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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Anillo de silencio es el primer libro de poemas de la nicaragüense Claribel Alegría. Fue recopilado por Juan Ramón Jiménez y Zenobia Camprubí en 1943, después de el premio Nobel español la acogiera como su discípula en la capital de Estados Unidos. El libro se publica en España por primera vez.
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Pere Rovira és un dels poetes majors de la literatura catalana actual. Avui és sempre recull una tria dels poemes dels set llibres publicats al llarg de més de quaranta anys, que li han valgut premis com el Carles Riba o els Jocs Florals de Barcelona i el reconeixement de crítics i lectors. La tria i el pròleg són obra del mateix autor. La poesia de Pere Rovira ha estat traduïda al castellà, a l'anglès, al gallec, al francès i al rus.
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Es tracta d'un poemari de prosa poètica dividit en cinc parts. La prosa poètica no acostuma a dependre de la mètrica, que marcaria el vers, sinó de la capacitat de suggeriment de les paraules, la bellesa de les imatges i l'acumulació de metàfores i altres recursos literaris. En aquest poemari, l'autor reflexiona, ironitza de vegades, sobre la contemporaneïtat i les seues derivades des d'una perspectiva crítica: les experiències vicàries, la hiperdigitalització de les nostres vides, de les nostres rutines o la superficialitat en què ha caigut la societat, són alguns dels temes que aborda el poemari.
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Un diàleg amb la infantesa, i amb els absents més estimats, que vol interpel·lar a un mateix i a cadascun de nosaltres sobre les tensions que sacsegen el món actual.
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Estos poemas se fueron escribiendo bajo el presentimiento de que empezar una relación aboca a su fin. La derrota está escrita en el libro de la vida y, sus páginas, incluso las más alegres, pronostican el triunfo de la muerte, lo que es compatible con celebrar la existencia en cada una de sus levitaciones. El autor, que identifica a la persona amada con la naturaleza, apuesta por la melancolía como forma de conocimiento, e intenta demostrar que el fracaso puede ser luminoso como una hoguera. Asunto que amplifica la idea heideggeriana de que somos seres para la muerte. Así, el amor se convierte en trampolín que pone a prueba las costuras de la vida. No importa sucumbir ahogados. La muerte triunfa, pero es signo de vitalidad. Y el que no esté dispuesto a sufrir será incapaz de amar.
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Emoción e imaginación: el mundo personalísimo de Laura Ramos. Un mundo tiene el nombre de Nonú. En Nonú sucede la poesía de Laura Ramos, entre las montañas y los juegos de canica, tal como suceden las vidas, las historias. Hay quien llora y quien nace, quien recoge naranjas, quien cierra los ojos «como bolitas de cristal / o de serpiente» o marca con guijarros el camino a casa, al contrario que otros cuentos.¿Y cuáles cuenta Laura Ramos en Nonú? Dos poemas cada cual con su rumbo, justo así, unas veces cruzándose y otras bien lejos. ''Igual que él yo era una negociadora de la noche'' se titula como un verso de Anne Carson, y nos trae la historia de amor entre dos personas de dos mundos diferentes: el real, acaso el nuestro, y el mítico de Nonú. En sus distancias y en sus paradojas se canta sobre la maternidad, sobre el ecologismo, sobre la violencia como respuesta ante lo que se desconoce, y se canta desde la épica nueva y la respiración del romance. En otro sitio, con el eco del cancionero y sin abandonar Nonú, ''La verdadera estoria de la niña de goma'' presenta en el cuerpo la fisicidad del paisaje, y todo lo que rodea a quienes somos, y con su peso nos dice ante los demás. Un poema o un cuento o lo que Laura Ramos decida, sobre la enfermedad y el amor y la ternura, sobre la ficción como necesidad y refugio, sobre los relatos que ensayan otras posibilidades, con guías que no se leen pero se ven: Isabel Quintanilla, Leonora Carrington, Clara Peeters.Emoción e imaginación, poesía que es lenguaje y fábula, que inventa realidades o encuentra en esta otras con las que no contábamos: Nonú nos traslada al mundo personalísimo de Laura Ramos, una de las voces más prometedoras de la nueva poesía española.
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Una ventana a la Divina Comedia, el colosal universo de Dante y obra fundacional de la poesía moderna, en la colección Poesía Portátil. La Divina Comedia de Dante Alighieri es sin duda una de las obras poéticas más geniales que se hayan escrito nunca. Su influencia ha sido fundamental en la configuración de la mentalidad de Occidente. La presente selección, realizada por el poeta Jorge Gimeno, traductor de la celebrada edición completa de la obra publicada por Penguin Clásicos (Premio Nacional de Traducción del Ministerio de Cultura de Italia), recoge los fragmentos más bellos y destacados del gigantesco poema, que todo lector debería conocer. ------ «Mediado ya el camino de la vida,me vi de pronto en una selva oscura,ya del todo perdido el rumbo cierto». ------
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De la mano de Frida Ediciones, Carlos Marzal (uno de los principales representantes de la poesía entre los años 80 y 90) regresa alsubgénero poético de la " sentencia" y nos dispara radiografías posmodernas en una compilación de sus mejores
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La voz poderosa y auténtica de Viole Casillas combina a la perfección la experiencia de la tradición literaria y la frescura de la juventud. Fernando Valverde
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Dedicado a su mujer Matilde Urrutia, este libro contiene algunos de los versos más genuinos y bellos de la poesía universal. Pablo Neruda constituye una de las cotas más altas de nuestra tradición poética. Prólogo de Elvira Sastre. Texto de los poemas revisado i definitivo.Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de la edad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Cien sonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad —escribe Neruda—, hice estos sonetos de madera, les di el sonido de esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo, es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, más aún, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión, la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, la de una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo. «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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«Mi vida verdadera está en las palabras que mi cuerpono ha dicho», dijo Ezra Pound. Y en este perturbadory bello texto de Pascal Rambert, dos hermanas, Bárbara e Irene, buscan la manera de arrojarse a la cara esas palabras que sus cuerpos aún no han dicho. El relato de Caín y Abel ya nos advirtió que nacer hermanos no garantiza vivir en fraternidad. Pero a diferencia de estos, Bárbara e Irene, que desde hace años se aman en el rencor, no necesitan llegar a las manos para hacerse daño. Les basta el lenguaje. Un lenguaje quirúrgico y descarnado, de una extraña intensidad lírica, que empuñan como un arma para expresar su deseo de venganza: «¿Te das cuenta de a lo que hemos llegado? ?le pregunta Bárbara a Irene?. A que la palabra hermana rasgue los labios». Y más adelante, Irene le espeta: «Si destruyo tu lengua te destruyo a ti si destruyo tu lenguaje destruyo tu mundo». Incluimos asimismo El arte del teatro, una pieza breve, también inédita hasta la fecha en castellano, en la que él o ella(«da igual», dice el autor) brinda a su perro toda una declaración irreverente de amor al teatro, un arteque, a su juicio, «se transmite por la sangre».
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Sergio tardó diez años en escribir este libro.Un poema en la vida es un viaje desde el antiguo amor hastala nueva esperanza. Un recorrido que el lector debe realizar confiado, permitiendo que surjan las imágenes.En estos diez años, todo ha cambiado. Ya no somos los de antes. ¿Estamos preparados para ser distintos?Este es el cuarto poemario que publica Sergio, su proyecto más ambicioso. Un poemario donde muestra todas sus facetas como escritor y hace un recorrido de su vida a través de los poemas.
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Subze, más honesto que nunca, revela en Amar en tiempos de likes su visión del mundo y lo hace sin pelos en la lengua. En esta recopilación de poemas y textos, el raperoha querido abrirse en canal y dejar que todo el mundo observe lo que se esconde
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Sin paraíso fuimos es el libro de mayor madurez de Amelia Rosselli, en el que su deseo de experimentación y su conocimiento de los clásicos llega a un perfecto equilibrio. Reescritura de toda la lírica italiana, y especialmente del Cancionero de Petrarca, es un diálogo entre dos amantes condenados a la desesperación, a la locura, a la angustia y a la muerte, si bien se trata de la desesperación y de la angustia de la propia lengua, hasta llevarla fuera de sí, hasta crear una nueva prosodia y hacerla partícipe de otra música, compuesta de ligereza y de pathos. Un río verbal que se interrumpe y luego vuelve a su curso, hasta formar una totalidad amputada y herida: el amor en el siglo xx. Durante siglos los poetas han soñado con una renovación del verso. Rosselli, en esta obra, lo logra.
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El valor de las doce odas que componen este Bestiario no radica en lo fabuloso de los animales que comprenden, sino en el recorrido transversal de la obra en que se despliega el carácter más profundo del poeta. Su amor es hacia América toda, esa «patria temblorosa» donde laten las criaturas que, por un lado, dan testimonio de su vital fascinación y, por otro, componen un retrato biográfico de Neruda desde su vertiente más íntima. El delicado trabajo de Luis Scafati revela una atenta lectura sobre la obra del poeta chileno. En esos cuerpos de impronta naturalista, las transparencias radiográficas sugieren la coexistencia de una huella cultural -humana- en la que pervive la hondura de los sentidos. En especial, de la mirada y de la voz.
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Cada poema-relat és atractiu, perquè es tracta d'una rampellada estètica, una epifania poètica que ens regala en cada un d'aquests fragments literaris, dels móns coneguts amb diferents protagonistes, que recreen atmosferes de vegades sòrdides, salvades per la tinta humorística que l'escriptor domina fins a la foscor
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PREMI IBN HAFAJA CIUTAT D'ALZIRA Trobar la fugissera força còsmica que regeix el nostre univers, i pensar que això és possible dins de cada casa i de cada creació, és la ingenuïtat imprescindible de l'origen de l'art.
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Ante el mosaico de perplejidades sobre los sucesos cotidianos que ofrece este libro, el lector experimenta un sensación de asombro e incomprensión de la realidad. Paulatinamente, las ventanas se van abriendo para dejar pasar al aire del vitalismo ante un gesto de valentía, un atisbo de cariño o libertad, un enfrentamiento a lo obligatorio. Huyendo de versos cargados de conceptos, Aquella mujer que cantaba un blues pretende dibujar visiones con lenguaje abierto a todos, alejado de la ocultación, atento al presente. Con este poemario, Fernando Ruiz de Osma ha obtenido el XXI Premio de Poesía Eladio Cabañero.
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A partir de 1980, Luis Alberto de Cuenca se alió con Javier Gurruchaga ysu Orquesta Mondragón en una colaboración fructífera, que se extendióhasta 1990 durante seis discos míticos de la banda. Son canciones porlas que aparecen caperucitas lúbricas, sirenas gordas, piratas lascivosy monstruos tiernos, con alusiones a la novela negra, la cultura pop,los cuentos clásicos, Drácula y Tarzán. Tampoco es ajena a ellas lacrítica social y el mundo intimista y romántico. Esas treinta y ochocanciones han sido recopiladas ahora por primera vez por el filólogoCarlos Iglesias Díez, junto a la letra escrita expresamente para elelepé Balmoral de Loquillo, aparecido en 2008.
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José Ramón Ripoll (Cádiz, 1952), es autor de varios libros de poemas, entre los que destacan La tauromaquia (1979), Sermón de la barbarie (1981), El humo de los barcos (1983), Las sílabas ocultas (1991), Niebla y confín (2000), Hoy es niebla (2002), Estragos de la guerra (2011), Piedra rota (2013) y La lengua de los otros (2017). Director de RevistAtlántica de poesía desde su fundación en 1991, ha desempeñado una larga labor de difusión de la música y la literatura a través de los micrófonos de Radio Nacional de España y otras instituciones culturales y educativas. Ha recibido, entre otros reconocimientos, el Premio Guernica (1979), Premio Villa de Rota (1980), Premio de Poesía Rey Juan Carlos I (1983), Premio Tiflos (1999) y XXIX Premio Internacional de Poesía Fundación Loewe (2016). Asimismo ha publicado varios ensayos y monografías literarias y musicales.
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Recull de poemes centrats en les peripècies de l'escriptor perifèric que escriu poesia en català. Reflexió sobre el procès de creació literària en forma de poemes.
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Martín López-Vega (Póo de Llanes, Asturias, 1975) es poeta, traductor, crítico literario y gestor cultural. Reunió su obra en el volumen El uso del radar en mar abierto. Poesía 1992-2019 (2019), al que siguió Egipcíaco (2021). Entre otros premios, recibió en Estados Unidos el International Impact Award 2021 por su trayectoria, y en Italia el Premio Mediterráneo 2022 por el conjunto de su obra poética. «He aquí un libro de poesía en que el amor es una hoguera auténtica, de las que se propagan por todas y cada una de sus páginas, por todos y cada uno de sus versos, por todos y cada uno de sus espacios en blanco. Hacía tiempo que no me tropezaba con un libro tan entusiasta, tan apasionado, tan ardiente. En los poemarios al uso coexisten la mayor parte de las veces amor y desamor, en la idea de que sufrir penas de amor es el tributo que hay que pagar por el azar milagroso de un amor correspondido. Este libro de poesía es un himno de acción de gracias a los dioses por haber concedido a su autor la posibilidad de perderse en el bosque sin horas de un amor pleno y verdadero. Un libro que es un canto a la dulcísima e irrepetible sensación de amar y ser amado sin contraindicaciones, sin reservas, sin miedos, sin heridas sangrantes que deban restañarse. Un libro en que el amor vuelve a ser el prodigio que mueve el sol y las demás estrellas». Luis Alberto de Cuenca
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Traducción de Cristina Gómez-Baggethum Segundo volumen de la poesía completa de Jon Fosee, Premio Nobel de Literatura 2023 En un mundo en donde se afirma que esta realidad es lo único que existe y que no hay forma de modificarla, en un mundo bajo el poder de lo material, de lo palpable, de lo concreto, Jon Fosse nos recuerda lo que nos une de forma indisoluble con lo invisible. Porque ¿dónde quedó nuestro vínculo con el amor, que crea la alianza más poderosa con lo sagrado? ¿Dónde la lengua que algún día aprendimos para hablar con los animales? ¿Dónde los ángeles que durante siglos nos visitaron para poner en nuestros ojos visiones delicadas y de un misterioso regalo en nuestro vientre, que está a punto de nacer a cada instante? ¿Dónde nuestro andar por el mundo, sabiendo que todo es parte de un alfabeto divino que hace tiempo hemos olvidado cómo leer? Jon Fosse, con la delicadeza de la luz, con la violencia de la nieve sobre las tormentas del mar oscuro, nos responde en sus útimos poemas: todo lo que hemos perdido, todo lo que hemos olvidado, está dentro de nosotros, en estas palabras, reguardado, protegido, indestructible. Abrid este libro y recordad: lo invisibley sus dioses, y sus enseñanzas, intempestivas, intemporales, invulnerables, volverán a aparecer ante vuestros ojos. «Al entrar en la poesía de Fosse, se encuentra el regalo de unos poemas en los que el lector cae en una especie de fascinación verbal. Magistral Fosse». Túa Blesa, El Cultural «Un libro impactante , en forma y fondo , que amplía en su cuerpo central la extraordinaria , propuesta del autor noruego. Fosse es la poesía total, ultramoderna y antigua. Popular y compleja». Lucas Martín, La Opinión de Málaga
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A veces cae en nuestras manos un libro, por casualidad, y es justo lo que no sabíamos que necesitábamos. El día en que dejamos la tierra es ese libro: duro, repleto de los conmovedores mundos de una de las voces más cautivadoras y sensibles de la poesía puertorriqueña contemporánea. Sus páginas retratan despedidas y tragedias -las de todos, por virtud de la pulsación de nuestros vasos sanguíneos, por estar hechos de huesos y de carne, frágiles-, heridas individuales y colectivas pesando sobre nuestras espaldas diariamente. Un buen lector dijo una vez, no obstante, que ese tránsito poético en Iris Mónica Vargas no desemboca en el desgarramiento total, como sucede en Sylvia Plath o Alejandra Pizarnik, porque la muerte en ella no es un callejón final sino una vía por la cual se accede a, o de la cual se desprende, la vida. El día en que dejamos la tierra nos hechiza, sí, y si nos permitimos el viaje, nos prepara.
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La pelvis en llamas, libro singular y necesario que contiene una poética ensayística sobre la maternidad «en las retaguardias de la ternura». Un canto al precipicio y una crítica a la oscuridad donde damos a luz. Sara Martin revela que «El horizonte busca una pared donde apoyarse» y construye ese apoyo desde el asombro y la conciencia. Transcribe el pensamiento de un útero cuántico, como si no fuera todavía lo que es, pero es. Sara muestra con la «transparencia psíquica» de una cadena de sueños que colectivizan el miedo y la angustia, ese cerebro que arde en el interior de la pelvis. La poeta se posiciona, «solo nosotras sabemos lo que se cuece», mostrando sus fuentes, citas y descubrimientos científicos como el de que dejamos algunas células en nuestras madres que modificarán sus reacciones. Es una poesía de investigación, revolucionaria, motivada por la necesidad vital de liberarse y liberarnos de la marginalidad claustrofóbica en que se ha convertido la maternidad. Consciente de la necesidad de un discurso, que nos conecte con el animal social que somos y nos haga mas libres. Sara Martín ha parido poemas de una belleza compacta, rigurosos como golpes. Inaugura de esta manera «una nueva estética afectiva», social y política, que funciona para una «madre huérfana de madre […] como una taza de caldo en la convalecencia».
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Huésped del otro. ¿Quiénes son esos huéspedes? ¿El dibujado y el escrito? ¿Uno y uno mismo? No hay explicación al respecto. Así que ignorantes asistimos al inquietante desfile de 58 retratos en el espejo de la palabra o del trazo. Retratos si es que damos por tales el magma de las facciones y la meteorología de los gestos, pues parecen todos a punto de marcharse o de llegar. Retratos, en todo caso, más patéticos que grotescos. Personajes sin familia posible, investidos de sí, frágiles, locos, despiadados. Atentos a la fantasía del carbón, el pulso de la mano y el aliento del ensueño. Para entendernos: Beckett travestido de Emily Dickinson. O Francis Bacon de Leonor Fini.
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Mercedes (1920), libro de poemas incógnito en la historia del ultraísmo, ofrece -con sus caligramas y versos descoyuntados y también con su hibridismo estético- un ejemplo significativo de la primera vanguardia. La lectura de esta muestra -dos años anterior a Imagen, de Gerardo Diego o tres a Hélices, de Guillermo de Torre- viene a corroborar que los principios ultraístas no sólo se plasmaron en diferentes revistas literarias (desde 1919 a 1925), sino que también se reflejaron en diversos libros durante esos años. Las imágenes nuevas y las metagoges se hilvanan con los sentimientos exaltados del autor, a modo de trenzado emocional, donde la angustia de la existencia y la pasión del amor se convierten en ejes fundamentales. Los alardes tipográficos -difícilmente vistos antes en la poesía del momento en lengua castellana- marcaron el contenido del libro. Raida buscó la unión de modernismo (horas fragantes) y cubismo (rebeldía), impulsando un nueva poesía, donde lo visual se asocia a la emoción, donde los automóviles futuristas son conducidos por la fuerza o energía del alma, con proyección en el lector. Ese es el hombre nuevo al que va dedicado este libro. Pedro Pablo Raida Ismaya (Mogador, 1888-León, 1962) es un autor casi desconocido para todos. Su importancia dentro de la vanguardia sevillana (como administrador y colaborador de Grecia y como codirector de Arte y Colaboraciones de Oromana) y su participación en actos culturales del Ateneo Hispalense (junto a otros escritores neoidealistas locales como José María Izquierdo, Miguel Romero Martínez o Alfredo Blanco), unidas a una amplia y diversa trayectoria literaria no han sido suficientemente detalladas hoy. Editó obras de teatro, novelas y ensayos, así como un único libro de versos ultraístas, Mercedes (1920), otra muestra más de los raros poemarios del movimiento innovador. José María Barrera López (Osuna, 1955). Profesor Acreditado Titular de Universidad, es especialista en la vanguardia hispánica, materia a la que ha dedicado 90 libros y numerosos artículos y colaboraciones en libros colectivos. Recientemente, ha publicado la Obra completa de Pedro Garfias, en tres volúmenes, en edición crítica (2024), y prepara el Archivo o Legado del escritor, en unión con sus herederos.
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Pero el loco conoce el pensamiento de todas esas conchas de la orilla y en sus cúpulas rosas y en su tacto descubre otra belleza y sonríe al dolor y al tiempo muerto. Quién podría negar que esa belleza también conduce al loco hacia su casa. Paisaje es todo aquello que nos puebla y, en el centro esponjoso de la nube, un cuerdo no descubre más que aire. No son negros ni oscuros ni están tristes los ojos de los locos. Son el blanco inocente de un infante, su risa como un caldo sin nostalgia. María Alcantarilla, licenciada en Periodismo, es autora de Ella: invierno (Valparaíso, 2014), La edad de la ignorancia (Visor, 2017, Premio Internacional de Poesía Hermanos Argensola), Introducción al límite (Fundación José Manuel Lara, 2019, Premio de los Libreros Independientes españoles), aparte del volumen de poesía visual El agua de tu sombra (Musa a las 9, 2012, I Premio de Poesía Multimedia Poemad), La verdad y su doble (Sonámbulos, 2016), una antología visual de la poesía española contemporánea, la novela Un acto solitario (Isla de Siltolá, 2017) y la antología de poesía femenina El cielo de abajo. La escritura del cuerpo en 13 poetas hispanoamericanas (Fundación José Manuel Lara, 2021). Además, ha trabajado en arte audiovisual, pintura y fotografía. Su obra ha sido expuesta en galerías de arte contemporáneo como Colorida Art Gallery (Lisboa), Carolina Rojo (Zaragoza) o Slowtrack (Madrid), dirigida por Marta Moriarty, y ha llevado a cabo colaboraciones gráficas con editoriales y medios de comunicación como El País, Le Monde Diplomatique o El Rapto de Europa, y con otros narradores españoles como Juan Bonilla.
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Edward Estlin Cummings escribió algunas obras de narrativa y teatro y un libro de crítica, I: six nonlectures que recopilaba las lecciones que impartió en la cátedra de poesía Charles Eliot Norton de la Universidad de Harvard, pero sobre todo fue poeta, con una docena de títulos publicados entre 1923 y el año de su muerte. La recopilación póstuma de sus Complete Poems abarca más de mil páginas.La poesía de Cummings, personal, rebelde, original, experimental, voluntariamente distinta y a menudo inclasificable, no fue bien entendida ni acogida por la crítica, pero supo llegar a sus lectores y ganárselos, y lo sigue haciendo, con su tono ferozmente individualista, su radicalismo crítico y su juguetona arbitrariedad.
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Entre las obras maestras que la poesía universal ha creado en el siglo xx, las Elegías de Duino ocupan uno de los lugares más destacados. Rainer Maria Rilke empezó a componerlas en 1912 y trabajó en ellas intermitentemente hasta 1922, publicándolas unos meses más tarde, en 1923, tres años antes de su muerte. Desde su aparición fueron recibidas por lectores y críticos con entusiasmo y admiración. La nueva traducción de Jenaro Talens de este libro, traducido a decenas de idiomas y en varias ocasiones al castellano, se ciñe con precisión y sabiduría poéticas al original para ofrecer al lector en lengua española una versión ajustada y fiel que, junto al texto alemán, permiten un acercamiento cabal a la palabra del poeta.
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Poemario del autor Carlos Emilio ZavalaPálida inestabilidad de nuestro tiempo surgió durante la pandemia como un retrato de la ciudad que dejamos de habitar y de las nuevas experiencias que surgieron a partir del confinamiento. Además de la vuelta a la normalidad con todas las circunstancias que esto conlleva como la violencia, la inseguridad y las vivencias del transporte público o la vida urbana. Amor, desamor, luto, política y cicatrices tienen espacio en este poemario.
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Todo lo que te quiero decir no cabe en este poema es el título de uno de los textos de este libro y de igual manera, se podría afirmar que en este párrafo, no cabe todo lo que quiere decir este libro. Con Otro mundo colgado de promesas, Claudia Jaramillo nos presenta una recopilación de poemas escritos entre los años 2022 y 2024, algunos demasiado recientes, en los que narra el devenir normal de una mujer de mediana edad siendo testigo, a veces imprudente, de su tiempo.Tal vez algunos poemas necesitan más contexto, como por ejemplo el poema Cuerpo mutilado, desgarrado, desmembrado, que viene de la forma en que un lado del conflicto armado en Colombia se armó de motosierras para cortar en trozos las víctimas y de esa manera fuera imposible su identificación. Si no hay víctima, no hay delito, solo una persona que los recordará para siempre. Y es que del conflicto armado colombiano está plagado este poemario, pero solo una minoría, la mayoría de los textos contienen un deje de absurdo y amargo sobre la vida y la muerte.De violencia, de la precariedad, del amor correspondido, de ciencia y de lavar la ropa habla este libro, que está separado en series, aunque algunos poemas son elásticos y vagabundos que podrían saltar entre capítulos y situarse en otro lugar, porque a veces es imposible ponerle etiquetas a la cotidianidad.
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Los días que no tienen nombre es un homenaje a la resiliencia del alma, una colección de poemas que capturan el vaivén de un milagro: ir del miedo hacia el amor. Es un testimonio de un viaje interno en donde cada poema es una ventana que da hacia esos días invisibles en los cuales el amor nos ha elevado hacia lo imposible y nos ha tirado después hasta sangrarnos las rodillas para encontrar así la inminente redención, el reconocimiento de las grietas, el reacomodo de los escombros para finalmente poder reconquistar a nuestro espejo y permitirnos regresar a nuestra propia esencia.
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A recer de les paraules conté, en idees i sentiments, tot allò devastat i fosc (material de desfici i de residus amenaçadors, cicatrius, esquerdes...), que pot haver-hi a dins i a fora de nosaltres, procedent de les pèrdues vitals, i que malda per refer-se.Amb un to sincer, proper i esperançador, l'autora revela les lluites internes i les victòries silencioses. Estructurat el poemari en tres parts, la primera ''Cendra encesa'' recull runes i cendres, a fi de recuperar i recompondre, des d'una mirada renovada, allò salvable. La segona part ''Mirades sargides'' mobilitza a un viure reparador, amb el poder i la força de les paraules que ens hi acompanyen, la tercera part ''Renéixer de la cendra'' és ple d'al·lusions a reconstruir el camí cap a un nou recomençar inacabable.Y en euskera:''Hitzen aterpean'' liburuak ideietan eta sentimenduetan biltzen ditu gure barruan eta kanpoan suntsiturik eta ilun egon daitezkeen gauza guztiak (hondakin mehatxagarriak, orbainak, pitzadurak...), zein bizitzako galeretatik baitatoz, eta berreraikitzeko lehian ari baitira.Tonu zintzo, hurbil eta itxaropentsu batekin, egileak barne-borrokak eta garaipen isilak agerian uzten ditu. Poema-bildumak hiru zati ditu. Lehenengoak (''Errauts irazekia'') hondakinak eta errautsak biltzen ditu, gordetzea balio duena berreskuratu eta berreraiki ahal izateko, ikuspegi eraberritu batetik. Bigarren zatiak, (''Begirada sareztatuak'') bizitza eraberritzaile batera gonbidatzen gaitu, lagun egiten diguten hitzen indarrarekin. Hirugarren zatia (''Errautsetik birsortzea'') abiatze amaigabe berri baterako bidea berreraikitzeko aipamenez beterik dago.
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Rose Ausländer (Czernowitz, Bucovina, 1901 ? Düsseldorf, 1988) és una de les veus més escruixidores però també més lluminoses de l'Europa del segle XX. Forma part de la tradició jueva nascuda de la diàspora i és un testimoni de la barbàrie i l'holocaust. L'escriptura és una recerca de la identitat per aquesta dona, víctima d'exilis, que va viure quatre anys al gueto de Czernowitz. Escriure li donava força per continuar viva entre la pèrdua múltiple de pàtria, llengua, identitat i família. La seva obra consta de cap a tres mil poemes, que tracten sobre la pàtria, la infantesa i la joventut, el judaisme, la Xoà, l'exili, la llengua com a vehicle d'expressió poètica, com a ofici i com a pàtria, i, finalment, sobre l'amor, sobre la vellesa i la mort. Aquesta selecció, traduïda per Feliu Formosa i amb pròleg de la professora Heike van Lawick, posa a l'abast del lector l'obra d'una de les més grans autores -i víctima de les més grans desgràcies- del segle passat. Amb el suport del Departament de Cultura.
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