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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Bóvedas de sombra es una colección de poemas deslumbrantes que abarca desde el registro más culto y sofisticado al aparentemente más sencillo. Con gran variedad de temas, métricas y ritmos, cadencias y tonos, la coherencia del poemario reside en la capacidad de Eusebio Lázaro de trasmitir, a través del lenguaje poético, su exquisita sensibilidad, la agudeza de sus sentidos, la profundidad de su pensamiento.Bóvedas de sombra conmueve e ilumina.
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«Si nunca has escuchado recitar a Mestre tu concepto sobre la poesía escénica puede tambalearse en este preciso instante. La primera vez que lo vi subir a un escenario, comprendí cuánta importancia tiene para el signo lírico la voz de un poeta». Así comienza Raquel Ramírez de Arellano el epílogo de esta antología poética de Juan Carlos Mestre compuesta por 22 poemas seleccionados por ella misma de entre su extensa obra poética. «Territorio de la emoción», afirma, lecturas que suponen esa rara avis, tan necesaria en el panorama poético del momento'' y en los que destacan temas de interés social y político como la denuncia de las desigualdades sociales o la reivindicación de una conciencia de nuestra memoria histórica y su restitución.
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Este segundo poemario de Adrián Fauro supone la consolidación de una de las voces más frescas y divertidas del panorama contemporáneo. El autor se sirve de la nieve como epicentro de un aluvión de parpadeos, resonancias y referencias a la cultura musical que, pese a presentarse con apariencia desordenada, descubren una intimidad coherente, sencilla y sumamente entretenida. De la playa de Alicante al invierno Madrid, del gato de Lisa Simpson a un gato de carne y hueso, de una pokédex robada a una nevada de 1926, de odiar leer en público a desear la nube Kinton... Este libro traza recorridos transversales donde el factor común es la ternura. He aquí un alegato a favor del eclecticismo de quienes aman y en contra de la prepotencia en la poesía.
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Guillermo Carnero (Valencia, 1947) ha sido catedrático de Literatura Española entre 1986 y 2012, y profesor en las universidades estadounidenses de Berkeley, Virginia y Harvard. Es autor de catorce libros de poesía, por los que ha recibido el Premio de la Crítica (2000), el Nacional de Literatura-Poesía (2000), el Fastenrath de la Real Academia Española (2002), el Loewe (2005) y el de las Letras Valencianas (2006). Perfil perdido -expresión que en pintura designa un rostro vislumbrado desde un lado y atrás, con gran escorzo- es un poema continuo de novecientos versos en tres movimientos, la última entrega hasta ahora de Guillermo Carnero en la línea de poesía extensa que incluye Espejo de gran niebla (2002), Fuente de Médicis (2006), Cuatro noches romanas (2009) y Carta florentina (2018). Perfil perdido escribe el deseo del poeta de renunciar a la propia memoria vivida y escrita, y así mantiene un frecuente contacto intertextual con su obra anterior, desde Dibujo de la muerte (1967). El arte del olvido que conforma este libro exige partir de un arte de la memoria, que actualice la totalidad del recuerdo como requisito de su desvanecimiento. Dicha memoria es primordialmente la sensorial. Sin que se trate de ámbitos estancos, el primer movimiento está dedicado a la vista, el segundo al oído, el tercero a los restantes sentidos. Los cinco, una vez en blanco, se ofrecen a una mujer, que pasa ante ellos sin detenerse.
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És aquest un poemari on el jo líric oscil·la còmodament entre el masculí i el femení per encarar algunes preguntes del nostre temps i dels de sempre, des de què se'n fa de l'amor, quan hom mor, a com funciona el neofeixisme.
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Sorprende la fuerza y ambición de este libro original y potente tanto en el manejo de las formas poéticas como en su mensaje: la infamia es mucha y sus hilos finos como los de una tela de araña. El juego intertextual que sustenta este peculiar tapiz de palabras impone una revisión: deshacer y desenmascarar el mito de Aracne y Atenea para llevarnos desde la tradicional y naturalizada rivalidad entre mujeres a la amistad, a la sororidad cómplice. Con la misma lucidez reflexiona sobre un mundo fragmentado y roto como el nuestro. Así lo vemos, por ejemplo, en la sección «Capulina» con el impresionante poema titulado «Europa», valiente denuncia de un mundo en ruinas: guerras sin fin, explotación laboral incluso de niños, inmigración, violencia de género, ataques a la democracia o al medioambiente, extrema pobreza y riqueza extrema. Al igual que Eliot en La tierra baldía denunciaba las graves fracturas de su tiempo en los años 20 del siglo pasado, Gerardo Rodríguez Salas quiere poner, un siglo más tarde, el dedo en la llaga para denunciar las nuestras, la ruina material y moral de nuestro tiempo. Pero también, sin duda, para no perder la esperanza en que aprendamos a hilar de otra manera, para mantener el sueño de una sociedad que sea capaz de oponer la empatía, la sororidad y la igualdad al caos que hoy nos domina y nos espanta. ÁNGELES MORA
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Cantar la vida es un largo viaje, sin prisas. Durante trece años estos poemas me acompañaron por islas y desiertos, y han crecido conmigo hasta llegar aquí. En el cauce que son, riadas y sequías dieron forma al amor que albergan y al desgaste, son himno de la erosión que soy: una crónica desnuda de sucesos en mi vida que jamás olvidaré y que conforman mi manera de andar, los lugares en que se goza mi mirada. Hay entre estas líneas cumbres y cielos y un camino, conmoción a menudo del hombre que evoca la luz de sus edades, paisajes en la niebla donde siempre regresa el corazón cansado.
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¿Es el olvido una forma de paz o de renuncia? ¿Se trata del fracaso de la memoria o del triunfo del equlibrio? Arturo de Vicente nos conduce con maestría por el mundo de las cosas que sucedieron para borrarse, del daño que está presente mientras vivimos.
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A veces un poema es tan breve como un beso robado. Y, como un beso robado, arrebata a la vez que nos deja en estado de estupefacción. ¿Ha pasado lo que creo que ha pasado? Y el alma, entonces, se queda quieta a la espera de una respuesta que el universo le debe por lo que acaba de experimentar. ¿Cómo algo tan pequeño te hace tanto? ¿Cómo puede contar tanto? ¿Cómo puede provocarte tanto? Desde la risa que nace en tu vientre sin que puedas evitarlo a la pasión que te deja con una media sonrisa en la cara y mirada cómplice, porque esto tú lo has vivido y el poeta ha logrado capturarlo y dártelo en mano como un globo de colores, pasando por la rabia hacia las injusticias que ves cada día y para las que casi no habías encontrado expresión hasta ahora. Todo lo que te pasa o te ha pasado en la vida o te pasará (si te dejas) está aquí y ahora y grita: ¡Agua! Y va a hablar de ti, de mí, del mundoà de la eternidad, como tiene que hacer la poesía.
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En 2006, Luis Alberto de Cuenca obtuvo el Premio Ciudad de Melilla por La vida en llamas, en donde se decanta claramente por el clasicismo poético, por la cultura como salvación ante el dolor que asola al mundo. La serenidad de su anterior poemario, Sin miedo ni esperanza, no se desmorona, pero tiembla ante la realidad del lugar común y la estupidez, pesadillas que llevan a la desolación y la tristeza. De nuevo la cultura popular se codea con los clásicos, a los que invita a acercarse como una forma de divertimento, como vía de escape ante la amenaza de la muerte o la desesperanza. La salvación vendrá por el humor y el amor, reflejado en la sección final del libro, «El jardín de Alicia», donde el dolor se cura en unos brazos cómplices.
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Los buenos poemas, igual que las buenas canciones, ponen palabras a lo que sentimos cuando nos reconocemos. Somos iguales y en la intimidad de otros nos vemos a nosotros mismos. Pero hay que estar muy atentos. No es fácil captarlo. Es un juego de espejos. El poeta se mira, y nos enseña lo que ve, y nosotros lo miramos y, si hay suerte, nos vemos. Lo importante es el principio y el final. Si el poeta no se ve al mirarse, nosotros tampoco nos veremos al mirarlo. Ramón Martínez sabe mirarse y por eso podemos vernos. Conoce este juego y lo domina. No es un juego trivial, le va la vida en ello. No es un juego nuevo, pero nos gusta jugarlo. Y, además, le da otra vuelta de tuerca. En su mecanismo de espejos las canciones-poema que lo inspiraron traen nuevos poemas-canciones que invitan al lector a quedarse con él en instantes que quizás no habíamos visto, o no queríamos, o no sabíamos ver. El autor viaja por sus noches de insomnio, teme más a sus dudas que a casi nada, se hunde en la carne de los cuerpos enredados, se cuestiona el tiempo y pasea por el filo de lo que le duele. Y en tiempos de urgencias y de superficie es de agradecer que Ramón decida mirarse de frente, lejos de la prisa, por donde anda el silencio, como él nos dice. Ahí es donde mejor resuenan las buenas canciones y, sobre todo, los buenos poemas en los que al verlo, nos vemos. JUAN ALBERTO MARTÍNEZ, CANTANTE DE ''NIÑOS MUTANTES''
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Con The basement tapes, cuyo título rinde homenaje al disco que Bob Dylan grabó en un sótano durante la convalecencia de un accidente de motocicleta, Jaime Rodríguez Z. traza un universo de referencias pop no exento de humor (como ya sucedía en su anterior poemario, Canción de Vic Morrow. Ed.Trea), esta vez anclado a un tiempo real y político, el Madrid de los años 10. “Y pensé que finalmente estaba ocurriendo aquello / la transformación / pero las voces / su sonido / para mí indistinguible / de lo oscuro. // Aquellos cuervos // ¿Qué hubiera sido / si llegábamos al entendimiento?”.
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Luis Alberto de Cuenca reúne los poemas elegidos por el propio autor para ser leídos durante un encuentro distendido y cómplice con el también poeta Antonio Marín Albalate.El conjunto de poemas de este volumen dibuja un paisaje de versos construidos durante años y ofrece al lector una panorámica íntima (por la vocación con la que nace el encuentro que origina esta selección) y única (por la oportunidad de disfrutar del visionado de dicha lectura gracias al DVD que acompaña este libro).Tienen ustedes en sus manos, queridos lectores, un testimonio magnífico que les permitirá leer y escuchar a uno de los poetas españoles más importantes del momento: Luis Alberto de Cuenca. Disfrútenlo.
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El silbido vulnerable del jilguero me despierta, a veces, desde la ventana de la habitación. Y, como las gotas condensadas, empiezo a deslizarme por la memoria. Viajo otra vez a la tierra que habité, ahora curtida por el presente, y recuerdo todas las heridas existentes. Creo que fue en ese instante cuando empecé a escribir. O había sido antes, no sé. La memoria a veces es confusa. A veces, sin embargo, no escucho su silbido y hablo con el silencio, que me recuerda las ausencias que no vuelan. Entonces, les escribo y dejo que vuelen sobre el papel.Este poemario va dedicado a todos aquellos silencios que nos forman como individuos, como sociedad. Hay que habitarse a uno mismo, conocerse y encontrar la chispa. Aquello que te salve y te haga creer, sentir, resistir. Hay que amar, por encima de todo, a la vida. Para todos a los que los silencios ahogan, pesan e incluso asustan, estas páginas buscan resistir a la tristeza, encontrar el silbido y volver a volar.
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En 1926, el poeta y pintor José Moreno Villa conoció en la Residencia de Estudiantes a una joven universitaria neoyorquina que cambió su vida para siempre e inspiró los versos de su más célebre libro de poemas, Jacinta la pelirroja (1929). Nunca llegó a desvelar la verdadera identidad de su musa, por lo que durante mucho tiempo sólo se sabía de ella que había venido a Madrid para asistir a los cursos para extranjeros que se celebraban en verano en la Residencia (donde Moreno Villa vivió entre 1917 y 1936, ejerciendo un papel fundamental como tutor informal de los jóvenes residentes), que pronto nació entre los dos un apasionado romance que en pocas semanas los llevó a trazar planes de matrimonio, y que, tras un viaje a Nueva York para que la familia de ella conociera al futuro marido, se fraguó la ruptura definitiva de la pareja. En este libro Christopher Maurer relata la vida y fortuna de aquella misteriosa mujer cuyo nombre real era Florence Ruth Louchheim, ardiente defensora del arte moderno que acabaría enfrentándose con su clase social y poniendo su dinero al servicio de la pintura. La tumultuosa relación del malagueño con Florence, su visita a Nueva York y el choque con el pragmatismo norteamericano marcaron un antes y un después en la vida del artista que se refleja en sus producciones pictóricas y literarias posteriores, realizadas tanto desde Madrid como, a partir de su exilio por la guerra civil, desde México, adonde finalmente se trasladó a vivir, tras pasar unos meses en Estados Unidos, y donde volvió a encontrarse con Florence.
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Mâgda Carneci (Gârleni, Rumanía, 1955), poeta, ensayista y novelista, es uno de los grandes nombres de la literatura rumana contemporánea. Su presencia en la escena literaria ha combinado siempre el compromiso ético y estético, acompañado de una escritura exigente y prodigiosa. Ha publicado los libros Hipermateria (1980), Un silencio ensordecedor (1984), Caosmos (1992), Poemas políticos (2000), Poemas trans (2012), Vida (2016) y Transneuronal (2023). Vida puede considerarse un hito decisivo en la historia de la poesía rumana contemporánea. Se trata de una propuesta de altísima calidad, donde se halla la privilegiada unión entre emoción e inteligencia propia de los verdaderos poetas. Hay en las páginas de Vida un tratamiento sorprendente e innovador de algunos temas literarios fundamentales: el amor, el paso del tiempo, la infancia, la adolescencia, las vivencias de la madurez, la muerte o la relación con el espacio urbano y con la naturaleza en su doble dimensión, cercana y cósmica.
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Cada poema de José Emilio Pacheco (México, 1939) contiene la determinación de iluminar el lenguaje y el mundo a través de la refelxión sobre la condición humana. La materia, la inteligencia y la sensibilidad se nos muestran junto a la tragedia y la ironía.
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Luis Cernuda (Sevilla, 1902-Ciudad de México, 1963) está considerado como uno de los poetas más imprescindible de la Generación del 27, fi gura estelar en la poesía contemporánea y una de sus voces más atractivas. Su influencia entre los poetas de las últimas generaciones es considerable y de ascenso incesante. Ya desde sus primeros poemas demostró su rechazo y hostilidad con la sociedad, con los valores establecidos, y contra cualquier tipo de represiones y prohibiciones. Su disconformidad le encaminó a oponerse con cierto radicalismo en contra de la hipocresía y de la ausencia de sensibilidad, en busca de un paraíso perdido en el que prevalecieran el amor y la belleza, la poesía y la libertad sexual, una realidad alejada de aquel mundanal ruido y un deseo solo alcanzable en los sueños. Contra esa sociedad burguesa escribe violentos ataques mientras busca una armonía espiritual que no alcanza, basada en los mitos, y sobre todo en el Amor y la Belleza. Provisto de un gran talento versificador y de una originalidad asombrosa. Para esta edición definitiva de la Poesía completa de Luis Cernuda hemos seguido la establecida por Derek Harris y Luis Maristany, con la ayuda de Ángel Yanguas Cernuda, con algunas modificaciones y adiciones. La obra de Cernuda es una exploración de sí mismo, una orgullosa afirmación, al fi n de cuentas no desprovista de humildad de su irreductible diferencia. Él mismo lo dijo: ''Yo solo he tratado, como todo hombre, de hallar mi verdad, la mía, que no será la mejor ni peor que la de otros sino solo diferente''. La obra de Cernuda es un camino hacia nosotros mismos. En esto radica su valor moral. Pues aparte de ser un alto poeta - o, más bien: por serlo- , Cernuda es uno de los poquísimos moralistas que ha dado España, en el sentido en que Nietzsche es el gran moralista de la Europa moderna y, como él decía, ''su primer psicólogo''. La poesía de Cernuda es una crítica de nuestros valores y creencias, en ella destrucción y creación son inseparables, pues aquello que afirma implica la disolución de lo que la sociedad tiene por justo, sagrado o inmutable. Como la de Pessoa, su obra es una subversión y su fecundidad espiritual consiste, precisamente, en que pone a prueba los sistemas de la moral colectiva. Su hostilidad ante el cristianismo no es menor que su repugnancia ante las utopías políticas». Octavio Paz «La poesía de Cernuda, tanto en verso como en prosa, documenta el proceso difícil y paulatino que conduce al descubrimiento de que lo que da validez a la vida no son los ideales que se buscan sino la experiencia confl ictiva provocada por los sucesivos fracasos de aquellos ideales. La búsqueda del acorde místico, en todas sus manifestaciones variadas, lleva al poeta a un acontecimiento cada vez más profundo de sí mismo, al conocimiento de la verdad del hombre interior, y a la decisión de guardar fidelidad a este». Derek Harris.
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La poesía de José Carlos Llop es depurada, elegante y clasicista, y nace de la experiencia vital. La poesía de José Carlos Llop es depurada, elegante y clasicista, y nace de la experiencia vital -la poesía como autobiografía- constituyendo una de las aportaciones más sólidas a la poética española de los últimos veinte años. Una poesía de la reflexión, donde vida y literatura se confunden porque son lo mismo, y el amor, el tiempo, la ciudad, la gran cultura, la belleza y una concepción elegíaca del mundo son motivos recurrentes. En La avenida de la luz su voz adquiere una claridad esencial, una matización más severa, una tonalidad virtuosa que se destila con sabiduría en sus poemas, acompañada por la persistente sombra de la muerte, anfitriona de esta verdadera conversation piece.
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Bajo ese marbete de ''Poéticas del malestar'' se reúnen una serie de escritores nacidos hacia 1975, salvo excepción, con un perfil claramente diferenciado de las promociones anteriores: realistas, segunda oleada de poéticas esenciales y ''del silencio'', e incluso de la herencia versicular de corte neosuperrealista.Estamos ante un conjunto de poetas trasmisores del inmediato desasosiego personal desde la reticencia (no del declarativismo de línea clara, de líneas claras o esencial, neopurista, mejor, sino de quienes filtran su incomodidad existencial). Se trata de un malestar asumido como íntimo, silabeado por pudor y sin personaje, ahora más allá de la desolación absoluta descarnada, incluso nihilista,que configuró algunas poéticas previas configuradas por el momento histórico en algún caso.
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Daniel Samoilovich y Stupía han colaborado en numerosos proyectos: desde una efímera revista poética en los años setenta hasta la codirección del periódico trimestral ''Diario de Poesía'' entre 1992 y 2011.
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No son muchos los escritores que hemos leído con el poder de emocionarnos, el vigor para conmovernos y el carisma suficiente que nos permita asumir su voz lustral y generosa. Porque no todos tienen conciencia exacta del valor de la palabra y el compromiso que la acción de escribir conlleva sea cual sea la manifestación escogida para expresarse.Siempre he creído que la premisa capital para escribir debe entibarse sobre un sentimiento más allá de nosotros capaz de situarnos frente a otro ser humano, un ser humano que late íntimamente en el ardor de vivir, un ser humano que se reconoce y se espeja sin ambages en el lastimado sentir de la común naturaleza y a quien nada de lo humano le es ajeno. Solo con esta virtualidad solidaria de introspección y descubrimiento es posible crear y que el objeto de la creación transmita emociones universales, proclives a derruir fronteras y erradicar prejuicios. José Sarria se constituye en el ejemplo más notable que conozco de responsabilidad literaria y el crisol más acendrado de sinceridad poética. Su casa está abierta de par en par a todos los hombres y mujeres del mundo, porque en su horizonte no existen lejanías, ni nublos en su mirada, ni dogales que asfixien el eco de su canto. Escucho su palabra y sé que la ilumina el don más admirable, el don donde se uncen verdad, bien y belleza, el don que nos alienta como el aire vital que respiramos, el don que da la vida porque sacia la sed inmarcesible.
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«Los pacifistas / miramos la guerra / en paz», reconoce en los restos Munir Hachemi, interpelándonos con cruda sencillez. Y si miramos en paz, es porque tenemos una venda en los ojos: lo personal es político, pero ya es una convención, la miseria nos parece intangible, los restos no nos interesan.Este es un libro que aborda la crueldad, lo roto y lo invisible —con una escritura fragmentaria, ácida— para limpiarnos la mirada y dinamitar el vacío de nuestras buenas intenciones.El primer poemario de Munir Hachemi, autor de la novela Cosas vivas (Periférica, 2018) seleccionado por la revista Granta como uno de los «25 mejores narradores en español».
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Hogares impropios es una obra sólida escrita sin miedo. Jorge Pozo Soriano ha logrado que sus versos dialoguen con la herencia literaria a la que se suma. En contra de la ausencia poética que tantas veces aparece en las redes sociales, el autor piensa, medita y construye su propia identidad para convertir la palabra en un espacio habitable por el lector. Su búsqueda evidencia la lucidez de una poesía que hila el lenguaje a nuestra voz.J. SANTATECLAEl primer poemario de Jorge Pozo Soriano sorprende por su madurez, su perfección formal, la elaboración que se trasluce entre versos aparentemente sencillos y directos. Impecable y estremecedor. La belleza y el escalofrío. Un mensaje claro, hondo, necesario para los tiempos agitados que nos consumen. En medio de esta agitación, el autor apuesta por la profundidad, la lectura, el reposo y el temblor. Por la verdad. Se trata, pues, de una auténtica teoría poética cobijada en una obra que brillará en el panorama nacional.MARINA CASADOEl joven poeta madrileño Jorge Pozo Soriano nos trae un libro que está “Más allá del placer y el gusto, de la satisfacción más primitiva de las necesidades corporales…”. Su lectura confirma su decir poético, trabajado desde el respeto a la mejor tradición o a la devoción a sus mentores, sin que se resquebraje un ápice la impronta contemporánea y la autoridad rotunda de lo propio que hace de Pozo Soriano un referente en la literatura iberoamericana contemporánea. La potencia intelectual del poeta abraza al lector con una sensualidad casi física, lanzando preguntas al viento que van más allá de las palabras y entran en el espacio y el tiempo para trascender lo tangible, lo vulgar que complace y lastra, tan común en nuestros días.EDUARDO HERRERA BAULLOSA
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Esa es la lucidez que caracteriza la poesía de Antonio Jiménez Millán, una poesía culta a la hora de huir del culturalismo y de acercarse a las ciudades para elegir una tradición de libros vividos: una música marcada por la sobriedad del mirar. Basta con mirar y dar testimonio de la mirada para convivir a la vez con el presente de uno mismo, con los ecos de la historia y con las huellas de las otras vidas. La mirada siempre es personal, un acuerdo entre el propio sentir y la realidad del mundo. Pero la mirada retrospectiva es siempre infiel, una reelaboración inevitable de lo vivido. Acordar el deseo con la lucidez, o con una conciencia nítida de la infidelidad, nutre la raíz de esta poesía. Es la única forma de aspirar a la verdad sin perder el pudor. Luis García Montero Antonio Jiménez Millán (Granada, 1954) es catedrático de Literaturas Románicas en la Universidad de Málaga. Ha publicado siete libros de poemas: una selección de los primeros, entre los que destaca Ventanas sobre el bosque (1987), se encuentra en la antología La mirada infiel (2000). Sus libros más recientes son Casa invadida (1995), Inventario del desorden (2003) y Clandestinidad (2011).
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Poesía sobre el afán de conocernos a nosotros mismos, sobre las inevitables preguntas que nos hacen humanos. Poesía al fin y al cabo sobre el deseo, la luz, o el dolor.El poemario que tienes entre tus manos ha supuesto un importante ejercicio de inmersión en las aguas profundas de la voluntad y en su memoria más íntima, hijo del tiempo de lo ineludible, del deseo y su aliento, fruto de la piel y sus grietas. Poesía por tanto de mi funeral y mi bautismo. De eso hablan estas estrofas. Es la poesía de los vasos comunicantes, la que conecta los extremos.Los poemas que se hayan aquí reunidos son consecuencia directa del anhelo. Anhelo por comprender el misterio que se cierne sobre nosotros, sobre un cuerpo y un espíritu invadidos por la emoción más viva. En esta ofrenda están los espejos y las nubes que llenan mis días, los interrogantes y el grito. Sí, también el grito. El canto de una caracola que entrego como el bien más preciado al que me aferro: la voz interior. ¿Puede acaso un verso venir de otro legítimo lugar?En la escucha de esas voces interiores, a veces escondidas sobre las regiones más sencillas, sobre la cotidianidad de los objetos y su grandeza, otras apostadas en la carne más despierta y voraz, he ido trasladando el eco de mis letras al papel. Al concluir el poemario, el papel fue convirtiéndose lentamente en cuerpo de semilla. Una simiente que emite todavía intacta, desde el núcleo del ámbar milenario en el que quedó atrapada, el mensaje cifrado de su condición.Simiente de ámbar es el trazo del animal sobre la arena. Un animal que se resiste a silenciar su humanidad. Podría decirse pues, que si yo soy piedra, estos versos son los líquenes que, aferrados a mí, comparto en su total desnudez.
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Quin món de mones! va ser el títol del programa de cap de setmana de Lloll Bertran a Catalunya Ràdio. Un xou humorístic i satíric --líder absolut d'audiència en la seva franja horària: els diumenges d'una a dues del migdia-- i on la Lloll, a més a més d'interpretar-hi els seus personatges, de fer-hi entrevistes i de parlar amb els oients, hi cantava cançons conegudes amb la lletra adaptada, d'una manera enginyosa i divertida, al tema de cada setmana. Celdoni Fonoll hi llegia els seus versos, normalment irònics, molts dels quals foren escrits expressament per al programa. Aquest llibre conté quaranta lletres de cançons --hi descobrireu una excel·lent Lloll lletrista-- i cinquanta poemes que es van cantar i llegir a Quin món de mones!, des de l'11 de setembre del 2004 fins al 7 de gener del 2006.
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Cualquier poema verdadero se nos aparece originalmente como la luz donse se nos permite ver lo que hasta antes de él no veíamos. Así, el mismo poema se convierte en guía de quien lo lee. Y de eso se trata: de leer los poemas que Pessoa reunió bajo la firma de Alberto Caeiro, dejándose orientar por ellos. Este segundo volumen recoge los Poemas inconjuntos y los Apéndices.
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Compartimos moléculas y virus, nos derrota la muerte, y la espantamos con abrazos, susurros y miradas, un puñado de síntomas que llamamos amor, para entendernos. Inabarcable, incomprensiblemente hermanos, a pesar de que es fácil odiarse en todos los idiomas, de que ahora no sabríamos cómo estar juntos. Pensando en vosotros, en todos, alzo este privilegio, un vaso de agua potable. No sé cómo hacérosla llegar en esta hora de cerrar mi jornada. Fragmento de ''Abierto 24 h'' Arturo Tendero nació en Albacete en 1961 y reside en Chinchilla. Estudió Periodismo y Teatro y durante más de treinta años ha sido profesor de Educación Física. Como poeta ha publicado Una senda de aldeas cotidianas (Diputación de Albacete, 1991), Las aves sin dueño (La Siesta del Lobo, 2000), Adelántate a toda despedida (Pre-Textos, 2005), La memoria del visionario (Visor, 2006), Cosas que apenas pasan (Hiperión, 2008), Alguien queda (Renacimiento, 2013), El otro ser (Isla de Siltolá, 2018) y El principio del vuelo (Páramo, 2022). En este género ha obtenido, entre otros galardones y reconocimientos, los premios Jaén, Gerardo Diego, Manuel Alcántara y José Agustín Goytisolo. Aparte ha publicado libros de relatos, de artículos periodísticos, de viajes y ha estrenado varias obras teatrales. Ejerce la crítica literaria en InfoLibre, La Tribuna de Albacete y el blog El mundanal ruido. Cofundó con Juanjo Jiménez la revista La Siesta del Lobo, de la que han aparecido veinte números y que ha publicado también medio centenar de libros. Desde 2001 organiza las jornadas Poesía Viva, ahora en las primaveras de Albacete.
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Bajo este nombre escondió su prueba de amor a la belleza de la poesía esta chilena, ciudadana del mundo y amante de suprimir fronteras. Su inspirada lírica de sentimientos intensos la ha convertido en un símbolo para los anhelos ideales de todo el mundo latinoamericano. Premio Nobel 1945.
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«Milita Molina: un agujero belga en la literatura argentina», rezaba un titular en 2013. Estamos ante una autora de culto de la última literatura sudamericana. Traductora especializada en narrativa estoadounidense, su entrega inquebrantable a la fórmula enunciada por Osvaldo Lamborghini, «autor de un solo texto», convierte toda su obra en una formulación coherente y corrosiva que destella genialidad. Su poesía performativa y su narrativa contracultural se adhieren una a la otra en límites difusos y agujereados por fisuras llenas de humor negro y una ingeniosa crudeza. «El lector vacila, sigue intrépidamente adelante pero ya no se repondrá nunca más de este accidente: ¿qué estoy leyendo?», aseveraba Nicolás Rosa. Milita Molina «se refugia en los intempestivos, en los inoportunos», su droga dura ante la angustia de tener un cuerpo: enfermo, claro. «Se me incrustan las palabras y cuanto más morbosas enfermas y malditas y condenadas más se ensañan con su rum rum». Beckett, Mansilla, Kerouac, Tsvietáieva, Lamborghini, Copi, James, Baudelaire, Macedonio, Bowles, Kierkegaard, Hernández, Austen… Conciencia del daño que no renuncia y exprime. Y canta.
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Hay dos categorías de seres humanos habitando el sueño de la Literatura: los elegidos y los farsantes. Luis Antonio de Villena comparte con diez o doce escritores españoles de todo un siglo la fortuna de contarse entre los primeros. Hay también dos rangos de Poetas: los que encarnan el más alto de los Destinos y aquellos cuyas páginas son tan ramplonas como sus vidas. Luis Antonio de Villena luce entre los primeros junto a cuatro o cinco poetas españoles contemporáneos más. Por último, se conocen dos estilos de vivir: las existencias que ennoblecen su hora, y las despreciables. Luis Antonio de Villena comparte con otros dos poetas españoles actuales la extraordinaria representación (y defensa) del en extinción primero de los modos. JOSÉ MARÍA ÁLVAREZ La poesía de Luis Antonio de Villena es una de las más profundas y vitales experiencias, de gran poeta ya, sobre el absoluto de la Belleza y sobre la vida intensa que se funda en ella y en su nostalgia. Una poesía honda, sensual (muy sensual) y de plena voz propia. JOSÉ OLIVIO JIMÉNEZ
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El sonido de las seis sílabas es un poema de largo aliento. Libro tejido en una suerte de puente abismal colgado entre la poesía y la filosofía. Poema que se mueve y piensa contra el marco de la gran escalada. Crítica a la mecanización del significado en la poesía (substituir la irracionalidad de la inspiración por las fórmulas lingüísticas). El bardo ha dejado su lugar al sátiro. Texto híbrido donde la poesía y la reflexión crítica se dan la mano de manera fresca y creativa.
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El único estudio sobre las trobairitz anterior al siglo xx es una monografía alemana de 1880. No es sino cien años después cuando se convierten de nuevo en objeto de investigación estas mujeres aristócratas de los siglos xii y xiii que dieron la vuelta al concepto masculino del amor cortés. En él, la mujer, ya fuera campesina o dama de alcurnia, aceptaba al galán como sirviente, siendo ella una figura pasiva. Por el contrario, en sus poemas, las trobairitz son sujetos, son ellas las amadoras, las que eligen, las que sufren, también, de adoradas pasan a ser adoradoras. Estas trobairitz iniciaron el debate sobre la igualdad intelectual entre mujeres y hombres, y se dieron a conocer como creadoras, tanto en el sur de Francia, como en el norte de Italia, Cataluña y Navarra, es decir, en la Occitania y la Provenza. En este libro, Clara Janés reúne y traduce los poemas encontrados de no más de 20 trovadoras (frente a los más de 400 trovadores), que, sin embargo, «se encuentran entre las voces más exquisitas de la lírica cortés», según la estudiosa Magda Bogin.
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Que Quemar la casa llegue justo después de la primeranovela (en prosa poética) de Lara Losada (Toledo, 1993), Un poco de tu leche (ediciones en el mar, terceraedición: febrero 2021), no es algo casual, sino lacontinuación de una reivindicación y un dolor que seenfrenta a ese «vínculo paterno» que es dictadura y obstruye cualquier concepto de hogar posible. Lara Losadarompe la «política del silencio» que ensucia la habitación en la que lleva demasiados años atrapada, siendo esa «res inmóvil de mejillas doradas» que ahorasealza con una voz poética propia tremendamente honestay valiente. Quemar la casa es el primer poemario–pese a ser su cuarto publicado– adulto de esa Lara«mujersalvaje (…) / mezclada con polvos de oro» quelucha,biográfica y políticamente, por deshacerse detantos gritos y de un hogar en el que no se reconocepara hacer volar por los aires la casa, el cuerpo y el lenguaje porque «nosotras, capaces de la misma guerra (…) /elegimos habitar otra historia». Esta es esaotra historia, un golpe de Estado en la genealogía familiar para ser capaz de pronunciar: «creo que te mereces todoel daño que pueda devolverte». No más «perra amaestrada» y sí todo «un cuerpo que refleja luz»que es libre para desear y amar. «¿Qué palabras podrían /hacernos arder?», se pregunta la autora. Éstas, justo estas.
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Libro maldito de un poeta maldito, los ''Sonetos lujuriosos'' de Aretino sacudieron a la curia cardenalicia en la Roma papal del siglo XVI. Basados en las imágenes eróticas realizadas al alimón por Giulio RomanoyMarcantonio Raimondi, conocidas como los Modi, vaninstruyendo a los amantes sobre cómo deben acoplar sussexos en las diferentes posturas amatorias para obtener mayor placer. Ajenos a la corrección política, esta nueva versión de Luis Alberto de Cuenca y ,Adrián J. Sáez, que se ofrece en edición bilingüe, incorpora los grabados originales e intenta ser lo másfiel posible al espíritu provocador de su autor, quehubo de refugiarse en Venecia para huir de la ira eclesiástica. Un documentado prólogo explica la historia yel sentido de esta obra heterodoxa.
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