvarez se sumergió en él diariamente con el celo de quien se entrega a una liturgia sagrada y salvífica, anotando sus impresiones en un diario que puede leerse como su testamento vital y literario. En el estanque empieza como un detallado inventario de la relación entre el hombre y la naturaleza –el cambio que traen las estaciones, las modulaciones del follaje, el vuelo de los pájaros–, pero se va transformando progresivamente en una crónica sobre el trance de envejecer: un relato íntimo, divertido, impiadoso y al mismo tiempo conmovedor sobre la decadencia del cuerpo, sobre la senectud como condición mental y social, además de física. Para exorcizarla, Alvarez se refugia en la escritura, la buena compañía y, sobre todo, en la natación en las aguas ambarinas del estanque, sugestivo escenario de un acto de vana resistencia contra el inexorable avance del tiempo.
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Británico de origen irlandés, Francis Bacon fue uno de los pintores más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Este libro es el monólogo hipnotizante de una voz, la de FB, que en sus momentos finales, repasa su pasado y se asombra de su presente. Consciente de su egoísmo y de su genialidad, habla del supremo esfuerzo de pintar contra la muerte, de los bares elegantes y de los antros donde buscó el placer y el dolor.
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De las muchas obras teatrales que escribió Esquilo a lo largo del siglo v a. C., tan solo siete se han conservado completas. A pesar de ello, son suficientes para considerarlo no solo uno de los autores más grandes de la Antigüedad, sino también el escritor que moldeó la tragedia como género literario. Fue él quien adaptó una serie de mitos y los dotó de un estilo dramático que nunca había existido.Conocer a Esquilo es sumergirse en los orígenes de la tragedia, y quizá el mejor libro para entender la magnitud de sus logros es el lúcido ensayo clásico que Gilbert Murray le dedicó. Aquí están todas y cada una de las claves que hicieron de Esquilo un gigante que alumbró todo el género teatral posterior.
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En este libro, íntimo y sobrecogedor, Herta Müller reflexiona sobre temas tan diversos como la realidad política o las obras de Heinrich Böll, Liao Yiwu o Georges-Arthur Goldschmidt. La constante que vertebra los ensayos de este volumen es que la autora siempre toma partido por la honestidad, hace uso de su personal estilo, sagaz y contundente, para arrojar luz en tiempos oscuros. Müller conoce el poder subversivo de la risa y sabe que, si algo toleran mal los dictadores, es la verdad. Pero también su mirada sobre nuestra sociedad es incorruptible, y obliga al lector a cuestionarse sobre la responsabilidad moral y civil de proteger a las minorías, a los perseguidos y a los exiliados. En lo que a ella respecta, la autora no tiene dudas: «Lo más claro que he aprendido también sé expresarlo de una forma muy sencilla: la libertad y la dignidad siempre son concretas».
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El hombre que nos habla en este libro trata de ordenar sus recuerdos. Sin embargo, lejos de ser el suyo un acto de complacencia, intenta derribar las inercias de sus ideas, de sus juicios y de sus costumbres. La literatura le sirve de espejo en el que mirarse, y el reflejo que ésta le devuelve es unas veces alentador, y otras, deformante, pero siempre un fértil motor de pensamiento y de transformación. Así pues, el protagonista vagabundea por algunos momentos de su existencia como si fuera un narrador omnisciente -eso sí, sutil y elegantemente distanciado- y, adentrándose en esas «brechas que se abren en el tiempo por las que de vez en cuando nos colamos», vuelve al patio de la infancia, sueña o habla con su difunta madre una noche de sueño agitado o rememora algún detalle de un viejo amor. Si bien ahora todo es más lento y menos acuciante, si bien ahora suele tener todo el día por delante y en ocasiones siente el peso de la futilidad, no deja de celebrar el valor y la compañía que siempre le han brindado los libros en el imposible arte de comprender la vida.
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Este texto es uno de los pocos no reeditados en ningún país en los últimos años, en los que se ha producido una suerte de resurrección literaria de Stefan Zweig, quien tuvo un inmenso éxito de público desde los años veinte del pasado siglo hasta su muerte en 1942, y que ahora ha pasado de algún modo a formar parte del canon literario de la Edad de Plata europea junto con otros escritores de lengua alemana que habían pertenecido al antiguo Imperio Austrohúngaro, como Arthur Schnitzler, Karl Kraus, Joseph Roth o Robert Musil. El pensamiento vivo de Tolstói formó parte de una innovadora colección, Biblioteca del Pensamiento Vivo, dirigida por el gran Guillermo de Torre para la editorial Losada. El sello Espuela de Plata, también del Grupo Renacimiento ya publicó hace tiempo otro título de esta misma colección, El pensamiento vivo de Concepción Arenal, por Clara Campoamor. León Tolstói y Stefan Zweig, dos grandes de la literatura universal, unidos por un mismo libro. Stefan Zweig nació en Viena, en 1881, en el seno de una familia pudiente. Ello le permitió consagrarse desde muy joven con entera libertad a las letras, satisfaciendo asimismo su otra gran pasión: los viajes. Después de dos libros de versos publicó un drama, Jeremías, cuyo estreno fue prohibido en Alemania, durante la Primera Guerra Mundial, representándose después en Zurich. Zweig se trasladó a Salzburgo y allí comenzó a especializarse en el género que había de otorgarle una tan extensa celebridad mundial: las biografías de grandes hombres. Aparecen así sus famosas trilogías: Tres maestros, Tres poetas de su vida, La lucha contra el demonio, su magistral biografía de Fouché, sus novelas Amok, Veinticuatro horas en la vida de una mujer, etcétera. Estrena con gran éxito una adaptación del Volpone de Ben Jonson. Establecido en Londres durante tres años, continuó viajando y aumentando su producción incesantemente. Después se instaló en Brasil, en Petrópolis, donde se suicidó a comienzos de 1942, causando una general consternación. León Nikoláievich Tolstói nació en 1828. Procedía de una antigua y noble familia rusa. Fue oficial del ejército durante la guerra de Crimea. Se dio a conocer en 1852 con sus recuerdos de Infancia, seguidos bien pronto de Adolescencia y Juventud. Después de viajar por Occidente, en 1861 se retiró a sus tierras de Yásnaia Poliana donde se ocupó activamente de mejorar el estado de los campesinos. Allí continuó escribiendo fecundamente. Sus dos largas novelas Guerra y Paz y Anna Karenina le otorgaron una celebridad mundial. Murió a los 82 años, cuando era considerado el patriarca de las letras europeas y una suerte de profeta social.
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Este libro pretende explorar diferentes formas de maldad ejercida por niños a través del teatro, la novela, el cuento y la poesía contemporáneos en español. Esa maldad puede adquirir formas diversas: violencia física o simbólica, criminal o no, enfermiza o no, con especial atención a niños psicópatas y/o psicóticos. Las herramientas de análisis son muy diversas (narratología, sociología, psiquiatría, psicología, psicoanálisis, estudios de género, etc.).
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El recorrido que ha hecho la poesía durante el último siglo ha transitado entre el idealismo de finales del XIX y la deconstrucción de la segunda mitad del XX tras su retorcimiento estético durante las vanguardias. Ha sido un camino fértil en indagación, experimentación y comprensión del hecho poético. María Zambrano abordó la poesía como forma de conocimiento desde la fenomenología, algo que Chantal Maillard llevó a consecuencias más radicales cuando propuso el salto desde la razón poética hasta la razón estética. A lo largo de todo este tiempo los poetas se han debatido entre la sentimentalidad, la racionalidad, el arte, la experiencia y el espíritu que la Ilustración dejó en sus manos al tiempo que Oriente entraba en nuestras vidas con su circular sentido del tiempo y del devenir. Keiji Nishitani, último gran representante de la Escuela de Kioto, comentaba que el poema «Una sola hoja que cae, / otoño por todas partes» es más que una figura retórica. Pertenece al campo en el que la caída de una sola hoja es tomada como un hecho absoluto. Cuando nuestra mirada se posa en algo concreto y nos revela una cualidad de la vida en su conjunto experimentamos un sentido de trascendencia. El maestro japonés afirmaba que la verdad poética y la verdadera poesía era justo esa sensación que en un momento nos lleva de algo que sucede en la naturaleza a una contemplación universal. Este libro nos revela la amplitud y perplejidad de tan extraño viaje.
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Este libro es una antología consultada colectiva que pretende, a través del análisis de los poemas escogidos, ser útil para comprender la estructura del campo literario español entre 1900 y 1936 en lo relativo a la poesía. Para su elaboración se ha procedido del siguiente modo: la editora del volumen pidió a cada una de las personas colaboradoras o antólogas que eligiesen dos o tres poemas escritos por poetas españolas/es en el arco temporal propuesto que, a su juicio, resulten claves en la trayectoria de su autor o autora. El grupo de personas que ha desarrollado esta propuesta es multidisciplinar, de manera que la mirada conjunta pudiese aunar el análisis literario, político y sociofilosófico de la producción poética española en ese periodo. El mapa resultante muestra cómo la poesía española en el primer tercio del siglo XX es un campo en transformación en el que, por ejemplo, pueden trazarse divisiones en redes poéticas e intelectuales entre las que se incluirían trayectorias que guardan una cierta homología. Podrían también seguirse otros itinerarios como la reflexión sobre los vínculos complejos entre poesía, historia, filosofía y política. Hay poetas cuyos nombres se repiten, ya que aparecen poemas escritos en distintos momentos de su trayectoria y que ofrecen información sobre la evolución de esa carrera o sobre determinados puntos de inflexión en ella. De este modo, podemos enfocar la mirada a la secuenciación de esas trayectorias concretas (que resultan especialmente significativas) o abrirla y situarlas en el conjunto del campo, puestas en relación con el resto de comentarios desarrollados. En ambos casos, nos aparecen vías para el análisis sobre cómo actuaron las posibilidades poéticas e intelectuales (entre las que se incluirían recursos como los políticos o institucionales, entre otros) en cada momento de una carrera concreta o en el conjunto. Cada uno de los comentarios sobre esos poemas que se presentan constituye una célula aislada que forma un tejido con las demás cuando se mira el conjunto. Nuestra intención es que, con la lectura del libro, se dibuje un mapa que ayude a comprender el patrón poético español en el primer tercio del siglo XX.
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Se acerca el cuarto centenario de la muerte de Luis de Góngora (1561-1627), «aquel que tiene de escribir la llave», en palabras de Cervantes. Está próximo a cumplirse un siglo desde que sus versos cautivaron a la mítica generación de poetas que llamamos del «Veintisiete» en homenaje a su figura. Y Góngora vive sus horas más bajas. Pocos clásicos han sido editados y estudiados con más tenacidad en las últimas décadas, pocos con tan escasa eficacia. Este libro surge del hartazgo que mueve a tomar la palabra. La autora ha dedicado muchas horas a pensar en Góngora y ha podido contrastar el relato dominante en los medios académicos con la imperfecta realidad que las fuentes de primera mano revelan y con la indiferencia de la calle. A lo largo de estas páginas desmonta fabulaciones, deshace malentendidos, combate chascarrillos, alerta sobre cronologías erradas, explora el sentido del humor como recurso hermenéutico. Si el desapego que el lector común siente hacia Góngora ha de seguir existiendo, que al menos lo sea por las razones adecuadas. ¿Cuántos versos de Góngora necesita un ser humano corriente? Tómese su tiempo el amable lector antes de responder a la pregunta. Amelia de Paz. Doctora en Filología con Premio Extraordinario, enseña Literatura en un barrio obrero y en la Universidad Complutense de Madrid. Sus estudios se centran en la poesía española de los Siglos de Oro y del XX. Entre sus contribuciones al conocimiento de Góngora, se le debe el hallazgo de un insólito memorial que muestra su contienda con un miembro del Santo Oficio y constituye el único escrito autógrafo de Góngora descubierto en más de un siglo. La colección Los Cuatro Vientos dio cabida a la relación del suceso, documento de excepción para ahondar en la psicología del autor de las Soledades y una incursión fascinante en su mundo y en la trastienda de una época (Todo es de oídas. El proceso a un inquisidor de Córdoba en 1597, Renacimiento, 2014).
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Entorn de llibres
Recopilació de pròlegs, ressenyes i presentacions de llibres, com a preludi de la Prosa completa de l'autor (en preparació). Abasta de l'any 1968 fins al primer trimestre del 2025, ambdós inclusivament, donant també notícia de recensions d'altri sobre obres de J. Ruaix. Entre altres finalitats, amb aquest recull es facilita la consulta dels lectors que, eventualment, vulguin saber o recordar determinades experiències en què l'autor ha tingut l'oportunitat d'intervenir.
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En ''Memorias del subdesarrollo'' (1965), novela icónica de Edmundo Desnoes, asistimos a la debacle íntima y social de Malabre, un escritor que, viendo marcharse incluso a familia y amigos, decide permanecer en Cuba tras el triunfo de la Revolución, por lo que queda convertido en testigo de un panorama y un entorno que le resultan tan absurdos como irredimibles. Ya en el contexto de la literatura cubana de los años sesenta, ''Memorias del subdesarrollo'' resultó una obra de difícil catalogación, pues quedó fuera de las dos tendencias dominantes del momento: la literatura de compromiso y el preciosismo barroco abanderado por Alejo Carpentier. No en vano, su autor bebe de fuentes que, sin llegar a abandonarla, tensionan y complementan la tradición hispánica, y entre las que destacan, además de la gran novelística rusa, los modelos absurdistas de Kafka, Beckett y, muy especialmente, ''El extranjero'' de Camus, con cuyo protagonista (Meursault) el cubano Malabre puede compararse en no pocos aspectos.
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No son gemelas y, a simple vista, quizá ni siquiera se parecen entre sí la modernidad que engendra la Edad de Plata y la que encarna la Transición cultural, pero ambas comparten sin duda una virtud: su imperfección y su perpetuo inacabamiento. La modernid
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En «El enigma del oficio», Guillermo Schavelzon nos invita a hacer un recorrido por las últimas décadas en la historia del mundo literario español a través de esta crónica, subjetiva y necesaria, de las relaciones que mantuvo con sus principales protagonistas en España y América Latina. Después de más de cincuenta años dedicados al libro y la edición en distintos cometidos y representaciones -librero, editor y agente literario-, el autor nos coloca ante un escaparate de momentos y experiencias únicas, tanto públicas como privadas, con las autoras y autores que han formado parte de nuestro imaginario personal en los últimos tiempos. Así, en estas páginas nos encontramos vicisitudes y acontecimientos que, de la mano de Mario Benedetti, Domingo Villar, Elena Poniatowska, Gabriel García Márquez, Juan Rulfo, Adolfo Bioy Casares. Ricardo Piglia... y tantos otros, nos llevan al relato de una memoria de toda una vida, la de Guillermo Schavelzon, íntimamente vinculada con los libros y sus más importantes personajes.
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Nace un escritor mientras muere un hombre. Neruda. Lluvia, montaña y fuego retrata los primeros y últimos pasos del poeta chileno como hombre, antes de consumarse como letra. Su infancia, asolada por ese padre estricto y tendencioso, voraz y destructor de sus primeros escritos. Casi al simultáneo, su vejez, acosada por la sombra y consumación de la dictadura, por el cansancio, por la disminución. Y en el intermedio la poesía, el amor, aquel salirse de sí mismo y volverse otro, convertirse en verso.
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Francesc Vicent Garcia, poeta barroc
Francesc Vicent Garcia (Saragossa, 1579-Vallfogona de Riucorb, 1623) es traslladà de ben petit a Tortosa, d'on eren originaris els seus pares, i es va considerar sempre tortosí i català. La seva vida estigué marcada per la seva condició de prevere i rector de la parròquia de Vallfogona, i també per la seva vocació d'escriptor. Publicà ben poc en vida, però la difusió de la seva obra per via manuscrita feu que aviat se'l considerés l'estendard poètic de la seva generació.
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“Émile Zola es en literatura un revolucionario, es decir, un enemigo feroz de lo pasado, pero un revolucionario educado en la admiración de lo mismo que aspira a demoler.Así, a la vez que ataca con violencia a los románticos, Zola, el novelista que será bautizado con el nombre de naturalista, emplea los mismos métodos amplificadores de aquellos, pero aplicados de una manera diferente. Su teoría es como sigue: No tenemos otro modelo sino la vida, puesto que no concebimos nada más allá de nuestros sentidos, por consiguiente, deformar la vida es producir una obra mala, puesto que es producir una obra errónea.”
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Un acercamiento estimulante, entretenido y didáctico al género poético.Pocas disciplinas artísticas cuentan con una presencia tan fuerte y real en nuestro día a día, y a la vez están rodeadas de un halo de prejuicio y de desconocimiento, como la poesía. «No la entiendo», suele comentarse, o bien «resulta difícil», o «no sé qué quiere decir». Puede que no leas poesía, pero la poesía te rodea: en las canciones que escuchas en la radio, en los anuncios que saltan en YouTube. La poesía se originó en la palabra oral y compartida, alimentada generación a generación, cobijando al resto de géneros literarios: saltó a los libros -por supuesto-, pero hoy continúa también fuera de ellos, como en su nacimiento. Si lees poesía de forma habitual, y te has acostumbrado a manejar términos como «metáfora» o «haiku», este libro te permitirá refrescar conceptos y descubrir anécdotas que quizá desconocías sobre tus poetas de cabecera. Algo similar ocurrirá -esperamos- si escribes: puesto que sabes qué resortes funcionan, queremos mostrarte cómo se han aplicado a lo largo de la historia. Y si no escribes poesía ni lees poesía, pero te puede la curiosidad, confiamos en demostrarte que un poema habla tu mismo idioma y significa justo lo que tú quieras.
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Detrás de la cultura, de la emoción e intensidad vital que suscita, solo hay personas normales. Son las extraordinarias obras que han creado y el reconocimiento que han obtenido lo que las aleja de los demás mortales. Esas personas especiales son los verdaderos protagonistas de este libro, que nos permite vislumbrar la cueva donde se convierte ''la realidad más prosaica en fantasía''.
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Este apasionante estudio recorre los orígenes del nihilismo en la Rusia de los zares -nihilismo como fenómeno social, político y literario-, la radicalidad con el que se vivió y sus consecuencias. Son cien años, de Aleksandr Pushkin a Antón Chéjov, cien años de crisis y búsquedas desde el denominado ''hombre superfluo'' hasta el nihilista, el populista, el revolucionario, el bolchevique, cien emocionantes años literarios que marcarían para siempre el futuro de la palabra escrita. A través de la figura del nihilista, V. Javier Llop, catedrático de Filosofía y autor de múltiples ensayos literarios y sobre literatura rusa -entre los que destacan Rilke y la muerte (2010), La decisión de Ippolit. Ensayo sobre El idiota de Dostoievski (2014), Soledad y destino y otros ensayos (2015), Etty Hillesum. La huella de R. M. Rilke (2021)-, nos adentra en uno de los periodos más relevantes de la literatura, ofreciendo un profundo, apasionante y ameno análisis de este personaje clave cuya presencia sigue viva hoy. En la literatura, testigo del vacío en el que las sociedades se asientan hoy, la necesidad de rastrear las raíces de este fenómeno epocal se hace más urgente en la contemporaneidad.
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Balzac fue un vidente. Su mérito de observador, su perspicacia de psicólogo, su genio de escritor, no bastan a explicar la variedad infinita de los dos o tres mil tipos que desempeñan un papel más o menos principal en La comedia humana. No los copiaba: los vivía idealmente, endosaba sus vestidos, adquiría sus costumbres, se rodeaba de su entorno, era ellos mismos todo el tiempo necesario. De ahí esos personajes que no se desmienten jamás, dotados de una existencia íntima y profunda. Por sus venas circula no la tinta que infunden a sus creaciones los autores ordinarios sino la verdadera sangre roja de la vida.
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«En ningún otro libro de fútbol se encontrarían análisis tan inteligentes y conmovedores.»Stuttgarter Zeitung La supuesta incompatibilidad entre las letras y el fútbol ya fue desmentida por algunos clásicos modernos: tanto Nabokov como Camus ocuparon puesto de portero en sus respectivas juventudes, y el segundo dijo que cuanto de importante sabía acerca de la moral humana lo había aprendido en el fútbol. A ellos se une el novelista Javier Marías (que fue extremo izquierdo en la infancia) con esta colección de piezas futbolísticas en las que tampoco la moral está ausente. Escribir de este deporte es para él «un descanso». Para Marías el fútbol es la «recuperación semanal de la infancia», y también es temor y temblor, dramaticidad y zozobra , una mezcla de sentimentalidad y salvajismo, una escuela de comportamiento y nostalgia, y la escenificación de la épica al alcance de todo el mundo. En este libro, que incorpora treinta nuevos textos, se habla de jugadores y aficionados, entrenadores y presidentes, derrotas y triunfos, de emoción y vergüenza, también del carácter casi cinematográfico de este deporte, de la cuidadosa memoria y el rápido olvido, del patriotismo, la celebración de los goles, los himnos, los andares y gestos llenos de significado. Y vemos el fútbol como lo que seguramente es, en el fondo, para millones de aficionados: un interminable desfile de héroes, villanos, figurantes y gestas, un espectáculo que quizá merece la pena tomarse en serio. La crítica ha dicho...«Marías es aquí conciso, rápido, tan beligerante como ingenioso, autobiográfico sin reservas, y rastrea su tema con pasión y coraje.»Neue Zürcher Zeitung «Como viejo aficionado al fútbol, incluso cuando no estaba de moda entre la intelligentsia, yo le agradezco a Javier Marías este libro que ha reavivado mis recuerdos.»Miguel García-Posada, El País «Las ponderadas e ingeniosas ''letras de fútbol'' de Marías son puro placer tanto para los aficionados al fútbol como para los interesados en la literatura.»Die Weltwoche «Las breves piezas futbolísticas de Javier Marías resultan poéticas y rebosan de pasión contenida.»Freitag «Pura y dulce nostalgia.»Die Zeit
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Fiel al credo de que lo importante en la ficción son los hechos que se cuentan, al margen de que hayan ocurrido o no, de que sigan las reglas miméticas o se fragüen en la imaginación, sobresale la natura¬leza ficcional de la narrativa de Gonzalo Hidalgo Bayal. Un deambular circular. Estudios sobre la obra literaria de Gonzalo Hidalgo Bayal rinde homenaje a la obra de este autor, cuya narrativa gira en torno a las peripe¬cias del desencanto y muestra el delirio del hombre contemporáneo permanece desorientado en una geometría de tinie¬blas, similar a la que preside la narrativa centroeuropea de Kafka, Musil, Canetti y Bernhard. Bien se le puede aplicar al con¬junto de su narrativa, y a cada una de sus obras en particular, la definición que Italo Calvino daba de los clásicos al conside¬rar que «son esos libros que nos llegan trayendo impresa la huella de las lectu¬ras que han precedido a la nuestra, y tras de sí la huella que han dejado en la cul¬tura o en las culturas que han atravesado (o más sencillamente, en el lenguaje o en las costumbres)». La obra literaria de Gonzalo Hidalgo Bayal ha sido considerada por la crí¬tica como una de las más sobresalientes en el panorama de la literatura espa¬ñola contemporánea. La vastedad de su producción literaria, la riqueza y la pro¬fundidad de su universo imaginario y la belleza de su prosa.
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