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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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UN POEMARI QUE REFLEXIONA SOBRE L'EROSIÓ QUE EL PAS DEL TEMPS VA EXERCINT EN NOSALTRES. _Vidrendins_ vol ser un repàs de la trajectòria poètica de l'autor, poemes que destrenen camí fins a arribar a les seves deus originals i vitals: un paisatge concret, molt concret, rere una finestra, i aquella mirada adolescent on va larvar, subtilment però irreversible, la seva càrrega metafòrica. A _Vidrendins_ hi trobem l'essencialitat d'aquesta mirada, els versos que ha acabat imantant, aquella empremta tan constant, obsessiva: branques temàtiques molt ramificades i universals (els paradisos perduts, la realitat i el desig, l'amor i el desamor...), però sempre amb un tronc comú que les sustenta, un monotema: l'erosió que el pas del temps va exercint en nosaltres, tot allò que va usurpant-nos irreversiblement (persones, paisatges, desitjos...)· amb aquella voluntat, però, que, tanmateix, va creixent en el temps, aquella voluntat de matisar, inequívocament, els versos: malgrat tot haurà estat, és, extremadament bell i excitant aquest viatge.
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Nilton Santiago (Lima, 1979) vive en Barcelona. Sus últimos libros son El equipaje del ángel (2014), Las musas se han ido de copas (2015) e Historia universal del etcétera (2019). Por ellos ha merecido, entre otros, el Premio Tiflos de Poesía, el Premio Casa de América y el Premio Internacional de Poesía Vicente Huidobro. «No es la miel para la boca del asno», le respondió Sancho a su mujer, Juana Panza, cuando le preguntó qué eran esas ínsulas de las que sería gobernador, para luego acabar diciéndole «cose la boca». Este libro es un reencuentro con esas voces silenciadas: la de la abuela migrante, la del padre forzado a trabajar en la pesca siendo tan solo un niño, la del protestante asesinado o la de la suegra suicida, relegadas todas de la miel de la palabra. Es este también un testimonio de esa poesía que subyace tras la «caída» del yo y del lenguaje, como si las palabras fueran abejas que vuelven a un poema-panal derribado para decir desde sus fragmentos.
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Finalista tanto del prestigioso National Book Award como del National Book Critics Circle Award, Bright Dead Things (Cosas muertas y brillantes), de la poeta laureada de los EEUU Ada Limón, es un libro valiente pero introspectivo. Su cuarta colección de poemas, con la que consiguió popularidad y vender más de 40,000 ejemplares en los EEUU, incluye además reivindicación feminista y pérdida desgarradora, y desvela cómo construimos nuestras identidades a partir del lugar y el contacto humano, rastreando con detalle íntimo las formas en que el sentido del yo poético y personal cambia y persevera a medida que se traslada de Nueva York a la Kentucky rural, pierde a su padre, envejece más allá de la caprichosa juventud y se enamora.
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A través de los dos tomos en los que se ha dividido su obra, el lector podrá percibir la evolución de la poesía de Robert Lowell, siempre muy estudiada y cuidada, pero que con el paso del tiempo va adquiriendo un tono más íntimo y confesional. El poeta ut
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«Són les 12:40 d'un dijous a Nova York, i Frank O'Hara surt del MoMA a fer un mos pels carrers fumejants de Midtown. Entre transeünts atrafegats, els obrers descansen amb la coca-cola a la mà, els taxis toquen el clàxon per sortir de l'embús i les faldilles d'una noia voleien un instant sobre les reixes de ventilació. O'Hara té el temps just d'escriure un poema, o potser ni això, perquè ha quedat amb un amic, té una trucada pendent i no vol renunciar a un suc de papaia del seu lloc preferit. O potser són les 12:20 d'un divendres, no importa, i Frank O'Hara té mitja hora per dinar i un munt de trucades pendents, però encara està sota l'impacte de la darrera pel·lícula de Fellini, porta a la butxaca un llibre d'un poeta francès que no pot deixar de llegir i té uns versos propis que li ballen pel cap. És l'hora de dinar, però Frank O'Hara s'estima més escriure un poema.» Del pròleg de Melcion Mateu Francis Russell O'Hara va néixer el 27 de juny de 1926 a Baltimore, Maryland, i es va criar a Nova Anglaterra. Entre el 1944 i el 1946 va servir a la Marina com a tècnic de sonar al destructor USS Nicholas. Gràcies a una beca destinada als veterans de guerra, va entrar a la Universitat Harvard, on va fer estudis de música i de filologia anglesa. Va començar a publicar poemes a la revista Harvard Advocate. A partir del 1951 va viure sempre a Nova York, on va treballar com a crític d'art a la revista Art News i com a conservador de pintura i escultura al MoMA. El 24 de juliol de 1966 va ser atropellat per un bugui a la platja de Fire Island i va morir l'endemà. Els llibres de Frank O'Hara que van aparèixer en vida de l'autor són els següents: A City Winter and Other Poems (1952), Oranges: 12 pastorals (1953), Meditations in an Emergency (1957), Second Avenue (1960), Odes (1960), Lunch Poems (1964) i Love Poems (Tentative Title) (1965).
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Sergio Chico nos trae una poesía cargada de las consecuencias que provocan las rupturas sentimentales y co mo e stas generan una coraza que impide en la mayori a de los casos reponerse de las heridas. Sergio se caracteriza por un discurso directo, co
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Compañera galáctica, el nuevo poemario de Diego Ojeda, muy en sintonía con la obra que lo ha catapultado como uno de lospoetas más vendidos del mercado editorial español, Mi chica revolucionaria, supone un punto de inflexión vital y artístico en su
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Jailhouse Rock es una visión personal e íntima del mundo carcelario a través de la óptica del poema.Durante el confinamiento de 2020, toda la sociedad pudo comprobar lo que significa vivir encerrado y lo duro que puede ser. Los presos de las cárceles, más aislados aún con el exterior e informados sobre todo a través de la televisión, se preocupaban por cómo estaba la vida fuera. Eran conscientes de que todo el mundo había perdido lo que ellos más ansiaban: la libertad. Jailhouse Rock es una visión personal e íntima del mundo carcelario a través de la óptica del poema. El poeta Jorge Barco Ingelmo es, además, funcionario de prisiones, y ha puesto su experiencia y observación al servicio de la poesía para abrir, con la llave del verso, una puerta insólita hacia uno de los lugares más desconocidos y que más curiosidad despiertan: los centros penitenciarios y las personas que los habitan.
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Sobre la Herida es una ambiciosa recopilación poética de Manuel Ruiz Amezcua que abarca cincuenta años de producción poética desde 1974 hasta 2024 con el amor -en sus diversas formas- como eje y principio temático. Esta obra está caracterizada por su intensidad emotiva, explorando los temas del afecto, la pérdida, el desengaño y la reflexión existencial a través de un lenguaje rico y evocador. A lo largo de los poemas, Amezcua emplea una variedad de imágenes y metáforas para indagar en la condición humana, la naturaleza efímera de la vida y las diferentes formas de relacionarnos con aquello que nos provoca deseo, cariño, compasión, ternura o gusto. La estructura del libro revela una evolución temática y estilística que refleja el crecimiento personal y literario del autor a lo largo de las décadas, ofreciendo un testimonio poético de su complejo viaje emocional y filosófico. Cada poema en Sobre la Herida expresa momentos de introspección, dolor, y eventualmente, de entendimiento y aceptación. Amezcua navega por los mares de la existencia humana, deteniéndose a contemplar tanto las tormentas como las calmas, utilizando la herida no solo como una metáfora del sufrimiento sino también como un espacio para el crecimiento y la transformación personal.La herida, en su obra, se convierte en un símbolo de la vulnerabilidad humana, así como de la capacidad de sobreponerse y encontrar belleza y significado en medio de la frustración y el vacío. A través de su poesía, de oficio perseverante, cultivado y del que el autor hace gala, Amezcua invita a los lectores a un viaje de autoexploración y reflexión, donde cada verso sirve como un espejo de las propias experiencias, emociones y preguntas vitales. La crítica ha celebrado Sobre la Herida por su honestidad brutal, su belleza lírica y su habilidad para tocar temas profundos de una manera accesible y resonante. La obra es un recordatorio de que, aunque la vida está marcada por la necesidad del otro, también está llena de momentos de profunda conexión, belleza y entendimiento.
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Virus, bacterias, hongos, lobos, secuoyas milenarias y bosques de abetos y abedules proliferan y se diseminan a lo largo de una obra que, siguiendo las redes que conectan organismos simples y complejos, recorre tallos subterráneos, recuerdos escolares, hazañas del activismo ambiental y un medio natural en delicado equilibrio donde la lengua del imperio impone categorías y se opera por dominación y extracción de recursos.
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XXIX Certamen de Letras Hispánicas Rafael de Cózar en la modalidad de Poesía. Alejandro Bellido (San Juan del Puerto, Huelva, 1993). Graduado en Filología Hispánica y Estudios Ingleses, ha publicado los poemarios La muerte en Cyterea (2018) y La oculta esperanza (2021). Ha participado en antologías de poesía joven como Piel fina (2019) o Luz nueva del suroeste (2015), y él mismo, además, ha realizado recuentos de la literatura de su provincia como Antología de poesía joven onubense (2015). Sus poemas pueden encontrarse en medios como Zenda, Anáfora, Casapaís o Maremágnum. Actualmente, codirige la revista literaria Centauros y copresenta el podcast de poesía Que tenemos que hablar de muchas cosas. Con Música para tigres resultó finalista del Premio Adonáis de poesía 2023. Algunos de sus poemas han sido traducidos al portugués.
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Poemario con el que Marina Cabo ha ganado el premio Ciudad de Palma Joan Alcover de poesia 2023, traducido del catalán por la autora.Los poemas de Marina de Cabo hablan de piscinas internacionales, de lecturas y de películas. Nos transportan a la relajación de los veranos infinitos y nos bañan con palabras delicadas, cuidadas y precisas. Un poemario que acompaña y refresca el panorama poético y que nos recuerda que la superficie del poema oculta profundidades desconocidas.
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Els poemes d'Alfabet de l'ombra projecten una mirada poètica cap a dos paisatges del passat: un de remot, en el qual afloren subtilment els temors, els desitjos i les incerteses que dominen el món actual, i un altre de més proper, que encara perviu en la memòria com si els records fossin les restes d'un naufragi. ''Joan Graell està en possessió de la llengua, i ha encetat una aventura prometedora. Després de la nitidesa de pur deliqui versal de l'inici de l'Alfabet de l'ombra, obre un nou registre en el poema XI, amb l'evocació dels poetes Barceló i l'Espunyes de cal Vilaro, i acaba amb una confessió col·loquial que ens fa baixar a la terra, sense estalviar-se un bell sentit de l'humor.'' (De l'epíleg de Víctor Obiols).
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Recordando el famoso aforismo griego «Conócete a ti mismo», esta antología busca ahondar en las entrañas de la poesía. Una mirada sobre la propia voz.Tienes en tus manos un libro distinto, sin precedentes, un volumen confesional en el que 140 poetas, cada uno en su estilo, a su manera y a su gusto, han querido compartir la experiencia de la introspección y decirnos quién es, cómo se ve o cómo se imagina.Sin máscara o con ella, los autores nos desvelan su propia identidad. Recorremos con cada uno las encrucijadas del dédalo en una especie de camino iniciático, buscando el centro personal que a cada cual le corresponde.Es sabido que un poeta se encuentra consigo mismo cada vez que inicia un poema. Puede estar al lado, detrás, delante, cerca siempre, pero hay ocasiones en que decide estar dentro y ser él mismo el destino total de sus versos, contarse a sí mismo, decirnos quién es, quién quiso ser, quién quiere llegar a ser.En esta antología de autorretratos lo que en el fondo se intenta es levantar el velo que cubre lo que podría parecer un espejo donde reflejarse —véase la cubierta de este libro—, y descubrir que no es tal sino un laberinto en el que dejarse perder, en el que abandonarse. Encontrar el centro íntimo puede ser difícil, pero dar vueltas y más vueltas puede conseguir que lleguemos a ver muchos aspectos que tal vez desconocíamos.
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Meditación sobre la infinita tensión deseante del ser humano, no ajena a la maleabilidad del lenguaje de los místicos y su capacidad de conciliar identidades aparentemente distintas: cuerpo y espíritu, ella y él, Dios y amado. ''Vertical de ausencia'', depurado de toda anécdota, se articula como una historia amorosa. El punzante sentimiento de ausencia, el lugar donde se consuma la unión, y el repliegue sobre la palabra que hizo posible la plenitud de la visión son los tres centros irradiantes de esta experiencia poética, que no se paraliza ante lo innombrable ni ante la cortedad del decir, sino que encuentra en los límites del leguaje la única forma de allanar dualidades. Con este poemario José Teruel ha obtenido el XXIVPremio de Poesía Ciudad de Salamanca.
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Colección de poemas humorísticos y fantasiosos de T. S. Eliot sobre psicología y sociología felina, que sirvió de inspiración para la producción de la obra musical Cats. Los poemas fueron escritos durante la década de 1930 e incluidos por Eliot, bajo el seudónimo «Old Possum», en cartas a sus ahijados. En esta edición destacan las ilustraciones de Edward Gorey, uno de los mejores ilustradores del siglo xx, y la traducción de Juan Bonilla.
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Prólogo de Clara Sánchez Fue Alfonsina Storni una mujer frágil y fuerte a la vez. Su poesía es tierna y delicada, pero rocosa, como si uno tuviera que arañarse las manos y las rodillas hasta coger esas flores y esos cardos y los besos de los que habla. Su obra es una defensa de la libertad artística e individual y siempre buscó la igualdad entre el hombre y la mujer. Mantuvo una estrecha relación con otros poetas latinoamericanos de su época, como Gabriela Mistral o Juana de Ibarbourou y, especialmente, con Horacio Quiroga. El mar, que la ayudó a decidir sobre su enfermedad, la acogió y desde entonces podemos imaginarla jugando con caballos marinos entre corales y algas. «En realidad, lo que le ocurre a Alfonsina Storni es lo que nos sucede a todos: ¿Quién no tiene que sobrevivir y al mismo tiempo soñar?, ¿quién no es equilibrado y a la vez hace locuras?, ¿quién no piensa en la muerte y juega con ella un poco?» Clara Sánchez
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El silencio y otros poemas reúne, en edición bilingüe, veintiocho de los mejores poemas de Edgar Allan Poe. Seleccionados y traducidos por Antonio Rivero Taravillo e ilustrados por Kike de la Rubia y Nerea Pérez, son una excelente puerta de entrada a su obra. Como señala Luis Antonio de Villena: «Poe sigue siendo para la mayoría el padre del terror contemporáneo, con sus cuentos extraordinarios y fantásticos, de modo que el gran prosista -autor de ensayos y de una novela, Aventuras de Arthur Gordon Pym- habitualmente se ha superpuesto al poeta. Sin embargo, Poe publicó cuatro libros de poemas en vida y nunca dejó de considerarse, esencialmente, poeta. Tamerlán y otros poemas, de 1827, era su primer libro. Pero su libro de veras significativo fue El Cuervo y otros poemas, editado en 1845. Es este Poe, el del último libro de versos y algún poema suelto publicado en revistas al fin de su terrible y sombría vida, el que se constituyó en ese faro del Simbolismo, representado en el cuervo que dice ''Never more'' -Nunca más- posado en el busto de Palas Atenea. El Poe del célebre soneto de Mallarmé ''Le Tombeau d'Edgar Poe'': ''Como en sí mismo, al fin, la eternidad le vuelve».
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Rosalía de Castro sigue siendo una poeta enormemente popular y conocida más de cien años después de su muerte. Sus versos, sinceros y musicales, sencillos y enormemente expresivos, reflejan fielmente el lenguaje popular de su pueblo, así como sus problemas: el hambre, la emigración, la injusticia… Pero Rosalía no es sólo una portavoz privilegiada, cercana y veraz del sentir de los suyos. En sus composiciones nos habla también del amor, de lo que significa ser mujer o de las ilusiones y decepciones de las relaciones de pareja. Y no todo son llantos y amargas soledades. El sentido del humor, la fina ironía y la crítica mordaz son también su patrimonio y nos revelan el carácter de una mujer fuerte, valiente, sensible, que sabe también de la risa y que, un siglo después de su creación, presenta en sus composiciones historias, sentimientos y problemas plenamente actuales. Esta Antología, que recoge los poemas más conocidos y cantados de la autora, busca también mostrar, a través de su obra, todos los matices de la compleja y rica personalidad de una de las voces más valientes y libres de la poesía gallega y española.
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Verticalitat i delinqüència és un llibre per força excessiu malgrat la seva brevetat.És la boira i és el cel clar, és all. que no s?acaba d?acabar. És amor extrem, vidaextrema. Vertiginosament al límit del tot. Hiperb.licament descarat. Malfrisa,neguiteja, s?alça, celebra, calla.Verticalitat i delinqüència és un llibre tautol.gic i convuls. Com tots els llibresde Cucurella-Jorba, té una estructura s.lida i, també, com tots els seusllibres, deixa portes i finestres obertes als lectors, als oïdors.Rubrica Verticalitat i delinqüència un postfaci del poeta, novel·lista, dramaturg iactivista cultural mallorquí Biel Mesquida (Castelló de la Plana, 1947). Es tractad?un text paragramàtic que va fent connexions elèctriques amb la poètica deldígraf del desitx.
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El seu primer poemari, Sarcop, porta el títol d’una crema antiparasitària per a combatre la sarna. Eduard Olesti l’ha escrit «quan vivia a la Rambla, entre el Kentucky Fried Chiken, la Guàrdia Urbana, la misèria i les botigues de souvenirs». Són poemes que sobten i interpel·len el lector i se l’enduen en una torrentada de versos i imatges brillants sobre una societat embrutida, parasitària.
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Se reúnen en este libro los sesenta sonetos que Jon Juaristi (Bilbao, 1951) ha ido publicando en sus ocho poemarios a lo largo de más de treinta años de escritura, con el añadido de ocho sonetos nunca antes coleccionados en un libro del autor. Quien se acerque, pues, a estos sesenta y ocho poemas encontrará en ellos el dolorido sentir tachonado de humor que es ya marca de la casa. Y es que si, como dijera Blas de Otero, «el soneto es el rey de los decires», no hay duda de que Jon Juaristi es uno de los reyes del soneto, pues ha sabido adueñarse como pocos de los dos cuartetos y los dos tercetos hasta darles el inconfundible timbre de su voz y el perfil que delinea la imagen de su cara. El lector descubrirá que estos anticonvencionales sonetos entonan el alma como un vaso de whiskey, al evocar los burgos oscuros en que se quedaron las mujeres idas y los amigos muertos, mientras una noche de lluviosa ironía va apuntando en los cristales.
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Diario de una mujer de aire es más que un poemario esencial, es un ideario para mujeres que dejan ilesas el abismo a sus espaldas. Un relato inoculado de vida como un canto de experiencia. En ocasiones es una crónica de vivencias atroces y brutales, maltrato infantil y violencia de género sufridos en primera persona. Pero también son cantos de inocencia llenos de lirismo y ternura como son los textos dedicados a dos de sus hijos. ''Escribir nos empuja a las entrañas de un tornado salvaje'', afirma la autora para quien esto supone una experiencia liberadora y una necesidad vital.
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Según William S. Burroughs: ''de la poesía escrita por poetas de Costa Rica, me interesa mucho la de Alfonso Chase. Es desacostumbrado encontrar un poeta tan rico en imágenes y en sensibilidad, así como una carga cultural en donde se esconden influencias de Auden y Octavio Paz. Sus poemas de amor son valientes, claros y hasta humorísticos.
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Se recogen en este libro los villancicos que a lo largo ya de un cuarto de siglo más o menos he ido enviando a todos aquellos en quienes pienso con cariño en estos días navideños. Completan la colección unos versos escritos en homenaje de la Cabalgata de los Reyes Magos de Higuera de la Sierra y la versión de un poema de Rilke que mandé un año que no debía de andar muy inspirado y que suplió con creces mi tributo anual. Los doce días del título son los transcurridos entre la Navidad y la Epifanía, fecha a la que de vez en cuando presto atención, aunque sólo sea por ser la de mi nacimiento. No he podido impedir que estos villancicos reflejen vivencias propias de una vida múltiple o alternen la cultura del Pesebre o del Portal con la del Arbol de Navidad. Hay uno de título extraño, pues arranca de eso que ahora llaman fake news, que en mis tiempos se llamaba «bulo» y que por eso titulo Infundio navideño. Lo pusieron en circulación los medios de confusión incómodos con la venida a España del Papa Ratzinger, en la que no dejó de visitar la basílica del Valle de los Caídos. Aquilino Duque nació en Sevilla el 6 de enero de 1931, pero su infancia transcurrió en Zufre y su adolescencia en Higuera de la Sierra. Cursó estudios medios y superiores en Sevilla y amplió estudios en Inglaterra y Estados Unidos. Cultivador de géneros diversos, tiene el premio «Washington Irving» de cuentos, el «Leopoldo Panero» y el «Fastenrath» de poesía, más el Nacional de Literatura por su novela El mono azul. Es individuo de número de la Real Academia Sevillana de Buenas Letras y ha residido en diversos países como profesor visitante y como funcionario internacional.
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Descubrí que un aforismo mío extraordinario («Intentaba ser un hombre serio, pero la alegría se lo impedía») lo había escrito Ramón Eder. Mi buena memoria había sido mala: me hizo creer que lo que recordé se me ocurrió. Cuando me descubrí, quedé avergonzado, aunque fuera un homenaje definitivo a quien había admirado en reseñas y recomendaciones. Siendo, además, el único aforismo ajeno que se coló en mi libro, se destacaba el carácter único del autor. Con todo, esas circunstancias atenuantes no extinguían mi bochorno. Hasta ahora. He dado con la eximente. A Ramón Eder (Lumbier, 1952), la alegría no le impide en absoluto la seriedad. Mi plagio involuntario fue un acto de justicia (a lo Robin Hood) porque ese aforismo sólo me retrata a mí. Obsérvese cómo sus ironías no renuncian jamás a la efervescencia, pero tampoco al fervor. Hay un contentamiento del mundo que es a la vez conocimiento, y viceversa. Son muchos los méritos de esta obra, y los he ido enumerando en otros lugares, pero mi subconsciente cayó en el más asombroso: la felicidad y la hondura conviven indisolublemente aquí. Enrique García-Máiquez Los Premios Euskadi de Literatura 2019 han concedido a Ramón Eder por 'Palmeras Solitarias' el galardón de literatura en castellano. Ramón Eder (Lumbier, Navarra, 1952) es un aforista singular y, sin duda, necesario. Estudió filosofía en la Universidad de Vincennes (París), y no ha mostrado el menor interés por los géneros literarios mejor vendidos, como la novela o el ensayo. Cuando se decanta por alguno de los géneros históricos, como la poesía lírica (Axaxaxas mlö, 1985, Lágrimas de cocodrilo, 1988) o el relato breve (La mitad es más que el todo, 1998), no oculta su actitud irónica y su ánimo ciertamente humorístico. Durante los últimos años cultiva preferentemente, y con innegable fortuna, el género aforístico. En la colección «A la mínima» de Renacimiento ha publicado La vida ondulante (2012), Aire de comedia (2015) e Ironías (2016),
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El día eterno es el primer poemario de Georg Heym, único que vio publicado en vida, en 1911. A pesar de la juventud del poeta, se trata de una de las producciones más significativas del Expresionismo alemán y tuvo una importante acogida. Dedicada a una de las grandes metrópolis del momento, Berlín, es una obra en la que un Heym visionario expresa sentimientos ambivalentes hacia la gran ciudad y describe sobrecogedores paisajes apocalípticos, desvelando la realidad paralela de los sueños, de lo incomprensible y de la muerte. La muerte, tan presente en sus versos, aparece representada como un destino inevitable, como un presentimiento, la premonición, incluso, de la propia muerte del poeta. En El día eterno se da una afinidad entre escritura y pintura: la poesía se sostiene sobre estremecedoras imágenes plásticas, pero es capaz de trascenderlas al despertar en los lectores otros sentidos, el olfato y el oído, creando así impresiones de una realidad palpable. En estos poemas se percibe la mezcla de lo tradicional y lo novedoso: la extraña combinación entre horribles visiones y la sobriedad con que se describen, entre la fuerza de las imágenes y las formas poéticas todavía convencionales.
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En abril de 1998, Michi Panero me llamó para que fuera a verle al apartamento que tenía alquilado en la calle de Juan Bravo. Al final de aquella velada, sacó un montón de carpetas, diez o doce, de diferentes tamaños y colores: eran el tesoro maldito de los Panero. ''Haz lo que quieras con ellas'', me dijo, ''pero llévatelas de aquí''. Yo tenía 22 años por aquel entonces y decidí guardarlas con mucho cuidado, pensando que algún día tendría el ánimo y la capacidad para abrirlas de verdad. JAVIER MENDOZA
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Presentem el primer volum de l'edició de la poesia completa de Francesc Vicent Garcia, juntament amb Fontanella, el poeta més important del Barroc català i el més popular de tots. L'editorial Barcino s'ha proposat recuperar tota la seva obra en una edició en tres volums, a cura d'Albert Rossich, de la UdG, un dels millors especialistes en Garcia del nostre país. El primer volum apareixerà a l'abril d'enguany, i llibre reuneix els sonets i les dècimes, amb l'ortografia regularitzada a partir de les normes actuals, però respectant les característiques de la llengua de l'autor. És una edició anotada i comentada, i amb una introducció que permet descobrir, entendre i gaudir la poesia del rector, el poeta català mes important entre March i Verdaguer. Arran de la tasca d'investigació de Rossich, que l'ha abordat com si fos una edició crítica, s'han incorporat al llibre obres que havien estat censurades o simplement havien quedat oblidades i s'han revisat a fons les versions dels manuscrits per oferir el text més depurat possible. També s'han descartat alguns poemes que popularment s'havien atribuït a Garcia, però que s'ha demostrat que eren apòcrifs (i que es recolliran en el tercer volum de l'obra). El segon volum, que apareixerà a princpis de 2024, conté la resta de poesia original del rector, i el tercer i últim, contindrà la Comèdia de santa bàrbara, l'obra en prosa, i les poesies apòcrifes. Fins ara no existia una edició comentada de les poesies del primer dels autors barrocs, i només se'n trobaven les obres en antologies o edicions que reproduïen l'edició prínceps, de 1703. Garcia va escriure uns cent seixanta poemes, una obra de teatre (la Comèdia de Santa Bàrbara) i un sermó en prosa. La major part d'aquests poemes són de caràcter satíric i burlesc i segueixen el corrent poètic del conceptisme hispànic. El seu estil busca, sobretot, sorprendre amb associacions d'idees inesperades o conceptes que obliguen el lector a esmolar l'enginy. També utilitza tècniques i figures retòriques que posen de manifest les ambigüitats del llenguatge, com les paradoxes, els oxímorons i les dilogies (paraules de doble sentit). Les imatges que fa servir acostumen a remetre a la seva realitat quotidiana, així com a la tradició clàssica. La gamma temàtica de Garcia va força més enllà del tractament de l'amor, en les seves diferents formes i conseqüències. Per exemple, com a bon poeta barroc, també parla de literatura. Ho fa quan se sorprèn de l'abundància de poetes de l'època, quan es riu del lector o d'ell mateix, o quan rebutja explícitament les convencions literàries del seu temps, especialment les metàfores estereotipades que es feien servir per descriure la bellesa femenina. Així mateix, el veurem arrencar un somriure al lector amb ocurrències construïdes entorn dels elements més diversos del seu entorn més proper: un bandoler famós, un bevedor d'aiguardent, frares i monges de moral relaxada, la majordona, o l'escolà que va tenir al seu servei i que va morir molt prematurament. La idea del desengany del món, tan pròpia dels poetes barrocs, batega en el fons de moltes de les seves facècies satíriques, però rarament adopta un to melancòlic o trist. És un poeta jovial, intel·ligent i que depara moltes sorpreses al lector curiós d'avui. L'edició s'integrarà a la Biblioteca Barcino, i se sumarà a un catàleg on hi ha, entre d'altres, les principals novel·les de Llull, una antologia comentada de March, el Jaufré o un recull de la poesia apareguda amb motiu de la Guerra dels Segadors, una bona mostra de poesia barroca popular i politica.
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Pedro Sevilla (Arcos de la Frontera, Cádiz, 1959) ha publicado hasta el momento tres interesantes novelas y un extraordinario libro de memorias, La fuente y la muerte (2011) pero es su poesía, por vez primera reunida ahora en un solo volumen la que le otorga un lugar, mucho más destacado que reconocido, en su generación, la llamada generación de los 80. Es la suya una poesía esencial, en el sentido que lo era la de Antonio Machado, que parece brotar con naturalidad y sin aparente necesidad de apoyo en artificio retórico alguno, desde lo más hondo. Poesía sorprendente, más aún en la hora actual, tan condescendiente con lo sentimental, con los fáciles sentimentalismos, porque es capaz de ser arte (con todas sus sabidurías y exigencias) y a la vez de llegarnos directamente al corazón, como casi todos los poetas genuinos, desde Jorge Manrique a César Vallejo. A.L. Pedro Sevilla nació en Arcos de la Frontera (Cádiz) en 1959. En 1989 la colección de cuadernos «La Poesía más joven», dirigida por el poeta Francisco Bejarano, publicó sus primeros poemas. Al poco tiempo salió publicado Y era la lluvia, amor (Barro, 1990), así como un estudio-antología de la obra del poeta arcense Julio Mariscal Montes titulado Diez de Julio (Ayuntamiento de Arcos de la Frontera, 1990). Desde entonces han ido apareciendo otros poemarios como Septiembre negro (Renacimiento, 1992) y Sendero Luminoso («Cuadernos de la Moderna», 1994), este último dentro de la colección dirigida por el poeta José Mateos. En 1995 obtiene un accésit del Premio Internacional de Poesía Rafael Alberti con el libro La luz con el tiempo dentro, que viene publicado en el siguiente año bajo este mismo sello editorial. Pedro Sevilla además ha colaborado en numerosas revistas literarias y ha sido columnista de prensa. También ha publicado las novelas Extensión 114 y 1977, aparecidas en Quorum Libros Editores en 2000 y 2002 respectivamente. Sus últimos libros de poesía hasta la fecha son Tierra leve (Renacimiento, 2002) y la antología Todo es para siempre (Renacimiento, 2009).
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Libro conceptual, los poemas se articulan en torno al dilema de la compatibilidad entre vida y belleza, o vida y literatura, o poesía y vida. Otra manera de nombrar el misterio del amor, mientras Poesía y Prosa se convierten en personajes que marcan su terreno.
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RAFAEL ALBERTI (El Puerto de Santa María Cádiz, 1902-1999), es uno de los poetas fundamentales del siglo XX. Su obra ha sido traducida a numerosos idiomas y reconocida con los más prestigiosos premios. “Marinero en tierra, publicado en 1924, es el poema del mar visto y sentido por los ojos costeros. Está tratado el tema tomando el mar no en su magnitud épica, sino como un tesoro de sugestiones poéticas breves, aladas y graciosas. El poeta se considera como “un desenterrado del mar”, como un expatriado que desde la ciudad, que no ve el mar, le sueña y le acaricia, evocándole. Cuando va por las calles de la tierra con el traje merinero que ha pedido que le ponga su madre, camina sobre la ilusión de ir por las calles del mar. En sus aguas ve asomar la primavera, por ellas vislumbra un inverosímil toro azul y oye en ellas pregones submarinos, pide que si su voz muere en tierra, la lleven a la orilla del mar y allí la dejen. Este libro constituye como un sartal de cantares marineros transfundidos a la tonalidad común de esta primera época de refinamiento culto”. PEDRO SALINAS
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Dos son los protagonistas de Educación nocturna: el tiempo y el deseo. Pocos poetas como Hilario Barrero han sabido describir con tanta minuciosa sensualidad la aparición de los primeros deseos eróticos, su gozosa realización en la juventud, el ultraje de la vejez. La historia de siempre, la historia de Yeats, Cavafis o Cernuda, pero vivida en otro tiempo más cercano al nuestro: la dura adolescencia en la España de la posguerra, en un Toledo de cuartel y sacristía, de mentiras y secretos, la Barcelona luego de los años de la Transición, con su colorista carnaval de rebeldías, y finalmente la llegada a Nueva York donde, tras las turbulencias de los primeros tiempos, se encuentra el puerto seguro hasta que comienzan a sentirse los pasos, cada vez más cercanos, de una desconocida que no faltará a la cita. José Luis García Martín Hilario Barrero (Toledo, 1946) es poeta (In tempora belli, Libro de familia), traductor (ha traducido, entre otros, a Jane Kenyon, Ted Kooser o Henry James) y autor de diversos volúmenes autobiográficos entre los que destacan Días de Brooklyn o Nueva York a diario.
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Comiendo de una granada es un libro de camino y de rutas. Rutas interiores de la persona poética, en los que la autora profundiza en ciertos temas aparecidos ya en sus dos poemarios anteriores, y rutas exteriores recorridas por los excluidos y desheredados que fallecen exhaustos ante una Europa que sin sonrojo les cierra las puertas. Ambos itinerarios, confluyen en un sentido final y único que da unidad a este magnífico trabajo: estamos solos, hay siempre dolor, y la naturaleza, como locus amoenus, nos ofrece la posibilidad de imaginar lo que debería ser la vida y casi nunca es. MARISOL SÁNCHEZ GÓMEZ
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Aitor Francos (Bilbao, 1986). Ha publicado los libros de poemas Igloo (2011), Un lugar en el que nunca he escrito (2013), Las dimensiones del teatro (2015), la plaquette Ahora el que se va soy yo (2014) y el libro de aforismos Fuera de plano (2016). ''Puede verse que en este libro ese salto hacia lo inesperado que reconocemos, sin embargo, como certero, como otro modo de mirar, está presente una y otra vez, hasta llegar a parecer no sólo un rasgo de estilo, sino un aspecto esencial de lo que se nos cuenta (aunque no siempre aparezca expresamente visible en el modo de contarlo).'' José Cereijo
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Parvedad de alpiste captura la complejidad humana a través de la palabra y la imagen. Cada poema es una invitación férrea a mirar hacia adentro del alma y explorar los rincones más profundos y oscuros de la conciencia. Cada verso evoca una amplia gama de emociones: desde la euforia hasta la melancolía, desde la pasión hasta la traición, desde el amor hasta la muerte. La naturaleza se postra como testigo del sufrimiento e incluso invoca la (auto)destrucción del individuo, pero sin dejar de dibujar un esbozo de esperanza. En los poemas de la primera sección hay un empecinamiento fructífero con la memoria y aquella añoranza que trata de razonar uniones efímeras, treguas imposibles, rechazos y artificios del pasado. Enseguida la escritura se ramifica en una búsqueda implacable por redescubrir la esencia de un poeta comprometido con la humanidad. Los poemas de la segunda sección se refugian en la libertad creadora y el poder de la palabra, una poesía que ''no es apta para débiles conciencias''. El hablante se embriaga de furor, pasión y fortaleza para resistir y devorar un continuum de violencia plasmada en experiencias migratorias, masacres, monotonías, materialidades e hipocresías. ''Chrystian Zegarra continúa siendo una de las voces prominentes y representativas de la poesía peruana contemporánea. Su estilo distintivo, inmanente por naturaleza, conjunta una fauna humana donde la distorsión, la degradación y lo grotesco encuentran la belleza necesaria para coexistir. Sin duda, Parvedad de alpiste refleja una madurez exquisita e innegablemente innovadora.'' - OSVALDO SANDOVAL-LEÓN
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