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Géneros Literarios
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Hay ocasiones en que la realidad, maldita impostora, se deja guiar por la imaginación. Escritoras imposibles comparten el sufrimiento, la ironía y la esperanza de haber vivido en una tierra tan amable como contradictoria. Unas islas ancladas al fondo de su Historia, una sociedad en permanente deriva que busca fuera lo que tiene dentro. Dominguito Artiles describe la magia de su barrio, Elías Martín es adicto al fútbol, Ramón Reyes no se lleva bien con la Inquisición, Rosa Lucrecia se esconde detrás de sus inventos, José Andrés escribe en las guaguas, Aurora Fajardo persigue acordes rebeldes, Faustino Luján sólo escribió un cuento. Así hasta 26 autores explicados a través de sus libros posibles, Creadoras camufladas entre historias y personajes que sí existieron, inventores de ensayos, poemas y cuentos, buscadoras de las vidas que les negó el tiempo. Gente que dice «maldito» sin maldecir a nadie, gente empeñada en trazar un relato, colectivo e imperfecto, donde «lo importante es lo que creemos leer y no lo que estamos leyendo».
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Sentituz bere azquena hurbil dela, protagonista sonata bat composatzen ari da berori post mortem interpretatua içan dadinçat bere errhautsac Egeo Itsasoco uretan heda daitecenean. Chede horretaraco, flauta traverseraco joilea contatzen du, emacume gaztea.
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De cantera y hierro puro es la historia de la construcción del nuevo estadio del Athletic Club de Bilbao, el nuevo San Mamés.De cantera y hierro puro es la historia de la construcción del nuevo estadio del Athletic Club de Bilbao, el nuevo San Mamés, narrada por Javier Campos, ingeniero y gerente adjunto de la unión temporal de empresas que asumió la responsabilidad de demoler el viejo San Mamés y de poner los cimientos, levantar la estructura, e instalar la fachada y la cubierta del nuevo estadio. El autor, como testigo del avance del proyecto, desvela cada detalle de la construcción y lo hace desde un punto de vista técnico, como constructor con muchos años de experiencia en el sector, y también desde una posición emocional, ya que, por ser de Bilbao, y por ser hincha y socio del Athletic Club desde la infancia, en todo momento fue consciente de la enorme trascendencia del encargo. En el libro se describe el reto que supuso construir el campo por fases, en un espacio confinado y en un plazo muy reducido, y se revelan todas las dificultades asociadas a la instalación de una cubierta y una fachada que han acabado siendo icónicas.De cantera y hierro puro es una novela que destila un profundo sentimiento rojiblanco en cada capítulo, y la pasión del autor por un equipo de fútbol y por un estadio que, incluso en los momentos más duros, le ayudó y le dio la oportunidad de crecer profesional y personalmente gracias a su magia.
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“En la historia de nuestra literatura, Voltaire es el único que puede compararse a Victor Hugo, por la enorme extensión que ocupó en su siglo y por la influencia soberana que tuvo en su generación. No hablo aquí del mérito literario absoluto, sino de un reinado indiscutible, que comenzó en la juventud y se impuso hasta una edad muy avanzada. Ambos han tenido sendas sociedades bajo sus cetros, ambos han podido creer que habían inmovilizado en ellos las fuerzas intelectuales de su época.”
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En 1935, dos años después de su muerte, la editorial Lemerre publicó en Francia Cómo escribí algunos de mis libros, en el que Roussel daba cuenta del fascinante y azaroso procedimiento. En este breve volumen, que dio lugar al movimiento OULIPO, Roussel nos muestra su proceso de trabajo, algo que pocas veces podemos llegar a conocer. Y lo que muestra es excepcional: nos enseña cómo aplica fórmulas matemáticas a campos semánticos para poner en marcha máquinas narrativas. El mecanismo por sí mismo no tiene que ser considerado como arte, pero los resultados lo son sin lugar a dudas. Ejemplos de ellos son Impresiones de África y Locus Solus. Un testamento tan único como fueron la obra y vida de su autor.
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Plagia millor!
No sempre el plagi ha estat un crim. El manlleu, la represa, el calc i el ressò d'arguments, temes i motius radica des de sempre en el cor de la creació literària. La criminalització del plagi és relativament recent i s'associa a la irrupció del mercat, el profit comercial i la propietat privada en la literatura. El miratge de l'originalitat també va enviar als marges aquest vessant dialògic de l'escriptura: parar l'orella als lloms dels llibres per sentir-ne les músiques que s'hi congrien i s'hi contagien. Plagia millor! reflexiona sobre com ressonen les ficcions entre si: des de la tòpica clàssica fins a la polifonia, la intertextualitat, la metaficció, el palimpsest, la paròdia o el pastitx. També hi tenen un lloc el plagi de guerrilla i les escriptures conceptuals, l'instint depredador de robar-ho tot per fer-ne or, els punts de fuga, les friccions de papers de vidre, les paròdies, les oxidacions i les cures de desintoxicació, les apropiacions i les escriptures no-creatives.
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El nuevo yambo de las mujeres invita a reflexionar sobre la necesidad de incluir la perspectiva de género en los estudios del mundo clásico y medieval. Así, la obra muestra la variedad de campos en que puede ejercerse una mirada que atiende a la forma de hablar -de representarse y de ser representadas- de las mujeres en el mundo antiguo y en la Edad Media. Desde este punto de partida, reconocidos especialistas abordan cuestiones como el discurso sobre las brujas en la literatura griega, la historia del feminismo a la luz de la meta de la coeducación, la posibilidad de articular una historia de la literatura latina desde la perspectiva de género, la brecha de género en los estudios indoeuropeos, los resabios patriarcales de la crítica textual hegemónica o, por último, el espacio y definición de las mujeres en ciertas hagiografías tardoantiguas y medievales. Los estudios de género se muestra particularmente fecundos cuando se aproximan a campos poco frecuentados desde su perspectiva, como el mundo clásico y medieval.
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Joan Brossa, ara i aquí
La poesia experimental de Joan Brossa va tenir una influència notable en els autors coetanis de tot el domini lingüístic català, sobretot als anys setanta, moment en què es va produir una decisiva renovació literària al conjunt dels Països Catalans. Al País Valencià, Brossa va defensar sempre la llengua amb fermesa, va participar en tota mena d'actes artístics i va esdevenir un dels grans referents dels poetes nous que es van donar a conèixer, en el marc dels Premis Octubre, amb el Premi Vicent Andrés Estellés. Què en queda, avui, del seu llegat? Com el llegeixen i el reinterpreten els creadors actuals? És present, encara, l'univers brossià a les aules i entre el públic jove? Aquest llibre fa una radiografia de la recepció de Brossa en terres valencianes i mostra que la interdisciplinarietat i la radicalitat de les seves propostes el fan ben viu en tots els àmbits de la cultura contemporània.
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Este volumen recoge el testimonio de ocho autoras nacionales (Antonia Bueno, Juana Escabias, Aurora Mateos, Diana de Paco Serrano, Laura Rubio Galletero, Mar Gómez Glez, María Folguera y Esther Lázaro) que recorren, a través de su biografía literaria y académica, la historia del teatro femenino desde los años posteriores a la transición hasta el presente. Junto a estos textos inéditos, el lector puede encontrar ensayos de reconocidos especialistas y estudiosos de teatro que reflexionan en torno a la situación de la dramaturgia femenina actual, no solo en España, sino también en otras partes de Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Una obra en la que conviven el testimonio de dramaturgas de distintas generaciones y las investigaciones sobre su teatro de reconocidos especialistas. Ángela Martín Pérez. Es Investigadora María Zambrano (European Union-Next-Generation EU/PRTR) en la Universidad de Castilla-La Mancha. Licenciada en Filología Hispánica por la Universidad Autónoma de Madrid y Doctora en Estudios Hispánicos por la Universidad de Connecticut. Ha sido profesora en la Universidad del Sur de Indiana e investigadora invitada en la Unitat d'Estudis Biogràfics de la Universitat de Barcelona y en el Département d'Etudes ibèriques et ibéro-américaines de la Université Bordeaux-Montaigne. Santiago Sevilla-Vallejo. Es profesor de la Universidad de Salamanca. Ha sido secretario de la Federación de Asociaciones de Profesores de Español y es director de la revista Cálamo FASPE. Codirige el Congreso Internacional Las Desconocidas. Estudios sobre la construcción de la identidad femenina en la literatura. En 2021 recibió el Premio al mejor ensayo de la Asociación Canadiense de Hispanistas. Ha sido finalista del III y del IV Premio Educa Abanca, en la categoría Mejor Docente de España de Universidad y en 2023 ganó el premio Global Teacher Award (India). Jesús Guzmán Mora es Profesor Ayudante Doctor del Departamento de Filología Hispánica y Clásica (Área de Didáctica de la Lengua y la Literatura) en la Facultad de Educación de Albacete de la Universidad de Castilla-La Mancha. Es Licenciado en Humanidades por la Universidad de Castilla-La Mancha y Doctor en Literatura Española por la Universidad de Salamanca con una tesis sobre la narrativa de la División Azul dirigida por el Prof. Dr. Javier Sánchez Zapatero. En este centro obtuvo un Máster en Literatura Española e Hispanoamericana. Ha colaborado con la Universidad Internacional de La Rioja y ha sido profesor en la Universidad de Valladolid y en la Universität Rostock, donde también fue becario de investigación postdoctoral del DAAD (Servicio de Intercambio Académico Alemán).
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Escrito en la arena es una muy peculiar historia de l
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¿Puede o debe una tesis descansar sobre un soporte poético? Me siento incluso tentado de responder: da lo mismo, o bien, no podrá evitarlo.Pero puestos así ¿por qué preguntar?, si es el azar el que otorga los sentidos permanentes, en cada caso, a las palabras.Confían Los Torreznos en que los lectores valoren sus textos en el mismo sentido de aplicación que ellos les otorgan, cosa que supone darles una significación única, cuando, por otro lado, están reconociendo el carácter polivalente de esas palabras al azar, de esos 467 términos cogidos al paso y que usan precisamente porque su significado depende de múltiples circunstancias, de las cuales las suyas, las suyas propias, sólo otorgan una pequeñísima muestra. Como intérprete externo no sé si amoldarme a esas valoraciones suyas o dejar el campo abierto a mis pareceres. Cosa que estoy seguro que cuenta en los cálculos de los autores.¡Qué suerte la mía por haberme tocado entrar en este discurso, en este dilema de la tesis del azar y del sentido!Ambas cosas sabemos que existen, pero pocas veces pasan junto a nosotros.
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Aunque los libros de un escritor suelen despertar mayor interés que su vida, la obra de Azorín no se entiende, en toda su complejidad, si no conocemos las coordenadas en las que se forjó su personalidad y se desarrolló su vida y su obra. José Martínez Ruiz, Azorín, nació en 1873 y murió en 1967. Fue, por tanto, actor y espectador privilegiado de la sociedad y la cultura españolas durante el último tercio del siglo XIX y los tres primeros del XX. Como integrante -quizá el más representativo- de la Generación del 98, personificó el intento de regenerar España en una de las horas más graves de su historia. La biografía que el lector tiene en sus manos (la más exhaustiva y documentada de las que existen sobre su figura) reconstruye la trayectoria vital y profesional de unos de los creadores más originales de la literatura española contemporánea, un escritor clásico y modernos a parte iguales.
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Era como vivir en un cuento de hadas ?de esos con connotaciones siniestras y un final no siempre feliz en el que un joven ama a una hermosa doncella que corresponde a su amor pero desaparece constantemente en el interior de un mundo desconocido y misterioso del que jamás le cuenta nada. Así escribe John Bayley sobre su mujer, Iris Murdoch, considerada una de las mejores y más singulares novelistas del siglo xx. En pasajes que tienen algo de onírico, Bayley rememora su amor de juventud por la deslumbrante filósofa que le robó el corazón en un baile de la Universidad de Oxford y los más de cuarenta años de convivencia que resultaron de ese encuentro, una unión que evoca el matrimonio de mentes fieles del soneto de Shakespeare. A los recuerdos de los años vividos, se superpone la experiencia del ahora, el ahora después de que a Iris se le manifestara la enfermedad de Alzheimer en 1994. En su exploración de esta relación extraordinaria, Bayley trata de descubrir a la verdadera Iris, siempre tan misteriosa, pero cuanto más trata de conocerla, más inasible y proteica se vuelve. 'Elegía a Iris' es una historia de amor de nuestro tiempo, irónicamente alegre, tierna y desapegada a la vez, y es también una sobria reflexión sobre la fragilidad de la vida y lo que significa envejecer.
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Acercamiento crítico y poético a cinco grandes poetas americanos de la mano de Helen Vendler.Helen Vendler, una de las críticas de poesía más autorizadas, analiza cómo cinco grandes poetas modernos estadounidenses, al escribir sus últimas obras, intentan encontrar un estilo que haga justicia tanto a la vida como a la muerte. Al no disponer ya de los consuelos religiosos tradicionales, estos poetas deben inventar nuevas formas de expresar la crisis ante la muerte y la paradójica coexistencia de un cuerpo en decadencia y una conciencia intacta. En La roca, Wallace Stevens escribe narraciones simultáneas de invierno y primavera, en Ariel, Sylvia Plath presenta el melodrama con una fría formalidad y, en Día a día, Robert Lowell resta plenitud. En Geografía III, Elizabeth Bishop queda atrapada y liberada, mientras que James Merrill, en El rocío de la sal, crea una serie de autorretratos mientras muere, representándose a sí mismo con cosas como un árbol de Navidad.El término de una vida es para el poeta un punto crucial en su escritura: la pregunta de si ha valido la pena, no escribir, sino su propia obra. La última mirada de lo escrito determina si quien escribe ha dado lo mejor de sí, si ha llevado su propio lenguaje al límite, si ha quitado a sus textos la misma carne que ahora la muerte arranca de sus huesos. La última mirada a la obra poética es la pregunta más peligrosa y a su vez la única que resulta ineludible.
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El prolífico autor italiano ofrece en Los libros de los otros una perspectiva excepcional de la historia de la literatura y del pensamiento de la época (1947-1981).Durante los casi cuarenta años en que Italo Calvino colaboró con la prestigiosa editorial Einaudi, leyó centenares, tal vez miles de manuscritos de autores tanto desconocidos como consagrados, y aceptó algunos, dando a conocer o consolidando así sus carreras, mientras rechazaba otros (a veces con gran dureza), a sabiendas de que como editor literario debía seguir siempre la corriente de afinidad o simpatía que esos textos despertaban en él aun a riesgo de equivocarse o pecar de arbitrario. Los libros de los otros se enmarca en esta faceta de Calvino y reúne 269 cartas que dirigió a los autores de las obras leídas, y a colaboradores, amigos y escritores de la casa, muchos de ellos personalidades de la época como Primo Levi, Leonardo Sciascia, Umberto Eco, Hans Magnus Enzensberger o Natalia Ginzburg, y en las que desvela sus amores (y odios) literarios. Una obra imprescindible que sirve al lector interesado como guía de lectura y como complemento a Por qué leer los clásicos.
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En los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial, Eslovenia, al igual que otros muchos territorios europeos, se desangra en una migración masiva hacia los Estados Unidos, la nueva Tierra Prometida. La vivaz y activa Rozina, junto a su compatriota y futuro marido Brinovc, forman parte del pasaje de uno de los numerosos barcos que surcaron el Atlántico en busca de un futuro mejor. En una sociedad desconocida y ajena, Rozina, apasionada y emprendedora, desplegará su innata capacidad de convertir las amenazas en oportunidades, y así conseguirá, por ejemplo, sacar adelante un próspero negocio de elaboración y venta de aguardiente en plena Ley Seca. En el período de entreguerras, la pareja, dejando a su hija pequeña en Estados Unidos, decide regresar a Europa, donde atisban mejores perspectivas para proseguir sus negocios. El estallido de la Segunda Guerra Mundial los priva de cualquier posibilidad de retorno a América, y Rozina deberá hacer frente a un sinfín de peligros y amenazas, hasta que, tras la muerte de su marido, podrá finalmente regresar a Estados Unidos, donde se dedicará en cuerpo y alma a librar a los suyos de la pobreza. Breda Smolnikar relata magistralmente esta epopeya del siglo XX en un texto rebosante de alegría de vivir y erotismo, que nos deja constancia de una heroína de su tiempo, una verdadera «hija de sus obras».
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Arde la palabra y otros incendios no es sólo un libro de crítica literaria, sino un homenaje a la literatura.Este ensayo de Ana Luísa Amaral nace de su experiencia lectora. En este libro se enfrentan varios temas desde Emily Dickinson y Mário de Sá-Carneiro, hasta viejas aventuras románticas del ensayista que tanto tradujo a Emily, incluida la teoría queer, de la cual el citado profesor es uno de los expertos más destacados de Portugal. Y, al final, en torno a este animal inquieto que es el literatura, una obra de teatro en tres actos, una celebración de la hibridación que no es signo de gloria, sino de Vida pura, vida indomable e incierta.
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Un viaje dialogado con amenidad y agudeza, muestra de la extraordinaria virtud del autor para razonar, transmitir y contagiar sus pasiones. Juan Villoro es reconocido como uno de los grandes escritores latinoamericanos actuales. Periodista, novelista, cuentista, ensayista y cronista, reunió por primera vez sus ensayos literarios en Efectos personales (Premio Mazatlán 2001), al que siguió De eso se trata (2004), títulos que hoy reunimos en este volumen. Como también lo hiciera en la posterior La utilidad del deseo (2017), Villoro convierte aquí sus lecturas en relatos de la inteligencia. Ambas obras muestran a un narrador sumido en la aventura de leer, las anécdotas se suceden como en una novela y los comentarios surgen con el ingenio de una feliz tertulia.Por estas páginas transitan una excepcional galería de personajes: Goethe atrapado en la geometría del amor, Cervantes, fundador de la road novel, Rousseau, que une su destino a la arriesgada noción de autor, Lowry en el intoxicado paraíso de Cuernavaca. También encontramos un testimonio de afinidades electivas: una reconstrucción de la convulsa estancia de Burroughs en México, la indagación del exilio póstumo de Bernhard, el jardín ilustrado de Monterroso, la vertiente más heterodoxa de Fuentes, el viaje sin aduanas de Pitol, la inteligencia distraída de Rossi. Junto a estos -y otros- tributos y retratos, hay espacio para el Villoro cronista y para el que explora los ritos de pasaje de la traducción literaria y el diálogo entre las literaturas de América y Europa.«Ensayar: leer en compañía», define Villoro. Un viaje dialogado con amenidad y agudeza, muestra de la extraordinaria virtud del autor para razonar, transmitir y contagiar sus pasiones.
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Rafael Manrique aborda la relación existente entre los desequilibrios mentales y el genio literario, desmontando tópicos románticos, con ejemplos de grandes escritores.'Locura y literatura: una amistad peligrosa', del psiquiatra y escritor Rafael Manrique aborda la relación existente entre los desequilibrios mentales y la genialidad a nivel literario y sin clichés románticos. La charla, a la que seguirá una conversación con el público asistente, pretende desmontar algunos de los tópicos que se utilizan de forma recurrente a la hora de abordar el vínculo entre el talento creativo y la locura en el ámbito de la literatura.¿Es un mito? ¿Hay algo de realidad? ¿Qué es la locura? ¿Tienen los creadores rasgos de personalidad diferenciados? ¿Son los que piensan, sienten, ven o viven de una manera poco común unos locos? ¿La creatividad y la locura van de la mano? Manrique reflexiona sobre todas estas cosas en un libro en el que se hablar de escritores a los que se ha llegado a considerar unos locos y, también, sobre el cariz romántico que se atribuye a la enfermedad mental cuando se vincula al ámbito de la creación.Kafka, Silvia Plath, Alejandra Pizarnik, David Foster Wallace, Cesar Pavese, Virginia Woolf, Alfonsina Storni, Gabriel Ferrater, Leopoldo María Panero, Edgar Allan Poe, Fernando Pessoa… es larga la lista de escritores atormentados, que tuvieron dificultades vinculadas a la salud mental, que sufrieron depresión o adicciones, que se quitaron la vida o pasaron una parte de ella en psiquiátricos. De algunos de estos autores y de otros se habla en esta obra en la que Manrique trata de responder a una pregunta básica: ¿las personas que realmente pierden la cabeza pueden escribir cosas significativas?Psiquiatra y ensayista español, Rafael Manrique ejerce la práctica privada y es especialista en terapia familiar y de pareja, siendo colaborador habitual de numerosos medios de comunicación y profesor invitado en varias universidades, tanto en España como en Latinoamérica. A lo largo de su carrera ha publicado varios libros sobre temas como la propia psicoterapia, las relaciones de pareja, el erotismo o la naturaleza del amor. Además, Manrique ha publicado tanto libros de viajes como ensayo literario.
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UN CLÁSICO MODERNO GANADOR DEL NATIONAL BOOK CRITICS CIRCLE AWARD MÁS DE UN MILLÓN DE EJEMPLARES VENDIDOS UNA ESTIMULANTE MEZCLA DE AUTOBIOGRAFÍA Y MITOLOGÍA «Vertiginoso, elemental, un poema convertido en espada». THE NEW YORK TIMES «Un clásico, y con razón». CELESTE NG Cuando era niña, Kingston habitó dos mundos muy distintos: la California a la que emigraron sus padres y la China de las historias de su madre. Las feroces y astutas guerreras que poblaban los cuentos de su madre chocaban frontalmente con la dura realidad que le había tocado vivir a las mujeres de su familia. El sentido de identidad de Kingston emergió en las grietas de estas historias, vacíos que aprendió a llenar con sus propias fabulaciones. Guerrera de las palabras, la autora forja en estas páginas mitos y recuerdos, fundiéndolo todo para hallar una comprensión nueva de su linaje y de su propio presente. Un libro que combina la autobiografía con el folclore chino para crear un rico tapiz de historias que exploran temas universales como la identidad, el feminismo o la herencia cultural. «Intensa, feroz e inquietante. Una historia salvajemente aterradora y literalmente maravillosa». THE WASHINGTON POST «Un triunfo. Sorprendentemente lograda». TIME
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¿Cuáles son los motivos ocultos en los comportamientos aparentemente más libres? En este libro admirable de crítica literaria, René Girard aporta una noción fecunda, la de deseo mimético. Es decir: el hombre es incapaz de desear por sí solo, necesita que el objeto de su deseo le sea designado por un tercero. Este tercero puede ser externo a la acción novelesca, como los manuales de caballería para don Quijote o las novelas de amor para Emma Bovary. Con mayor frecuencia es interior a la acción novelesca: el ser que sugiere sus deseos a los héroes de Stendhal, de Proust o de Dostoievski es a su vez un personaje del libro. Entre el héroe y su mediador se tejen entonces unas sutiles relaciones de admiración, de competencia y de odio: Girard establece un paralelismo luminoso entre la vanidad en Stendhal, el esnobismo en Proust y la idolatría vengativa en Dostoievski. Pero el autor no se limita a renovar la comprensión de las mayores obras maestras de la novelística, nos hace avanzar en el conocimiento del corazón humano.Un gran libro, conducido con una minuciosa sutileza, que contribuye a elucidar, a través de un análisis extremadamente original de las más famosas novelas de todos los tiempos, uno de los problemas más controvertidos: ¿cuáles son los motivos ocultos en los comportamientos aparentemente más libres?
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Letras universales Cátedra
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El tiempo y su espuma. Correspondencia personal entre Juan Gil-Albert y Jaime Siles reúne veintisiete cartas inéditas entre los dos poetas valencianos, así como varios apartados que documentan valiosos testimonios de su amistad. Si bien la amistad entre Juan Gil-Albert y Jaime Siles se extiende entre el famoso encuentro de enero de 1970 hasta el fallecimiento del primero de ellos (1994), esta relación epistolar puede acotarse gracias al arco temporal que va desde 1970 hasta 1984. En cualquier caso, entendemos que la publicación de esta correspondencia puede representar un hito en sus respectivos historiales literarios, al mismo tiempo que arrojar luz sobre el panorama literario valenciano de la baja posguerra española. Aquí entra en juego la importancia del «decanato» de Juan Gil-Albert sobre el «grupo valenciano» y la funcionalidad historiográfica de su casa de Taquígrafo Martí, por donde pasarán Francisco Brines, Guillermo Carnero, Pedro J. de la Peña, Alfonso López Gradolí, Jenaro Talens, Jaime Siles o el propio César Simón. Así recorre este libro la correspondencia personal entre Juan Gil-Albert y Jaime Siles, como los sellos gastados de una intimidad franqueada por la nostalgia, un pasaje fundamental para entender las cenizas finiseculares de nuestra literatura reciente. A pesar del «tiempo y su espuma», cuando «las pocas páginas escritas de mi vida» -citando una misiva de Siles- «no han sido ensuciadas por los años». A este lado, simplemente, el Mediterráneo, la tradición clásica, André frente a Gide, los caballos galopando sobre la arena: la nada.
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Este libro El oficio de perder, penúltimo punto del laberinto que se ha ido construyendo García Vega, es una autobiografía que no se parece a una autobiografía. «Pero ¿es posible aún leer un libro así? -pregunta el poeta Carlos A. Aguilera-. Un libro neurótico, ahistórico, sin salida, que dice nada y tampoco quiere decir nada, que no sirve para descansar bajo el sol mientras los niños lanzan piedrecitas a los patos, ¿que no narra? ¿Un libro hueco escrito desde ese otro hueco que es la historia y su perverso subebaja? ¿Un libro fuera de tiempo y lugar, inútil? Parece que sí y parece que con este libro autobiográfico, continuación a distancia de Los años de Orígenes, García Vega se coloca dentro de cierta tradición negativa que tiene entre sus mejores exponentes a Macedonio Fernández, Arlt, Felisberto o Piñera. No sólo porque reescribe desde el delirio todo el tejemaneje cubano: la revolución, el exilio, la república, Lezama, sino porque descompone su núcleo-caricaturesco-de-poder, y traza la mejor radiografía que se ha hecho, en serio ''de un país como Cuba. Un país sin memoria y donde hasta ahora casi no han existido memorias. Un país fronterizo''». «El mundo de García Vega -dice el profesor Christophe Singler en su tesis Contra las ficciones, la imagen. El oficio de perder de Lorenzo García Vega- es esencialmente antibarroco, porque la opulencia barroca encubre la escasez, categoría fundamental de su estética. Si juega con lo kitsch, lo hace porque es parte de su circunstancia. García Vega menciona alguna vez su afición a los papagayos de plástico y las estatuillas pseudo-clásicas colocadas en los patios. Para liberarse de la enajenación que representa lo kitsch por simular el sentimiento humano, es necesario pasar por la mímesis de este mundo falso, fabricado por la industria cultural, según diría Adorno. Resulta tanto más fácil cuanto que García Vega es consciente y admite abiertamente que este ambiente de simulacro, presente también en el bolero y en la exuberancia del mambo, es parte inalienable de su cultura personal. El encaprichamiento con el papagayo de plástico indica que García Vega observa su contexto con mirada fotográfica, actitud nominalista en busca de lo inexpresivo».
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Artaud, cruz entre dos rostros, presentado aquí en edición bilingüe, ahonda en la visión ético-política del poeta francés. Lucidez y locura, valentía y desobediencia, sexua-lidad y anarquía se presentan como rostros posibles de una misma cruz, una cruz encarnada o un quiasmo luciente que la historia persigue con crueldad. El volumen se completa con una pieza de Joana Masó sobre la violencia necesaria para sobrevivir (o para no estar muerto), escrita a partir de los trabajos de Arnau Pons sobre Artaud, además de otro texto del mismo Pons sobre Heliogábalo o el anarquista coronado.
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Situada en las postrimerías del Ultraísmo, Vértices. Revista Literaria (1923-1924) supuso, junto a sus continuadoras Tobogán (1924-1925) y Plural (1925), la culminación y el cierre –en la joven literatura española, hacia mediados de la década de los veinte– de una estética innovadora hispánica y el paso a la evolución clasicista y purista, otra forma más de arte nuevo. La revista viene a concluir los experimentos vanguardistas iniciados a principios de 1919 y a sumar dos generaciones (una anclada en el modernismo tardío y otra más renovadora), en un intento crepuscular, cuando ya la vuelta al orden era premisa obligada, tras la deserción de Ultra.La revista Vértices ayuda al lector a entender la evolución de la vanguardia histórica en España. Esta edición facsimilar cuenta con un detallado estudio introductorio. Incluye textos de Norah Lange, Oscar Wilde, Gerardo Diego, Gabriela Mistral, Edgar Neville, Lucía Sánchez Saornil, Cansinos Assens, Rubén Darío, Gómez de la Serna, González-Ruano, etc.José Luis Bernal Salgado (Cáceres, 1959), catedrático de Literatura Española de la Universidad de Extremadura, es autor y editor de más de 30 libros, entre los que cabe mencionar ediciones críticas, epistolarios, recopilaciones de estudios o monografías, centrados en la literatura española contemporánea y, en especial, en temas y autores relacionados con la Vanguardia histórica española y el Veintisiete (Diego, Cernuda, Altolaguirre, Aleixandre, Alberti, Lorca, Salinas, Guillén, etc.). Recientemente ha coordinado, junto a Antonio Sáez, con motivo del centenario del Ultraísmo, el volumen El Ultraísmo español y la vanguardia internacional (2020).José María Barrera López (Osuna, 1955), profesor acreditado titular de Universidad y catedrático de Lengua y Literatura Españolas de Enseñanza Secundaria, es autor de 85 libros sobre la Vanguardia hispánica, entre ediciones, facsímiles y monografías. Su investigación se ha centrado en autores reconocidos (Salinas, Cernuda, Aleixandre, Diego) y olvidados (Porlán, Buendía, González Olmedilla, Raida, entre otros). Actualmente prepara la edición crítica de toda la obra de Pedro Garfias, en tres volúmenes.
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Jacinto Benavente gozaba de una popularidad social extraordinaria cuando, en junio de 1912, la Real Academia Española concedió a Los intereses creados el Premio Espinosa y Cortina y, en octubre, lo eligió académico de número. Ambos reconocimientos desencadenaron una vorágine conmemorativa nacional sin parangón. Ni siquiera al obtener el Premio Nobel de Literatura (1922) volvió a ser celebrado, aclamado y vindicado como entonces. Según afirmó La Época, se vivió «la apoteosis de Benavente». A través de una historia crítica y rigurosamente documentada este libro reconstruye lo ocurrido durante esos meses: la cristalización de Benavente en gloria y celebridad nacional para la opinión pública, la vivencia social de las artes y la cultura nacional española, que el escritor encarnó como su mejor y más convincente expresión, apreciada a la altura de los maestros antiguos. El estudio de la figura de Jacinto Benavente como plenitud española nos acerca a la realidad y la circunstancia de la España de la Restauración al franquismo.
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Sólo el gran arte de la novela es capaz de desgarrar por un instante el telón de prejuicios y preinterpretaciones con que desciframos no sólo nuestra vida sino la historia entera de la humanidad. Más aún: tal vez la novela sea el último observatorio que nos permite abrazar la existencia humana en su conjunto y lanzar «una mirada al alma de las cosas». El novelista y ensayista milan kundera nos invita en el telón a participar en el secreto diálogo que mantienen los grandes nombres de la tradición occidental. Unas obras iluminan a otras, los escritores descubren aspectos inusitados en sus antecesores, que a su vez inspirarán a sus sucesores de muy diversa manera: Rabelais, Cervantes, Diderot, Fielding, Flaubert, Joyce, Kafka, García Márquez... El resultado es una pequeña y particular «pléyade» literaria que kundera comparte con los lectores y una iluminadora historia personal de la literatura.
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El estanque de Hampstead Heath es un pequeño oasis, un fragmento de naturaleza salvaje enclavado en las afueras de Londres. Durante gran parte de su vida, el poeta y escritor Al Alvarez se sumergió en él diariamente con el celo de quien se entrega a una liturgia sagrada y salvífica, anotando sus impresiones en un diario que puede leerse como su testamento vital y literario. En el estanque empieza como un detallado inventario de la relación entre el hombre y la naturaleza –el cambio que traen las estaciones, las modulaciones del follaje, el vuelo de los pájaros–, pero se va transformando progresivamente en una crónica sobre el trance de envejecer: un relato íntimo, divertido, impiadoso y al mismo tiempo conmovedor sobre la decadencia del cuerpo, sobre la senectud como condición mental y social, además de física. Para exorcizarla, Alvarez se refugia en la escritura, la buena compañía y, sobre todo, en la natación en las aguas ambarinas del estanque, sugestivo escenario de un acto de vana resistencia contra el inexorable avance del tiempo.
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Británico de origen irlandés, Francis Bacon fue uno de los pintores más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Este libro es el monólogo hipnotizante de una voz, la de FB, que en sus momentos finales, repasa su pasado y se asombra de su presente. Consciente de su egoísmo y de su genialidad, habla del supremo esfuerzo de pintar contra la muerte, de los bares elegantes y de los antros donde buscó el placer y el dolor.
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De las muchas obras teatrales que escribió Esquilo a lo largo del siglo v a. C., tan solo siete se han conservado completas. A pesar de ello, son suficientes para considerarlo no solo uno de los autores más grandes de la Antigüedad, sino también el escritor que moldeó la tragedia como género literario. Fue él quien adaptó una serie de mitos y los dotó de un estilo dramático que nunca había existido.Conocer a Esquilo es sumergirse en los orígenes de la tragedia, y quizá el mejor libro para entender la magnitud de sus logros es el lúcido ensayo clásico que Gilbert Murray le dedicó. Aquí están todas y cada una de las claves que hicieron de Esquilo un gigante que alumbró todo el género teatral posterior.
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En este libro, íntimo y sobrecogedor, Herta Müller reflexiona sobre temas tan diversos como la realidad política o las obras de Heinrich Böll, Liao Yiwu o Georges-Arthur Goldschmidt. La constante que vertebra los ensayos de este volumen es que la autora siempre toma partido por la honestidad, hace uso de su personal estilo, sagaz y contundente, para arrojar luz en tiempos oscuros. Müller conoce el poder subversivo de la risa y sabe que, si algo toleran mal los dictadores, es la verdad. Pero también su mirada sobre nuestra sociedad es incorruptible, y obliga al lector a cuestionarse sobre la responsabilidad moral y civil de proteger a las minorías, a los perseguidos y a los exiliados. En lo que a ella respecta, la autora no tiene dudas: «Lo más claro que he aprendido también sé expresarlo de una forma muy sencilla: la libertad y la dignidad siempre son concretas».
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Este texto es uno de los pocos no reeditados en ningún país en los últimos años, en los que se ha producido una suerte de resurrección literaria de Stefan Zweig, quien tuvo un inmenso éxito de público desde los años veinte del pasado siglo hasta su muerte en 1942, y que ahora ha pasado de algún modo a formar parte del canon literario de la Edad de Plata europea junto con otros escritores de lengua alemana que habían pertenecido al antiguo Imperio Austrohúngaro, como Arthur Schnitzler, Karl Kraus, Joseph Roth o Robert Musil. El pensamiento vivo de Tolstói formó parte de una innovadora colección, Biblioteca del Pensamiento Vivo, dirigida por el gran Guillermo de Torre para la editorial Losada. El sello Espuela de Plata, también del Grupo Renacimiento ya publicó hace tiempo otro título de esta misma colección, El pensamiento vivo de Concepción Arenal, por Clara Campoamor. León Tolstói y Stefan Zweig, dos grandes de la literatura universal, unidos por un mismo libro. Stefan Zweig nació en Viena, en 1881, en el seno de una familia pudiente. Ello le permitió consagrarse desde muy joven con entera libertad a las letras, satisfaciendo asimismo su otra gran pasión: los viajes. Después de dos libros de versos publicó un drama, Jeremías, cuyo estreno fue prohibido en Alemania, durante la Primera Guerra Mundial, representándose después en Zurich. Zweig se trasladó a Salzburgo y allí comenzó a especializarse en el género que había de otorgarle una tan extensa celebridad mundial: las biografías de grandes hombres. Aparecen así sus famosas trilogías: Tres maestros, Tres poetas de su vida, La lucha contra el demonio, su magistral biografía de Fouché, sus novelas Amok, Veinticuatro horas en la vida de una mujer, etcétera. Estrena con gran éxito una adaptación del Volpone de Ben Jonson. Establecido en Londres durante tres años, continuó viajando y aumentando su producción incesantemente. Después se instaló en Brasil, en Petrópolis, donde se suicidó a comienzos de 1942, causando una general consternación. León Nikoláievich Tolstói nació en 1828. Procedía de una antigua y noble familia rusa. Fue oficial del ejército durante la guerra de Crimea. Se dio a conocer en 1852 con sus recuerdos de Infancia, seguidos bien pronto de Adolescencia y Juventud. Después de viajar por Occidente, en 1861 se retiró a sus tierras de Yásnaia Poliana donde se ocupó activamente de mejorar el estado de los campesinos. Allí continuó escribiendo fecundamente. Sus dos largas novelas Guerra y Paz y Anna Karenina le otorgaron una celebridad mundial. Murió a los 82 años, cuando era considerado el patriarca de las letras europeas y una suerte de profeta social.
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El hombre que nos habla en este libro trata de ordenar sus recuerdos. Sin embargo, lejos de ser el suyo un acto de complacencia, intenta derribar las inercias de sus ideas, de sus juicios y de sus costumbres. La literatura le sirve de espejo en el que mirarse, y el reflejo que ésta le devuelve es unas veces alentador, y otras, deformante, pero siempre un fértil motor de pensamiento y de transformación. Así pues, el protagonista vagabundea por algunos momentos de su existencia como si fuera un narrador omnisciente -eso sí, sutil y elegantemente distanciado- y, adentrándose en esas «brechas que se abren en el tiempo por las que de vez en cuando nos colamos», vuelve al patio de la infancia, sueña o habla con su difunta madre una noche de sueño agitado o rememora algún detalle de un viejo amor. Si bien ahora todo es más lento y menos acuciante, si bien ahora suele tener todo el día por delante y en ocasiones siente el peso de la futilidad, no deja de celebrar el valor y la compañía que siempre le han brindado los libros en el imposible arte de comprender la vida.
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Este libro pretende explorar diferentes formas de maldad ejercida por niños a través del teatro, la novela, el cuento y la poesía contemporáneos en español. Esa maldad puede adquirir formas diversas: violencia física o simbólica, criminal o no, enfermiza o no, con especial atención a niños psicópatas y/o psicóticos. Las herramientas de análisis son muy diversas (narratología, sociología, psiquiatría, psicología, psicoanálisis, estudios de género, etc.).
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El recorrido que ha hecho la poesía durante el último siglo ha transitado entre el idealismo de finales del XIX y la deconstrucción de la segunda mitad del XX tras su retorcimiento estético durante las vanguardias. Ha sido un camino fértil en indagación, experimentación y comprensión del hecho poético. María Zambrano abordó la poesía como forma de conocimiento desde la fenomenología, algo que Chantal Maillard llevó a consecuencias más radicales cuando propuso el salto desde la razón poética hasta la razón estética. A lo largo de todo este tiempo los poetas se han debatido entre la sentimentalidad, la racionalidad, el arte, la experiencia y el espíritu que la Ilustración dejó en sus manos al tiempo que Oriente entraba en nuestras vidas con su circular sentido del tiempo y del devenir. Keiji Nishitani, último gran representante de la Escuela de Kioto, comentaba que el poema «Una sola hoja que cae, / otoño por todas partes» es más que una figura retórica. Pertenece al campo en el que la caída de una sola hoja es tomada como un hecho absoluto. Cuando nuestra mirada se posa en algo concreto y nos revela una cualidad de la vida en su conjunto experimentamos un sentido de trascendencia. El maestro japonés afirmaba que la verdad poética y la verdadera poesía era justo esa sensación que en un momento nos lleva de algo que sucede en la naturaleza a una contemplación universal. Este libro nos revela la amplitud y perplejidad de tan extraño viaje.
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