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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Miguel Ángel González (Madrid, 1982) es escritor, dramaturgo y poeta. Ha sido galardonado con diversos premios literarios, entre ellos el Premio Café Gijón de Narrativa, o el Premio Born de Teatro. Es autor de novelas como Todos los miedos (Siruela, 2016) o Perder el equilibrio (Penguin Random House, 2024), y sus obras teatrales se han representado en España y Latinoamérica. Su obra combina un profundo interés por la condición humana con una exploración de las sombras del alma. En ¿Qué harías si yo muriera?, poemario galardonado con el Premio Ciudad de Badajoz, Miguel Á. González reflexiona sobre la pérdida, no solo como ausencia, sino como presencia constante en la memoria y el cuerpo. A través de versos que dialogan con la fragilidad, la muerte y el amor, el autor traza un recorrido íntimo y honesto por las huellas que dejan quienes ya no están. Este libro es un homenaje a lo efímero y una celebración de la resiliencia frente al dolor.
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Variacions sobre un tema donat
Un llarg poema d'amor escrit després de la mort del seu company. El llibre està plantejat com un monòleg dramàtic en què la pèrdua personal es converteix en un acte de conquesta sobre la mort. La poeta canvia la tradició de l elegia i transforma la pèrdua en una presència viva. Ella mateixa diu que aquest és el seu llibre més metafísic, una experiència espiritual que s ha tornat poesia gairebé de manera involuntària.
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A veces cae en nuestras manos un libro, por casualidad, y es justo lo que no sabíamos que necesitábamos. El día en que dejamos la tierra es ese libro: duro, repleto de los conmovedores mundos de una de las voces más cautivadoras y sensibles de la poesía puertorriqueña contemporánea. Sus páginas retratan despedidas y tragedias -las de todos, por virtud de la pulsación de nuestros vasos sanguíneos, por estar hechos de huesos y de carne, frágiles-, heridas individuales y colectivas pesando sobre nuestras espaldas diariamente. Un buen lector dijo una vez, no obstante, que ese tránsito poético en Iris Mónica Vargas no desemboca en el desgarramiento total, como sucede en Sylvia Plath o Alejandra Pizarnik, porque la muerte en ella no es un callejón final sino una vía por la cual se accede a, o de la cual se desprende, la vida. El día en que dejamos la tierra nos hechiza, sí, y si nos permitimos el viaje, nos prepara.
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Aguacerando: mitologías domésticas de lo que nunca fuimos es una obra en la que Elidio La Torre Lagares convierte la fuerza bruta de la lluvia en un símbolo visceral y profundo. Su manifestación parece anegar lo tangible, transformándose en metáfora de una verdad que escapa a la razón: una verdad sentida, dolida, intuida. La niñez, igual que la patria perdida, resuena como un eco inalcanzable, un origen que nunca fue completamente nuestro. El desarraigo, destilado en estos versos, se erige como un horizonte desde el cual vislumbramos lo que María Zambrano llamaría «la intemperie del alma», un espacio de desnudez existencial donde lo efímero y lo eterno se entrelazan. La poesía de La Torre Lagares mitifica lo doméstico, abordándolo como una forma de conocimiento primordial, una vía profunda y originaria hacia la verdad del ser y del mundo. Aguacerando nos transporta por territorios de memoria y desarraigo, donde cada poema estalla en imágenes poderosas que capturan lo fugaz y lo eterno, lo ordinario y lo sublime. Con una precisión lírica que duele y fascina, La Torre Lagares muestra cómo el aguacero, metáfora de lo que erosiona y renueva, desgarra las estructuras de la realidad para revelar lo oculto: los ecos de lo que nunca fuimos.
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El cuerpo poético de Adulta funcional es un cuerpo de frontera que habita entre lo doméstico y lo salvaje, la juventud y la vejez, la vulnerabilidad y la fuerza, ser madre y ser hija, el amor y la soledad, la esperanza y el duelo, las lavadoras y la espiritualidad, la intimidad y la exposición total, los recuerdos y los horizontes, la ternura y la ira, la amistad y la ruptura, la disidencia y la risa, la niña reivindicada y la mujer celebrada, el orgullo y la pena, los animales y las diosas, las escritoras veneradas y la libertad literaria, la mística y la terapia.Consciente de que todo puede ser verdad a la vez, Gloria Fortún, autora del poemario Todas mis palabras son azores salvajes y de la novela Roja catedral, descubre en cada verso que ser una señora, una señora bollera y gorda, es llevar un fuego dentro avivado por todas sus contradicciones, sueños y desobediencias, así como por su voluntad en combustión de que el deseo siempre venza a la norma.
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El poema es una tentativa por cambiar la configuración de las cosas, por crear nuevas significaciones y luchar contra la desaparición. Consuelo Hernández hace circular en su poemario Mordiendo la penumbra la herencia del pasado con la recreación de la memoria, piensa las filiaciones entre historia y por-venir, entre la búsqueda de profundidad y el exceso mediático de nuestra época que genera confusión, vértigo y olvido. Por ello, para esta voz poética, el poema es ante todo una reacción a la ausencia, el poema es también un lugar y un tiempo... Escribir es un acto que convoca el silencio y una tentativa por reconstituir un todo. No cabe duda de que los poemas aquí inscritos, en su plenitud aparente, están hechos de mil fragmentos que provienen de lo conocido y de lo inacabado que se despliega en una transformación permanente. Pese al contexto de urgencia y de contradicción en que el libro ha sido escrito, el mensaje que prevalece es universal y humanista. El impulso que emerge de su verbo poético recuerda aquella frase de Séneca : «Non est ad astra mollis e terris via», ''No hay camino fácil de la Tierra a las estrellas''... Carles Díaz
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Huésped del otro. ¿Quiénes son esos huéspedes? ¿El dibujado y el escrito? ¿Uno y uno mismo? No hay explicación al respecto. Así que ignorantes asistimos al inquietante desfile de 58 retratos en el espejo de la palabra o del trazo. Retratos si es que damos por tales el magma de las facciones y la meteorología de los gestos, pues parecen todos a punto de marcharse o de llegar. Retratos, en todo caso, más patéticos que grotescos. Personajes sin familia posible, investidos de sí, frágiles, locos, despiadados. Atentos a la fantasía del carbón, el pulso de la mano y el aliento del ensueño. Para entendernos: Beckett travestido de Emily Dickinson. O Francis Bacon de Leonor Fini.
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Mercedes (1920), libro de poemas incógnito en la historia del ultraísmo, ofrece -con sus caligramas y versos descoyuntados y también con su hibridismo estético- un ejemplo significativo de la primera vanguardia. La lectura de esta muestra -dos años anterior a Imagen, de Gerardo Diego o tres a Hélices, de Guillermo de Torre- viene a corroborar que los principios ultraístas no sólo se plasmaron en diferentes revistas literarias (desde 1919 a 1925), sino que también se reflejaron en diversos libros durante esos años. Las imágenes nuevas y las metagoges se hilvanan con los sentimientos exaltados del autor, a modo de trenzado emocional, donde la angustia de la existencia y la pasión del amor se convierten en ejes fundamentales. Los alardes tipográficos -difícilmente vistos antes en la poesía del momento en lengua castellana- marcaron el contenido del libro. Raida buscó la unión de modernismo (horas fragantes) y cubismo (rebeldía), impulsando un nueva poesía, donde lo visual se asocia a la emoción, donde los automóviles futuristas son conducidos por la fuerza o energía del alma, con proyección en el lector. Ese es el hombre nuevo al que va dedicado este libro. Pedro Pablo Raida Ismaya (Mogador, 1888-León, 1962) es un autor casi desconocido para todos. Su importancia dentro de la vanguardia sevillana (como administrador y colaborador de Grecia y como codirector de Arte y Colaboraciones de Oromana) y su participación en actos culturales del Ateneo Hispalense (junto a otros escritores neoidealistas locales como José María Izquierdo, Miguel Romero Martínez o Alfredo Blanco), unidas a una amplia y diversa trayectoria literaria no han sido suficientemente detalladas hoy. Editó obras de teatro, novelas y ensayos, así como un único libro de versos ultraístas, Mercedes (1920), otra muestra más de los raros poemarios del movimiento innovador. José María Barrera López (Osuna, 1955). Profesor Acreditado Titular de Universidad, es especialista en la vanguardia hispánica, materia a la que ha dedicado 90 libros y numerosos artículos y colaboraciones en libros colectivos. Recientemente, ha publicado la Obra completa de Pedro Garfias, en tres volúmenes, en edición crítica (2024), y prepara el Archivo o Legado del escritor, en unión con sus herederos.
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Salustiano Masó (Alcalá de Henares, 1923-Granada, 2024) es un poeta casi desconocido y, sin embargo, necesario para comprender la poesía española del siglo XX. Su obra comprende un total de 23 libros y está avalada por la consecución de importantes premios. Como traductor obtuvo el Premio Mundial Nathorst-Unesco por el conjunto de su obra en 1993. Tras más de cincuenta años de producción poética, clasificar a Masó es sencillamente imposible. Alejado de la farándula, Salustiano llevó siempre una vida de escritor comprometido con los conflictos humanos y el sentido de la existencia. Su poesía, conmovedoramente lúcida e irónica, alcanza las cotas de excelencia reservadas a los elegidos. «Salustiano Masó es uno de nuestros mejores y más hondos poetas». Gerardo Diego
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Destino Manhattan es una antología de poetas radicados en Nueva York, cuya obra poética ha sido impactada por una de las ciudades que más puede ofrecer al escritor: lenguas, teatro, librerías, bares, cafés, universidades, inmigración, ópera, danza, teatro..., elementos todos que no pueden sino impregnar la escritura de quienes han tomado por residencia segunda esta hermosa ciudad, podría decirse, sede universal de la cultura.
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Este libro tiene la extrañeza de la poesía: en sus dos versos finales se devela el principio de construcción del texto ... cuando del inevitable tiempo brotan / nuevos cosmos sin querer. Así cada poema es un prodigioso ejercicio de una de las cualidades innatas de la poesía: la síntesis. Ricardo A. Vega, como buen hijo de Borges, sabe y demuestra una de las máximas del maestro argentino que libremente podríamos parafrasear así Soy la suma de mis lecturas, no de mis escritos. Por eso en cada breve universo poético, el poema, encontramos universos mayores: la literatura clásica, la literatura oriental, la filosofía occidental, la antipoesía y el topos del exilio, entre otros. Esta hermosa paradoja sucede «Sin querer», con la naturalidad propia de un escritor curtido por la vida, la belleza y el asombro. Carlos Roberto Gómez Beras
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ELIZABETH BARRETT BROWNING nació en el condado de Durham (Inglaterra) el 6 de marzo de 1806: A los quince años tuvo un acci dente que la dejó postrada durante años, parcialmente inválida Desde muy joven demostró una gran pasión por la lectura y la crea ción poética, así como por el estudio y traducción de diversos idro- mas. A partir de los 19 años empezó a publicar poemas, propios y ajenos, entre éstos el Prometeo encadenado de Esquilo. En 1835 se trasladó con su familia a Londres, donde su salud em- peoró. Las muertes de dos hermanos y de su médico contribuyeron a hundirla física y psíquicamente. En 1844 publicó dos volúmenes de Poemas que la situaron en primera fila entre los autores ingleses y que cambiaron el rumbo de su vida, pues, tras su lectura, el poeta Robert Browning quiso conocerla y le envió una carta que iniciaria una correspondencia y una relación que les llevaría a casarse y a huir de la casa paterna rumbo a Italia, donde vivieron quince años de vida feliz y creativa, hasta la muerte de Elizabeth en 1861. Fue en el primer año de su relación cuando Elizabeth escribió para Robert estos Sonetos de la dama portuguesa, a menudo comparados con los de Shakespeare y, junto a ellos, una de las obras maestras de la lírica inglesa de todos los tiempos.
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Viure i saber
La poesia de Klee es va publicar pòstumament, l’any 1960, editada pel seu fill, Felix Klee. Encara avui dia, Klee és un escriptor desconegut. No només va escriure poesia, també els seus Dietaris, així com estudis de geometria. En aquesta edició, Feliu Formosa n’ha fet una tria per al lector català.Feliu Formosa a la nota del traductor diu: «Després de la mort de Klee (1940), la seva viuda, Lily Stumpf, va conservar un quadern escolar on el seu marit havia escrit amb llapis una sèrie de poemes. Felix Klee, el fill del pintor, a l’epíleg de l’edició final de l’obra completa del seu pare, recopilada per ell (Arche, 1996), fa constar que el 1960 havia publicat un primer recull de poemes que el 1965 va ser objecte d’una antologia a cura de Carola Giedion-Welcker: Die Anthologie der Abseitgen (L’antologia dels discriminats)».Berta Galofré al pròleg diu: «En definitiva, Paul Klee no només va esdevenir un pintor de primer ordre, sinó un teòric de l’art, que va formular un pensament artístic singular que no només va impregnar la seva obra pictòrica, sinó també la poètica, així com la seva faceta com a mestre a les acadèmies on va impartir docència».
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Todo lo que te quiero decir no cabe en este poema es el título de uno de los textos de este libro y de igual manera, se podría afirmar que en este párrafo, no cabe todo lo que quiere decir este libro. Con Otro mundo colgado de promesas, Claudia Jaramillo nos presenta una recopilación de poemas escritos entre los años 2022 y 2024, algunos demasiado recientes, en los que narra el devenir normal de una mujer de mediana edad siendo testigo, a veces imprudente, de su tiempo.Tal vez algunos poemas necesitan más contexto, como por ejemplo el poema Cuerpo mutilado, desgarrado, desmembrado, que viene de la forma en que un lado del conflicto armado en Colombia se armó de motosierras para cortar en trozos las víctimas y de esa manera fuera imposible su identificación. Si no hay víctima, no hay delito, solo una persona que los recordará para siempre. Y es que del conflicto armado colombiano está plagado este poemario, pero solo una minoría, la mayoría de los textos contienen un deje de absurdo y amargo sobre la vida y la muerte.De violencia, de la precariedad, del amor correspondido, de ciencia y de lavar la ropa habla este libro, que está separado en series, aunque algunos poemas son elásticos y vagabundos que podrían saltar entre capítulos y situarse en otro lugar, porque a veces es imposible ponerle etiquetas a la cotidianidad.
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PREMIO NOBEL DE LITERATURA 2024 La autora que ha cautivado a millones de lectores en el mundo con novelas como La vegetariana y La clase de griego nos sorprende y deslumbra también como poeta. «Una de las escritoras más sublimes que pueblan el escenario contemporáneo».Berna González Harbour, El País Premio Nobel de Literatura en 2024, Han Kang se revela en Guardé el anochecer en el cajón como la gran poeta que alienta tras sus muy celebradas ficciones. El «anochecer», ese espacio ambiguo entre dos luces, se convierte en el escenario en el que una voz dolida e inteligente nos habla de la soledad, la enfermedad, el encuentro entre muertos y vivos, la fuerza frágil de la palabra, la necesidad del arte. Sin conocer en detalle la anécdota que genera el poema, el lector ingresa sin embargo en un ámbito de inmediata y poderosa intimidad que acaba haciéndole partícipe de una especial trascendencia cotidiana. Se trata de una poesía delicada, oscura, inquietante y tremendamente visceral, que pone el cuerpo y las emociones en su mismo centro. Como ha dicho la autora en The New Yorker, «el lenguaje es como una flecha que siempre falla el blanco por un margen estrecho y es también algo que transmite emociones y sensaciones que producen dolor».La crítica ha dicho:«Sinuosa y extraordinaria [ ]. Han Kang es una escritora incomparable. Con unas pocas líneas atraviesa la experiencia humana en su totalidad».Katie Kitamura «Kang posee una voz seria, comprometida con la literatura y la historia, sin otra agenda que la investigación de la forma literaria, la exploración de las contradicciones del lenguaje, la indignación serena ante la barbarie y el azoro ante el milagro cotidiano de la vida».Juvenal Acosta, Letras Libres«En los poemas de Han Kang el dolor sangra lenguaje y silencio [ ]. Una voz de la desolación humana y un espejo ante nuestro ser vulnerable para que se mire arder y al mirarse, en su dolor despierte».Roberto Amézquita, Círculo de Poesía«Los libros de Han Kang dan fe de una atrocidad concreta a la vez que plantean cuestiones universales sobre lo que significa ser humano, con todo el potencial de ternura y crueldad que eso conlleva».The Times Literary Supplement «La literatura de Han Kang es un género en sí mismo».Eun-Gwi Chung, World Literature Today«Han Kang transforma la manida idea de la desconexión entre cuerpo y mente en algo nuevo y significativo». Michele Filgate, Los Angeles Times «Han Kang siempre ha sido una de las escritoras más lúcidas: ensancha el cielo de los sentimientos».Max Porter
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Último libro de Pedro Salinas (1891-1951) publicado en España en vida de su autor, Razón de amor aparece en 1936, el mismo año en que da comienzo el largo exilio americano del poeta. Dividido en dos partes, la primera de las cuales fluye como un largo poema, el poemario -cuyo título procede de un poema anónimo del siglo XIII que describe el encuentro de dos enamorados en un huerto florido- prolonga el tema de la separación de los amantes iniciado ya al final de La voz a ti debida, solo que aquí cobra un nuevo tono la voz del poeta, quien, por medio de la evocación, trata de exorcizar la ausencia de la amada. Como afirma Soledad Salinas de Marichal en la introducción del presente volumen, «se diría un diario íntimo y también una poesía de conjuros, dirigida a recordar, pero también a recobrar, el amor perdido para devolverlo a la realidad presente».
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Los días que no tienen nombre es un homenaje a la resiliencia del alma, una colección de poemas que capturan el vaivén de un milagro: ir del miedo hacia el amor. Es un testimonio de un viaje interno en donde cada poema es una ventana que da hacia esos días invisibles en los cuales el amor nos ha elevado hacia lo imposible y nos ha tirado después hasta sangrarnos las rodillas para encontrar así la inminente redención, el reconocimiento de las grietas, el reacomodo de los escombros para finalmente poder reconquistar a nuestro espejo y permitirnos regresar a nuestra propia esencia.
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Poemario ganador del Premio Internacional de Poesía Gerardo Diego, que patrocina el Gobierno de Cantabria, en su edición de 2024.
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Lola crece en los años veinte del siglo pasado en una tejería de un pueblo de Lleida. Es la mayor de seis hermanos y desde muy pequeña se siente llamada a ayudar a su padre en el tejar, primero llevando la contabilidad, luego aprendiendo a transportar el material con el carro y las mulas, y más tarde con el camión. Pero la gente no ve con buenos ojos que se convierta en camionera, porque considera que no es trabajo de mujeres. ¿Hasta dónde será capaz de llegar Lola para salvar la tejería? ¿Qué precio tendrá que pagar para ponerse al frente del negocio familiar y conducir el camión? La novela indaga en el concepto de familia, en la dureza del paso a la edad adulta y en su capacidad de soportar la presión social. Y la prosa -a menudo poética- fluye entre ladrillos, campos, caminos y un viaje en camión a Barcelona, mientras conocemos a la protagonista narradora y la acompañamos en su crecimiento, en su reto vital y en su anhelo de libertad. Esta es la historia de Lola, la primera mujer camionera de Cataluña, y un tributo a las mujeres pioneras en la lucha por la igualdad. El mundo del tejar era redondo, cuanto acontecía empezaba y acababa allí mismo. Cada paso, cada movimiento de los que vivíamos allí tenía que ver con las tejas, los ladrillos, la arcilla, el terraplén, el carro y la leña que terminaba en el horno. El horno, que funcionaba día y noche todos los días del año, siempre, y la chimenea echando su humareda, muy arriba, hacia el firmamento. Era tan alta que los días de niebla no se veía el final.
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En El becario de Sevilla, Alex Lima aúna la poesía, el relato y los libros de viaje. Se trata de un romance (bildungsroman) poético testimonial de una generación juvenil que, como todas, se halla en estado de fuga, es decir, diciéndole adiós a la juventud misma y, por qué no recordarlo aquí, a su divino tesoro, único que en verdad llegamos a poseer, si cabe hablar así, porque lo demás es desengaño. Se trata de una generación de muchachos en el estadio existencial de, como reza este libro de Lima, desde su primer poema, entrar al espacio de la (auto)conciencia propia y, si la cognición individual lo permite, del mundo circundante y sus circunstancias.Tanto más claro queda la centralidad de este tópico a través del relato de estos 20 poemas —más las versiones en inglés, o viceversa— si se atiende a la noticia que trae el último de ellos, titulado con un dejo de nostalgia «Despedida estival», y que hace un guiño escolástico al memento mori de fondo de toda fiesta con su música y todo: no por nada se trata de una banda de estudiantes, «aprendices de la vida» y de algunas letras y números a la manera universitaria —de allí los ires y venires de becarios entre Estados Unidos y España en la trama de este poemario—, de jóvenes dejando de serlo y en disolución/desintegración por cambio de época de cada uno de ellos y del grupo en su conjunto, como le sucede a toda generación en todo su esplendor.
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El tiempo, la montaña, el torrente: en este libro la vida está como en suspenso, insegura de su línea de flotación. Todo está sujeto a la deriva, a la incertidumbre en la certeza misma del fluir. La vida pugna por asimilarlo, como las páginas que pasamos y que no estamos seguros de que formen un todo inteligible. La experiencia del exilio, de los «no lugares», del perpetuo desplazamiento íntimo, se combina con la del tiempo inasible. ''Flota el tiempo'' es una ocasión para meditar, a través de la poesía alimentada por una larga tradición y la extrema sobriedad de su lenguaje, sobre ese desdoblamiento del alma humana que es tal vez una dispersión, o en todo caso un riesgo necesario, donde la vida se encuentra a sí misma porque se pierde.
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Decimal blanco (Décimale blanche), publicado en 1967 por la prestigiosa editorial Mercure de France, fue el primer libro del longevo poeta, ensayista y memorialista Jean Daive (Bon-Secours, Bélgica, 1941). Un texto exigente y sin concesiones, que remite a la larga estirpe de experimentación verbal, gráfica y sintáctica abierta por Mallarmé, y que de inmediato llamará la atención de críticos y lectores, tanto en Francia como en Alemania y Estados Unidos. El libro, sin embargo, estuvo a punto de no ver la luz. Con las incertidumbres propias del poeta que comienza, Daive se resistía a publicarlo, sería uno de sus interlocutores más célebres, el poeta rumano Paul Celan —tal vez el mayor renovador de la lírica europea del siglo XX—, quien le animaría a hacerlo. Leyendo estos poemas, en la magnífica traducción de los poetas Rafael Antúnez y Juan Antonio Bernier, no es difícil entender la afinidad que Celan sintió con Daive: una poesía que reduce al mínimo sus elementos, que transforma la sonoridad en materia del poema y se acerca a la experiencia mística, de borrado personal, para abrirse a algo más a través del lenguaje.
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Belleza que yo he visto ¡no te borres nunca! La ideología de la poesía española en los siglos XX y XXI, reúne una serie de trabajos, que, partiendo de la relación inherente entre poesía, ideología e historia, se centran fundamentalmente en tres núcleos de estudio de la poesía española contemporánea: el análisis de la cuestión teórica e histórico-literaria de la poesía desde una perspectiva ideológica y textual, el análisis de las relaciones entre la poesía y los discursos históricos como correlación de series, el estudio de la formalización del canon poético como elemento de construcción de la historia literaria y de las diversas estrategias de poder, así como de los modelos críticos que estas sustentan. Teniendo presentes esas premisas, los estudios aquí reunidos indagan en distintos aspectos de la poesía de Ángel González, Francisca Aguirre, Antonio Gamoneda, Antonio Gala, Manuel Mantero, Jesús Hilario Tundidor, Luis Antonio de Villena, Francisco Ruiz Noguera, Manuel Vilas o Azahara Palomeque, a la vez que se realiza un balance de La otra sentimentalidad a cuarenta años de su presentación pública, se estudian las cartografías poéticas en las poetas de posguerra o la aportación de Jaime Gil de Biedma y José María Castellet a la construcción de una posmodernidad sin memoria. Este volumen avanza en los logros consignados en La poesía como documento histórico. Poesía e ideología en la España contemporánea (Renacimiento, 2018), La llama y la flecha. Ideología y documento histórico en la poesía española contemporánea (Renacimiento, 2019), Quimera y derrota. Canon, ideología e identidad en la poesía española contemporánea (Renacimiento, 2022) y La esperanza entre cenizas. Compromiso, identidad y texto en la poesía española de los siglos XX y XXI (Renacimiento, 2023). J. J. L. y N. V. F. Juan José Lanz es catedrático de Literatura Española en la UPV/EHU y especialista en Literatura Española Contemporánea e investiga fundamentalmente en poesía española de los siglos XX y XXI y sus relaciones con la cultura y la sociedad. Algunos de sus libros más recientes son: La poesía española durante la Transición y la generación de la democracia, Páginas del 68. Revistas poéticas juveniles, 1962-1977, Alas de cadenas. Estudios sobre Blas de Otero, Las palabras gastadas. Poesía y poetas del medio siglo, Conocimiento y comunicación. Textos para una polémica poética en el medio siglo (1950-1963), Nuevos y novísimos poetas. En la estela del 68, La Musa Metafísica. Estudios sobre la poesía de Guillermo Carnero, Juan Ramón Jiménez y el legado de la Modernidad y Poesía, ideología e historia. (Siglos XX y XXI). Ha preparado la edición de obras de Juan Ramón Jiménez, Miguel Mihura, Rafael Ballesteros, Félix Grande, Diego Jesús Jiménez, Agustín Delgado y Luis Alberto de Cuenca. Natalia Vara Ferrero es profesora titular de Teoría de la Literatura en la UPV/EHU. Sus líneas de investigación se han centrado en tendencias teóricas actuales y en la narrativa, el ensayo y la poesía españolas contemporáneas, líneas que atraviesan diversos artículos y capítulos de libros en revistas y editoriales nacionales e internacionales. Algunas de sus publicaciones se han ocupado del análisis y edición de obras de Pedro Salinas (Víspera del gozo y otros textos del Arte Nuevo, Defensa del estudiante y la universidad, Dos prosas inéditas [entre la ironía y la sátira], El desnudo impecable y otras narraciones). Asimismo, es autora de Conocimiento y humanismo en la narrativa de Pedro Salinas y El hombre en la orilla. Ensayos sobre la multiplicidad de Pedro Salinas.
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Una odisea poética que trasciende de lo ordinario. Desvela la resiliencia de las mujeres, a través de versos que destilan emoción y resplandecen de cruda belleza. Cada poema es una cuchilla dejando a los lectores cautivados por el poder de la narración.
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Desde el primer poema, Conversos te agarra por el corazón y por la curiosidad. Se lee como una especie de carta, un compendio de consejos de un padre a su hijo. Hay lugar en estos poemas para el juego (y el fuego), entre fantásticos juegos de palabras nos encontramos con fragmentos de sabiduría que como las llamas nos iluminan y nos abrigan ante lo difícil de esta vida, especialmente la verdad dura que algún día, se termina. Con versos -con palabras sencillas o complejas pero siempre sorprendentes- Bertoglio comunica lo esencial de nuestro mundo: que está lleno de magia y rutina, de innumerables gozos y dificultades, de contradicciones y de belleza, tal como este libro. Laura Walker
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Mileth Zamora sumerge al lector tras una desilusión amorosa en su proceso de introspección y sanación que tiene como referente la conocida como ''poesía confesional''. En este viaje, no solo muestra el dolor sino que recorre un camino que conduce hacia ella misma, hacia el autoconocimiento y el amor propio. Una invitación a mirar hacia dentro para encontrar en las palabras un refugio y un espejo.
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Carlos Oquendo de Amat (Puno, Perú 1095) es autor de un único y deslumbrante libro, condujo la lírica hacia lo que se ha llamado un primitivismo no reñido con la cotidianeidad. Su poesía está constituida por los elementos del lenguaje más corrientes, descargadas de misterio y de sonoridad, sus metáforas son de fácil lectura porque son visuales y cargados de luz y de color. El efecto estético que produce su escritura proviene de su imaginería plástica, donde lo que importa es la sucesión de distintas imágenes en un todo coherente y nuevo. Editado en forma de acordeón, de manera que su longitud fuera la que señala el título, juega con los espacios blancos de las páginas, usa los esquemas liberadores del caligrama y los cambios tipográficos, con la ruptura de la sintaxis y con los contrastes entre sonoridad y silencio. Después de una sufrida y pesarosa existencia, expulsado de distintos países por pertenecer al Partido Comunista peruano, en 1936 es internado en un sanatorio de Guadarrama cerca de Madrid, donde murió en 1936 enfermo de tuberculosis. «Se le enterró bajo la nieve, en el cementerio vecino de la clínica». «Con un mecanismo metafórico tomado de Huidobro, realiza una poesía cristalina, de aire espontáneo y lúdico». César Aira «Había sido un hechicero consumado, un brujo de la palabra, un osado arquitecto de imágenes, un fulgurante explorador del sueño, un creador cabal y empecinado que tuvo la lucidez, la locura necesaria para asumir su vocación de escritor como hay que hacerlo, como una diaria y furiosa inmolación». Mario Vargas Llosa
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Poemes es essencials de Joan de la Creu
El nucli d'aquest llibre és la traducció catalana dels tres poemes místics de Joan de la Creu: el «Càntic espiritual», «Nit obscura» i «Flama d'amor viva». Són textos susceptibles també d'una lectura laica. Pere Lluís Font en dona una traducció literàriament molt acurada, respectant el ritme i la rima de l'original, busca que el text traduït faci en el lector un efecte semblant al del text original: que digui quasi el mateix i que soni quasi igual. És a dir: que pugui suportar l'acarament amb l'original. Tota traducció és una interpretació, una proposta de lectura. En aquest cas, la traducció facilita la comprensió del text original, al mateix temps que permet anostrar una obra de valor universal tot integrant-la al nostre univers lingüístic. L'edició, bilingüe, es completa amb una utilíssima introducció, amb notes aclaridores i amb un conjunt d'annexos que ens donen accés a altres aspectes de l'aportació de Joan de la Creu al patrimoni literari, artístic i espiritual de la humanitat.
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Una edición crítica imprescindible, a cargo de Paloma Díaz-Mas.El Romancero constituye la manifestación más importante y longeva de la poesía popular en lengua castellana. Nacidos en la Edad Media para ser cantados y compartidos por la colectividad, que los conservaba en la memoria y los transmitía de viva voz, generación tras generación, los romances han pervivido casi hasta nuestros días, sometidos a lo largo de los siglos a una constante y fértil reelaboración. Su característica estructura métrica y su énfasis enunciativo aglutinan piezas de una diversidad poco menos que inagotable: episodios heroicos y caballerescos, lances y trances de amor, historias de inspiración bíblica y clásica, asuntos dominados por la maravilla o el misterio, noticias verídicas de un tiempo ya lejano. Toda esta variedad y riqueza, todos los ciclos, temas y registros del Romancero están representados con generosidad en la presente selección para la Biblioteca clásica de la RAE, orquestada, minuciosamente comentada y anotada por Paloma Díaz-Mas, la máxima especialista en la materia. El núcleo del volumen está formado por los romances documentados hasta mediados del siglo XVI, pero no faltan algunos de los que se han conservado en la tradición oral moderna (a menudo panhispánica) y que presentan indicios seguros de un origen medieval.
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La vida de José Pérez Olivares (Santiago de Cuba, 1949) ha estado vinculada a la pintura y la poesía desde su adolescencia. Como pintor ha expuesto su obra plástica en Cuba, Colombia y España y como poeta ha publicado trece títulos, siete de ellos en su país natal, donde recibió los premios David y 13 de Marzo en 1982 y 1985, respectivamente. El resto ha visto la luz en España, donde ha sido galardonado con los premios de poesía Jaime Gil de Biedma (1991) por Examen del guerrero, Rafael Alberti (1993) por Cristo entrando en Bruselas, Renacimiento (1998) por Háblame de las ciudades perdidas y Hermanos Machado (2014) por A la mano zurda.
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En La voz quebrada, Isabel Esteban nos sumerge en un intenso relato vital que nace de lo que parecía ser el sueño perfecto: una casa idílica, tres hijos llenos de vida y un amor que iluminaba cada rincón. Pero pronto, esta aparente armonía se fractura, dejando al descubierto una historia marcada por la adversidad y la lucha. Narrada como si se tratara de un rompecabezas emocional, cada estampa o recuerdo nos revela una pieza de la vida de la autora. Momentos felices que parecen susurrar secretos del pasado, episodios trágicos que guardan claves ocultas y fragmentos de resiliencia que alientan a seguir reconstruyendo lo perdido. ¿Es posible encontrar luz en medio de la penumbra? ¿Qué mensajes se ocultan entre las grietas de una pérdida tan devastadora? A través de una narrativa cautivadora, Isabel Esteban desafía al lector a ensamblar este mosaico de emociones, reflexiones y memorias que, lejos de ofrecer una lección, proponen un testimonio real y poderoso sobre el amor, el dolor y, sobre todo, cómo convivir con la ausencia. Cada página encierra un misterio: no cómo acabó la historia, sino cómo volvió a empezar.
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Silencis
Miquel À. Casanova, a través de les imatges i dels textos, ens mostra alguns dels habitants del silenci. Perquè en el silenci viuen els secrets, aquelles veritats o mentides que són inexplicables. També la por i la soledat. Les intencions. Les mirades que busquen trobar-se o que veuen com s'allunyen. Hi viuen els records i els somnis i també l'absència d'ells. Hi està qui calla i qui no escolta, qui pensa i qui s'enamora. «En Miquel À. Casanova ha sortit també del silenci, publicant aquest llibre ha donat a conèixer una vessant creativa que fins aleshores havia volgut amagar. El silenci com a tema, irònicament, l'ha motivat a desprendre's del silenci en el qual s'havia submergit.» Joan Aldavert, escriptor i editor
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Cómo lavar un corazón, premio T. S. Eliot de Poesía ‒considerado «el más codiciado de los premios de poesía» que se concede en Gran Bretaña‒ es el primer libro de Bhanu Kapil que se traduce al castellano. Andrew McMillan, poeta y miembro del jurado, dijo que «se trata de una obra única que ejemplifica cómo la poesía puede ponerse a prueba y rehacerse para dar cabida a verdades incómodas e irresolubles».Escritora británica de ascendencia india, en sus libros tanto si explora el racismo, la violencia o las experiencias de la diáspora, lo que emerge es una forma de decir lo que parece casi imposible de expresarse: «una literatura que no está hecha de literatura».En Cómo lavar un corazón ahonda a lo largo de cuarenta poemas ‒divididos en cinco partes‒ en las experiencias de una inmigrante acogida en la casa de una pareja de raza blanca, liberal y de clase media. En sintonía con la angustia, la ansiedad y las humillaciones que soporta una persona exiliada en situación precaria ‒el síndrome del «corazón roto»‒, Kapil explora cómo la hospitalidad puede rozar la hostilidad, y deja al descubierto la vacuidad de la inclusión y el cuidado. Cada poema refiere a un episodio, un acontecimiento, en la vida de la inmigrante, una respuesta emocional y tensa a un exceso o a la transgresión de su anfitriona.«¿Es poesía?» «No», respondió Kapil. «Es lo que desgasta el cuerpo mientras se escribe o se vive».
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En traducciones de poetas importantísimos españoles como Juana Castro y Carlos Pujol, y mexicanos como Marco Antonio Campos, sin dejar de lado algunos de los poemas traducidos por Lucía Coco de Carolis, Emilio Coco rinde homenaje a grandes como García Lorca o José Hierro, y a poetas mayores de su tierra natal como Dante, Giuseppe Ungaretti, Tommaso Grossi o Alda Merini. De esa admiración se infiere el influjo que en su obra estas voces han dejado.Traductor al castellano (aquí mismo se traduce en El don de la noche) e hispanista condecorado por sus aportes en la difusión de voces de España y América Latina vertidas al italiano, Coco nos presenta en El Tiempo, el camino, una parte esencial de su obra que abarca cuatro décadas en un impulso lírico que va de la antigüedad clásica a nuestros días.
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