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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Técnicamente y formalmente muy cuidado, en palabras de Antonio Colinas, este poemario, propone una reflexión sobre las cosas sencillas, sobre los elementos cotidianos de la naturaleza que a veces pasan inadvertidos: la tierra, las cosechas, un cántaro de barro, la cebolla, el zarzal... Se elogia lo sencillo, la materia que alimenta las sensaciones y afecta a lo más íntimo. A través de elementos físicos y sensoriales, el autor medita sinceramente sobre el entorno del hombre, lo que le rodea: las plantas, los pájaros, el silencio y la palabra que sustenta la creación literaria y la poesía. Con ''Piel de trigo'' Servando Cano ha obtenido el XXI Premio de Poesía Ciudad de Salamanca.
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Aquest volum reuneix tres poemes llargs escrits entre 1979 i 1985 pel gran poeta avantguardista José Coronel Urtecho, motivats per l'influx de la victòria revolucionària a Nicaragua. No volverá el pasado -primer retorn a la poesia després de més de vint anys de silenci-, Paneles de infierno -descripció dantesca dels governs dictatorials de la família Somoza- i Conversación con Carlos -narració d'un únic encontre amb Carlos Fonseca Amador, un dels fundadors del Frente Sandinista de Liberación Nacional-, es despleguen en enunciacions narratives sense ornaments retòrics, sense metàfores ineptes i amb decidida parcialitat envers aquells que pateixen la història.
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ROSARIO CASTELLANOS (Ciudad de México, 1925 - Tel Aviv, 1974), una de las voces imprescindibles de la poesía en lengua española del siglo XX. Durante su infancia vivió en Chiapas. Cursó estudios de letras en la UNAM y estética y estilística en Madrid. Trabajó en el Instituto Indigenista Nacional apoyando las condiciones de vida de los indígenas y de las mujeres de México. Profesora en la UNAM, Wisconsin, Colorado e Indiana. En 1971 fue nombrada embajadora en Israel, donde falleció. “Una y otra vez la poesía de Rosario Castellanos nos recordó que la vida no es eterna y el sufrimiento no es molestia accidental sino la condición misma de la vida. Pero lo hizo en un lenguaje de tanta fluidez y luminosidad que la impresión final no corresponde a la pesadumbre sino al goce ante el trabajo artístico bien realizado.” JOSÉ EMILIO PACHECO
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Profundamente humana, la poesía meditativa de Javier Lostalé nunca opera de manera abstracta, sino yendo a beber a lo real, haciendo de lo real el punto de partida y de llegada de cualquier reflexión. En Cielo, el poeta lleva a cabo un proceso de sublimación, de concentración expresiva, que si ya era perceptible en sus libros anteriores, aquí adquiere toda su plenitud. En él la desnudez, la depuración son primordiales. Ya no asistimos de forma explícita a la carga autobiográfica, sino que todos los elementos están sometidos auna prueba de despojamiento, de esencialidad, de reducción de la anécdota respecto al significado simbólico que esa anécdota concita. El amor, la muerte, el tiempo, la soledad, la vida que se vivió y la que no se vivió, se escriben aquí con un lenguaje tenso y bello, de enorme carga emocional. A veces leemos estos poemas como un ajuste de cuentas del poeta consigo mismo, otras como las palabras que forman un testamento. Lostalé se mira en el espejo de los años y ve que las heridas y las pérdidas son las líneas que forman su rostro, perosobre todo aquel que ya no está, el que murió, el que se sepultó en la sombra.
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Un libro muy especial del gran poeta vasco Kepa Murua: homenaje a un amigo muerto.
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Herbario, cuaderno de campo y poemario de un operario de jardines. La fuerza de la empatía y la observación sensible en un duro contexto.Un operario de jardines avanza cuaderno en mano. Su desbrozadora calla, por fin, abandonada bajo un árbol. Entre sus manos: un cuaderno, algún bolígrafo, quizás un lapicero. Su actividad previa, guiada por ese humano intento de someter espacios y moldearlos a disciplinados deseos de la sociedad, poco a poco se aplaca. Despierta la observación. La empatía. La capacidad de sentir con. Lo mejor de ese humano regresa cuando comienza a secar el sudor de su frente y nuestro particular jardinero abre su sensibilidad al mundo. En ese remanso, breve, furtivo, Gsús Bonilla dibuja y escribe un cuaderno de campo, un poemario, un canto a todas esas plantas que habitan a nuestro lado, que conviven con nuestra increíble arrogancia, un canto a plantas y árboles que componen la base de nuestro mundo, el eje de mil dependencias cuyo reconocimiento limpia nuestras mentes e introduce algo de optimismo en este complicado mundo.
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VICENTE HUIDOBRO (1893-1948), chileno de nacimiento, no sólo fue uno de los grandes animadores de las vanguardias europeas del siglo, sino uno de sus más importantes creadores, y su poema Altazor (Madrid, 1931), comparado por su importancia a La tierra baldía, de Eliot, y a Anábasis, de S. J. Perse, es, sin duda, una de las cimas de la poesía del siglo XX. «Un poeta debe decir esas cosas que, si él no existiera, no habrían sido dichas por nadie. La cosa creada contra la cosa cantada. Hacer un poema como la naturaleza hace un árbol. La emoción debe nacer sólo de la virtud creadora». Los textos que utilizamos son los establecidos de manera definitiva por la Fundación Vicente Huidobro de Santiago de Chile.
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L'autor es val d'un tema tan recurrent com és el pas del temps, però aquesta vegada s'arrisca a tirar endavant un projecte que ha guardat durant anys en el seu interior. És habitual que Raimond expressi el mateix missatge en els seus poemes, és a dir, sovint parla de les fites que ha aconseguit al llarg de la vida, malgrat que gairebé totes a destemps, però no pas en El temps se me'n va. Així doncs, El temps se me'n va és un recorregut vital del temps, però també, l'apèndix o l'epíleg que s'endinsa en aquell temps que hi haurà quan haguem esgotat el temps. En aquell punt caldrà preguntar-nos com serà el temps, quan el temps se n'hagi anat?
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Pedro Sevilla (Arcos de la Frontera, Cádiz, 1959) ha publicado hasta el momento tres interesantes novelas y un extraordinario libro de memorias, La fuente y la muerte (2011) pero es su poesía, por vez primera reunida ahora en un solo volumen la que le otorga un lugar, mucho más destacado que reconocido, en su generación, la llamada generación de los 80. Es la suya una poesía esencial, en el sentido que lo era la de Antonio Machado, que parece brotar con naturalidad y sin aparente necesidad de apoyo en artificio retórico alguno, desde lo más hondo. Poesía sorprendente, más aún en la hora actual, tan condescendiente con lo sentimental, con los fáciles sentimentalismos, porque es capaz de ser arte (con todas sus sabidurías y exigencias) y a la vez de llegarnos directamente al corazón, como casi todos los poetas genuinos, desde Jorge Manrique a César Vallejo. A.L. Pedro Sevilla nació en Arcos de la Frontera (Cádiz) en 1959. En 1989 la colección de cuadernos «La Poesía más joven», dirigida por el poeta Francisco Bejarano, publicó sus primeros poemas. Al poco tiempo salió publicado Y era la lluvia, amor (Barro, 1990), así como un estudio-antología de la obra del poeta arcense Julio Mariscal Montes titulado Diez de Julio (Ayuntamiento de Arcos de la Frontera, 1990). Desde entonces han ido apareciendo otros poemarios como Septiembre negro (Renacimiento, 1992) y Sendero Luminoso («Cuadernos de la Moderna», 1994), este último dentro de la colección dirigida por el poeta José Mateos. En 1995 obtiene un accésit del Premio Internacional de Poesía Rafael Alberti con el libro La luz con el tiempo dentro, que viene publicado en el siguiente año bajo este mismo sello editorial. Pedro Sevilla además ha colaborado en numerosas revistas literarias y ha sido columnista de prensa. También ha publicado las novelas Extensión 114 y 1977, aparecidas en Quorum Libros Editores en 2000 y 2002 respectivamente. Sus últimos libros de poesía hasta la fecha son Tierra leve (Renacimiento, 2002) y la antología Todo es para siempre (Renacimiento, 2009).
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Con la aparición en 1985 de La caja de plata (Premio de la Crítica 1986) Luis Alberto de Cuenca optó por una poesía de «línea clara», narrativa, coloquial y, aparentemente, sencilla. En sus páginas, la épica caballeresca baja a la calle y se pone a leer cómics o novelas policíacas, o se va al cine a ver una película de terror o de aventuras. El Guerrero del Antifaz camina del brazo del Marqués de Bradomín, fundiendo lo popular con lo decadente y el mundo mítico de los cuentos de hadas con la magia de lo cotidiano. Aunque desde entonces ha permanecido fiel al mismo estilo, la renovadora originalidad de sus versos hace de La caja de plata un libro único y explica su poderosa influencia en la poesía española contemporánea.
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Autobiografía lírica de un paseante compulsivo y solitario, quizás vencido antes de tiempo, cuyo deambular continuo por idénticas calles repetidas parece guiado por la oscura intuición de que no nos pertenece la felicidad. Si la realidad se asemeja a una farsa, tan solo queda, intacto, el refugio de los automatismos y los pequeños ritos cotidianos. En De mis soledades vengo ha querido Marcos Tramón compartir con nosotros, los lectores, la trama invisible de sus días, consciente de que toda vida puede caber en unas pocas sílabas. Marcos Tramón (Oviedo, 1971) ha publicado los libros de poemas Escombros (1996), Los días que te explican (2001), Desgana (2010) y Stricto sensu (2016). Es autor también del estudio bibliográfico Años, libros, vida. Ha sido incluido, entre otras, en las antologías La generación del 99, de José Luis García Martín, Poesia espanhola. Años 90, de Joaquim Manuel Magalhães, y Geometría y angustia. Poetas españoles en Nueva York, de Julio Neira. Colabora en revistas como Clarín o Anáfora.
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Con la concisión que la palabra poética le otorga, el autor explora los territorios europeos, cuna de grandes civilizaciones, pero también temibles escenarios de barbaries. Bellos, aterradores y contradictorios, siempre en busca de sí mismos, siempre en disputa, estos paisajes son los protagonistas de un poemario que no pretende ser un libro de viajes al uso, sino una respuesta muy personal al sentido del devenir histórico.
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ESTE ES UN POEMARIO QUE DARÁ MUCHO QUE HABLAR. Rosana Acquaroni nos ofrece La casa grande, su sexto poemario, un retorno a ese bancal de tierra removida que es la infancia. Una infancia marcada por un secreto familiar y atravesada por la presencia/ausencia de una madre, víctima de una época siniestra y tenebrosa como fueron la posguerra y la dictadura. La casa grande se convierte, así, en escenario vivo donde ir recuperando, a través de la mirada de una niña, sensaciones, vivencias, desencuentros, no como un ejercicio de nostalgia sino de denuncia. Un espacio poético donde no se descuida la preocupación por el lenguaje, pero que es capaz de desalojarnos, de dejar a la intemperie nuestras más íntimas renuncias.
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'Duerme sobre mi espinazo'' articula un eros poético revisando los usos del amor en nuestros días. Con esta obra Montserrat Fernández confía al lector su experiencia de encuentro y pérdida de un amante, buscando su complicidad a través de imágenes intensas y referencias a lo cotidiano que trascienden los ritos ordinarios y los convierten en símbolos de emociones profundas. A lo largo del poemario hallamos ecos de Alejandra Pizarnik, de los juegos de palabras de Cortázar y de la inquietud de Pedro Salinas, entre otros referentes que convierten al discurso en una rica reflexión estética de la poesía amorosa contemporánea, conformando con ello un juego de intertextualidad que sitúa a la obra dentro de la mejor tradición de la poesía amatoria en nuestra lengua.
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Aquest llibre pot ser llegit com el diwan andalusí d'un poeta actual, com una antologia de versos àrabs clàssics que han perdurat en l'imaginari de la tradició posterior. És a dir, de la tradició literària que s'instal·là al país on ells visqueren i escrigueren els seus versos. Aquest llibre és també, doncs, un homenatge i un reconeixement a la perdurabilitat de la paraula poètica, en tant que la manera artística d'interpretar un món vital, desbordant la temporalitat i l'oblit implacables, fins a convertir-lo en l'evitern paisatge d'un paradís de paraules. D'un jardí llunyà que només els mots mantenen viu. D'un patrimoni de memòries que no mereixen ser esborrades. D'un calidoscopi de lluminoses meravelles renovades. De la invitació a la lectura de Josep Piera Josep Piera (Gandia, 1947) és poeta, traductor i narrador. Com a poeta, cal esmentar el llibre El somriure de l'herba (1982), el recull Dictats d'amors (1991), l'antologia Cants i encants (2004) i El temps trobat (2013). Dels seus llibres narratius citarem els de temàtica àrab o andalusina: El paradís de les paraules (1995), Seduccions de Marràqueix (1996) i El jardí llunyà (2000). Entre els premis literaris obtinguts es poden destacar el Carles Riba, el Sant Joan i el Josep Pla. És membre de l'IEC.
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«No tinc res més que la poesia. En aquest sentit, sóc el propi cor salvatge. Si no fos per la poesia, jo podria estar en la més pura indigència, ni vosaltres, ni ningú no em reconeixeria, em moriria sense haver existit. És la meva única esperança de salvació, perquè descarto la salvació transcendental. La meva poesia se salvarà tota sola si té força per a això. Ella es defensarà tota sola, cada poema té el seu karma. D'ara endavant, no tinc ja cap responsabilitat sobre els meus poemes.» ORIDES FONTELA Orides de Lourdes Teixera Fontela va néixer a São João da Boa Vista (SP) el 21 d'abril de 1940, on va viure fins al 1966, any en què es va traslladar a São Paulo. Va ser mestra d'escola i bibliotecària. És una de les poetes brasileres més importants del segle XX. Pertany a la generació dels escriptors Hilda Hilst, Adélia Prado, Roberto Piva i Paulo Leminski. Kant, Heidegger, Wittgenstein o el budisme zen van influir en la seva poesia, no debades havia estudiat Filosofia a la Universitat de São Paulo, on es va llicenciar el 1972. És autora de Transposição, 1969, Helianto, 1973, Alba, 1983, Rosácea, 1986, Trevo (1969-1988), 1988, Teia, 1996, Poesia reunida (1969-1996), 2006, i, finalment, Orides Fontela - Poesia completa, publicada a São Paulo per l'editorial Hedra el 2015. Fontela va morir el 2 de novembre de 1998 a Campos do Jordão.
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Una necesidad de clarificar el mundo, de volverlo más lúcido y sincero, mueve los versos de Vicenta Maturana. Como si una sola voz no bastase a su propósito, la autora cultivó numerosas formas poéticas -incluyendo el poema en prosa, en el que resultó pionera en nuestro idioma- y en cada una dijo con un tono y con distinto rigor, desde la ligereza del amor juvenil hasta el dolor del olvido, desde la indagación descarnada de la propia miseria hasta la crueldad burlona de la sátira. Con una capacidad admirable para pasar de lo leve a lo grave, y de las cosas pequeñas a las grandes cuestiones, Vicenta Maturana aunó en su obra el orden ilustrado y la emoción romántica, conformando una visión sobre el saber, el sentido de la vida y el rol de las mujeres capaz aún hoy de interpelarnos.
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Garras del paraíso, es el reflejo poético de una existencia vivida al límite. Charles Bukowski hunde su lírica en las drogas, el sexo y el realismo sucio de las clases más oprimidas, una desolación que siempre buscó la belleza.Escritor de culto en toda Europa, Charles Bukowski usó la poesía para describir la depravación de la vida urbana y retratar a las clases más oprimidas de la sociedad norteamericana.
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La gran artista India Martínez nos muestra en su primer libro sus emociones más íntimas a través un precioso conjunto de textos relatados con sensibilidad y emoción y acompañados de sus propias ilustraciones. «La verdad es muy subjetiva, depende de la piel que la percibe». Bellamente ilustrado por la propia artista, Verdades a medias es una colección de textos poéticos y dibujos en los que la cantante India Martínez indaga en lo más profundo de sí misma y de sus vivencias, transportándonos a su universo más personal. Nostalgia, dolor, amor, fantasía y hondura llenan las páginas de esta declaración de intenciones, de esta rasgadura de alma de la artista, que se desnuda de canción para vestirse de letras y ofrecernos su faceta más transparente y cercana. «Iré dando una de cal y otra arena. Una de voz y otra de música, una de India y otra de Jenny».
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W es la letra con la que Javier Pérez Walias concilia su álbum familiar, enfrenta distintas formas del dolor humano y pretende saldar algunas cuentas con los ausentes. Para lo cual, urde un discurso descarnado que va desde la elegía a la crónica, desde lo íntimo a la mesurada celebración de lo vívido. Acerado todo por un vertiginoso ritmo y una imaginería que desemboca en hallazgos deslumbrantes: «Gime la rabia en mis ojos porque otrora gimió como un cordero en los ojos de mi madre+. El pasado y el presente, la memoria y los recuerdos, el olvido y la vida se entrecruzan creando mundos que trascienden para volver a otorgar presencia a lo que ya no está. Julio Cesar Galán
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La prosa poética y los versos que recorren esta obra nos hacen mirar hacia lugares desconocidos, quizá imaginados o a nuestro alrededor más cercano y cotidiano. La extrañeza y la melancolía son los lenguajes que utiliza Lezón para derrotarnos, como esa mirada perdida y solitaria de los ciervos que hipnotiza y nubla la visión que tenemos de nosotros mismos. Los minúsculos latidos son palabras que se unen, metáforas que nos acercan a fragmentos de vidas, donde hay bosques y lagos, nieve y luces, grietas, amor y silencios. Los poemas de Ricardo Lezón, como sus canciones, esconden mucha verdad y un camino. Solo hay que dejarse llevar.
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Es tracta d'un poemari que el seu propi autor ha definit com «una emanació de silenci que pren forma en les paraules. És un abisme que es fa paraula. També hi és molt present la transformació i la tendresa, individual i col·lectiva. Un laberint, també el del mite grec, però mirant a orient, fusionant-s'hi, i fent que tot plegat també parli d'escriure, de viure. Però, més que res, són flames que et cremen per dur-te al silenci, per trobar-te amb tu en la cendra, més enllà del que diuen els mots i el significat concret que cadascú li vulgui donar».
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Louise Glück, Premio Nobel de Literatura 2020, además de ser una poeta brillante, es una ensayista a la vez generosa y aguda. En este volumen se reúnen sus dos libros de ensayos literarios, Demostraciones y teorías (1994) y Originalidad americana (2017), escritos con la misma sagacidad y precisión de lenguaje que caracterizan su poesía. En ellos, explora la obra de poetas consagrados, como Eliot o Wallace Stevens, y también de autores más jóvenes, como Dana Levin o Richard Siken -seleccionados por ella misma para el Premio Yale a Jóvenes Poetas-, y con gran claridad de pensamiento pone en tela de juicio valores supuestamente norteamericanos como el narcisismo y el genio, y obliga al lector a considerar la poesía contemporánea y a sus semidioses de una manera radical y deslumbrante. Abordados desde su experiencia personal, entrecruzando sus reflexiones con su propia educación y vida como poeta, sus ensayos son verdaderas piezas literarias.
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El ahondamiento en los entresijos de la conciencia es una labor de orfebrería que solo el buen Artesano de la palabra, en todo su sentido platónico, es capaz de materializar. Lana en la garganta desciende hacia las intimidades de la palabra poiética para revelar ese sentido que se oculta tras la máscara de lo cotidiano.Tejer y vivir están conformados por la misma naturaleza creadora, encauzada a través de una palabra que se encuentra en el umbral de la experiencia particular y una verdad de orden universal. El transcurrir de la existencia en la forma del ovillo adquiere unos contornos concretos, pero es al desplegarse cuando alcanza su sentido pleno. En ese recorrido, el hilo hace las veces de guía para un individuo que busca escapar del laberinto del Ego y precipitarse hacia los límites de la identidad. Como Penélope, el yo poético es una potencia femenina, engendradora, que se recrea tejiendo y destejiendo los hilos de su propia subjetividad.
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Un amor antiguo de Luisa Castro: una vuelta al origen «antes incluso de tus recuerdos». Un poemario que contornea la figura del padre y la sombra siempre de fondo de la madre, dos personas en una, una forma de amor, un amor de entonces, de certezas, «estaban uno con otro / y el sentir no tenía idioma / no lo tiene». ¿Y si el antes es también hoy? Solo así se entendería que en estos poemas no hay asomo de nostalgia. Sí, acaso, desarraigo, «yo no puedo saber / qué significa ser de esta tierra», entre el cuerpo, «la soledad de un cuerpo que no se ama a sí mismo», y el silencio, «pero tú vienes de un lugar / donde aún se habla / y yo enmudezco». Poesía, que diría la autora de Los versos del eunuco, como «intento de tocar el nervio de la lengua que nos mantiene atenazados y que nos libera».
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Poemario de la autora Celia Martínez.Las despedidas, la experiencia de la mujer migrante, la soledad, el shock cultural, son los temas que se recogen en Nosotras las desterradas, un poemario sobre el desarraigo, pero también sobre la celebración de la identidad nómada del siglo XXI. Las diferentes geografías, Valencia, Oaxaca, Alicante, el desierto Mojave, Los Ángeles, Cuba, Ohio, la Mancha, se van hilando como espacios liminales, postales afectivas, escalas en un largo viaje de avión. Finalmente, el concepto de desterrada se erige como una posibilidad de encontrar consuelo en tierras de nadie. Pero, sobre todo, se contempla la certeza de saberse comprendida por todas aquellas personas que navegan la alienación, el deseo en constante conflicto, la falta de un hogar permanente y la pérdida.
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Si quisieras podrías levantarte y volar, de José Carlos Rosales, es un libro poético de una radical contemporaneidad. Se trata de un solo poema que, dividido en 25 secuencias, ''narra'', en segunda persona, la fuga improvisada de un hombre durante una monótona tarde de agosto. Poesía urbana, vivida, con una gran carga emocional, que pone al lector ante algunos de los símbolos que marcan la cotidianidad del siglo XXI: automóviles, gasolineras, una grúa municipal, sótanos y bares, tiendas cerradas, periódicos olvidados, un centro de salud, caminos vecinales, la luna llena y un deseo: el de la huida.
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En 1976, tras una tormentosa e intensa historia de amor que había concluido unos años antes, Kate Millett escribió uno de sus textos autobiográficos más célebres, Sita, una exploración a corazón abierto de su relación íntima con la mujer a la que alude el título de la obra. Poco después de la publicación de la primera versión del libro, Sita tomó la decisión de quitarse la vida, y a modo de homenaje, y también para completar la historia de una atracción tormentosa y enriquecedora, Kate Millett recuperó el texto de partida y lo actualizó con los acontecimientos finales de una relación que marcó su vida. Esa versión del libro es la que publicamos en Alpha Decay en otoño de 2018. Sin embargo, no fue el único homenaje póstumo que la autora le dedicó a su amada: en 1979, de manera independiente y casi clandestina, apareció otro libro más íntimo en el que Kate volvía a volcar la obsesión por aquella historia de la que, claramente, aún no había podido alejarse emocionalmente de manera suficiente. Esta Elegía para Sita es una colección de recuerdos sobre algunos de los fogonazos más memorables de su relación, y también la recuperación de las impresiones primeras de Millett tras conocer el suicidio de Sita. En total, son cuatro textos breves ...más una colección de poemas... que abordan de una manera lírica y sin cortapisas las claves de la atracción y la fascinación hacia una mujer: los buenos momentos y la obsesión del amor irracional, la conmoción por la muerte y la dura gestión del duelo. Un testimonio desgarrador acompañado de ilustraciones de la propia autora que había permanecido prácticamente oculto en su versión inglesa, e inédito en español hasta esta edición, que mantiene el diseño original en tapa dura y formato apaisado.
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Mi fascinación por la Unión Soviética fue siempre más literaria que política, más por los rusos que por los sóviets, y más en la estela de Chéjov, Dostoyevski, y posteriormente Bulgákov, Mandelstam (Osip y Nadezdha) y Brodsky que de los adalides de una revolución que quiso crear un hombre nuevo a sangre y fuego, con estragos que ahora recuerda de forma tan certera como desgarradora Svetlana Aleixévich. Este Cuaderno ruso (con incrustaciones portuguesas) es una incursión en un pasado remoto, un viaje, una historia de amor y sus secuelas, que no han dejado de perseguirme con su aura de ironía y frustración, de palabras contra fantasías... políticas, sexuales, literarias. ALFONSO ARMADA
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Esa es la lucidez que caracteriza la poesía de Antonio Jiménez Millán, una poesía culta a la hora de huir del culturalismo y de acercarse a las ciudades para elegir una tradición de libros vividos: una música marcada por la sobriedad del mirar. Basta con mirar y dar testimonio de la mirada para convivir a la vez con el presente de uno mismo, con los ecos de la historia y con las huellas de las otras vidas. La mirada siempre es personal, un acuerdo entre el propio sentir y la realidad del mundo. Pero la mirada retrospectiva es siempre infiel, una reelaboración inevitable de lo vivido. Acordar el deseo con la lucidez, o con una conciencia nítida de la infidelidad, nutre la raíz de esta poesía. Es la única forma de aspirar a la verdad sin perder el pudor. Luis García Montero Antonio Jiménez Millán (Granada, 1954) es catedrático de Literaturas Románicas en la Universidad de Málaga. Ha publicado siete libros de poemas: una selección de los primeros, entre los que destaca Ventanas sobre el bosque (1987), se encuentra en la antología La mirada infiel (2000). Sus libros más recientes son Casa invadida (1995), Inventario del desorden (2003) y Clandestinidad (2011).
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Sus poemas se han acercado al gran público a través de las redes sociales bajo el seudónimo de @meer_versa. El final feliz de esa aventura no podía ser otro que su primer libro, Vida después de la huida.
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Según William S. Burroughs: ''de la poesía escrita por poetas de Costa Rica, me interesa mucho la de Alfonso Chase. Es desacostumbrado encontrar un poeta tan rico en imágenes y en sensibilidad, así como una carga cultural en donde se esconden influencias de Auden y Octavio Paz. Sus poemas de amor son valientes, claros y hasta humorísticos.
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Paul Valéry, uno de los grandes intelectuales del siglo XX, se ocupó de Narciso en varias de sus obras, uno de los personajes míticos que más ha cautivado a la cultura de Occidente, y ahora, gracias a la labor de Pedro Gandía, podemos disfrutar en lengua española en esta edición bilingüe que reúne varios trabajos que giran en torno al personaje cuya imagen, como la de Orfeo, simbolizan, encarnan la rebelión contra la cultura basada en el esfuerzo, la dominación y la renuncia. Narciso, como Orfeo, nos recuerdan la experiencia de un mundo que no está para ser dominado y controlado, sino para ser liberado, una libertad que dará salida a los poderes de Eros, encerrados en las formas reprimidas y petrificadas del hombre y la naturaleza.
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L'escriptora Mercè Amat i l'artista Goretti Pomé -totes dues, a més, professores- ens conviden a capbussar-nos en un diàleg on convergeixen la paraula poètica, la vibració pictòrica i la reflexió intel lectual. Les autores conversen sobre quatre fases que defineixen el procés creatiu (observació, interiorització, interpretació i expressió). I ho fan de manera molt personal i distesa des d'un marc de recerca espiritual compartit. Pintures, cartes i poemes, i dos textos finals sobre el sentit i l origen de la creació artística, conformen Art i Creació. Veus en diàleg. Una obra singular que reivindica el caràcter transformador i humanitzador de l'art i que ens convida a fer el camí de l autoconeixement cercant el que és essencial i esperançador.
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On la sang és un llibre on es parla dels fets i els sentiments més extrems de la vida, aquells que ens alteren les rutines per fer-nos sentir que hi ha forces que de manera imparable ens arrosseguen a tastar les estranyes alquímies de la vida que ens toca viure. S’hi evoquen aquelles coses que ens fan sentir que els desordres vitals no només ens ajuden a vèncer l’atonia dels minuts sinó que ens fan prendre consciència plena d’ésser vius. Per això, On la sang transita pels desordres naturals de la vida i hi trobareu poemes que van des de la força salvatge de l’erotisme fins a la por de qui se sent extraviat o, també, fins a la percepció de la mort com una realitat propera. Tot i així, goig i dolor no es presenten com a sentiments deslligats, sinó com a parts indissociables del nostre ésser, aquest tot on conflueix allò a què al·ludeixen els poemes del llibre: els moments de desordre o de lluita que han traçat cada una de les cicatrius que duem al cos i que són, alhora, la nostra història i el nostre present.
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Muerte y amapolas en Alexandra Avenue es un libro que profundiza en el amplio abanico de sentimientos al que se enfrenta el emigrante. De la esperanza y el temor del recién llegado a su destino, a la soledad y desamparo del que sobrevive pero no consigue convivir en una tierra extraña. Armado con su pluma y una visión aguda y certera de la realidad circundante, el autor se sumerge en los barrios londinenses para sacar a la luz las paradojas del enfrentamiento intercultural en nuestro mundo cada vez más globalizado. Londres está ahí, más próximo que nunca, pero frente a él aún pervive el temor telúrico, la extrañeza ante lo nuevo e incomprensible.
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