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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Politica de poder, poemari publicat I'any 1971 coinddint amb l'auge de la segona onada del feminisme, projecta una mirada critica i esmolada entorn de les relacions de parella. [...] El Ilibre d'Atwood presenta el relat descarnat d'una historia d'amor, un title poetic que acaba amb la separacio de?nitiva dels amants. Tat corn s'entreveu en el titol, la relacio entre els protagonists S una anecdota que li permet explorar Is relacions desiguals de poder i les estructures socials que Is promodonen o, corn a minim, les mantenen. El plantejament del poemari es certament provocador. Malgrat que l'amor es el Ines intim que possem, aferrat a I'espai mes pregon i recondit de cadascu de nosaltres, es troba captiu en aquest entramat que tot ho contamina. Per a Margaret Atwood, I'Amor es tambe una Miestio politica. (Del proleg de Caterina Riba)
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La sutura y la piel es una invitación a trascender la superficie de las cosas en busca de un sentido. Propone un paseo y una mirada a escenas donde algo parece estar desmantelándose y reconstruyéndose, destejiéndose e hilándose, tachándose y reescribiéndose. La búsqueda es un trenzado que ata la reflexión y el abrazo, el silencio y la proclama, la niebla y el aliento.
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De la poesía de Jenaro Talens nacen cinco vertientes que se explican unas a otras, que se intercomunican y que le construyen como poeta: la propia poesía, la escritura, la teoría literaria, la traducción y laiconografía o los lenguajes iconográficos. Talens seha referido en múltiples ocasiones al hecho de que setrata de una poesía que habla desde mí y no de mí, y este planteamiento, teórico y poético,remite tanto a la relación con lo real como a la formulación de la identidad.
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Galeria d'incerteses
PREMI IBN HAFAJA CIUTAT D'ALZIRA Trobar la fugissera força còsmica que regeix el nostre univers, i pensar que això és possible dins de cada casa i de cada creació, és la ingenuïtat imprescindible de l'origen de l'art.
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Olalla Castro (Granada, 1979) es doctora por la Universidad de Granada y licenciada en Periodismo y Teoría de la Literatura. PremioExtraordinario de Tesis Doctoral con su investigación sobre la narrativa de Enrique Vila-Matas. Ganadora del Premio Nacion
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Teresa de Cepeda y Ahumada (1515-1582), más conocida como Santa Teresa de Jesús, es una de las figuras más extraordinarias de su época, así como de toda nuestra historia. Su personalidad combativa, su carácter extrovertido, sus experiencias místicas, el hecho de que reflejara buena parte de sus vivencias y pensamientos por escrito pese a su condición de mujer y de religiosa en el siglo XVI en España (lo que le supuso no pocos problemas y trabas), hacen de ella una precursora y una figura de interés universal. Precedido de un breve e iluminador prólogo de Clara Janés, autora también de la selección de los textos, el libro proporciona una muestra tan sutil como acertada de la obra de la santa de Ávila, y con ella una panorámica completa de su personalidad e influencia.
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No sabemos nada, aunque nos creamos pequeños dioses. Ignoramos qué es la conciencia o cuál es nuestro destino tras la muerte o antes del nacimiento. La única certeza es que estamos aquí, ahora, mientras leemos estas líneas, o eso creemos. Esa franja de luz, segundo poemario de Recaredo Veredas, no especula sobre lo que solo puede desconocerse, al contrario, enuncia preguntas y, al mismo tiempo, recorre el amplio espectro de las emociones humanas. Y lo hace desde un territorio poco habitual, emplazado entre lo que consideramos real y el mundo de los sueños. Entre la vida y la muerte.
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Ante el mosaico de perplejidades sobre los sucesos cotidianos que ofrece este libro, el lector experimenta un sensación de asombro e incomprensión de la realidad. Paulatinamente, las ventanas se van abriendo para dejar pasar al aire del vitalismo ante un gesto de valentía, un atisbo de cariño o libertad, un enfrentamiento a lo obligatorio. Huyendo de versos cargados de conceptos, Aquella mujer que cantaba un blues pretende dibujar visiones con lenguaje abierto a todos, alejado de la ocultación, atento al presente. Con este poemario, Fernando Ruiz de Osma ha obtenido el XXI Premio de Poesía Eladio Cabañero.
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Katherine Philips, que en su Θpoca gozarφa de celebridad al ser considerada el ap≤stol de la amistad femenina, a la vez que ejemplo de excelencia literaria y moral para las mujeres escritoras de generaciones posteriores, demostr≤, con su propio ejemplo, que la mujer debφa cultivar su mente como un fin en sφ mismo, ycontribuy≤ a la renovaci≤n del lenguaje poΘtico que tuvo lugar en la segunda mitad del siglo XVII en Inglaterra.
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Sempre és tard
Vivim com si el temps ens fos infinit. I tanmateix, com diu un vers de Maria Josep Escrivà: «no hi ha demà, no hi ha camins de llum: tot és mentida». Cal reconeixe's a partir de la vivència íntima del dolor i que aquesta vivència progressi cap a la consciència del dolor col·lectiu. El desig és l'altra cara del dolor. Els dos conviuen i ens justifiquen. Voldríem que un instant de lucidesa ens fes dignes, com els arbres dignifiquen l'instant de llum que els alimenta. Potser l'únic lloc on mai no és tard és el poema.
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La vida amb un forat a dins
Philip Larkin (Coventry, 1922 - Kingston Upon Hull, 1985) va estudiar a St. John’s College, Oxford, on va cultivar l’amistat dels també escriptors Kingsley Amis i Bruce Montgomery, i després va començar a treballar com a bibliotecari, professió que va exercir fins a la mort. Molt probablement el poeta més popular de la seva generació.
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MARIO BENEDETTI (Paso de los Toros, 1920-Montevideo, 2009), con laconismo, sutileza y brillantez nos vuelve a mostrar sus enormes cualidades poéticas, esta vez en el género del haiku. «El haiku es en sí mismo una unidad, un poema mínimo y no obstante co
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Cuando esas, las noches es el poemario con el que Victoria Marín presenta sus cartas en el espacio extenso del quehacer poético. Parece como si hubiere hecho caso a los consejos de Rainer María Rilke y Platón, dos de los grandes maestros para los que el saber de hondura, con registro humano, requiere madurez, haber vivido lo suficiente, experiencia. Ambos fueron conscientes de que el canto poético y la reflexión filosófica solo echan raíces profundas en la madurez de la vida. Este es el espacio apropiado para el poetizar y la reflexión profunda: el poso que deja la vida. Ajenos a la experimentación y al recurso fácil a la metapoesía, los versos de la autora rezuman sencillez y verdad.
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Los poetas de Resistencia exploran temas como el feminismo, la homosexualidad, las sociedades indígenas, la ecología, junto con protestas históricamente destacadas contra el imperialismo, las dictaduras y la desigualdad económica. Los poetas se aferran a su identidad y lugar de procedencia para hacer un retrato matizado y complejo del lenguaje en rebeldía. Por citar a unos pocos, aquí aparecen Pablo Neruda, Gioconda Belli, Ernesto Cardenal, Alfonsina Storni, Idea Vilariño, Roque Dalton o Rosario Castellanos, con traductores de la talla de Juan Felipe Herrera, Poeta laureado de los EE.UU.
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Igual que las personas guardamos en un cofre nuestras joyas más preciadas, las más caras, lo mismo deberíamos hacer con los recuerdos. Que se pudiesen meter en un alhajero, en un espacio donde se quedasen ahí para siempre, y que al abrirlo se pudiesen revivir una vez más, sin que el olvido tenga lugar. En este poemario hay vida, hay amor, y mucho más dolor, hay desesperanza, pero también para un débil rayo de luz de esperanza. Hay personas y hay nostalgia, miedos y también sueños. Porque de todo ello están compuestos los recuerdos, unos con el deseo de que nunca hubiesen terminado y otros, con el deseo de poder ser borrados. I> Nuestros recuerdos son aquellos diamantes con un valor incalculable.
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Omar Castro Villalobos (Lima, 1992) es artista y escritor. Su práctica explora las relaciones y tensiones entre la experiencia íntima y social en torno a la ciudad, el paisaje y el territorio en el contexto de la crisis global contemporánea. Para ello, trabaja con registros visuales y textuales provenientes de distintas fuentes a través de estrategias como la transtextualidad, la intervención y el sampleo.«Habitación persona sola es un libro de su tiempo escrito con un lenguaje libre, y riguroso a la vez, donde lo escenográfico de lo cotidiano se transforma en alegoría cultural. En la tradición de Carmen Ollé, Blanca Varela y Jorge Eduardo Eielson, el poeta consigue incluir en su visión particular de la ciudad de Lima una crítica política y social pocas veces vista, donde el sexo no se disocia de la pobreza ni las inequidades de las preocupaciones generacionales. El verso “la intimidad es un animal que nos hiere la boca”, da una idea del impulso sucio del lirismo de este libro. Leído en el contexto de lo que se escribe en la actualidad en América Latina, constituye una absoluta rareza. Su preocupación política, económica y social rehúye cualquier tentativa de simplificación y no olvida nunca la complejidad propia que persigue siempre la poesía como reaseguro contra el lenguaje dogmático».María Negroni
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Sonets
L'obra més perfecta d'un dels poetes essencials de la literatura portuguesa, autor del poema èpic fundacional Les Lusíades. Una sublim col·lecció de sonets seleccionada i traduïda per dos grans coneixedors de la literatura lusitana.
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La poeta y cineasta iraní Forugh Farrojzad fue una figura muy controvertida en su época. Encarnó el espíritu de rebelión contra una sociedad, la iraní, que detrás de una aparente occidentalización seguía profundamente ligada a los dictámenes religiosos y morales de una rígida cultura patriarcal. Cinco décadas después de su trágica muerte a la edad de 32 años sigue siendo la voz más importante y revolucionaria de la literatura persa. Su obra es el testimonio de una mujer apasionada que vive en un país lleno de contradicciones, el Irán de los años 50 y 60 con el sah y la dolce vita persa, muy distinto a la teocracia que se instauraría después de la revolución islámica de 1979. Sus versos anuncian el nacimiento de una nueva mujer sin tapujos que se enfrenta a los crueles juicios morales y religiosos de la sociedad en la que vive. Tanto en su escritura como en su vida privada, desafió los estereotipos femeninos y conmocionó a la entera sociedad iraní. Su talento es inconfundible: ferozmente honesta, perspicaz y maravillosamente lírica, su trabajo se ha ganado un lugar de honor en la milenaria tradición de los ilustres poetas iraníes.
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Una visita guiada por la belleza de las palabras: magnéticas, vagabundas, reveladoras.A fines del XIX, Estados Unidos enfrentó una grave crisis. Fue un periodo de escasez que, sumado a la Gran Depresión de los años 30, dejó a miles de personas en la indigencia. Para intentar sobrevivir, muchos comenzaron a viajar por el país en busca de oportunidades. Así nacieron los hobos: trabajadores itinerantes que recorrían el territorio colándose en vagones de trenes de carga, siempre esquivando a la autoridad y apoyándose mutuamente. Para ello crearon el Código Hobo, un lenguaje secreto de símbolos que dibujaban en postes o vallas y que alertaban sobre peligros, señalaban lugares seguros y también indicaban donde les ofrecían comida o trabajo. La labor del verdadero poeta es avisarnos de lo que se esconde bajo la sintaxis. Código Hobo transita la belleza de la metapoesía, juego lúcido con el lenguaje que pasa desapercibido. El mantra hipnótico del verso recorre las estaciones y los paisajes de nuestra vida, que abrigan una clave para interpretarlos. Al final Luis Colder, sin darnos cuenta, nos muestra el argumento de nuestra propia errancia.
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Galardonado en 2015 con el Premio Nacional de Poesía, recoge este libro 85 poemas escritos en los cuadernos que acompañaron las vacaciones de Luis Alberto de Cuenca entre 2009 y 2012. Sin renunciar a la pasión por la cultura que caracteriza toda su obra, de nuevo reclama un espacio para la popular, tan relevante para él como la considerada culta, lo que le permite que su admiración por Macbeth sea compartida con la que siente al escuchar un bolero y celebrar a Guillermo de Aquitania tanto como al Guerrero del Antifaz. Poco a poco, la sensación de finitud de la vida tiñe de sombras las páginas del libro, lo que le lleva a una reflexión sobre el sentido de la vida en la que triunfa la amistad y, sobre todo, el amor, principal arma para combatir la angustia.
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Y caerá la nieve es un viaje a dos lugares distantes entre sí, tanto geográfica como sentimentalmente. También es la traducción al castellano, seguida de la versión original en catalán, de los dos poemarios de Laia Carbonell publicados hasta la fecha. Finlandia es el lugar escogido por quien ha decidido migrar allí para intentar hacer de ese país un hogar. La xenofobia, los trabajos mal pagados y la imperiosa necesidad de compañía para olvidar el desarraigo son algunos de los temas de este libro, en el que el acompañamiento musical contribuye a crear ambiente. En Nibrós, la autora rememora sus raíces, en el Pirineo catalán, y expresa el abandono de una forma de vida apegada a la tierra, dotando de un aire elegíaco y legendario a los lugares y a las personas que los habitan.
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Miguel Ángel González (Madrid, 1982) es escritor, dramaturgo y poeta. Ha sido galardonado con diversos premios literarios, entre ellos el Premio Café Gijón de Narrativa, o el Premio Born de Teatro. Es autor de novelas como Todos los miedos (Siruela, 2016) o Perder el equilibrio (Penguin Random House, 2024), y sus obras teatrales se han representado en España y Latinoamérica. Su obra combina un profundo interés por la condición humana con una exploración de las sombras del alma. En ¿Qué harías si yo muriera?, poemario galardonado con el Premio Ciudad de Badajoz, Miguel Á. González reflexiona sobre la pérdida, no solo como ausencia, sino como presencia constante en la memoria y el cuerpo. A través de versos que dialogan con la fragilidad, la muerte y el amor, el autor traza un recorrido íntimo y honesto por las huellas que dejan quienes ya no están. Este libro es un homenaje a lo efímero y una celebración de la resiliencia frente al dolor.
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Variacions sobre un tema donat
Un llarg poema d'amor escrit després de la mort del seu company. El llibre està plantejat com un monòleg dramàtic en què la pèrdua personal es converteix en un acte de conquesta sobre la mort. La poeta canvia la tradició de l elegia i transforma la pèrdua en una presència viva. Ella mateixa diu que aquest és el seu llibre més metafísic, una experiència espiritual que s ha tornat poesia gairebé de manera involuntària.
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A veces cae en nuestras manos un libro, por casualidad, y es justo lo que no sabíamos que necesitábamos. El día en que dejamos la tierra es ese libro: duro, repleto de los conmovedores mundos de una de las voces más cautivadoras y sensibles de la poesía puertorriqueña contemporánea. Sus páginas retratan despedidas y tragedias -las de todos, por virtud de la pulsación de nuestros vasos sanguíneos, por estar hechos de huesos y de carne, frágiles-, heridas individuales y colectivas pesando sobre nuestras espaldas diariamente. Un buen lector dijo una vez, no obstante, que ese tránsito poético en Iris Mónica Vargas no desemboca en el desgarramiento total, como sucede en Sylvia Plath o Alejandra Pizarnik, porque la muerte en ella no es un callejón final sino una vía por la cual se accede a, o de la cual se desprende, la vida. El día en que dejamos la tierra nos hechiza, sí, y si nos permitimos el viaje, nos prepara.
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Aguacerando: mitologías domésticas de lo que nunca fuimos es una obra en la que Elidio La Torre Lagares convierte la fuerza bruta de la lluvia en un símbolo visceral y profundo. Su manifestación parece anegar lo tangible, transformándose en metáfora de una verdad que escapa a la razón: una verdad sentida, dolida, intuida. La niñez, igual que la patria perdida, resuena como un eco inalcanzable, un origen que nunca fue completamente nuestro. El desarraigo, destilado en estos versos, se erige como un horizonte desde el cual vislumbramos lo que María Zambrano llamaría «la intemperie del alma», un espacio de desnudez existencial donde lo efímero y lo eterno se entrelazan. La poesía de La Torre Lagares mitifica lo doméstico, abordándolo como una forma de conocimiento primordial, una vía profunda y originaria hacia la verdad del ser y del mundo. Aguacerando nos transporta por territorios de memoria y desarraigo, donde cada poema estalla en imágenes poderosas que capturan lo fugaz y lo eterno, lo ordinario y lo sublime. Con una precisión lírica que duele y fascina, La Torre Lagares muestra cómo el aguacero, metáfora de lo que erosiona y renueva, desgarra las estructuras de la realidad para revelar lo oculto: los ecos de lo que nunca fuimos.
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El cuerpo poético de Adulta funcional es un cuerpo de frontera que habita entre lo doméstico y lo salvaje, la juventud y la vejez, la vulnerabilidad y la fuerza, ser madre y ser hija, el amor y la soledad, la esperanza y el duelo, las lavadoras y la espiritualidad, la intimidad y la exposición total, los recuerdos y los horizontes, la ternura y la ira, la amistad y la ruptura, la disidencia y la risa, la niña reivindicada y la mujer celebrada, el orgullo y la pena, los animales y las diosas, las escritoras veneradas y la libertad literaria, la mística y la terapia.Consciente de que todo puede ser verdad a la vez, Gloria Fortún, autora del poemario Todas mis palabras son azores salvajes y de la novela Roja catedral, descubre en cada verso que ser una señora, una señora bollera y gorda, es llevar un fuego dentro avivado por todas sus contradicciones, sueños y desobediencias, así como por su voluntad en combustión de que el deseo siempre venza a la norma.
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El poema es una tentativa por cambiar la configuración de las cosas, por crear nuevas significaciones y luchar contra la desaparición. Consuelo Hernández hace circular en su poemario Mordiendo la penumbra la herencia del pasado con la recreación de la memoria, piensa las filiaciones entre historia y por-venir, entre la búsqueda de profundidad y el exceso mediático de nuestra época que genera confusión, vértigo y olvido. Por ello, para esta voz poética, el poema es ante todo una reacción a la ausencia, el poema es también un lugar y un tiempo... Escribir es un acto que convoca el silencio y una tentativa por reconstituir un todo. No cabe duda de que los poemas aquí inscritos, en su plenitud aparente, están hechos de mil fragmentos que provienen de lo conocido y de lo inacabado que se despliega en una transformación permanente. Pese al contexto de urgencia y de contradicción en que el libro ha sido escrito, el mensaje que prevalece es universal y humanista. El impulso que emerge de su verbo poético recuerda aquella frase de Séneca : «Non est ad astra mollis e terris via», ''No hay camino fácil de la Tierra a las estrellas''... Carles Díaz
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Huésped del otro. ¿Quiénes son esos huéspedes? ¿El dibujado y el escrito? ¿Uno y uno mismo? No hay explicación al respecto. Así que ignorantes asistimos al inquietante desfile de 58 retratos en el espejo de la palabra o del trazo. Retratos si es que damos por tales el magma de las facciones y la meteorología de los gestos, pues parecen todos a punto de marcharse o de llegar. Retratos, en todo caso, más patéticos que grotescos. Personajes sin familia posible, investidos de sí, frágiles, locos, despiadados. Atentos a la fantasía del carbón, el pulso de la mano y el aliento del ensueño. Para entendernos: Beckett travestido de Emily Dickinson. O Francis Bacon de Leonor Fini.
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Mercedes (1920), libro de poemas incógnito en la historia del ultraísmo, ofrece -con sus caligramas y versos descoyuntados y también con su hibridismo estético- un ejemplo significativo de la primera vanguardia. La lectura de esta muestra -dos años anterior a Imagen, de Gerardo Diego o tres a Hélices, de Guillermo de Torre- viene a corroborar que los principios ultraístas no sólo se plasmaron en diferentes revistas literarias (desde 1919 a 1925), sino que también se reflejaron en diversos libros durante esos años. Las imágenes nuevas y las metagoges se hilvanan con los sentimientos exaltados del autor, a modo de trenzado emocional, donde la angustia de la existencia y la pasión del amor se convierten en ejes fundamentales. Los alardes tipográficos -difícilmente vistos antes en la poesía del momento en lengua castellana- marcaron el contenido del libro. Raida buscó la unión de modernismo (horas fragantes) y cubismo (rebeldía), impulsando un nueva poesía, donde lo visual se asocia a la emoción, donde los automóviles futuristas son conducidos por la fuerza o energía del alma, con proyección en el lector. Ese es el hombre nuevo al que va dedicado este libro. Pedro Pablo Raida Ismaya (Mogador, 1888-León, 1962) es un autor casi desconocido para todos. Su importancia dentro de la vanguardia sevillana (como administrador y colaborador de Grecia y como codirector de Arte y Colaboraciones de Oromana) y su participación en actos culturales del Ateneo Hispalense (junto a otros escritores neoidealistas locales como José María Izquierdo, Miguel Romero Martínez o Alfredo Blanco), unidas a una amplia y diversa trayectoria literaria no han sido suficientemente detalladas hoy. Editó obras de teatro, novelas y ensayos, así como un único libro de versos ultraístas, Mercedes (1920), otra muestra más de los raros poemarios del movimiento innovador. José María Barrera López (Osuna, 1955). Profesor Acreditado Titular de Universidad, es especialista en la vanguardia hispánica, materia a la que ha dedicado 90 libros y numerosos artículos y colaboraciones en libros colectivos. Recientemente, ha publicado la Obra completa de Pedro Garfias, en tres volúmenes, en edición crítica (2024), y prepara el Archivo o Legado del escritor, en unión con sus herederos.
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Salustiano Masó (Alcalá de Henares, 1923-Granada, 2024) es un poeta casi desconocido y, sin embargo, necesario para comprender la poesía española del siglo XX. Su obra comprende un total de 23 libros y está avalada por la consecución de importantes premios. Como traductor obtuvo el Premio Mundial Nathorst-Unesco por el conjunto de su obra en 1993. Tras más de cincuenta años de producción poética, clasificar a Masó es sencillamente imposible. Alejado de la farándula, Salustiano llevó siempre una vida de escritor comprometido con los conflictos humanos y el sentido de la existencia. Su poesía, conmovedoramente lúcida e irónica, alcanza las cotas de excelencia reservadas a los elegidos. «Salustiano Masó es uno de nuestros mejores y más hondos poetas». Gerardo Diego
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Destino Manhattan es una antología de poetas radicados en Nueva York, cuya obra poética ha sido impactada por una de las ciudades que más puede ofrecer al escritor: lenguas, teatro, librerías, bares, cafés, universidades, inmigración, ópera, danza, teatro..., elementos todos que no pueden sino impregnar la escritura de quienes han tomado por residencia segunda esta hermosa ciudad, podría decirse, sede universal de la cultura.
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Este libro tiene la extrañeza de la poesía: en sus dos versos finales se devela el principio de construcción del texto ... cuando del inevitable tiempo brotan / nuevos cosmos sin querer. Así cada poema es un prodigioso ejercicio de una de las cualidades innatas de la poesía: la síntesis. Ricardo A. Vega, como buen hijo de Borges, sabe y demuestra una de las máximas del maestro argentino que libremente podríamos parafrasear así Soy la suma de mis lecturas, no de mis escritos. Por eso en cada breve universo poético, el poema, encontramos universos mayores: la literatura clásica, la literatura oriental, la filosofía occidental, la antipoesía y el topos del exilio, entre otros. Esta hermosa paradoja sucede «Sin querer», con la naturalidad propia de un escritor curtido por la vida, la belleza y el asombro. Carlos Roberto Gómez Beras
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ELIZABETH BARRETT BROWNING nació en el condado de Durham (Inglaterra) el 6 de marzo de 1806: A los quince años tuvo un acci dente que la dejó postrada durante años, parcialmente inválida Desde muy joven demostró una gran pasión por la lectura y la crea ción poética, así como por el estudio y traducción de diversos idro- mas. A partir de los 19 años empezó a publicar poemas, propios y ajenos, entre éstos el Prometeo encadenado de Esquilo. En 1835 se trasladó con su familia a Londres, donde su salud em- peoró. Las muertes de dos hermanos y de su médico contribuyeron a hundirla física y psíquicamente. En 1844 publicó dos volúmenes de Poemas que la situaron en primera fila entre los autores ingleses y que cambiaron el rumbo de su vida, pues, tras su lectura, el poeta Robert Browning quiso conocerla y le envió una carta que iniciaria una correspondencia y una relación que les llevaría a casarse y a huir de la casa paterna rumbo a Italia, donde vivieron quince años de vida feliz y creativa, hasta la muerte de Elizabeth en 1861. Fue en el primer año de su relación cuando Elizabeth escribió para Robert estos Sonetos de la dama portuguesa, a menudo comparados con los de Shakespeare y, junto a ellos, una de las obras maestras de la lírica inglesa de todos los tiempos.
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Viure i saber
La poesia de Klee es va publicar pòstumament, l’any 1960, editada pel seu fill, Felix Klee. Encara avui dia, Klee és un escriptor desconegut. No només va escriure poesia, també els seus Dietaris, així com estudis de geometria. En aquesta edició, Feliu Formosa n’ha fet una tria per al lector català.Feliu Formosa a la nota del traductor diu: «Després de la mort de Klee (1940), la seva viuda, Lily Stumpf, va conservar un quadern escolar on el seu marit havia escrit amb llapis una sèrie de poemes. Felix Klee, el fill del pintor, a l’epíleg de l’edició final de l’obra completa del seu pare, recopilada per ell (Arche, 1996), fa constar que el 1960 havia publicat un primer recull de poemes que el 1965 va ser objecte d’una antologia a cura de Carola Giedion-Welcker: Die Anthologie der Abseitgen (L’antologia dels discriminats)».Berta Galofré al pròleg diu: «En definitiva, Paul Klee no només va esdevenir un pintor de primer ordre, sinó un teòric de l’art, que va formular un pensament artístic singular que no només va impregnar la seva obra pictòrica, sinó també la poètica, així com la seva faceta com a mestre a les acadèmies on va impartir docència».
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