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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Editorial Renacimiento ha publicado, además del presente libro, Cuarenta y cinco poemas y dos relatos, las siguientes obras de Esteban Torre: Veinte sonetos de Quevedo con comentarios (2012), Luces y reflejos: poemas originales y traducidos (2016), LXII sonetos (2018), Poetas de Grecia y Roma: 40 poemas (2019), Tratado de Medicina de Averroes: anatomía y fisiología (2019) y Seis sextinas y otros poemas (2020). Los versos vienen de la soledad, son la conversación con uno mismo. Pero siempre alimentan la esperanza de que alguien pueda recoger sus ecos. La lectura de un verso es el milagro de unir en una voz dos soledades. El autor y el lector se complementan, se reconocen por un breve instante. Vuelven después el ensimismamiento, soledades de nuevo, lejanías. («Soledades y versos»)
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Esta monumental biografía de un continente desde los días precolombinos hasta la llegada de los conquistadores, la explosión descolonizadora y la actualidad de la época de su redacción es también la biografía de un hombre, el propio Neruda, errante y clandestino al redactarla, y un canto a sus compatriotas anónimos, a la fraternidad con los oprimidos y humildes y a la vastedad silenciosa y solemne del gran océano inmemorial que lo circunda todo.
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Amalia Martínez Muñoz (Jaén, 1956) es escritora, pintora y profesora en la Universidad Politécnica de Valencia, donde ha impartido clases de Historia y Teoría del Arte. Es autora de numerosos ensayos y del libro de viajes Mundos extremos, con el que obtuvo el Premio de Narrativa Eurostars 2018. Los poemas de La aguja incandescente giran en torno al tiempo, entendido no como simple devenir, sino como relato, como construcción. Para la poeta, el tiempo es la suma de momentos que han encontrado asidero en lugares, en imágenes, en los objetos en los que permanece, es la aguja que teje el hilo que los ordena y los une creando la ilusión de continuidad, que los significa y los conduce hacia un destino, la aguja incandescente cuyo hilar todo lo crea y todo lo arrasa. «Despojados de todo / solo somos / tiempo / cuya duración ignoramos». Por eso, pensar sobre el tiempo es hacerlo sobre lo que nos constituye de forma más íntima. La memoria, la identidad, pero también la ciencia, la filosofía y el arte son, para la autora, relatos, tiempos engarzados con los que construimos el mundo que habitamos y la ilusión de eternidad.
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Por el cuerpo de este libro de poesía pasan las películas de una de las cinematografías más altas, Akira Kurosawa. Profundidad, limpieza estética para expresar las distracciones, el dolor de golpes fieros, de la vida. Sin embargo, no es un libro que glosa películas. Un libro que saquea o trasvasa desastres y ternuras de un género a otro género artístico. Tampoco debe confundirse con la materialidad que escogió su autor para hacerlo visible, las cartas de una muchacha atenta al cine y a las inclemencias de la vida. Invenciones necesarias de la estética. Se trata no sólo de la insinuación de un portento en la obra de un poeta que crece en el saber y en el talento. No sabemos todavía cómo ha conseguido hacer que convivan la piedad, el dolor y la belleza. Ni cómo ha arribado a uno, tal vez el principal de los inconvenientes intraducibles del hombre. No poder caminar avenido por la tierra. Yo también no tengo piernas. JOAQUÍN PEÑA GUTIÉRREZ
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La afrenta de los números rojos en la cuenta corriente es el pretexto para reflexionar sobre los sueños no alcanzados, el camino recorrido, los años por venir o la proxim.Para los que disfrutaron con la lectura de su primer poemario, Parques y Jardines, Carmen Aranguren vuelve contando sus luchas con el insomnio, sus desencuentros con Dios, la vivencia del amor maduro, la pérdida del amigo y la búsqueda del sentido en los detalles cotidianos.
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Este poemario es el testamento de un héroe fallido, de aquel que amasa harto pan y al final come migas. Es un minutero que siempre se detiene en la aguja del fiasco, una puerta que se vuelve espejo cada vez que alguien no logra entrar o salir. Es un ritual de la autorresignación, una fotografía de la incertidumbre, una balada en la que el intermedio esconde el motivo esencial. Su autor es un hombre honesto, tanto así que admira desde la tristeza, y por ello se define a partir de la negación, que escribe entre ruinas, mientras cubre con yeso la derrota. Y, al igual que Raskólnikov, inevitablemente confiesa entre morbo y descargo. Los motivos, la estructura, el manejo, un conjunto digno de lectura y apreciación. GUSTAVO ARROYO.
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RAÚL ZURITA (Santiago de Chile, 1950) se ciñe a la gran tradición poética chilena desde la publicación de sus primeros libros Purgarorio (1979) y Anteparaíso (1982). Su obra, traducida a cerca de una decena de idiomas, es reconocida como una de las más sólidas y fascinantes de la literatura contemporánea. INRI, un canto para la permanencia y el memorial de lo que se desvanece ante un acto de crueldad. La poesía de Raúl Zurita parte de la cicatriz, de la entraña, es una guerza de impacto, una suerte de golpe solar vertido en palabras, en actos poéticos. Este desbordamiento interior, esta herida, se extiende en el poeta chileno más allá del papel, hasta las cordilleras, hasta la vastedad del cielo, como si ese sentir no cupiera en un solo cuerpo y tuviera que abrirse ilimitadamente. En el año 2020 ha sido galardonado con el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana.
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Ciudad, me has vencido usa referencias de cotidianidad y mundos prosaicos que se mezclan con los poéticos para honrar un discurso que no se deja domesticar, pero que impasible ante su propósito de exaltación poética resuena nítido, exacto y dueño de un algo sin nombre en el español para lo que se ha designado en el arbitrio de lo que es tan sagrado como maldito. La poética de Neal Moriarty en este libro se asume y se desarrolla como un proyecto de alto riesgo, porque supone, ante todo, bajar la bandera, desarmar, mostrar la fragilidad, cuestiones estas que no son otra cosa que exponer las imposibilidades del ser (un) humano, porque se ha sido partícipe de una revelación que se resuelve a través de la creación, llevada aquí, hasta sus últimas consecuencias. El ser-poeta, al verse desnudo, se arropa con el lenguaje para hacer de este y con su cuerpo, su única morada, cruda y dolorosa, para trascender. LUCIANA MESTANZA
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Las citas de Sylvia Plath y Charles Olson con las que la autora abre este espacio poético (fosa y comuna) dibujan temprano el quiasmo fundamental de su obra: la imposibilidad de encontrarse (el tú y el yo) antepuesta a la voluntad insaciable de la intimidad. Emocionarse con, emocionarse en, instancias sucesivas de lo sensorial participado, desde ese colocarse en el sitio del otro que Edith Stein analizara por la vía de la fenomenología, al Proprioception (1965) del mismo Charles Olson y su «sensibilidad interior del organismo».A todo esto, María Belén Milla Altabás (Lima, 1991) desemplea la tradición corporal (y corporativa) del imaginario medieval —sangre, sudor, lágrimas— para embestir el cuerpo del otro, asistida de una diestra risotada, entre la bulla de Vallejo y el bullicio de Rabelais.La operación de la autora es tan libre como intrincada: en la intimidad de la afrenta amorosa el sentido de nuestro cuerpo se desplaza más allá de la piel, lo genital o lo capilar, a una zona peripersonal deseante que busca su expansión por el otro. En esa frontera competida, la violencia de los géneros desestabiliza nuestra ubicación y confunde los límites de nuestra identidad.Es lo preliminar a la emoción común de la cópula, que rescata al sujeto de su reciente desvarío y, atravesado por el otro, potencia su sentido de la interioridad, eso que ha dado en llamarse interocepción.Adéntrate aquí, lector, «ahora que mi multitud te espera».
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Fills de la tribu
Tretze mil vuit-cents milions d'anys és, segons l'astrofísic Carl Sagan, l'edat del món. Tretze mil vuit-cents milions d'anys han hagut de passar per tal que del no-res, i després d'infinites eclosions i explosions, fusions i fissions estel·lars, planetàries, galàctiques, tal dia com avui, un matí d'un qualsevol dissabte d'estiu, des del balcó estant, arran de mar, jo pugui contemplar, lenta, esplendorosa, l'eixida del sol rere l'ampla línia, ara daurada, de l'horitzó i dir-te, mentre et despertes, senzillament: bon dia.
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«¿Es esto la felicidad?», nos hemos preguntado todos en alguna ocasión al contemplar nuestra vida. La poesía de Miguel d'Ors se adentra en el misterio de la felicidad para descubrir la verdad de esa inquietud que nunca nos abandona. Leyendo a d'Ors descubrimos lo perdidos que todavía nos encontramos en medio de nuestro espectacular conocimiento y meditamos sobre los «kilómetros de nada» que nuestro corazón recorre buscando la elusiva felicidad. Su empeño en encontrar la verdad y aceptar su incomodidad es la primera parada en este viaje poético. Miguel d'Ors echa por tierra refugios fáciles y conceptos asumidos para indagar en la infelicidad que sale a flote cuando no es posible ser uno con la vida, cuando no la entendemos o no nos gusta. Rodeados de misterio, las preguntas abren camino, y ninguna poesía del panorama contemporáneo español está tan llena de preguntas como la de d'Ors. Su poesía nos dirige a una forma inesperada de ver la felicidad, como un rincón que hay que frecuentar, saliendo de lo que parece el centro de la vida. Poema a poema, nos acercamos al amor, a la rutina, a los escapes con los que soñamos, que no son necesariamente lo que se asume que son. La felicidad para d'Ors consiste, en parte, en tener «a la espalda la nostalgia/ y delante el misterio», tanto el que nos empuja a explorar la verdad, como el que reconforta, anima y transforma. Los dos nos encaminan hacia algo más grande y más bello. Y qué placer viajar con d'Ors por esta poesía de engañosa ligereza, llena de calidez y de humor, que no pasará de moda ni perderá significado. Ana Eire
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La poesía de -lex Ramírez-Arballo se proyecta como una exploración dentro de los territorios del pasado, la oscuridad y la ausencia. Esta sensación de vacío surge porque los elementos verbalizados son definidos no por lo que son, sino por lo que un día fueron: la infancia, el amor, el lenguaje, etcétera. En sus poemas proliferan las imágenes relativas al fenómeno de la mirada, la enunciación poética, el inconsciente y los procesos del sueño.DICCIONARIO DE ESCRITORES MEXICANOS
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Poesies
Només divuit poesies conformen l’obra poètica de Jordi de Sant Jordi, una de les veus més significatives de la lírica catalana medieval. Amb una varietat extraordinària de gèneres, temes i metres, el poeta valencià fou capaç de bastir una obra breu però molt variada, que es caracteritza per l’experimentació i per un vast coneixement de la tradició lírica romànica. L’obra poètica de Jordi de Sant Jordi s’ha de situar en l’ambient poètic que es vivia a la Corona d’Aragó durant els segles XIV i XV, amb una presència forta i renovada de la tradició trobadoresca.
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Sostiene Aristóteles en su poética que el metro yámbico es especialmente adecuado para el diálogo. Sale de forma espontánea al hablar, es más natural que los versos heroicos, pero no por ello exento de cadencia, ritmo y armonía. Esta métrica atañe sobre todo al ámbito privado, a la subjetividad de los sentimientos. ''Rumores yámbicos'' constituye el particular homenaje de su autora a las Heroidas de Ovidio. Un poemario epistolar de mujer a mujer, cartas escritas en la más estricta intimidad, muchas clandestinas, se diría que susurradas al oído. Se trata de confidencias rumorosas que atraviesan fronteras, surcan el Mediterráneo de orilla a orilla, conectan a cada una de estas mujeres de agua y tierra que otean, incansables, el horizonte.
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'Modelaje de un cuerpo'' constituye una indagación en lo esencial de las cosas, en aquello que las vuelve irrepetibles: la lluvia y la memoria, el retorno a la casa, el cuerpo y los instantes que se pierden pero que, a través del poema, de las evocaciones de un olor, del tacto, se tornan al fin recuperables. Entre la experiencia y el recuerdo, entre la sensación y la nostalgia, el cuerpo se convierte en la clave y el destino para una honda y celebratoria exploración de lo esencial. De este modo, el autor convierte el modelaje y trabajo de la corporalidad, de la mirada y el deseo, en una auténtica reconstrucción lírica del mundo. ''El poeta, estudioso de Claudio Rodríguez y filósofo Jorge Fernández Gonzalo aúna en Modelaje de un cuerpo todos sus saberes y decires para construir un vibrante diálogo amoroso, del que solo nos ofrece una de las partes, la del yo poético, que expresa el mundo para la persona amada. Un libro sobre el amor, la naturaleza y la naturaleza del amor, expresado en versos limpios y claros, como lavados por la lluvia del lenguaje''. VICENTE LUIS MORA «Sus poemas transitan la belleza de un mundo íntimo, que se sabe construido entre dos, con un lenguaje sencillo pero rico en sus formas: en su mirada se despliegan las azaleas, las milenramas, pero también los huecos desnudos y el espacio doméstico aún por habitar. Sobre todo, su poesía se traduce en la insistente invitación a amar''. ESTEFANÍA CABELLO
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Libro de poesía experimental, fuera de la común poesía española contemporánea e influida por los movimientos de avanzada de las últimas décadas en diálogo con la poesía estadounidense y latinoamericana.
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Poeta de tabernas y cafés, industrial pollero dueñodel próspero establecimiento «Aves y huevos» del barrio madrileño de Tetuán, Manuel Fernández Sanz solo publicó un libro en solitario, pero figura en todas lasantologías sobre la poesía de la posguerra junto a Gloria Fuertes, José Hierro, Gabriel Celaya, José Angel Valente, Angel González o Claudio Rodríguez. Asiduorecitador de las noches líricas de los cafés madrileños, participó como actor en un a película, frecuentólas veladas del boxeo del Campo del Gas junto a Manuel Alcántara y se convirtió en un auténtico personajede la bohemia. ''Silva, grillera y cigarral de Manolito el Pollero'' es su único libro, auténtica joya bibliográfica prologada por Camilo José Cela.
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Selección de textos por Javier Gutiérrez Lozano.A manera de resistencia ante un mundo decadente y egoísta, inundando de violencia y discursos que incitan al odio y la segregación, existen todavía aquellos que apuestan por desnudar el pecho y repartir con la palabra, gestos de amor y tolerancia.Pulso permanente nace así, como el intento de un grupo de poetas de América Latina y España, para contrarrestar un mundo que duele a diario, pero que la poesía puede ser también refugio y remanso. En medio de una de las peores pandemias de las que se tiene registro, los versos fueron un ancla afianzada a la supervivencia.
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En un artículo de 2013, el poeta y crítico Martín López-Vega decía, a propósito de la repercusión del poemario Las afueras (DVD Ediciones, 1997), debut del cordobés Pablo García Casado, que aquel era un profundo ejercicio de retratar y entender nuestro propio paisaje .Un cuarto de siglo después, Los reales sitios, libro de estreno de Juan de Salas, llega al lector como una obra capaz de capturar de nuevo ese paisaje de la mente , reflejado y refractado en el espacio que habitamos.Con una alegría parecida a la de Rem Koolhaas en sus observaciones delirantes sobre Nueva York, el autor nos muestra las líneas maestras de nuestra mitología patrimonial, remontándose a los caprichos y deseos del primero de los Austrias, y nos indica con el dedo un linaje tan bello y tradicional como capaz de erradicar la convivencia humana.Y es que nuestro paisaje sentimental ha sido diseñado por planes de urbanismo, en despachos de Fomento.Porque el destino de quienes se aman depende también del trazado de las autovías.
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Junto a La caja de plata (1985) y El otro sueño (1987), este libro completa la trilogía de la claridad o, aún mejor, de la claridadfeliz de Luis Alberto de Cuenca, puesaquí están algunos de sus poemas más alegres y desenfadados. Siguen presentes sus gra
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Poemario de la autora Aurora Gámez.Ondinas por la cinta de Möebius es un deslumbramiento, un canto al milagro que nos rodea, un viaje por paisajes mediterráneos o sierras insólitas y excepcionales como las Alpujarras o las sierras de Málaga o de las Nieves, donde habita la manzanilla junto al espliego, la amapola roja o los blancos arrayanes. Pero, también, es exaltación de la vida, del tiempo vivido y de la necesidad de retornar a los lugares antiguos de la infancia, para atrapar el instante infinito que habita en ellos, detenerlo y recuperar la llama que pervive en el corazón de sus ascuas: Sobrevivimos / al filo de los sueños / constituidos, versos de la autora que dialogan con aquellos otros de William Shakespeare, en boca de Próspero en el Epílogo de La Tempestad: Estamos hechos de la misma materia que los sueños y nuestra breve vida cierra su círculo con otro sueño.Acompaña al mensaje poético troncal una abisal reflexión acerca de la existencia y el paso del tiempo, sobre el misterio que se oculta en la materia (somos cenizas / y los mismos de siempre), una intensa indagación acerca de nuestra fugacidad y la sorpresa de nuestra insignificancia ante la magnificencia de las leyes que marcan el cosmos.
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Poesía joven Valparaíso
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Poemario del autor Armando Roa Vial.Desde otros tiempos y voces se aventura en la métrica como quien se aventura en la sangre misma del verso: pulsación y sentido, ejercicio musical intempestivo cargado de alientos, filiaciones, devociones y máscaras, escritura que se hermana a la reescritura en un gesto que, parafraseando a Peguy, ve la revitalización del lenguaje como el llamado de una tradición menos perfecta a una tradición más perfecta.
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Aunque el cenit de la literatura polaca suele estar asociado a sus grandes autores románticos, ya en el siglo XVI Jan Kochanowski (1530-1584) había elevado al más alto nivel literario la lengua del país. Y es que, verdadero humanista y hombre del Renacimiento, Kochanowski desplegó a lo largo de toda su obra una abrumadora erudición filológica, filosófica e histórica que supo combinar perfectamente con una sutilísima expresividad artística. Entre toda su producción, los ''Trenos'' (1580), un delicado conjunto de elegías dedicado a su hija Úrsula, muerta con solo dos años y medio, brillan con especial intensidad, y es que no habrá en toda la literatura polaca otras voces o sensibilidades que puedan equipararse a su ingenio, calidad expresiva y maestría compositiva hasta que Adam Mickiewicz, ya en el XIX, haga su aparición.
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Memoria apasionadade una educación sentimental que rinde tributo a los clásicos cancioneros petrarquistas, En carne vivo invoca la presencia de algunas mujeres que han marcado a fuego la vida del poeta, pero que, en el fondo, están encarnadas en la forma de un único eterno femenino. Y todo ello a través del soneto, estrofa reina donde las haya, que aparece como una declaración de compromiso con el lenguaje y también como una prueba de iniciación, un tour de force que se debe superar para imprimir en la expresión coloquial y en la experiencia cotidiana el sello de la poesía. Pero, sobre todo, es una defensa del estilo, una reivindicación de que este puede volver a establecer un vínculo con la belleza sin convertir el poema en algo ininteligible y tratando al lector con el respeto que merece.
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El hombre, arañándole a la tierra la única riqueza que atesora: el sustento, es el protagonista de este poemario sobrio y maduro que enfrenta la supervivencia a la dureza del medio. El sudor, el olor de la tierra mojada, la leña como símbolo del hogar y el consuelo del cansancio, el tacto del pan al partir la hogaza o el anhelo de un dios piadoso que ofrezca la generosidad de la tierra con menos sacrificio. Pascual García nos traslada con este poemario sobrio y bello a la esencialidad del hombre, a la dureza del campo, a una patria común donde tierra, fuego, aire, agua y luz evocan un pasado que el lector reconocerá y en el que se reconocerá.
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Alí Calderón ha escrito un libro que justifica toda una obra. Pocas veces el lector encontrará un poemario tan original, tan arriesgado, tan lleno de sabiduría y llanto, de sangre y miseria. Hay que haber cruzado el mar muchas veces y haberse ahogado en él para rescatar la lengua de quienes un día partieron hacia el Nuevo Mundo. Calderón no sólo recupera un idioma, sino que lo lleva a la mayor tensión posible, la del hombre desdichado que escribe en una pared o en una piedra para clamar piedad o memoria. Este es el libro más arriesgado que he leído en décadas, a la altura de las grandes cumbres de la poesía latinoamericana. Un libro que definitivamente convierte a su autor en el mayor poeta de México de su generación. FERNANDO VALVERDE
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Julio Aumente (Córdoba, 1921-2006) es uno de los principales componentes del Grupo Cántico y el más cercano, en lo personal y en lo estético, a Pablo García Baena. Poeta rebelde y descreído de todos los convencionalismos y escalafones poéticos, escribió siempre a rachas, sin darle importancia a su obra, nunca lo suficientemente valorada. Dueño de un mundo muy personal, parnasiano y vitalista a un tiempo, su absoluto dominio del endecasílabo y el alejandrino, pero también, y sobre todo, del difícil eneasílabo y su innegable versatilidad en los más variados registros le convierten en todo un maestro. En esta misma editorial publicó Por la pendiente oscura (1982), libro con el que vuelve a la poesía tras 25 años de silencio y De los príncipes (1990). La presente antología está recogida y prologada por Luis Antonio de Villena, valedor y amigo de Julio Aumente desde la primera hora. A. L.
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José Toro es culpable porque hace una poesía de esquinas. Gracias a los recovecos de su memoria —que es la memoria de su hermano— el artista urde un complejo juego, donde el dolor y la belleza en ocasiones se funden, se abrazan… en otras se evitan, discuten o simplemente se desvanecen. El poeta encuentra en la ambivalencia del juego y en los pasos pueriles que nos introducen en la vida ese mismo asombro ante la muerte. La memoria en manos de Toro es una bestia dormida, un formidable suspiro que invita a pensar cuáles son los gestos y los recuerdos que construyen el archivo. Estamos ante uno de los obituarios más conmovedores de la poesía española contemporánea. José Toro comparte el retrato ácido de la muerte de un hermano a través de esta miscelánea de recuerdos, confabulaciones y veladas que se reproducen en los momentos de final de vida. Con una increíble audacia el poeta es capaz de condensar los sentimientos encontrados de la pérdida con una idea férrea de memoria que sostiene cada uno de sus versos. El recorrido que José Toro traza alrededor de la enfermedad es un archivo fotográfico repleto de combinaciones donde conviven la ternura, la nostalgia o los olores ácidos del hospital. Así es como Cruel amapola une palabra e imagen presentándonos a un artista polifacético y consolidado. Acompañados por su mirada particular, el artista nos conduce por un espacio inacabado de destellos fugaces. Un alarido de fuerza y vida necesario. «Tú que fuiste el más listo para perecer /igual que desaparecías los fines de semana /y volviste un lunes, divinizado».
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Kathleen Raine (Essex, 1908, Londres, 2003), escribió poesía, memorias y ensayos (el más celebrado sobre William Blake). Su obra, de gran calidad, no precisa del malditismo que acompañó a otras poetas de su época. Profesora en Harvard, recibió los más altros honores académicos e institucionales.
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Poeta del amor y la memoria, Víctor Jiménez, uno de los autores españoles más destacados de su generación, nos entrega en este volumen una selección de lo más significativo de sus versos escritos a lo largo de más de cuatro décadas. Poemas cultos, poemas populares, versos blancos, versos libres o rimados conforman estas páginas en una gama de gran diversidad cromática, de luces y de sombras, de gozo o de dolor, siempre de intensas emociones que hacen del libro un manual humano, la experiencia de un hombre de nuestra época, con la herencia de todas las épocas, que sabe armonizar con maestría lo formal con el contenido, siempre dentro de los cánones más amplios de la tradición poética andaluza y, en concreto, de la denominada escuela sevillana.
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Mírate toda llena de arrrrruñazos Eras blanca y pareces una mancha roja Cierva ciega de andar entre espinos y estrellas Yo te quiero De puro dañar el daño con tu daño Te quiero Eres la única cosa que quiero Juan Andrés García Román Juan Andrés García Román (Granada, 1979) se dedica a la poesía, la traducción y la enseñanza. Es autor, entre otros, de El fósforo astillado (DVD Ediciones, 2008) o Fruta para el pajarillo de la superstición (Pre-Textos, 2017), publicado en esta colección. Entre sus traducciones se cuentan Floreced mientras. Poesía del Romanticismo alemán(Galaxia Gutenberg, 2017) o Un tenue éter indeterminado. Hongos de Yuggoth de H. P. Lovecraft (Pre-Textos, 2019). Su poesía ha sido antologada en muestras dela poesía española reciente como La cuarta persona del plural (Vaso Roto, 2016), Centros de gravedad (Pre-Textos, 2018) o Grand Tour-Reisen durch die junge Lyrik Europas (Carl Hanser Verlag, 2019).
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Los poemas de este Cántico espiritual de Blas de Otero sabían más de su autor, de lo que habría de ser el resto de su vida, que los sueños, los presagios o los ideales de aquel muchacho de Bilbao. Quizás ese es el sino del poeta. Como una profecía cuyo significado desvela el tiempo, una primera obra ùel Cántico espiritual de Blas de Otero es una primera obraù puede embrionar el resto de una vida. Y, como en casi todos los asuntos importantes, ser el poeta el último en enterarse, pues el poeta está dentro de esas palabras y, desde dentro, la magnitud de lo que se nos está echando encima ùguerra, desamor, desesperaciónù no suele ser avistada.
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En 2002, Luis Alberto de Cuenca recoge en ''Sin miedo ni esperanza'' su producción poética desde 1996. Sin apartarse de la línea más sombría iniciada en su anterior libro, ''Por fuertes y fronteras'', serena ese desaliento venciendo el miedo, pero renunciando a la esperanza, tal como dice lema de Isabella d'Este, una de las mujeres que brillaron en el Renacimiento italiano, que da título a este poemario. Dividido en seis partes, de nuevo aparecen los viejos mitos junto a los generados por la cultura popular, el amor, la sinrazón de la vida y el humor, ese bálsamo para la tristeza que permite adentrarse alegremente en las vísceras más oscuras de la realidad. Formalmente impecable, muestra la enorme madurez creativa de su autor, capaz de modelar los versos a su antojo, acudiendo en ocasiones al endecasílabo o al alejandrino, en favor del ritmo de esa línea clara que es marca de la casa.
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Serge Lamothe es un poeta canadiense con una obra extensa y reconocida. Esta edición supone la primera vez que su poesía ha sido traducida al castellanoCon Mi tierra es un fondo de océano, primer poemario del autor traducido al castellano, el lector tiene la ocasión de entrar en el universo narrativo de Serge Lamothe, que va desde La longue portée (1998) hasta Des nouvelles de la posthistoire (2021), un universo que oscila entre la cruda realidad y los vuelos de la imaginación, entre los enigmas de lo más íntimo y las lacras sociales, con una honda preocupación por su tierra natal, país de colonizadores a su vez colonizados, pero también por el desastre a escala planetaria que parece esperarnos, a menos que nuestra civilización enderece drásticamente el rumbo. Y todo ello, con un tono donde la seriedad de la denuncia y el compromiso con la transición ecológica y la paz mundial no excluyen la fantasía distópica, la invención lingüística, el humor y el puro placer de escribir y leer. Y precisamente, ese doble perfil, el de lo puramente poético y lo más impuramente humano, es lo que le da su especial encanto a la poesía de Lamothe.
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Unha colección de postais de faros con poemas do mar ou viceversa? O que tes nas mans é moito máis. É un artefacto poético e visual que emerxeu das augas da Costa da Morte, onde vive o seu autor, o artista oceánico Xosé Iglesias. Páxina a páxina, funde o misterio máxico da fin do mundo coa beleza directa e salvaxe do mar. Combina, así, a súa paixón pola poesía, pola pintura e por ese universo mergullado que navega a diario, por ese mundo feito de sal, vento e sol, e habitado polas súas criaturas icónicas: baleas, candorcas, delfíns... Un obxecto con múltiples usos. Agasallalo completo ou por partes, gozar dos seus versos e ilustracións ou enviar as imaxes dos faros da Costa da Morte dunha punta a outra do mundo. Cada faro conta con dous elementos: a tarxeta postal por unha banda e, pola outra, un poema no que, ademais, poderemos anotar a persoa á que lle enviamos a postal. Sexa cal sexa a finalidade que lle deamos, é un auténtico tesouro que nos fará sentir o amor que o artista profesa polo mar, por ese universo que non podemos deixar morrer.
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