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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Smoke es una obra breve y fascinante en la que John Berger explora el humo como un símbolo multifacético de la vida moderna, a través de aforismos y reflexiones poéticas. Este librito, acompañado de ilustraciones evocadoras de Selçuk Demirel, invita a reflexionar sobre las cambiantes percepciones de la sociedad frente al acto de fumar. En el pasado, fumar era común y hasta glamuroso, se fumaba en trenes, aviones y otros espacios públicos, pero con el tiempo, el humo pasó a verse como una amenaza silenciosa.La obra utiliza el humo como una metáfora para hablar de la transformación de la percepción social y de cómo el pasado contrasta con el presente en aspectos que van más allá del cigarrillo. Las ilustraciones de Demirel complementan las reflexiones de Berger, resaltando las tensiones entre una sociedad que avanza rápidamente y una nostalgia por lo que se va perdiendo. Esta colaboración entre Berger y Demirel ha sido celebrada anteriormente en libros como Man on a beach y Cataract, y aquí vuelve a brillar con la agudeza y sensibilidad que caracterizan el estilo de Berger.
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Este volumen forma parte de una trilogía, compuesta por las obras de Caiero, Reis y Campos, y aspira a contribuir a la lectura global de los heterónimos de Fernando Pessoa. Por un lado, podemos leer cada volumen como un libro aislado, por otro, podemos leer cada tomo como parte de un conjunto mayor y comprender finalmente por qué hacen de Pessoa el escritor más universal de la lengua portuguesa.
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Afirmó Gertrude Stein en una de sus conferencias que “la aparentemente inevitable repetición en la expresión humana no es repetición, sino insistencia”. Los poemas, piezas breves y escritos teóricos seleccionados y traducidos por Andrés Fisher y Benito del Pliego en este libro nos permiten asomarnos a la peculiar mirada de esta autora sobre la poesía. Asistimos en ella a la revelación de lo ordinario –objetos, geografías, retratos– como un fenómeno suficiente en sí mismo y que resulta de una imagen generada desde múltiples ángulos y en tiempo real por medio del lenguaje. Así, en lugar de recrearse en la simbolización y en la metáfora, la escritura de Stein se apoya en su materialidad, mostrándose tal como es —o, por usar las palabras con las que Charles Bernstein se refirió a esta poeta, una de las más reconocidas del siglo XX en Estados Unidos, “lo que ves es lo que hay”.Construyendo su misterio desde el centro de su propia obviedad, la poesía de Stein resiste el impulso interpretativo y descansa sobre la repetición y la insistencia en un único motivo: “el descubrimiento, el amor, la pasión por el nombre de cualquier cosa”.
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No solo es posible medir la decadencia de la sociedad contemporánea, su humanidad amontonada, sino que se puede cantar sobre el derribo que somos, se puede perpetuar la ironía (que es risa criogenizada) y construir desde afuera la belleza. Fanjul fija la cámara de su docupunk en nuestra roña interior y la rotula en fluorescente, como esa sustancia que se inyecta para resaltar tejidos en el análisis, como la silueta en tiza del cadáver. Lo que queda es lo que somos sin consuelo, ese vacío que flota en nuestro día a día, ese dolor astillado de recuerdo que arrastramos y, así, explorar lo que queda de nosotros en el puro yacimiento. Y Fanjul lo consigue, consigue la imagen de lo despoblado en plena muchedumbre, consigue el hallazgo a través de la danza de la catenaria, del arrullo de las tragaperras, del vagar por los páramos socialdemócratas. Esto va de nuestro mundo: de nuevas formas de belleza y de lo íntimo de su catástrofe.
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Aquí yacen las palabras de un hombre que escribió contra el olvido, pero sin ilusiones de permanencia. Campo•santo (escritos póstumos) es la exhumación de pensamientos y sensaciones de un autor que inédito hasta el momento de escribir este libro, se vio forzado a crearse un seudónimo —otro yo— para tener, al menos, un lector.En un insistente diálogo con la nada, el Coronel Fernando Sager despliega una prosa de cicatrices y una poesía en la que la existencia se torna en una condena sin juez, la memoria y el presente se convierten en un campo mí-nado, y el suicidio en una pregunta constante que, sin embargo, no representa una respuesta. Un libro que se abre como una tumba y, no obstante, late.
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Un pez en la ciudad es un trabajo donde el más leve pestañeo o pensamiento, motores del mundo, se vuelven materia, hálito y reflexión de un personaje poético que se busca a sí misma en un círculo abierto cuyo inicio y fin es el mismo existencialismo latente en forma de SER que nunca acaba. Un existencialismo con las manos abiertas y la mirada atenta en el horizonte siempre nuevo y, a la vez, anclado en el devenir. Sin lugar a duda, un canto a la razón, a los recuerdos que nos configuran y al sentir que nos define.
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«El mar de la poesía es amplio, evoca paisajes en encuentros fortuitos que permiten creer de nuevo en la posibilidad de editar un libro que nace de una conversación con un traductor, con un poeta que se ha convertido en un amigo, pues siempre que haya un lector que camine a nuestro lado y se hable del naufragio de la vida, que finalmente no es tan descorazonador como se cree, la verdad de la poesía nos redime». De este modo, el poeta Kepa Murua cuenta el encuentro con otro poeta, Don Cellini, lo que es en sí el inicio de una amistad entre ambos, pero también la génesis de un libro de poesía compartida, Otra vía, que El Desvelo Ediciones publica en edición bilingüe castellano-inglés. Lo que surgió como una labor de traducción de un poeta a otro ha devenido en una nueva nueva obra a dos voces que comparten la intimidad del hecho creativo.
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En el contexto literario de hoy, la lectura de la realidad de Fernando Camacho, la elección del léxico y el ritmo de sus versos conforman una voz inconfundible.Este es un libro de una escritura clara, de un autor vibrante y con mucha sorna, unos poemas sencillos de una persona excepcional. La principal pregunta que plantea el libro es cómo afronta la belleza alguien con tendencias depresivas. Pasado el existencialismo y el pomodernismo, enfrentarse a esta y otra preguntas supone abocarnos directamente al caos, que podría ser una de las visiones de un libro comprometido, sutil y sagaz, irónico y tierno al mismo tiempo.
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Apuntaires
En John Lennon, Bill Murray, Andy Warhol, Kirk Douglas, una legió d’icones i una ànima de David Bowie assedegat o famèlic, es van passant el relleu en aquest llibre limítrof. Uns textos amb solera literària, saudade i vida quotidiana arxivada en polaroids o en retalls escapçats de premsa exòtica. Aquest és el llibre que ens presenta l’Agustí Busom, qui ha exercit de músic llargs anys, i ara ho fa amb pàgines.Apuntant aires diversos, i anant sempre a les mateixes fonts, les primigènies. Un recorregut pel principi dels principis, i el començament dels començaments. Press Play. Iniciar.Pau Gener GalinAls poemes hi ha també els amics, les cançons, els jocs amb les paraules, la gran preocupació (camuflada). És despullar-se sense cap por i és convidar a arrecerar-se. És, sobretot, un llibre d’amor. Com us plaurà.Empar Moliner, al pròleg
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León Cuevas se revela en Simulacro inquietante como un sagaz observador de su momento histórico desde el visor que le confiere el mundo del arte contemporáneo para, a través de él, construir un inteligente relato crítico travestido de poesía. Con los fantasmas de Andy Warhol y Marcel Duchamp como custodios, la voz poética de Cuevas le pasa un lúcido e ingenioso examen al circuito del arte y sus capitales al tiempo que, sin prejuicios y desde la inteligencia iniciada, se refiere a la vacuidad de ciertos discursos estéticos del mainstream, más ligados al mercado y a los grandes capitales que al arte mismo y al humanismo, profundamente alejados de la producción de significados y conocimiento. La muerte del arte, el artista rockstar, la frivolidad, el consumismo, la estética del absurdo y la corrupción de las ideas en una hipermodernidad escurridiza, son algunas de las nociones que envuelven este manojo de meditaciones poéticas sobre Francis Alÿs, Damien Hirst, Gabriel Orozco, Bansky, Cindy Sherman y Maurizio Cattelan, entre otros creadores. Sin duda, un poemario singular que arroja una peculiar luz al controvertido mundo del arte actual. Melisa Arzate Amaro
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Descubre un viaje emocional a través de las palabras de «Camino al Multiverso». Con una lírica apasionada y de claridad conmovedora, la autora abre su corazón para compartir sus alegrías, dolores y esperanzas, cerrando así el pasado y dándole voz a sus pensamientos. Este poemario es un homenaje a los seres queridos y en él teje un tapiz de emociones que resuena en lo más profundo del alma.«Camino al Multiverso» nos invita a explorar los rincones más íntimos del corazón humano, revelando el dolor, las alegrías y las esperanzas que todos compartimos. Cada página está impregnada de la autenticidad y la sinceridad de la autora, quien nos entrega sus experiencias con palabras sencillas y claras, accesibles para cualquier lector ávido de conexión emocional.Sumérgete en este libro conmovedor y deja que sus versos te lleven en un viaje de autodescubrimiento y renovación. «Camino al Multiverso» es mucho más que un poemario, es un encuentro íntimo con la esencia misma de la vida.
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César Vallejo es, indiscutiblemente, uno de los mayores poetas en lengua castellana del siglo XX. En su famoso poemario Trilce (1922) anticipó gran parte del vanguardismo que se instalaría en la literatura a partir de entonces, con exponentes tan significativos como el poemario Altazor de Vicente Huidobro o el Finnegans Wake de James Joyce. En Trilce, Vallejo lleva a la lengua española a límites insospechados: inventa palabras, fuerza la sintaxis, emplea la escritura automática y otras técnicas utilizadas por los movimientos dadá y surrealista. Sin embargo, su obra narrativa tomó otro camino, directamente emparentado con el realismo social. Así sucede en El tungsteno, novela a la vez indigenista y proletaria, de sabor amargo pero teñido, al final, de esperanza. Novela de denuncia, comprometida con la defensa de los más humildes, El tungsteno es un alegato contra los abusos de todo tipo cometidos contra los indios y a favor de una toma de conciencia de los trabajadores sometidos a una brutal explotación. Vallejo partió a París en 1923, y nunca regresó a Perú. El tungsteno fue escrito en Madrid, según contó su viuda, en sólo tres semanas, aunque probablemente algunos fragmentos habrían sido redactados mucho antes, cuando aún vivía en Perú. En España fue testigo de la caída de la Monarquía y de la proclamación de la República, con la que se comprometió. Frecuentó a los escritores españoles de la época, entre ellos Unamuno, García Lorca, Alberti, Gerardo Diego y Bergamín. Falleció en París en 1938. El tungsteno es, sin duda, la novela más relevante de César Vallejo. En este volumen se incluye, además, su cuento más célebre: Paco Yunque.
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Ensayo en fragmentos, rosario de citas y reflexiones literarias, este libro eleva la poesía a su dimensión filosófica primigenia, aquella donde la lectura y la escritura de versos devienen cosmovisión, oasis, ejercicio espiritual.
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Una reflexión sobre el deseo y sobre todo aquello que nos sucede cuando nos sentimos desbordados por él. Cuatro personajes protagonizan los versos de estos poemas: la mujer que los canta, un Toro, un coro de ancestras y una flor cuyo nombre es Amarilis. Poco o nada sabemos de esa mujer, aunque su voz -a ratos primaveral y desbocada, a ratos una voz pidiendo auxilio- no cese de cantar. Y es que su canto es el canto de una necesidad: la de quién ha sentido, galopando por las estepas de su cuerpo con las fuerzas desmedidas del anhelo y la pasión, el dominio salvaje del Toro, y ahora, sometida y condenada, en medio de los estragos del amor, no puede sino contarlo, explicarse, medirse a sí misma de nuevo. Obsesionada con los mitos griegos, para ello recurre a Amarilis.¿Pero quién es Amarilis? ¿Una flor, una deidad campestre, la amada de Títiro en las Bucólicas de Virgilio? ¿Y por qué, ante el ruego confesional de esa mujer, se conmina al silencio? Y el Toro, ¿es toro o encarnación de Dionisio? ¿Las ancestras son abuelas, madres, poetas? ¿Qué saben ellas que no sabe la mujer? Así, ese juego sutil de preguntas cruza constantemente los límites de lo humano, lo animal y lo vegetal, en una metamorfosis en la que todo está deformándose y transformándose de nuevo.Con una lírica exuberante, que mezcla con absoluta maestría riesgo y elegancia, furia y sensibilidad, Amarilis es una reflexión sobre el deseo y sobre todo aquello que nos sucede cuando nos sentimos desbordados por él. Conjugando elegía, teatralidad y mitología, los poemas de Natalia Litvinova son una puerta abierta hacia lo innombrable, hacia el momento exacto en que, como en un relato clásico, un final inaugura un nuevo principio.
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Miénteme, dime que me quieres, ruega Johny Guitar. Los que de corazón se quieren solo con el corazón se hablan, escribió Quevedo. Y sin embargo, López Navia: la razón tiene corazones que el corazón no comprende. ¡Qué difícil es escribir sobre el amor!, exclama Marina Otero en el prólogo a este libro. Entonces, ¿se puede escribir un relato de amor estando enamorada? Y además, ¿por qué lo llaman sexo cuando quieren decir amor? En Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos una mujer llega a la edad media de la vida como una paria emocional en el planeta Tierra. Después de las apps de citas y del sexting, de aprender palabras como ghosting o stalkeo, se siente incapaz de vivir una nueva experiencia erótica. De pronto, la irrupción de un nuevo amor lo revoluciona todo, incluso el lenguaje. Un acontecimiento solo comparable a un avistamiento nocturno, al aterrizaje de un ovni, a un contacto alienígena. Completa el volumen Los trabajos forzados del amor, poemas y aforismos escritos con la contundencia de un látigo desde el amor y el humor, la pasión y la ironía, sobre la agonía del eros y la política de los afectos en este mundo nuestro.
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«Entre un montón de poetas treintañeros o veinteañeros que han surgido últimamente, y que podrían parecer cortados por el mismo patrón, Mata destaca claramente por su talento, tan inmenso y tan diferente, y por su filosofía poética: lo suyo no es poesía lúdica, ante la que conviene siempre ponerse un poco en guardia, sino una poesía realmente creativa, exploradora, experimental en el sentido más noble y fecundo de este adjetivo». Juan Marqués, The Objective
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«Hay que hablar sobre la muerte, por amor a la vida», escribió la poeta María Velasco. Ese es uno de los exergos que sostienen este singular poemario, casi una monografía en verso que recorre rituales, duelos, geografías y experiencias mortuorias. De la cama del hospital al cristal del tanatorio, del libro de difuntos a la urna con cenizas, de los cadáveres del Ganges a los brujos andinos, de los cráneos coronados de flores a los buitres que devoran la carne putrefacta, de los ataúdes de Ghana a las exequias jazzísticas de Nueva Órleans, de los espectros entrevistos en un cuadro de Munch a las peregrinaciones a cementerios de Mariana Enríquez: el autor de Necrópolis vierte al lenguaje poético interesantes reflexiones sobre un tema universal e inagotable.
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En Interrogaciones desde la sombra encontramos la voz de un individuo que, en su solitud, sabiéndose contradictorio y joven, se digna de preguntar. Desde las sombras de cuartos decrépitos a las sombras de grandes robles en un parque —sombras que están llenas de memorias, anhelos, peros, y nostalgias— la voz poética está en búsqueda incesante. Busca una patria, un telos, un ideal. Busca dialogar con los poetas de antes, consigo mismo, con flores y moscas. Busca a un tú —o a un Tú. Busca desgarrarse, adentrarse, enraizarse, sobrevolar. Busca respuestas.
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Llibre gris
Un llibre que pretén recórrer en un munt de versots el recorregut vital del poeta, des d' una taula parada a frec de pell, que implica el fet de viure, fins al darrerbadall del món, quan un ocellot vindrà des d' algun lloc per engolir-nos i
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Este poemario fue escrito en estado de fuga: del trabajo, de la casa, de la gente, de una misma. Huir hacia delante y hacia abajo porque este mundo no basta. Hay que ir hacia otro.Existen palabras que fragmentan nuestra experiencia y nos enseñan a creer en narrativas que ofrecen un sentido de orden y control: palabras que nos encierran. Pero hay también momentos de claridad, de misterio, de belleza y de comunión entre todas las cosas. El encantamiento de lo simple frente al engaño. Palabras para dejarlo todo, coger una lancha, darse al mar y dedicarse a lo que realmente importa.
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«Detrás de cada libro de poemas lo que se esconde es una vida», nos dice Enrique Gracia Trinidad en el prólogo. De tal forma Nueva distancia es un pequeño reflejo de la vida de la autora, que bien podría ser la tuya, porque la buena poesía —como es esta— parte de una individualidad para llegar a la universalidad: al reflejo de lo que todos somos y sentimos.Gran parte de sus poemas son duros, incluso descarnados porque la inspiración suele llegar en momentos de crisis, de nostalgia, de sensación de vacío o desamor, no tanto en momentos felices. Estos últimos se celebran de otra forma porque coger un papel en blanco y empezar a desnudarse por dentro requiere de cierta introspección y profundidad que es más fácil encontrar en momentos difíciles, como asevera Mario Vargas Llosa: «La felicidad es literariamente improductiva».
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No solo nos habla desde la experiencia de quien conoce los recovecos sentimentales que el paso del amor deja por el alma de quien lo goza y quien lo sufre. También habla de encuentros y desencuentros románticos de amantes, confidencias y de felicidad.
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Escritura, reescritura, rerreescritura. Literatura. Y nada más. Sin concesiones, sin alardes, sin reproches. Con el paso de los años, con sus distintas versiones, reversiones e incluso perversiones, el AlfaBeTo de Palàcios ha ido adentrándose en el terreno de las obras míticas, fundacionales: aquellos textos de difícil acceso comentados por tantos, pero leídos por tan pocos. En su origen, el juego: escribir una página para cada letra del alfabeto. Una cada día. Un juego iniciado hace décadas —retomado sin descanso— que aún no ha acabado, ahora está en manos de sus nuevos lectores. Si se atreven.
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Inici d'enyorança
Aquest poemari va ser guardonat amb el premi ''Salvador Estrem i Fa'', de poesia, en la 30à edició del Concurs Literari de Poesia i Narrativa de Falset, 2023. Només llegir els primers versos d'Inici d'enyorança (o el mateix títol), i situats inicialment en l'escenari d'un hospital on es descabdellen les subtileses inimaginables davant el pare moribund, et reafirmes en el fet que res no és ver si no és viscut, com escrivia un poeta amic i com s'expressa l'autor en el poema que dona nom al títol: Ha estat necessari el dolor. La literatura de meravelles, d'increïbles fabulacions, ja sabem que són mera ficció, simples suplantacions i dissimulacions. El qui dol, el qui s'emociona, el qui es trasbalsa, el qui sent coïssor o cremor, el qui està enamorat i glateix bojament o es desamora amargament, quan fa poesia o s'expressa en tota altra forma artística no pot —volens nolens— disfressar el pathos del jo que sent amb la màscara del jo que parla.
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Estos poemas recorren los días del presente incierto, se acogen a la memoria con gratitud o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana.Con su séptimo libro de poemas, Juan Bonilla entrega una obra de plena madurez donde se alternan los tonos elegiacos y una suerte de vitalismo desengañado que no renuncia a celebrar el esplendor del mundo, sin dejar de ver ni de señalar sus miserias. Desde el inicio, Los días heterónomos parte de la limitación provocada por la enfermedad para constatar su paradójica ampliación de campo, el acceso a una ''luz distinta'' que es descrita con la rica e imprevisible imaginería del autor, siempre alejada de los modos consabidos. Estructurados en cuatro secciones de nueve composiciones cada una, a las que se suman un prólogo y un epílogo en verso, los poemas recogidos en el libro recorren esos días en los que, en efecto, como sugiere el título, ''no somos ley de nuestro propio estar'', pero también se acogen a la memoria, con gratitud no exenta de aristas, o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana, de algún modo redimida por el don -''esa es su magia: / la poesía es fiebre y se contagia''- que la convierte en acuñación memorable: ''Por encima del arte / que a Adonis hace fiero y bello a Marte, / cántico de la vida, / no le pidas que te cierre una herida, / más bien que te las abra / con eficaz palabra / helada en luz tan pura / que sea un simulacro de sutura''. En el proceso de edición, el autor ha añadido al original premiado por el Hermanos Machado, cinco poemas ya conocidos que encuentran su lugar natural en un libro que tiene mucho de balance o recuento, hecho de fragmentos o cristales rotos con los que fabrica un espejo donde se refleja un hombre dañado pero sereno y como de costumbre incisivo, batallador, dispuesto a seguir entonando ''este himno de estar vivos''.
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Converses a destemps
Allò que només pot dir-se en poesia i és tan senzill, tan normal, són les paraules que no van aflorar en el seu moment, és la vida dins de la vida, aquella vida que resta tancada darrere d'una porta que solament la poesia podrà obrir.
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La voz de Paola Deneb Moctezuma es una trama de pulsos y silencios, oscuramente luminosa, asombro y descubrimiento continúo. En Parto de una estrella, la poeta trastoca las puertas de un linaje de mujeres, hunde las palabras en cada herida, las sutura, persigue el rastro de otras voces en el ramaje de un jardín olvidado, el cual la poeta reconoce y rescata en cada verso. «Hay una ventana / en el laberinto de tus manos / hay una llave detrás del librero / bajo el pájaro que recogimos muerto». Los jardines, el hogar, la infancia, son los espacios que habitan este libro, en ellos la poeta se asoma, emprende la búsqueda de su origen y se dispone a reencontrarse. «Soy lo que alcanzo a ver de mí / y también / todo lo que no veo». De esta forma la poeta se mira en el espejo, apunta a los secretos en cada rincón en su hogar y los revela. «Me lancé por la ventana a un jardín / (que ya no era) /en una noche / que se convertía / en fuego». El poema le es un fósforo que enciende, con él alumbra y despeja las sombras. Así pues, entremos al jardín de la memoria que Paola Deneb Moctezuma traza en Parto de una estrella y encontremos en él los signos de nuestra propia constelación y su marca de nacimiento.Johann De Medina
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La mirada escéptica y serena de una poeta que viene a renovar la literatura en español.«Ensancha y pone al día la literatura española.» Juan Marqués, El Mundo Como apunta la escritora Piedad Bonnett con acierto, «la poesía de Corina Oproae se alimenta de imágenes recurrentes, con esa obsesión propia del poeta que pareciera condenado a revisitarlas» porque de esa representación repetitiva es de lo que está compuesta la obra misma. En el centro de su universo poético está el yo como núcleo de un todo que encierra cada imagen del mundo, una totalidad hecha de tiempo en el que la memoria suele conducir a la infancia recuperada o incluso a la experiencia revivida del amor. Y al lenguaje, el verdadero lugar que la voz poética habita, el que le permite la fábula, la imaginación, el sueño. Y continúa Bonnett, «en la poesía de Corina Oproae la muerte, con sus muchos rostros, es una presencia constante, y sin embargo su palabra no es sombría ni cae en patetismos. Por el contrario, en ella hay una especie de levedad juguetona no exenta de ironía, producto de una mirada escéptica y serena, la que sabe que al final de cuentas no hay certezas».
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Estamos ante una de esas obras que ocurren raramente en las que la poesía y la vida pergeñan una intrigante apuesta: la de una autora que sin llegar a los veinte años publica un libro cuya madurez literaria aplastaría a cualquier lector. Un poemario con un interesante tono personal donde el yo poético plantea un diálogo de cuestionamiento que pone de relieve la conflictiva construcción de una identidad, y la dudosa legitimidad de esa aspiración. Algo que queda claramente reflejado en poemas como “Mi otro yo”, “Lo que quiero ser y lo que soy distan mucho de parecerse”, “La mirada de una mujer en los baños de un bar me ha conmovido” o “Identidad o muerte”. Con esta obra, Victoria García irrumpe en el escenario de la nueva poesía española con una potente y seductora personalidad lírica que tiene aún mucho que contar.Pocos conceptos reúnen en su campo semántico tantos matices ligados al drama clásico de la caída y la reconstrucción personal como el de “naufragio”. Con una poética poderosa y desembarazada de prejuicios estéticos, Victoria García hace uso de esa palabra para irrumpir en el panorama literario nacional con un libro que se nutre de la mejor tradición moderna y contemporánea.''Naufragio'' es un poemario que retrata un estado de encuentro consigo misma, generando una “conciencia de ser” que se resquebraja y se abraza ante la propia voluntad de comprender quién es una, cómo siente, cómo ama y cómo se ofrece a la vida. Con un lirismo intenso que hace del oficio un luminoso don, atenta a la belleza en la expresión como categoría inherente al ars poetica, y con una profundidad introspectiva que despoja a las emociones de cualquier convención, Victoria García se posiciona con este poemario como una de las propuestas más sólidas e interesantes de la poesía española emergente.
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Estás en presencia de un anacronismo. Me refiero al libro que tienes en las manos, claro.El anacronismo empieza ya por el título En la Mansión de los Céfiros. ¿A quién se le ocurre hoy poner un título así? ¡Menos mal que el subtítulo lo arregla algo!Bueno, lo arregla y lo aclara, (cosa que agradecerán algunos lectores), aunque, para ello, incurra en una cierta profanación del carácter poético de la obra.Otra cosa en la que se manifiesta el anacronismo es en lo que podríamos señalar como el entorno de la obra, aunque tampoco en esto soy original. Recuerdo a varios autores que han hecho algo parecido, entre los que destacaría a Alfonso Reyes, que, en pleno siglo xx, fue capaz de hacer una obra que hubiese firmado con mucho gusto el propio Sófocles.Y, por último, esta obra es un anacronismo en lo que trata: ¡trata del amor!, ¡del amor que todo lo puede!Pues fíjate en lo que te digo: a pesar de todos sus anacronismos, te aconsejo que te leas En la Mansión de los Céfiros, porque, en ocasiones, es necesario salir del tiempo para encontrarse.
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Cuando el Imperio Romano dominaba la tierra, en la época de César Augusto también la poesía escrita en latín alcanzó cimas fabulosas. En un plazo brevísimo de tiempo coincidieron Catulo, Horacio, Tibulo, Propercio, Sulpicia, Ovidio y Marcial. Poetas del amor y de los banquetes, de la ciudad y de los paisajes campestres donde retirarse, del culto religioso y las brujerías y los filtros de amor. Poetas de enorme personalidad y técnica prodigiosa que dejan su huella en cada poema y que a la distancia de siglos nos hablan como si fuesen nuestros contemporáneos de los celos, la euforia, el enamoramiento, la necesidad de descanso y la furia. Por primera vez en español reunimos los mejores poemas líricos del periodo, presentado el original y una traducción en verso castellano. Poemas de extensión muy variada (de los tres versos a los cien) donde se explora la intimidad y la vida comunitaria de poetas con gran personalidad que asisten a un momento decisivo de la historia: la expansión del imperio romano. Con un hilo conductor: el enamoramiento, la seducción a plena luz del día, los cálidos ocios del amor, y los juegos de la noche. Un libro donde el lector verá despertar esa conciencia lírica e introspectiva que será ya para siempre la de todos los occidentales.
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En un célebre poema, Jorge Luis Borges afirma que “No habrá una sola cosa que no sea una nube”. Lo humano está inseparablemente unido a lo efímero y cambiante, sin embargo, Cielo adentro nos anima a tomar distancia y a capturar el instante y su luz en temas como el amor, la maternidad, el exilio o la fugacidad de la vida desde otra perspectiva. El nuevo poemario de Valeria Correa Fiz pone cada hueso, el esqueleto, en los pormenores de la vida para convocar el misterio que anida en lo cotidiano. La voz, a veces, salvífica, esperanzadora, otras, crítica y melancólica es siempre sensual, por momentos, eléctrica. No dejará indiferente a nadie.
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Problemas en el paraíso recoge momentos de la vida cotidiana. Con una voz honesta y sin artificios, estos poemas retratan el amor que se desgasta, la rutina que asfixia y los silencios que dicen más que las palabras. Hay nostalgia, pero también ironía, hay desencanto, pero también una mirada hacia lo perdido. Cada verso es una puerta entreabierta a lo que se esconde detrás de las apariencias: el desliz que rompe la armonía, el detalle que cambia una historia, la certeza de que la perfección no existe.
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María José Rico (Sevilla, 1962) es poeta y licenciada en Historia del Arte y en Filología Inglesa. Ha publicado los libros de poemas Mi vida que no entiendo (Renacimiento, 2008) y El huerto vacío (2021). También ha publicado cuatro libros de poesía infantil: Los poemas de Vera (2004), Hasta los gatos quieren zapatos (2009), Abecedanzas (2010) y Olla de grillos (Espuela de Plata, 2016). «Los poemas de Llegar a esto son pequeños relatos minimalistas que tocan el nervio del lector. Leyéndolos, descubrimos que nos están hablando de experiencias que todos hemos vivido o podríamos haber vivido. Son poemas delicados y dramáticos. Son hermosos. Y desolados». Eduardo Jordá
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La historia de Entre amores y poesía es la historia que todos conocemos, que tan familiar nos resulta: la de un amor que se fragua en la rutina, lentamente, entre la lucha contra la ordinariez y la fecha de caducidad. Es también la culminación, el redoble nal, que nos recuerda lo inevitable: cuando todo se acaba, tenemos el poema, que nos recuerda todo lo perdido, pero también todo lo que podemos conseguir.Frente a la supuesta inutilidad de la escritura poética, Entre amores y poesía nos pone de frente con su poder terapéutico y emocional. Como bien se enuncia: “Solo quiero/ escribir un buen poema./ Uno en el que pueda/ hablar del amor,/ sin el miedo/ a perderlo”.
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Me dijiste que me querías es un testimonio íntimo y valiente de las complejidades del abuso y la supervivencia. A través de la poesía, la autora nos invita a adentrarnos en el oscuro mundo de las relaciones marcadas por la opresión y la manipulación. Cada verso es un eco de las voces silenciadas, una luz que ilumina los rincones más sombríos del dolor humano. Desde el primer poema hasta el último suspiro, somos testigos de una odisea emocional que desafía nuestras percepciones sobre el amor, el sufrimiento y la redención.Este libro no es solo para aquellas personas que han vivido en las garras del síndrome de Estocolmo, sino también para quienes desean comprender mejor la complejidad de estas experiencias. Es una llamada a la empatía, a la compasión y a la esperanza. A través de la belleza de la poesía, encontramos un refugio para sanar nuestras heridas y reconstruir nuestros corazones rotos.Al final, los poemas acaban siendo un baile de palabras que son el recordatorio de que, incluso en medio de la oscuridad más profunda, siempre hay una chispa de luz que guía nuestro camino hacia la libertad y la renovación como un faro de e speranza para todos aquellos que buscan encontrar la fuerza para escribir su propia historia de resiliencia y redención.
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