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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Las piezas que componen este libro pretenden aproximar el lenguaje poético a las estructuras de las fugas musicales. Para ello, Jesús Urceloy se vale del verso en prosa, la prosa poética o la rima libre. Dividido en tres apartados, ''En fuga'' supone un ejercicio de investigación, una indagación sobre los límites de la poesía que juega con multitud de estilos: lo prosaico, lo poético, el noir, el minimalismo sucio, lo social, la irracionalidad, el surrealismo y hasta la tradición sálmica de los poemas que, según su autor, «hablan con la llama interior». Este juguete poético, convertido en un mecano repleto de guiños que concilia la tradición clásica con la búsqueda del futuro desde la modernidad, ha obtenido el III Premio Nacional de Poesía Ciudad de Lucena Lara Cantizani.
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La obra de José María Eguren (Lima, 1874-1942) es producto, según Javier Sologuren, de una vuelta constante a la ''inolvidable morada de la infancia, único espacio en que no ha de sentirse herida su tierna y sensitiva materia''. Los juguetes y la observación de la naturaleza se convertirán en compañía imprescindible de una poesía polivalente, producto de una modernidad contradictoria que llenará poemas y prosas de imágenes de vida y de muerte. El poeta barranquino exteriorizará sus emociones más intensas con un estilo propio e inconfundible, donde símbolos (que son ''representaciones vividas'') y figuras (porque ''el mundo parece una figuración cinemática'') construyen una impredecible mascarada modernista. Su lejano parecido con Poe y Chaplin ratifica una individualidad exótica, cuya personalidad moral sería muy valorada por la vanguardia.
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aquí enjaulado veo el cielo altísimo el aire fresco de la montaña la melodía de los pájaros más allá de los barrotes oigo los versos que me cantan y los canto enamorado toco cada palabra una por una quiero sentirles la textura el tono el engranaje las rimas consonantes los símiles las metáforas en el sonido de cada sílaba me va la vida lo presiento quiero quedarme para siempre a salvo enjaulado y a salvo aquí estoy yo don quijote de la mancha aferrándome a mi voz Fragmento de ''Don Quijote enjaulado'' María Gómez Lara (Bogotá, 1989) ha publicado los poemarios Después del horizonte (2012), Contratono (Visor, 2015), El lugar de las palabras (Pre-Textos, 2020) y la antología Palabras piel (Frailejón Editores, 2022). Contratono mereció el XXVII Premio Internacional de Poesía Fundación Loewe a la Creación Joven, e incluye un prólogo de Ida Vitale. Además, fue traducido al portugués por el poeta Nuno Júdice bajo el título Nó de sombras (2015). Estudió literatura en la Universidad de los Andes en Bogotá. Tiene una maestría en escritura creativa en español de la Universidad de Nueva York y otra en literaturas y lenguas romances de la Universidad de Harvard. Es doctora en poesía latinoamericana por la Universidad de Harvard. Actualmente es profesora en la Escuela de escritores de Madrid.
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Publicada por entregas en el periódico 'Niva' hace ciento veinte y cinco años, ''Resurrección'' (1899), además de última novela aparecida en vida de Lev Tolstói, es la tercera en ambición del escritor ruso, tras ''Guerra y paz'' (1869) y ''Anna Karénina'' (1877). Cumplidos los setenta años, Tolstói refleja su preocupación por la búsqueda de una sociedad más justa que corrigiese los privilegios de la aristocracia rusa sobre la población campesina, prácticamente esclavizada. Esa obsesión propia también la siente su protagonista, el joven príncipe Nejliúdov, quien asiste como miembro del jurado al juicio contra la que fuera un amor de juventud, Katia Máslova, que será condenada por envenenamiento a una cárcel siberiana. El remordimiento le llevará a cuestionarse las complejas relaciones de los poderosos con los más humildes y la incapacidad de estos para aceptar un cambio social en defensa de sus derecho
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Colección de poemas humorísticos y fantasiosos de T. S. Eliot sobre psicología y sociología felina, que sirvió de inspiración para la producción de la obra musical Cats. Los poemas fueron escritos durante la década de 1930 e incluidos por Eliot, bajo el seudónimo «Old Possum», en cartas a sus ahijados. En esta edición destacan las ilustraciones de Edward Gorey, uno de los mejores ilustradores del siglo xx, y la traducción de Juan Bonilla.
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Prólogo de Clara Sánchez Fue Alfonsina Storni una mujer frágil y fuerte a la vez. Su poesía es tierna y delicada, pero rocosa, como si uno tuviera que arañarse las manos y las rodillas hasta coger esas flores y esos cardos y los besos de los que habla. Su obra es una defensa de la libertad artística e individual y siempre buscó la igualdad entre el hombre y la mujer. Mantuvo una estrecha relación con otros poetas latinoamericanos de su época, como Gabriela Mistral o Juana de Ibarbourou y, especialmente, con Horacio Quiroga. El mar, que la ayudó a decidir sobre su enfermedad, la acogió y desde entonces podemos imaginarla jugando con caballos marinos entre corales y algas. «En realidad, lo que le ocurre a Alfonsina Storni es lo que nos sucede a todos: ¿Quién no tiene que sobrevivir y al mismo tiempo soñar?, ¿quién no es equilibrado y a la vez hace locuras?, ¿quién no piensa en la muerte y juega con ella un poco?» Clara Sánchez
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El silencio y otros poemas reúne, en edición bilingüe, veintiocho de los mejores poemas de Edgar Allan Poe. Seleccionados y traducidos por Antonio Rivero Taravillo e ilustrados por Kike de la Rubia y Nerea Pérez, son una excelente puerta de entrada a su obra. Como señala Luis Antonio de Villena: «Poe sigue siendo para la mayoría el padre del terror contemporáneo, con sus cuentos extraordinarios y fantásticos, de modo que el gran prosista -autor de ensayos y de una novela, Aventuras de Arthur Gordon Pym- habitualmente se ha superpuesto al poeta. Sin embargo, Poe publicó cuatro libros de poemas en vida y nunca dejó de considerarse, esencialmente, poeta. Tamerlán y otros poemas, de 1827, era su primer libro. Pero su libro de veras significativo fue El Cuervo y otros poemas, editado en 1845. Es este Poe, el del último libro de versos y algún poema suelto publicado en revistas al fin de su terrible y sombría vida, el que se constituyó en ese faro del Simbolismo, representado en el cuervo que dice ''Never more'' -Nunca más- posado en el busto de Palas Atenea. El Poe del célebre soneto de Mallarmé ''Le Tombeau d'Edgar Poe'': ''Como en sí mismo, al fin, la eternidad le vuelve».
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El seu primer poemari, Sarcop, porta el títol d’una crema antiparasitària per a combatre la sarna. Eduard Olesti l’ha escrit «quan vivia a la Rambla, entre el Kentucky Fried Chiken, la Guàrdia Urbana, la misèria i les botigues de souvenirs». Són poemes que sobten i interpel·len el lector i se l’enduen en una torrentada de versos i imatges brillants sobre una societat embrutida, parasitària.
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Parvedad de alpiste captura la complejidad humana a través de la palabra y la imagen. Cada poema es una invitación férrea a mirar hacia adentro del alma y explorar los rincones más profundos y oscuros de la conciencia. Cada verso evoca una amplia gama de emociones: desde la euforia hasta la melancolía, desde la pasión hasta la traición, desde el amor hasta la muerte. La naturaleza se postra como testigo del sufrimiento e incluso invoca la (auto)destrucción del individuo, pero sin dejar de dibujar un esbozo de esperanza. En los poemas de la primera sección hay un empecinamiento fructífero con la memoria y aquella añoranza que trata de razonar uniones efímeras, treguas imposibles, rechazos y artificios del pasado. Enseguida la escritura se ramifica en una búsqueda implacable por redescubrir la esencia de un poeta comprometido con la humanidad. Los poemas de la segunda sección se refugian en la libertad creadora y el poder de la palabra, una poesía que ''no es apta para débiles conciencias''. El hablante se embriaga de furor, pasión y fortaleza para resistir y devorar un continuum de violencia plasmada en experiencias migratorias, masacres, monotonías, materialidades e hipocresías. ''Chrystian Zegarra continúa siendo una de las voces prominentes y representativas de la poesía peruana contemporánea. Su estilo distintivo, inmanente por naturaleza, conjunta una fauna humana donde la distorsión, la degradación y lo grotesco encuentran la belleza necesaria para coexistir. Sin duda, Parvedad de alpiste refleja una madurez exquisita e innegablemente innovadora.'' - OSVALDO SANDOVAL-LEÓN
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Entre letras encierro tormentas, en busca de que no vuelvan a apagar el fuego. Y entre versos vive ese recuerdo que deseo que nunca vuelva a ser la historia. Te invito a ser nube y entrar en mi cabeza salvaje, que truena y aún anhela que algún día la ausencia se vuelva eléctrica.
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Lola Mascarell regresa a los lugares de siempre con una mirada nueva. «Lola Mascarell es una poeta excelente. Porque se oculta, porque convierte la propia voz en atril donde susurrar el paso del tiempo, el significado de los gestos, los lugares pequeños donde la epifanía elige mostrarse. Hay en su poesía aroma de bien.» Víctor Herrero «Lola Mascarell es autora de tres libros que se incorporan a lo mejor de la mejor vertiente de la poesía de su tierra, esa que precisamente celebra la luz (y todo lo que ésta implica), la que es consciente de estar habitando el paraíso.» Juan Marqués «La poesía de Lola Mascarell surge por necesidad vital y su pulsión, por encima de todo, es celebrativa: celebrar que se está vivo y celebrar los dones de la vida.» Almudena del Olmo Iturriarte «En su último libro, la poeta nos invita a llegar con ella hasta los más recónditos y bellos paisajes de su mundo interior, sin titubeos, con la firmeza de quien se siente segura y dueña de sus palabras.» Susana Benet «En las inscripciones funerarias tempranas, los muertos rogaban al paseante: ''préstame tu voz'', para revivir y anunciar quién yacía en el sepulcro.» Lo cuenta Irene Vallejo en su libro El infinito en un junco. Préstame tu voz es el resultado de ese diálogo entre los muertos y los vivos, entre las distintas voces que somos, entre la madre y la hija que ahora es a su vez la madre y que sigue cantando las canciones de sus abuelas. En este libro de poemas Lola Mascarell regresa a los lugares de siempre (la casa, la montaña, el bosque, la naturaleza, la infancia) con una mirada nueva: la mirada de quien ha visto su cuerpo modificarse al compás de la transformación del mundo. Retoma así el pulso de los poemas recogidos en Un vaso de agua: la búsqueda de la claridad expresiva para dar cuenta de la sencillez del mundo. Un mundo plácido, donde todo está unido, donde las cosas suceden en su cotidianidad más desnuda, donde el amor doméstico, la mirada serena y la aceptación del paso del tiempo se entrelazan. También la reflexión poética: buscar la poesía que hay en cualquier parte por si logra su luz atenuar las sombras de los tiempos difíciles.
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Último libro de poemas de Kepa Murua: ''Es un libro de tapas negras,/de páginas inmensas, una tela/envuelta en papel, un regalo/de poemas de un hijo a su madre''Este libro es un regalo de poemas de un hijo a su madre, como escribe el propio autor en sus páginas, pero es también soledad y recuerdo, homenaje, historia y gratitud por todo lo que se ha recibido de quien ya no está.Orfandad habla de una pérdida personal y es también el hilo con el que Kepa Murua teje la vida de muchos que, seguramente, vean reflejados en estos poemas buena parte de sus sentimientos, si es que ya han pasado por esta experiencia.El poeta ha dicho en ocasiones que no somos el pasado. Sin embargo, ese pasado, si sigue estando vivo, da forma a la vida, a lo que es el presente. Quizás ese sea el juego: que nada queda del todo en el olvido, que nada es tiempo que ya no existe, sino que es la eternidad lo que nos marca, lo que nos mueve y hace al mundo.
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Un cosmos dentro de un poema. Un poema a través de un cosmos. Cuerpo y es orografía. Es erotismo y también naturaleza. En esencia, este poema es un juego con el lenguaje, una metáfora de la sensualidad y una declaración de amor al mundo y su geografía. Las ilustraciones enriquecen el texto logrando evocar un mundo imaginario de complicidad absoluta entre el cuerpo y la naturaleza.
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Diane di Prima (Brooklyn, 1934-San Francisco, 2020) fue una poeta estadounidense perteneciente a la generación beat. Estudió budismo, sánscrito, alquimia y gnosticismo, y estuvo siempre comprometida con los movimientos a favor de la justicia social. Una muestra de ello es Cartas revolucionarias, un verdadero manual de vida contracultural, un manifiesto de protesta callejera y una ofensiva feminista contra el aparato represivo del Estado, tan relevante hoy como lo fue en sus inicios, hace más de cincuenta años. En 1968 Diane di Prima se mudó a San Francisco, donde comenzó a escribir estas «cartas» -auténticos poemas inmersos en tradiciones místicas, con una potente combinación de imaginación utópica, política radical y conciencia ecológica-, que al principio circulaban a través de periódicos y panfletos clandestinos. En 1971 se publicó la primera versión en libro, que Di Prima fue ampliando en ediciones posteriores. Durante sus últimos años, supervisó la versión final de este proyecto de toda la vida, añadiendo nuevos poemas escritos entre 2007 y 2020. «Cartas revolucionarias es una máquina del tiempo hacia un futuro mejor». Ken Chen
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A Nimfeu, Premi València Nova de Poesia, la veu poètica es projecta cap al món fantàstic de la infantesa i tracta així de bastir-se d'una identitat ferma. Al centre de tot està el Nimfeu com aquell món imaginari que aglutina el passat i la seua dualitat indissoluble, és a dir, com a zona de confort i com a llosa que ens impedeix avançar.
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Aquest volum aplega bona part de l'obra poètica de Francesc Parcerisas. Els poemes i proses poètiques que el lector hi trobarà, provinents de títols primerencs avui introbables—o fins i tot inèdits—i de volums absolutament fonamentals per a la seva biografia literària, són un testimoni únic de la formació emotiva, estètica i política de l'escriptor, figura cabdal de la poesia catalana moderna.
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Rainer Maira Rilke (Praga, 1875 - Montreux, Suiza, 1926) es uno de los creadores más determinantes de la literatura del siglo XX. Las nuevas dimensiones del lenguaje y de la forma, explorada y fijadas con su poesía, han ejercido una influencia concluyente. En plena crisis sentimental, tras su fracasado matrimonio, marchó a París donde conoce al escultor A. Rodin en 1905, con quien trabaja como secretario y del que aprende la severa concepción de la creación artística, la disciplina moral y la observación objetiva. En 1907 preparó una exposición de Cézanne, con quien también hizo una gran amistad y del que aprendió a fijar con precisión las imágenes de las cosas, para restituir a la realidad la plenitud del sentido, siempre atormentado por las ambigüedades e inexactitudes de las palabras y de las cosas y encerrado en su propia interioridad, los conceptos artísticos de Cézanne y Rodin fueron determinantes en su poética. Estos años de estancia en París, hasta 1910 que se marcha tras una grave crisis psicológica, con su acercamiento a la filosofía existencial de Kierkegaard, son necesarios para comprender los nuevos caminos que le van a conducir hasta «Elegías de Duino» y «Sonetos a Orfeo».
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El nuevo libro del autor de El camino del alba.«La visión poética tiende aquí a desgranarse en fragmentos o partículas, la reunión de los cuales (que no su adición) se propone como la única configuración posible del mundo.» Andrés Sánchez Robayna «Una poesía de subrayada modernidad que se reencuentra con sus fuentes, una escritura casi abstracta que se vuelve materia pura en nuestras manos, ante nuestros ojos.» José María Espinasa Prosiguiendo el itinerario de El camino del alba, el nuevo libro de Alfonso Alegre supone la culminación de su poesía exquisita. Su primera sección es como un jardín de la escritura, un reguero de piedras letras. El tiempo del hoy y del ayer es, en la segunda, el destino de los sufrientes, que se refleja en los pies heridos de Edipo y en el dolor de Antígona, en el morir de Francisco de Aldana, en el desierto de Alcazarquivir, o el de Federico García Lorca en la linde invisible de Aynadamar. En la siguiente sección, la superficie de las palabras se vuelve agua y así espejeo y cenit del cristal. Luego, en el jardín de Basho y en el de Emily Dickinson, la poesía se aboca a la caligrafía, a la línea que traza el verso en el horizonte o al ramaje desnudo del árbol contra el cielo. Ya en la última parte, las palabras caen ahora entre nosotros, y sólo se oye el ruido de los pies sobre la grava y el tiempo del lugar por fin despierta.
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En ocasiones, tenemos que perdernos para volver a encontrarnos, tocar fondo para volar más alto y aprender del daño y del dolor para renacer más fuertes y volver a ser nosotros mismos. Y aunque la vida nos golpee, siempre nos podemos volver a levantar y ver belleza en cada cicatriz. Golondrinas en la piel es el resultado de un viaje emocional que atraviesa diferentes etapas, es una obra íntima que empezó a crearse para buscar sentido a la pérdida y encontrar luz en medio de la oscuridad. Cada poema es un trocito de mí, que quizá también es un trocito de ti, un intento de transformar los sentimientos en arte y la tristeza en esperanza. Con cada palabra intento sanar heridas que todos hemos tenido y tendremos, y ofrecer un refugio para los que se sientan, como yo me sentí entonces, perdidos, dolidos o desesperanzados. Este libro es una invitación a descubrir la resiliencia que todos llevamos dentro. Permíteme acompañarte durante el camino y volar juntos, a través de cada verso, para abrazar esperanza y aferrarnos a la vida.
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Derek Walcott (Santa Lucía, 1930-2017) es un nombre central de la poesía contemporánea. Poeta y dramaturgo prolífico, en su trabajo supo fusionar los valores de la gran tradición inglesa -desde los poetas metafísicos al primer Wordsworth- con la inventiva verbal, la seducción rítmica y el aliento imaginativo de escritores americanos como Carpentier, Neruda o Aimé Césaire. Otra vida, publicado originalmente en 1973, es el 'retrato del artista adolescente' de un poeta caribeño que examina su educación sentimental, sus raíces culturales -marcadas por la precariedad y el mestizaje- y el peso a la vez agobiante y extrañamente liberador de la historia y la geografía isleñas. Lirismo, ironía, penetración psicológica y conciencia crítica se dan la mano para dramatizar las diversas etapas del aprendizaje del joven Walcott. El resultado es una autobiografía poética que es también el retrato de un Caribe maltratado por la historia y una exploración de las lecciones y remedios que procuran el arte y la literatura.
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En 1956 i 1957, el diplomàtic i poeta mallorquí Guillem Nadal i Blanes, aleshores conseller cultural a l'Ambaixada espanyola a Bonn, va seleccionar i traduir els poemes que formen aquesta Antologia lírica alemanya (1910-1960), inèdita fins ara com a conjunt, a diferència de les seves elogiades traduccions de Rilke, Mann i Benn. L'antologia, bilingüe, reuneix cinquanta-vuit poemes de dinou poetes de llengua alemanya, nascuts entre 1875 i 1926: setze homes (Rilke, Carossa, Lehmann, Benn, Trakl, Britting, Bergengruen, Peter Gan, Barth, Eich, Goes, Hagelstange, Holthusen, Krolow, George Forestier i Piontek) i tres dones (Langgässer, Busta i Bachmann). Triant poemes de la lírica de la naturalesa, sovint impregnada de cristianisme, i de l'expressionisme, Nadal reïx a oferir un panorama representatiu de les dues forces líriques decisives de la poesia alemanya contemporània. Amb uns poemes lleument bromistes, en què la comicitat, la fantasia i la burla es barregen amb la violència, l'amargor i també la pulsió amorosa, l'autor de L'escuma dels dies es retroba ací amb si mateix, divertit i secretament tràgic, formidablement atractiu, eternament jove.
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«No se mira en el espejo. Rara vez sonríe, no se ríe, no llora. Nunca afirma: esto es mío, sólo pregunta a veces: ¿esto es para mí? Rara vez dice yo e ignora el tú. No pronuncia mi nombre. No obstante, cuando me veo por casualidad en un espejo, la sorpresa de descubrir sus ojos en mis ojos me obliga a suponer un parentesco de nuestras vidas secretas, a imaginar en él una historia que habrá proseguido en otro lugar y de la cual, como investigadora incompetente, impaciente y desconsolada, busco descifrar los mensajes demasiado escasos».La filósofa y ensayista Elisabeth de Fontenay nos ofrece un texto intimista y deslumbrante dedicado a su hermano menor, autista. Este libro conmovedor invita a la reflexión sobre las aptitudes diferentes a través de una narración que supera lo autobiográfico y nos sitúa en el terreno ontológico: ¿en dónde estoy yo y en dónde el dolor de los otros?
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Jaime Siles (Valencia, 1951) es catedrático emérito de Filología Latina de la Universi¬dad de Valencia. Sus libros han merecido el Premio Ocnos (1973), el Premio de la Crí¬tica (1983), el Premio Loewe (1989), el Pre¬mio Generación del 27 (1998) y el Premio Jaime Gil de Biedma (2018). También ha recibido el Premio Teresa de Ávila (2003), el Premio de las Letras Valencianas (2004) y el Premio Andrés Bello (2017), estos tres por el conjunto de su obra. Este nuevo libro de Jaime Siles, Doble fon¬do, ahonda en la línea de su pensamiento y profundiza en su sistema de dicción, a los que añade e incorpora un abanico de núcleos temáticos, todos ellos interrelacionados entre sí, en torno a los que la poética existencial de su autor traza y teje una lúcida y rigurosa reflexión sobre el Ser del Tiempo, del Yo y del Poema, la na¬turaleza del signo, la reverberación de la memoria y los espectros de la identidad. Poesía, pues, de conocimiento, en la que los recursos del lenguaje son tensados hasta el máximo de sus posibilidades y en la que los límites entre poesía y filosofía, sin confundirse, se llegan a identificar.
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¿Recuerdas la playa Revestida de cristales amargos Sobre los que No podíamos caminar descalzos? ¿El modo en que Mirabas el mar Y decías que me escuchabas? ¿Recuerdas Las gaviotas histéricas Girando en el tañido De campanas de iglesias invisibles Y los peces como santos patrones, El modo en que Corriendo, te alejabas Hacia el mar Y me gritabas que te hacía falta Distancia Para contemplarme? La nieve Se apagaba Enredada entre las aves En el mar, Con una desesperanza casi alegre Yo miraba Tus huellas en el mar Y el mar se cerraba como un párpado Sobre el ojo, dentro del cual yo esperaba. “¿Recuerdas la playa?”, de Ana Blandiana. Ana Blandiana (n. 1942), poeta, prosista y ensayista de excepción, es una figura legendaria de la literatura rumana, en la que ocupa un lugar comparable al de Anna Ajmátova o Vaclav Havel en las letras rusas o checas. Destacada opositora al régimen de Ceauș,escu, Blandiana forma parte del grupo de escritores que concibieron su vocación literaria como una forma de resistencia moral. Autora de catorce libros de poesía, dos volúmenes de relatos fantásticos, nueve de ensayos y una novela, es la poeta rumana actual más internacional. De su obra se han traducido sesenta y nueve libros a veinticuatro lenguas. Después de 1989, Blandiana reorganizó el PEN Club rumano cuya presidencia asumió (1990-2004). Fundó y presidió la Alianza Cívica (1991-2001), una organización independiente que luchó por la democracia e hizo posible la entrada de Rumanía en la UE. Bajo la égida del Consejo de Europa, Ana Blandiana ha creado el “Memorial de las Víctimas del Comunismo y de la Resistencia” en Sighet, museo, centro de investigación y escuela de verano considerado el tercer museo de la conciencia europea después de Auschwitz y el memorial de Normandía. El museo tiene como lema una frase suya: «Mientras la justicia no logre ser una forma de memoria, la memoria en sí misma puede ser una forma de justicia». En reconocimiento de su contribución a la cultura Europea y su valiente lucha por los derechos humanos, Blandiana fue condecorada con la más alta distinción de la República Francesa, Chévalier de la Légion d’Honneur (2009), el Departamento de Estado de EE.UU le otorgó el Romanian Women of Courage Award y el Rey Mihai de Romania la decoración “Nihil Sine Deo” (2014). Blandiana es Ciudadana de Honor de cuatro ciudades rumanas: Sighet, Botoș,ani, Timiș,oara y Oradea. Es Doctor Honoris Causa por la Universitatea de Vest, Timiș,oara (2014) y Babeș,-Bolyai, Cluj (2015), Dună,rea de Jos, Galaț,i (2016). Desde 2012, en Bră,ila se celebra anualmente el “Festival Nacional de Poesía Ana Blandiana de Creación e Interpretación para alumnos de Instituto” (FAB). Ana Blandiana ha recibido el Premio “Poeta Europeo de la Libertad” (Gdansk 2016) y su libro Mi patria A4 (Pre-Textos 2014) ha sido reconocido como uno de los grandes libros europeos con vocación de la libertad. Entre los otros galardones internacionales figuran: Premio Gottfried von Herder (Viena 1982), Premio Internacional de Literatura Vilenica (Eslovenia 2002), Premio Internacional de Poesía Camaiore (Italia 2005), Premio Especial de Poesía “Giuseppe Acerbi” (Modena 2005). Blandiana forma parte de la Academia Europea de Poesía (Luxemburgo), de la Academia de Poesía “Stéphane Mallarmé” (Paris, 1997) y de la Academia Mundial de Poesía (UNESCO, Verona, 2001). De naturaleza romántica, contemplativa y visionaria, su poesía aspira a un lirismo de las esencias y cultiva un tono sincero y espontáneo de inflexiones metafísicas. Su poética, basada en el sentimiento trágico de la existencia, se perfila como un arte que revela a la vez que esconde los significados de las cosas. La poesía de Ana Blandiana ha nacido en una época en la que, como la misma poeta dice, “ser libre es más difícil que no serlo, en un tiempo, en el que, paradójicamente, la libertad de la palabra disminuye la importancia de la palabra”.
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«Alberto Blanco nació en 1951 y ha hecho en menos de veinte años y antes de cumplir los cincuenta una de las obras más vastas, originales y diversas de la nueva poesía en lengua española». José Emilio Pacheco.
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La poesía de Sajturis opta por retener las consecuencias en vez de los hechos: la reiteración de muertos, heridas y sacrificios que encontramos en sus poemas dan el paisaje de unos actos que nunca se nombran. Este mundo subterráneo e inconsciente nos llega filtrado por los mecanismos de la literatura popular y reducido a un conjunto de símbolos que recorren sus libros y se van cargando de sentidos potencialmente contradictorios.
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«El presente poemario, diré que es sencillo, complejo y brillante, como las palabras que surgen del alma de la poeta. La autora sale a la calle, con nueve años, como gato de acera, con los libros bajo el brazo, con muchos días para no olvidar. Escribe sobre palabras sucias, palabras negras que hablan entre el aire que respira. De cómo camina con nieve bajo los tejados mientras ve pájaros buscando su comida diariamente entre chirridos oxidados de desolación blanca, donde durmientes aguardan disimuladas entre los cepos, las migas acres que se pegan a sus picos entre sorbos de un cáliz color azucena. Habla de Tobarra y el rugir de sus tambores, de la alegría y estruendo, escaparate para la memoria infantil, del miedo y de cómo los pájaros enmudecen cuando el silencio deja de latir. Anda sobre los patios de la calle Joaquín Velasco que huelen a fiesta de pájaros fritos. Lola habla del amigo dolor, ese de carne y hueso, amante febril, un aquí, un allá, carcelero que no duerme, de un Quasimodo que hechiza la piel». Texto de contraportada de Maruxa Duart.
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'Este libro de Danilo es una constante conversación, un diálogo permanente con el lector o lectora, un diálogo que nos va mostrando otras vidas: la de sus abuelos, sus hijas, recuerdos que no terminan, que se enlazan el uno con el otro, para ofrecernos esa biografía sentimental, poética, que comenzó buscando en un armario cosas olvidadas, que hacen surgir este libro-poema-cartas. Cosas que se encuentran, fotos que desencadenan un mar de historias, un mar de vidas.'' DR. HORACIO PEÑA
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Amalia Martínez Muñoz (Jaén, 1956) es escritora, pintora y profesora en la Universidad Politécnica de Valencia, donde ha impartido clases de Historia y Teoría del Arte. Es autora de numerosos ensayos y del libro de viajes Mundos extremos, con el que obtuvo el Premio de Narrativa Eurostars 2018. Los poemas de La aguja incandescente giran en torno al tiempo, entendido no como simple devenir, sino como relato, como construcción. Para la poeta, el tiempo es la suma de momentos que han encontrado asidero en lugares, en imágenes, en los objetos en los que permanece, es la aguja que teje el hilo que los ordena y los une creando la ilusión de continuidad, que los significa y los conduce hacia un destino, la aguja incandescente cuyo hilar todo lo crea y todo lo arrasa. «Despojados de todo / solo somos / tiempo / cuya duración ignoramos». Por eso, pensar sobre el tiempo es hacerlo sobre lo que nos constituye de forma más íntima. La memoria, la identidad, pero también la ciencia, la filosofía y el arte son, para la autora, relatos, tiempos engarzados con los que construimos el mundo que habitamos y la ilusión de eternidad.
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Matsuo Bashō, (松,尾, 芭,蕉,) nacido Matsuo Kinsaku o Matsuo Chū,emon Munefusa (Ueno, provincia de Iga, 1644-Osaka, 1694), fue el poeta más famoso del período Edo y ha terminado siendo el más célebre de los poetas japoneses en todo el mundo. Su obra suele identificarse con el género poético llamado haiku, que en esa época aún era el hokku: estrofa inicial de un poema colectivo, que en diecisiete sílabas –,o morae–, intenta capturar un determinado instante de percepción sin traicionar su simplicidad y belleza. Fue Bashō, quien dotó el hokku de autonomía y le otorgó su definitiva consistencia poética. Atento observador del mundo natural, estudioso del Zen, pero también letrado y conocedor de la tradición que lo antecedía, Bashō,ō, consiguió democratizar el saber poético de una élite letrada y convertirse en practicante de un oficio de extraordinaria popularidad –,tanto en su época como en la nuestra. Primero discípulo, y luego maestro de poetas, en varios momentos de su vida Bashō,ō, renunció a sus actividades mundanas en los círculos literarios de las principales ciudades de Japón y prefirió recorrer casi todo su país a pie, para encontrar fuentes de inspiración y nuevos discípulos. Sus diarios de esos viajes –,sobre todo Oku no hosomichi (Sendas de Oku o El estrecho camino al interior, según la traducción que se prefiera) son parte esencial de su obra. La presente antología es la recopilación más extensa de la poesía de Bashō, disponible en español (aproximadamente una cuarta parte del millar de poemas que escribió, ordenados cronológicamente según las ediciones canónicas). También, una de las pocas que se esfuerza, sin perder fidelidad, por mantener los patrones formales del original. Cada poema aparece en ideogramas (kanji) con su transcripción romanizada (para que un lector lego pueda apreciar los juegos fónicos y otras características formales), y se acompaña de comentarios que ayudan a profundizar en el sentido de los poe-mas y las decisiones del traductor. Se incluyen, además de los hokku, varios renku, poemas colectivos de estrofas enlazadas en los que Bashō, era considerado un maestro indiscutible. El resultado es un impresionante trabajo poético que pone al alcance del lector en español la obra viva de un clásico indiscutible. Ernesto Hernández Busto (La Habana, 1968), escritor y traductor, inició estudios universitarios de Matemáticas en Rusia y regresó a Cuba para cursar Letras. En 1991 emigró a México, donde colaboró en las revistas Vuelta y Poesía y poética, entre otras publicaciones. Desde 1999 reside en Barcelona. Su libro Perfiles derechos. Fisonomías del escritor reaccionario obtuvo en 2004 el III Premio de Ensa-yo Casa de América. En su amplio currículum como traductor de poesía destacan libros de Eugenio Montale, Andrea Zanzotto, Valerio Magrelli, Ezra Pound y Joseph Brodsky, entre otros. Sus obras más recientes son La ruta natural (Vaso Roto, 2015), Diario de Kioto (Cuadrivio, 2016), un tomo de versiones japonesas, La sombra en el espejo (Bokeh, 2016), y otros dos libros de poesía, Muda (Bokeh, 2015, “,Práctica Mortal”,, DGP, México, 2016) y Jardín de grava (Cuadrivio, 2017).
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Es una la muerte y a la vez es siempre otra, siempre nueva y distinta. En Dios en la ría hay dos muertes, una demoledora, inasumible desorden de lo existente, a la que sigue un duelo inarticulado, sin lenguaje, y otra sorprendentemente unificadora, como la llamada del amor. Solo la intuición poética permite atisbar lo que no se ve de frente, solo a través de la poesía puede expresarse lo inefable. Dios en la ría pone en palabras una lucha terrible, pero también emocionante y bella, por la armonía: por la vida.
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Cristina Peri Rossi (Montevideo, 1941), Premio Cervantes 2021, se ha convertido en una poeta imprescindible para cualquier lector de poesía. Tras haber reunido en 2021 su obra poética en un volumen que parecía ya definitivo, la autora sorprende ahora con La ronda de la vida, un libro que confirma que su poesía está más viva que nunca. Si en Inmovilidad de los barcos (1997) Peri Rossi había escrito: «Líbranos, Señor, / de encontrarnos, / años después, / con nuestros grandes amores», en este libro la vida se revela como un juego de azar que desoye sus oraciones y vuelve posibles los reencuentros con el pasado, «Me hubiera quedado con el dulce y doloroso recuerdo», escribe ahora la poeta, con la gracia que la caracteriza. Pero Cristina Peri Rossi es, ante todo, una romántica -como ella misma se define- y por eso, frente al dolor, la vejez, la soledad, y la melancolía que se conjuga como un verbo, frente a las injusticias del mundo y las leyes irrefutables de la vida, ella reivindica el amor -como fusión de cuerpos y también como recuerdo y como fantasía- y el sentido del humor. Y mantiene, siempre fiel a sí misma y a su estilo, su ironía dulce y compasiva, su mirada aguda de niña todavía capaz de encontrar belleza en una orquídea o en los ojos de un perro, y su firme devoción por la palabra y por una lengua a la que se siente pegada «como el feto a la madre».
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Juan Andrés García Román (Granada, 1979) se dedica a la poesía, la traducción y la enseñanza. Entre sus traducciones se cuentan los" Poemas a la noche y otra poesíapóstuma y dispersa" de R. M. Rilke.
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Para encontrar la paz es necesario despojarse de todas las capas que a menudo nos visten. Capas adquiridas en el contexto social en el que nos desenvolvemos. El miedo, la neurosis, la ansiedad, la depresión son parte de nuestro día a día en un mundo cada vez más individualista y en el que buscamos la aceptación a través de la imagen. Giuliana cuenta su universo interior, su relación con este mundo, desde sus ojos. Pero en ella habita ahora una multitud de voces. Quizá su locura no es más que la asunción de esa identidad múltiple o quizá resida en la extrañeza que provoca en el otro haber nacido con piel de esparto.
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El tiempo es una babosa que agujerea todo lo verde, lo brillante. Como un animal pequeño, Carol Milkewitz se acerca a los recuerdos de manera casi imperceptible y los captura en este poemario. A través de los agujeros del paso del tiempo, observa la casa de la infancia -cuando todas las flores del jardín estaban vivas-, la adolescencia con amigas que se enamoran de chicos pecosos y la transición a una adultez en la que las telarañas crecieron. Este viaje poético explora la identidad, la belleza, la nostalgia, la transformación y la aceptación.
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Pearse Hutchinson nació en 1927 en Dublín, donde realizó sus estudios. Ha publicado dos libros de poemas en irlandés: Faoistin Bhacach ( 1968) y Le Ceadna Gréine ( 1990), y cinco en inglés, recopilados en 1980 en sus Selected Poems, así como traducciones del catalán y del galaico-portugués, y una antología de la antigua poesía irlandesa traducida al italiano en colaboración con Melita Cataldi: Antica Lirica Irlandesa.El alma que besó al cuerpo, cuyo título proviene de una antigua leyenda gaélica, contiene una antología de sus poemas en irlandés, publicados e inéditos, y apareció originalmente en 1990 en edición bilingüe, con traducción inglesa y notas del propio autor, así como con una interesante Introducción en que el poeta se refiere a sus relaciones con su patria y con su idioma y a la trayectoria que le llevó a incorporarse a la poesía escrita en gaélico.A un tiempo racional y apasionada, la obra de Pearse Hutchinson es incisiva y crítica respecto a muchos valores de su entorno, y su expresión en irlandés no sólo enriquece una tradición milenaria, sino que la actualiza, diversifica y confronta.
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